Rickie Lee Jones – “Rickie Lee Jones” (1979)

"Ela é muito mais velha do que eu

em termos de sabedoria da vida.

Às vezes, ela parece tão antiga

como a sujeira das ruas,

e ainda outras vezes

ela é tão nova como uma garotinha."

Tom Waits,

sobre Rickie Lee Jones

Era 1979 e uma voz diferente surgiu no rádio. O clima era mezzo jazzístico, mezzo pop, beirando as coisas que Joni Mitchell havia feito cinco anos antes. Mas tinha uma pegada irresistível, uma produção impecável, era uma daquelas canções que a gente ouve no rádio, fica esperando o locutor dizer quem é e sai correndo para uma loja de discos (é, se fazia isso, naquela época) pra comprar a bolacha (isso é 1979 “A.CD”. Ou seja: antes do CD). O mistério foi desvendado pelo locutor da Gaúcha FM (não lembro quem era): Rickie Lee Jones com “Chuck E’s in Love”.

Aos poucos, o mistério daquela voz quase infantil, cantando jazz, foi sendo desvendado. A cantora tinha sido namorada de Tom Waits, companheira de estrada e de loucuras do cantor e compositor e, nestas andanças, foi apresentada aos produtores Russ Titelman e Lenny Waronker da Warner Bros. Como uma história de Cinderela, Rickie Lee Jones, a fugitiva, a garota beat dos anos 70, acabou sendo contratada por uma das maiores gravadoras do mundo e, num passe de mágica, estava no topo das paradas dos Estados Unidos. Em breve, de quase todo mundo. Mas o que tinha esta cantora e este disco de tão importante, diferente? E o que levou este escriba a traçar algumas linhas, chamando este disco de estreia de um dos ÁLBUNS FUNDAMENTAIS? Vamos (procurar) desvendar na sequência.

“Rickie Lee Jones” inicia exatamente com esta música do rádio, “Chuck E’s in Love”. Uma canção com um toque jazzístico, levado pela bateria do mestre Steve Gadd e pelos violões de Rickie, Buzz Feiten e Fred Tackett. Na letra, ela simplesmente conta a história do seu amigo Chuck E. Weiss se apaixonando. O que brilha mesmo nesta canção é a produção de Titelman & Waronker, que conseguiram dar um tom beirando ao pop para uma música composta no violão e de melodia simples. O resultado é que “Chuck E’s in Love” chegou ao quarto lugar da parada como single, levando o LP ao terceiro lugar da Billboard.

Em “On Saturdays Afternoons in 1963”, ela relembra seus tempos de criança em Chicago e diz: “O máximo que você jamais irá/ é voltar ao lugar que você já conheci/ Se os adultos conseguem rir tão devagar/ Enquanto você vê a neve cair lentamente/ Os anos devem passar”. O arranjo de orquestra é de Nick DeCaro, muito eficiente.

“Night Train” é uma das minhas preferidas do disco. Nela, a mãe está fugindo do marido agressivo, levando seu bebê e conta para a criança como aconteceu esta fuga, usando inclusive metáforas do jogo de bilhar. “Aqui estou indo/ caminhando com meu bebê nos braços/ porque estou no lado errado da bola oito preta/ E o diabo, veja, ele está bem atrás de nós/ E esta trabalhadora disse que vai levar meu bebezinho/ meu pequeno anjo de volta/ Mas eles não vão conseguir/ porque estou aqui com você no trem noturno”. Na criação deste clima de fuga, temos a percussão exata de Victor Feldman, o baixo de Willie Weeks, os teclados de Neil Larsen, os violões de Jones e Feiten e o arranjo orquestral de Mandel. Rickie se supera no vocal desta canção, susurrando no início e fazendo uma verdadeira prece no meio da canção. Emocionante.

“Youngblood” é outra canção em que Rickie relembra seus tempos de juventude. “Dê uma caminhada à meia-noite na cidade/ Young Blood vai te encontrar em algum lugar/ Se você está procurando por alguma coisa pra fazer/ Sempre tem algo acontecendo/ Como eu e Bragger pedimos emprestado um coupê hoje/ Lá vem Pepe e ela tem um amigo com o Chevrolet/ mas ela não está correndo/ Está caminhando devagar/ e ela não está chorando... apenas está cantando baixinho”. Tudo isso embalado pelos timbales e pela bateria de Mark Stevens e os backing vocals inconfundíveis de Michael McDonald. Esta canção foi o segundo single tirado do disco, chegando ao 40º lugar da parada da Billboard.

“Easy Money” tem participações de peso. A música começa com o baixo acústico do mestre Red Callender, o solo de piano é de Dr. John e o vibrafone que percorre a canção é de Victor Feldman. O clima deste blues é de dois escroques que querem fazer um “dinheiro fácil”. A mulher quer usar seus poderes de sedução para arrancar uma grana dos trouxas. Daquelas de estalar os dedos junto com o disco.

Quando Rickie Lee tinha 21 anos, ela morou no Arizona. Sua vida naquele estado cheio de paisagens desoladoras e céu aberto rendeu algumas canções no repertório da cantora. Uma delas é “The Last Chance Texaco”, onde ela usa os nomes de empresas petrolíferas (cujos postos de gasolina ela devia ver nas estradas desertas do Arizona) como metáforas para amores desfeitos. A composição tem como base o violão de Rickie Lee, mas os sintetizadores de Micahel Boddicker e Randy Newman, que recriam o ruído dos carros que passam pela estrada. Na letra, ela recomenda que se faça uma checagem dos componentes do carro, antes que ele pare na estrada. Como se checar o estado do relacionamento vá impedir que ele termine. “É sua última chance/ de checar embaixo da capota/ última chance/ Ela não está soando muito bem/ Sua última chance/ de confiar no homem com a estrela/ Você encontrou sua última chance Texaco/ Bem ele tentou ser comum (Standard)/ Tentou ser móvel (Móbile)/ Tentou viver num mundo (World)/ e numa concha (Shell)”. Todo o tempo a metáfora percorrendo a canção.

“Danny’s All-Star Joint” volta o clima memorialista de RLJ, lembrando de uma lanchonete de sua adolescência onde tinha uma máquina de música que fazia “doyt-doyt”. O Rhythm and Blues da canção é propelido pela bateria de Steve Gadd, pelo baixo de Chuck Rainey e pelos sopros de Tom Scott, Chuck Findley e Ernie Watts. Lá pelas tantas, a jovem RLJ fala para seu acompanhante masculino: “Você não pode quebrar as regras até que saiba como jogar o jogo/ Mas se você quiser se divertir/ pode mencionar o meu nome/ Mantenha seus pés nas rua/ seus calcanhares na grama/ Mas mantenha seu negócio no bolso/ é aí que ele pertence”. Irresistível com os sopros fazendo aqueles riffs estilo James Brown.

Uma canção diferente no disco é “Coolsville”, mais uma faixa em que ela relembra os tempos de teenager rebelde que vivia nas ruas de Venice. Com a guitarra de Buzz Feiten dando um clima fantasmagórico e a bateria de Jeff Porcaro rebombando como tímpanos de orquestra, Rickie Lee conta sua história e de dois amigos, Bragger e Junior Lee, que viviam em Coolsville, a cidade dos descolados. Depois de algumas aventuras, os três se reencontram: “Então agora é J e B e eu/ soa parecido/ mas não é a mesma coisa/ mas tá tudo bem/ A cidade não nos machuca tanto/ quando tudo parece o mesmo”. Viver em Coolsville já não significa tanto para estes três desajustados.

“Weasel and the White Boys Cool” é uma parceria com Alfred Johnson, com quem RLJ começou a cantar em Los Angeles, quando tinha 21 anos. Foi uma das músicas compostas na época que sobreviveu e foi parar no disco. Aqui, Rickie Lee é a observadora das aventuras e desventuras de Sal (Bernardi), seu amigo e ex-namorado e que viria a ter papel importante no segundo disco da cantora e compostora, chamado “Pirates”, lançado dois anos depois. “Sal estava trabalhando no esconderijo de Nyro no centro da cidade/ Vendendo artigos do congresso para estas pessoas do Centro/ Ele era bem sórdido que o conheci/ uma fuinha num casaco de lá de menino pobre/ Sal vivia num curral de vinil preto em Nova Jersey/ comprava sua carne da puta na porta ao lado/ Ele queria malpassado mas ganhava bem passado”. Durante a canção, Sal se muda de bairro, dando adeus aos seus pais e amigos, passa dificuldades mas acaba na fila da previdência social. Rickie Lee o salva, logo depois.

Mais uma parceria com Alfred Johnson, “Company” é uma balada jazzística daquelas lancinantes com arranjo maravilhoso de cordas de Johnny Mandel. Brilham também o piano de Neil Larsen e os teclados de Randy Kerber. Uma canção de amor desfeito. A letra diz tudo: “Eu lembro de você muito bem/ Mas sobreviverei outro dia/ Conversas para partilhar/ Quanto não tem ninguém/ Eu imagino o que você diria/ Te verei em outra vida, baby/ Te libertarei em meus sonhos/ Mas quando eu chegar do outro lado da galáxia/ Vou sentir falta de sua companhia”. A narradora está consciente de que o amor acabou, mas continua sentindo a falta: “E agora que você se mandou pra viver sua vida/ Você diz que nos encontraremos de vez em quando/ Mas nunca seremos os mesmos/ E eu sei que nunca terei esta chance de novo/ Não como você/ Companhia/ Estou procurando por companhia/ Veja e ouça através dos anos/ Algum dia você poderá me ouvir/ Ainda chorando por companhia”. Nervos dilacerados por esta paixão que se terminou mas não acabou.

A última faixa do disco também é melancólica. “After Hours (Twelve Bars Past Midnight)”, com o piano de Rickie Lee e as cordas de Nick DeCaro. A juventude de RLJ é novamente evocada na letra: “Toda a gangue já foi pra casa/ Parada na esquina/ bem sozinha/ Eu e você, poste de luz/ Pintamos a cidade de cinza/ Oh, somos tantas lâmpadas/ que perderam nosso caminho/ Diga boa noite, América/ O mundo ainda ama um sonhador/ E toda a gangue já foi pra casa/ e eu estou parada na esquina/ bem sozinha”.

Depois deste inesperado sucesso do disco de estreia, muitas fichas foram colocadas no futuro comercial do trabalho de Rickie Lee Jones. Rebelde como sempre foi, ela levou dois anos divulgando este primeiro disco, excursionando pelos Estados Unidos e Europa e, quando chegou a hora de fazer um novo disco, subverteu todas as possíveis expectativas lançando “Pirates”, um disco incrível, porém de difícil audição para ouvidos acostumados ao Top 40. Mas essa é outra história.

**************** 

FAIXAS:

1. "Chuck E.'s In Love" – 3:28

2. "On Saturday Afternoons in 1963" – 2:31

3. "Night Train" – 3:14

4. "Young Blood" – 4:04

5. "Easy Money" – 3:16

6. "The Last Chance Texaco" – 4:05

7. "Danny's All-Star Joint" – 4:01

8. "Coolsville" – 3:49

9. "Weasel and the White Boys Cool" (Rickie Lee Jones/Alfred Johnson) – 6:00

10. "Company" (Lee Jones/Johnson) – 4:40

11. "After Hours (Twelve Bars Past Goodnight)" – 2:13

todas composições de autoria de Rickie Lee Jones, exceto indicadas.

*******************

OUÇA O DISCO:

Rickie Lee Jones Rickie Lee Jones 1979

por Paulo Moreira

Art Garfunkel – “Breakaway” (1975)

"Não tenho o poder de harmonia de Paul (Simon),

 nem suas lindas canções,

mas sinto que tenho muito a ver com a construção dos álbuns e

com a riqueza e sonoridade

que os tornam tão interessantes."

"Quando junto as canções e as coloco em sequência,

seja com ou sem Simon,

vejo o trabalho de uma vida todo

e fico extremamente orgulhoso.

Assim fica muito fácil dizer:

'Aí está o que fiz: cantei bem!'."

Art Garfunkel,

em 2012

Ouvi “Breakaway”, do Art Garfunkel, pela primeira vez na indefectível Rádio Continental 1120. Anos depois, o reencontrei na casa de uma amiga, que me emprestou. A partir daí, surgiu uma história de amor com os discos solo do Garfunkel para um romântico inveterado como eu. Esse é o favorito da casa.

A história desde disco começa em 1970, quando Paul Simon e Art Garfunkel resolveram desfazer a dupla. Enquanto Simon lançava seu primeiro LP solo em 1972 com muito sucesso, Garfunkel aparece com “Angel Clare”, só em 73, depois de tentar uma carreira no cinema. Havia então a necessidade de conseguir um sucesso. Para tanto, foi contratado o bem-sucedido produtor Richard Perry, recém-saído do terceiro disco solo de Ringo Starr e dos clássicos de Carly Simon. Perry foi muito esperto ao produzir “Breakaway”. Quando se tem uma voz límpida, afinadíssima e bonita como a de Garfunkel, a instrumentação não deve atrapalhar e fazer apenas uma moldura sonora aos gorjeios do canário. O disco é um dos melhores da carreira do cantor exatamente por isso. Com vocês, “Breakaway” de Art Garfunkel.

O clima começa com uma regravação de Stevie Wonder, “I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)”. A partir do piano de Larry Knetchel, Garfunkel mostra toda a extensão de sua voz na época (1975). O arranjo de cordas de Del Newman dá aquele ar de música pop dos anos 70. E os backing vocals de Andrew Gold garantem o romantismo da letra que diz: “Acredito que quando me apaixonar desta vez será pra sempre”. Uma versão digna de Stevie, mesmo que mais melosa, por assim dizer.

“Rag Doll” usa a metáfora da boneca de pano para falar do amor de um homem por uma mulher. No início da música, o narrador está vendo uma mulher num campo, colhendo flores e usando um capuz de veludo azul e o vermelho em suas bochechas lhe dá um ar de boneca de pano. No refrão, diz: “O vento nas árvores canta uma canção triste, triste, triste, triste/ deitado em minha cama ouvindo a noite inteiro/ o vento nas árvores canta uma canção só pra mim/ e traz de volta esta boneca de pano pra mim”. Aqui é o piano elétrico de Knetchel que percorre a música lhe dando a suavidade que a letra requer.

A faixa-título do disco, composta por Gallagher & Lyle, uma dupla de muito sucesso naquela metade dos anos 70, traz Bill Payne, do Little Feat, nos teclados, e os backing vocals de Bruce Johnston, David Crosby, Graham Nash e de Toni Tenille (é, aquela mesma do “Love Will Keep Us Together”). A produção de Perry é tão sutil que mal se notam baixo e bateria nas músicas. Na ponte, Garfunkel canta: “Não é sol que vocês está procurando/ Outra coisa está em sua mente/ Você precisa um pouquinho de espaço e tempo/ para se soltar/ Não é o lugar que você está indo/ É apenas uma fase que está passando/ Não vou te parar, apenas não quero que você/ se solte, voando através do seu oceano/ Se solte, tempo chegou pra você...”.

“Disney Girls”, do Beach Boys Bruce Johnston, parte da premissa que a realidade é muito difícil de aguentar e que o mundo da fantasia proposto por Walt Disney seria um bom substituto para as agruras do dia a dia. Lá pelas tantas, o narrador diz: “Realidade, não é pra mim e me faz rir/ Mas o mundo da fantasia e garotas da Disney estou de volta”. Rola também uma trip nostálgica: “Toda minha vida passei as noites sonhando com você/ O calor que senti pelas coisas que desejei estão se tornando verdade/ Tenho meu amor pra dar e um lugar pra viver, acho que vou ficar/ será uma vida pacífica com uma esposa pra sempre e um filho algum dia/ seus começos de noites e brigas de travesseiro e sua risada suave/ Mas o mundo da fantasia e garotas da Disney estou de volta”. A música é toda armada num clima Disneylândia, com os backing vocals percorrendo a canção.

Aí, vem o “corpo estranho” do disco: uma versão de "Águas de Março" de Tom Jobim, apropriadamente chamada “Waters of March” e que tenta fazer uma tradução literal: “A stick, a stone, it’s the end of the Road...”. A vantagem é que tanto o violonista Louie Shelton, o baixista Max Bennett e o baterista John Guerin se saem bem tentando emular a batida da música brasileira. O interessante é que, mesmo sendo um “strange body” no disco, esta versão funciona como uma pausa no clima romântico que perpassa todo o álbum. Estranho mesmo é o sintetizador de Bill Payne no lugar da flauta de Tom.

Nesta época, tanto Garfunkel quanto Simon eram contratados da Gravadora Columbia, que jamais aceitou a separação da dupla. E para “tentar” uma reconciliação, acertou uma gravação que iria aparecer nos dois discos de 1975 dos rapazes; “Breakaway” e “Still Crazy After All These Years”, de Simon. Ainda bem que a música é mais um clássico composto por Simon chamado “My Little Town”, outra faixa nostálgica que fala de uma cidade pequena – no caso, Nova Jersey – onde o narrador “cresceu acreditando que Deus cuidava de todos nós”. A conhecida ironia de Paul Simon aparece no verso em que diz: “Depois que chove/ tem um arco-íris/ E todas as cores são preto/ Não é que as cores não estejam lá/ é que elas não tem imaginação/ Tudo é igual/ lá na minha cidadezinha”. E o refrão é matador: “Nada além dos mortos e dos moribundos/ voltam pra minha cidadezinha”. Musicalmente, “My Little Town” excede com a turma do estúdios Muscle Shoals de Alabama composta por Pete Carr (guitarra); Barry Beckett (piano); David Hood (baixo) e Roger Hawkins (bateria) mais produção de Phil Ramone. Difícil ficar melhor.

Depois disso, só mesmo um standard: “I Only Have Eyes for You”, de Al Warren & Harry Dubin, com direito a piano elétrico de Nicky Hopkins e backing vocal de Stephen Bishop. Vinda de uma tradição de música romântica da década de 30, “I Only Have Eyes...” começa dizendo “Meu amor deve ser do tipo cego/ não consigo ver ninguém a não ser você/ Tem estrelas no céu esta noite?/ Não sei se o céu está limpo ou cheio de nuvens/ Apenas tenho olhos pra você”. Garfunkel usa sua voz maravilhosa para dar credibilidade a uma conversa romântica da antiga.

Já que falamos em Stephen Bishop, o autor de “On and On” e de “It Might Be You” (tema do filme “Tootsie”), ele contribui com duas canções no disco. A primeira é a minha preferida, “Looking for the Right One”, uma faixa ultraromântica onde Garfunkel tem sua melhor performance de todo “Breakaway”. E a dor de Bishop é bem traduzida pela voz de Garfunkel, que diz: “Não tenho sido nada sortudo, não sou bom em fazer joguinhos/ lembro de seus rostos e esqueço os nomes/ Encontrei a pessoa certa mas ela não me encontrou/ Então eu empacoto minhas emoções e começo/ a procurar pela pessoa certa/ algum dia ela virá?”. Depois, o narrador sofre com o que dizem as outras pessoas: “Eles dizem que não tem sentido correr atrás de algo que nunca se vai conseguir/ Mas meu coração afirma: ‘não diga não’/ em algum lugar desta cidade solitária existe uma mulher pra mim/ Mas espero outra vida para/ procurar pela pessoa certa”. Bem ao estilo de clássicos da música pop, Perry leva toda a canção para um clímax, onde a voz de Art Garfunkel faz arrepiar.

“99 Miles From L.A.” é uma composição de Albert Hammond (o mesmo da também clássica canção pop “It Never Rains in Southern California”, aquela em que os locutores de rádio da antiga chamavam de "Carambô” devido à sua primeira frase “Got on board...”) e o letrista de Burt Bacharach, Hal David. Nesta canção, o produtor permite que os teclados, a bateria e o baixo apareçam mais, reforçando a batida pop, cercada de cordas por todos os lados. Na letra, o narrador está de carro se aproximando de Los Angeles e espera encontrar seu amor. “Mantendo meus olhos na estrada, te vejo/ mantendo minhas mãos na direção, te seguro/ 99 milhas de L.A, te beijo, sinto tua falta, por favor esteja lá”. A letra é toda construída por David neste clima: o motorista chegando à cidade na expectativa de reencontrar a mulher amada.

No final do disco, mais um lamento de Stephen Bishop chamado “The Same Old Tears on a New Background”. De cara, Garfunkel vai direto nas emoções ao som do piano de John Jarvis, secundado pelas cordas de Del Newman. A letra é tão triste que merece ser lida inteira: “São as mesmas velhas lágrimas num novo cenário/ Te ver como uma fotografia desbotada/ Me dói muito sorrir nestes dias/ Estou bem, estou bem/ é a mesma canção com uma nova melodia/ mas a velha chama está quase extinta/ te ver de novo é tudo que me mantém/ estou bem, estou bem/ lembrando, lembrando o familiar sofrer de amor/ ninguém a não ser você/ É mesmo velho eu chorando as mesmas velhas lágrimas/ e eu me afasto como sempre fiz/ ainda apaixonado por você/ mas eu estou bem”. Quando a coisa chega neste nível, é impossível não sofrer junto com Garfunkel, Bishop ou seja lá quem for. A canção é triste demais. Como quase todo o disco. Não recomendável para quem está sofrendo de amor. Mas quem gosta de boa música certamente vai gostar de “Breakaway”, um dos melhores discos da carreira de Garfunkel, que sempre ficou alguns degraus atrás de seu ex-parceiro, o incrível Paul Simon.

*************************

FAIXAS:

1. I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever) 3:48

2. Rag Doll 3:05

3. Break Away 3:34

4. Disney Girls 4:31

5. Waters Of March 3:37

6. My Little Town 3:50

7. I Only Have Eyes For You 3:38

8. Lookin' For The Right One 3:20

9. 99 Miles From L.A. 3:31

10. The Same Old Tears On A New Background 3:43

*******************

OUÇA O DISCO:

Art Garfunkel Breakaway

por Paulo Moreira

Joni Mitchell - "Hejira" (1976)

“Havia muito afeto nessas relações.

O fato de que eu não poderia permanecer nelas
por uma razão ou outra foi doloroso para mim.

Os homens envolvidos são pessoas boas.

Eu fui apaixonada por eles neste dia.

Temos um carinho mútuo,
 mesmo que cada um tenha ido 
para novos relacionamentos.

 Certamente bolsões de mágoa se formam.

Você fica um pouco maltratada ao sair de um relacionamento
 que vê não vai durar para sempre.

Eu não vivo em amargura.”
Joni Mitchell,
em 1979, para a Rolling Stone,
respondendo à matéria da revista
que falava sobre seus relacionamentos

Foi muito difícil resolver escrever sobre este disco. Ele é talvez o disco que eu mais goste de todos os que já ouvi na minha vida. Pelo significado das letras, pela música estranha e sombria e, ao mesmo tempo, lírica e sensível, pela sonoridade que não se encontra em qualquer outro trabalho. E também porque partilho este apreciar com um dos meus melhores amigos, o Mauro Magalhães. O que eu escrever aqui terá o julgamento dele. Bom, o disco é “Hejira” da cantora e compositora canandense Joni Mitchell. Este disco foi lançado em 1976 e é fruto de uma viagem de carro que Joni fez do estado do Maine até a Califórnia, onde mora, sozinha e com seu violão. Isto equivaleria vir do Amazonas até o Uruguai. Nesta viagem, Joni, que estava saindo de um relacionamento, compôs o tempo inteiro. O resultado é este disco.

Começamos por "Coyote", talvez a música com mais jeito de hit do disco. Um ritmo folk com aquele violão num groove, a percussão de Bobbye Hall e, especialmente o baixo fretless de Jaco Pastorius, ele próprio um quase coautor do disco, tamanho o destaque e a importância que tem para o som de "Hejira". A letra conta uma carona que Joni deu para um índio e das aventuras que os dois viveram durante este período. O refrão diz tudo: "você pegou um caroneiro/ um prisioneiro das faixas brancas da estrada". A canção seguinte, "Amelia", é uma homenagem à aviadora Amelia Erhart e uma evocação da mulher que se liberta e consegue destaque no mundo dos homens. É bom lembrar que o disco foi gravado na metade dos anos 70, quando as mulheres ainda lutavam por sua independência e lugar na sociedade. Além disso, havia um preconceito contra atuação sexual da mulher. E Joni era namoradeira. Um ano antes, a revista Rolling Stone, num arroubo machista como jamais visto, publicou uma "árvore genealógica" dos amores de Joni. De certa maneira, "Amelia" – e todo o disco – se constitui numa resposta à toda esta intolerância. Depois de descrever todo um trecho da viagem e fazer um relatório lírico, ela diz: "Parei num cactos Tree Motel/ Pra tirar a poeira/ e dormi num travesseiro estranho da minha luxúria/ Sonhei com 747/ sobre fazendas geométricas/ Sonhos, Amelia, sonhos e falsos alarmes". Tudo isso com a guitarra de Larry Carlton como nunca foi ouvida em outro disco. Pontuando o violão de Joni e a guitarra de Carlton, está o vibrafone de Victor Feldman, totalmente integrado ao clima.

Depois, vem "Furry Sings the Blues", que conta sua visita ao blueseiro Furry Lewis, em Memphis. Observadora, Joni mistura o relato da visita a uma acurada descrição da decadência dos bairros pobres da cidade. Ela levou bebida e cigarros para o lendário homem do blues que está numa cama sem uma perna. A visita se torna tensa: "Velho Furry canta o blues/ Ele aponta um dedo grosso pra ti/ e diz: 'Não gosto de você'/ Todo mundo ri como se fosse uma piada/ mas é verdade/só somos bem-vindos porque trouxemos bebida e cigarros". Nesta viagem, Joni traz dois de seus companheiros do L.A. Express, banda que tinha tocado com ela: Max Bennett no baixo e John Guerin na bateria, na época, seu namorado. E também Neil Young, que faz intervenções exatas e precisas na harmônica. Como sempre, Joni e seus violões com afinações diferentes. Mais um relato de um amor da estrada, "A Strange Boy" conta do relacionamento dela com um jovem skatista. Similar em tema e sonoridade a "Coyote", a canção faz Joni admitir que estava numa viagem a procura de si mesma e do amor: "Apenas quando eu penso que ele é bobo e infantil/ e eu quero que ele seja adulto/ eu resgato minha bobice e infantilidade/ precisando de amor e compreensão". É o grito de uma mulher à procura do amor e de alguma coisa a mais.

Este disco dá uma série de pistas ao que se passava na cabeça de Joni Mitchell nesta e em todas as épocas. À medida que o disco avança, mais e mais, ela vai se desnudando, lentamente, mas nunca deixando ver tudo. E aí vem a música mais emblemática, a faixa-título. Novamente aquele violão strummed, o baixo de Pastorius e a percussão de Bobbye Hall. “Héjira” foi a jornada do profeta Maomé e seus seguidores de Meca a Medina. Joni usa o termo para fazer um relato da viagem e da jornada para dentro de si mesma e dos relacionamentos amorosos entre os seres humanos. A letra é toda interessante e citável, mas destaco alguns trechos: "No nosso relacionamento possessivo/ muita coisa não podia ser dita/ agora estou voltando pra mim mesma/ estas coisas que eu e você suprimimos". Mais adiante, ela diz: "Na igreja, eles acendem as velas/ e a cera corre como se fosse lágrimas/ Tem a esperança e o desespero/ que eu presenciei 30 anos". E o refrão – se é que se pode chamar de refrão este trecho – afirma: "Estou viajando em um veículo/ Estou sentada em algum café/ um desertor de guerra sem importância/ Até que o amor me carregue de volta pra aquele caminho". Lírica e intensa, Joni faz metáforas com prédios e sua solidez com a natureza volátil do amor.

Entretanto, uma das chaves para entender "Hejira" e Joni Mitchell está na música seguinte, "Song for Sharon". Escrita como se fosse uma carta a uma amiga que vai casar, Joni deixa transparecer sentimentos confusos e contraditórios a respeito de sua liberdade e da "prisão" em que sua amiga está entrando. Ela começa descrevendo uma viagem que fez a Staten Island, onde comprou um mandolin. Durante toda a música, Joni fala para Sharon das coisas que vê durante esta viagem como se a estivesse provocando. Lá pelas tantas, a descrição se torna sombria: "Uma mulher que eu conhecia se afogou/ O poço estava lamacento e profundo/ Ela estava se livrando da futilidade/ ou punindo alguém/ Meus amigos ligaram ontem o dia inteiro/ todas emoções e abstrações/ Parece que todos nós vivemos muito perto desta linha/ e tão longe da satisfação". Joni fala do casamento como se fosse uma prisão, mas toda aquela cerimônia e os rituais parecem lhe fascinar. As explicações virão seis anos depois, quando ela se casa com o baixista Larry Klein e faz um disco inteiro celebrando este casamento chamado "Wild Things Run Fast".

Já "Black Crow" compara o corvo que ela encontra na estrada a si mesma. "À procura de amor e de música/ toda minha vida foi dedicada/ Iluminação, corrupção/ e mergulho, mergulho, mergulho, mergulho/ Mergulho pra pegar qualquer coisa brilhante/ como aquele corvo voando/ num céu azul". A busca do corvo é a mesma de Joni: algo que a faça feliz, mesmo que efêmero. O que é a mesma busca que empreendemos toda nossa vida. Metaforicamente falando. Com os violões, temos a guitarra de Carlton nunca tão violenta e lancinante. Depois de tanta procura e frustração, vem o momento em que as coisas dão uma trégua. "Blue Motel Room" usa o clima de balada jazzística para contar uma história de amor moderna. "Você ainda vai me amar/ quando eu te ligar, quando eu voltar pra casa". Depois, ela brinca que "sabe que você tem todas estas garotas espalhadas pela cidade... diga pra elas que tu tens sarampo, que tu tens germes". Ou em: "Você e eu somos como América e Rússia/ Estamos sempre tentando ganhar... Precisamos armar uma conferência de paz/ em algum café neutro/ Você vai continuar circulando pela cidade/ e eu vou cair na estrada". O amor continua, mas a liberdade é mais importante para Joni.

E, pra fechar, ela procura "Refuge of the Roads". Como em todo o disco, o clima é confessional. Joni vai contando de figuras que encontrou. Cada uma delas procura o refúgio nas estradas. Andarilhos, homens e mulheres perdidos, personagens desgarrados pelo mundo. São estas pessoas que Joni Mitchell descreve e com as quais se sente em casa. Jaco Pastorius brilha como nunca nesta canção, acompanhado pelos sopros de Chuck Findley e Tom Scott e pelo sempre presente violão de Mitchell e suas afinações malucas. É muito difícil analisar um disco que se ama tanto e que a cada ouvida se descortina. Algumas das coisas que Mitchell diz neste disco iriam se revelar por completo anos depois com o surgimento de uma filha adulta que ela tinha abandonado para adoção em 1965. Bom, isso é outra história. Recomendo a todos que mergulhem neste disco como ela mergulhou na estrada. E eu nem falei da capa, uma das mais lindas ever.

*******************

FAIXAS:

1. Coyote

2. Amelia

3. Furry Sings the Blues

4. A Strange Boy

5. Hejira

6. Song for Sharon

7. Black Crow

8. Blue Motel Room

9. Refuge of the Roads

todas as composições de Joni Mitchell

******************************

OUÇA:

Joni Mitchell Hejira

por Paulo Moreira

Leonard Cohen - "Songs of Leonard Cohen" (1967)

"Cada faixa de 'Songs of Leonard Cohen' 
revela um artista que fala
de forma indelével
em sua própria voz inimitável.

Anthony DeCurtis
crítico da revista Rolling Stone

Um homem das letras que pegou o violão e resolveu cantar histórias, aventuras, fantasias e amarguras. Leonard Cohen já era um escritor com algum reconhecimento e renome, principalmente no Canadá, seu país de origem, quando decidiu se lançar no mundo da música e com um disco praticamente acústico, voz e violão na maioria das vezes, às vezes com alguma guitarra elétrica, um teclado, cordas ou um sopro, bastante básico de um modo geral, mas muito sensível e profundo, não só pelas letras, mas pela musicalidade que aquela parente simplicidade carregava.
"Songs of Leonard Cohen" de 1967 traz uma coleção de canções do poeta canadense repletas de paixão, melancolia e angústia. Não, Cohen não era um cantor brilhante,até se tornou um bom com o passar do tempo, mas expressava sua poesia em forma de cações de tal maneira que por si só sua tentativa musical já se justificava.
Disco que pode muitas vezes ser subestimado por sua aparente uniformidade musical mas que é extremamente rico compositivamente e que, se escutado com a devida atenção, vai tornar perceptível sua estrutura crescente, partindo das canções mais 'simples', menos estruturadas, às mais complexas, mais elaboradas e preenchidas instrumentalmente.
Destaques para a boa "Suzanne" que abre o disco e que já havia sido gravada pela cantora americana Judy Collins; para "One of Us Can Be Wrong", que encerra o álbum com uma cantoria bêbada, enlouquecida e desesperada; para "Sisters of Mercy", uma espécie de grande caixinha de música, cujo título originou o nome da banda gótica dos anos 80; para a terna "Hey, That's No Way To Say Goodbye", lindíssima; para os belos trabalhos de violão de "The Stranger Song" e "Teachers"; para a espetacular "Stories of the Street"; e especialmente para a épica e linda "So Long, Marianne", uma apaixonada e fascinante canção com uma bela interpretação de Cohen, apoiado por um belíssimo backing vocal feminino no refrão que a torna ainda mais emocionante. Mesmo, na origem, não sendo exatamente um vocalista, Leonard Cohen foi extremamente influente para gerações posteriores de poetas-cantores, como, por exemplo, para Nick Cave, Michael Stipe, Morrissey e até mesmo Kurt Cobain. E não apenas no modo de escrever, mas também, por incrível que possa parecer, considerando sua origem de escritor, no modo de cantar.
********************************

FAIXAS:
1. "Suzanne"
2. "Master Song" 
3. "Winter Lady" 
4."The Stranger Song" 
5. "Sisters of Mercy"
6. "So Long, Marianne"
7. "Hey, That's No Way to Say Goodbye"
8. "Stories of the Street" 
9. "Teachers"
10. "One of Us Cannot Be Wrong"

*********************************
Ouça:
Songs of Leonard Cohen

Cly Reis

Lynyrd Skynyrd - "Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd" (1973)

"Nós somos (a banda) One Percent, mas vamos mudar nosso nome esta noite. Todos que quiserem que mudemos para Leonard Skinner, aplaudam!"

Ronnie Von Zant
dando então o nome definitivo à banda

Não tem como falar de Lynyrd Skynyrd sem pensar em seu disco de estreia, longo e maravilhoso “Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd”, que trazia “apenas” canções como: "Tuesday's Gone", "Gimme Three Steps", "Simple Man" (na minha opinião, a melhor canção, solo, e bela sequência de acordes) e "Free Bird" que foi lançada como single em novembro de 1974.
"Free Bird" se tornou o segundo hit da banda a chegar ao Top 40 na Billboard Hot 100 no início de 1975. E é usado como música que encerra as performances ao vivo da banda sendo sua maior canção, muitas vezes ultrapassando os 14 minutos de duração quando tocada ao vivo. E também é tema da sangrenta cena final do filme "Rejeitados pelo Diabo", de 2005 dirigido por Rob Zombie.
O solo desta música foi feito pelo guitarrista do Lynyrd Skynyrd, Allen Collins, e é considerado um dos solos mais "destruidores" de todos os tempos, sendo considerado o 3º maior solo de guitarra da história, segundo a revista Rolling Stone. Ao vivo ele usava um vidro de Coricidin como slide (como antes fizera sua confessa influência, Duanne Allman do The Allman Brothers Band).
Pra quem ainda não sabe a origem do nome Lynyrd Skynyrd ai vai o motivo: durante um show, Ronnie Van Zant anunciou a banda com o nome de Leonard Skinner - o instrutor de ginástica dos então estudantes Ronnie, Gary e Bob na Robert Lee High School em Jacksonville que vivia dando suspensão aos garotos por causa dos seus longos cabelos, comportamento que se chocava contra as rígidas normas da escola. Mais tarde as vogais foram substituídas por “y” pelos membros para preservar a identidade do professor.
Não lembro bem quando ouvi pela primeira vez L.S., só sei que até hoje é impossível passar um dia sem ao menos escutar apenas “uma musiquinha”!

*********************************
vídeo de "Free Bird", Lynyrd Skynyrd




FAIXAS:
1- I Ain't the One (3:51)
2-Tuesday's Gone (7:32)
3- Gimme Three Steps (4:30)
4- Simple Man (5:57)
5- Things Goin' On (4:57)
6- Mississippi Kid (3:57)
7- Poison Whiskey (3:11)
8- Free Bird (9:08)

*************************
Ouça:
Lynyrd Skynyrd Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd'

por Michele Santos

Michele,  esta aficionada por música, em especial por rock'n roll,

muito me honra em ser a primeira mulher a dar sua contribuição a este blog dividindo conosco todo seu conhecimento e bom gosto musical.
É apaixonada por cães, cursa engenharia civil, tocou violão na extinta banda cover Only Mayer e é gente finíssima da melhor qualidade.

Que esta participação no blog se repita mais vezes, Michele.

Bem-vinda ao time dos ClyBloggers!      

Neil Young with The Crazy Horse - "Everybody Knows This is Nowhere" (1969)

"Sim, pode me arrastar para

Além do arco-íris

Me levar para longe

Descendo pelo rio

Eu atirei no meu amor"

da letra de "Down By the River"

Lançado na primavera de 1969, "Everybody Knows This is Nowhere" era o segundo álbum solo de Neil Young, sua primeira colaboração com a legendária banda de apoio Crazy Horse e um exemplar que continha três de suas mais memoráveis canções: "Cinnamon Girl" rock forte que abre o dico, a extensa, lenta e inspirada "Down By the River" com seu duelo de guitarras e "Cowgirl in the Sand", intensa e sensível, pesada e doce, rock e country, é a melhor do disco e o encerra brilhantemente.
Filho de um jornalista esportivo canadense, Young começou sua carreira como cantor folk em Toronto seguindo logo depois para Nova York no início dos anos 60, mas já ali pelo maio da década botou o pé na estrada de novo e se tocou pra Los Angeles, onde veio integrar a banda Buffalo Springfield que no fim das contas não durou muito e com a separação desta já em 1968, começou carreira solo vindo a gravar seu primeiro álbum em 1969. Enquanto ainda editava seu primeiro trabalho, Young conheceu um pessoal da Costa Oeste chamado na época The Rockets. Gostou do som dos caras, rolou uma identificação, rabatizou o grupo então para Crazy Horse e juntaram-se para a gravação de seu segundo álbum ainda naquele ano.
Com produção de David Briggs e do próprio Neil Young, este "Everybody Knows This is Nowhere" foi gravado em apenas duas semanas, o que não o desvaloriza em nada quanto à técnica e sim depõe a seu favor quanto à simplicidade, objetividade e pureza da obra. Possui apenas sete músicas e estas tem muito da sua base nas extensas atuações instrumentais dos Crazy Horse.
Logo depois de realizar este discaço, Young foi convidado a se juntar a Stills, Crosby and Nash e já no ano seguinte dividia seu tempo entre os dois projetos.
Neil Young nunca desapareceu efetivamente, nunca ficou esquecido ou por baixo mas a redescoberta dele pela geração de Seattle deu uma nova alavancada na carreira trazendo o Cavalo Doido Canadesnse de volta à evidência. Como diria o próprio, mais tarde em outra canção conhecidíssima o "rock'n roll nunca morrerá". E é por isso que o velho continua na ativa (e em plena forma).
*********************
FAIXAS:
1. Cinnamon Girl
2. Everybody Knows This is Nowhere
3. Round & Round (It Won't Be Long)
4. Down By The River
5. The Losing End (When You're On)
6. Running Dry (Requiem For The Rockets)
7. Cowgirl in the Sand
****************************
Ouça:
Neil Young with The Crazy Horse "Everybody Knows This is Nowhere"

Cly Reis

Roky Erickson - "True Love Cast All Evil" (2010)

Soube que o doidão ex-13th Floor Elevators, Roky Erickson, mais de 40 anos depois do fim da banda lançou um novo álbum. Fui ouvir o lance e o cara não perdeu a qualidade.
Depois de muitas drogas pesadas, prisões, internações, eletrochoques, tratamentos, "True Love Cast Out All Evil" meio que funcionou como uma terapia de recuperação e válvula de escape para a mente ainda meio perturbada de Erickson.
O som vai mais na linha do folk, esbarra no blues, no country mas não abandona o toque psicodélico dos 13th. Floor Elevators. Destaque para as faixas "Goodbye Sweet Dreams" e "John Lawman", as melhores na minha opinião.
Um reinício na vida de Roky Erickson e, por sinal, um belo reinício.





fique com o áudio de "Goodbye Sweet Dreams"

Cly Reis