10ª Bienal do Mercosul – Memorial do Rio Grande do Sul

A genial instalação "Ocio", 

que te joga no fundo do poço.

Minha primeira parada da 10° Bienal do Mercosul foi o Memorial do Rio Grande do Sul. E já começamos bem! Com cuidado curatorial refinado, o espaço abriga as obras relativas ao subtema “Biografia da Vida Urbana”. Certeiro na abrangência do tema e na investigação que propõe, seja no que se refere ao espaço físico, psicológico e ideológico do ser urbano da América Latina. Criminalidade, direitos humanos, mídia, arquitetura, política, civilização. Aspectos que se depreendem naturalmente ao se apreciar e traduzir as obras expostas.

A crítica e a provocação, formas de expressão intrínsecas da arte, evidenciam-se de forma contundente quanto aos contrassensos do Estado de Direito numa trinca especial: díptico de quadros da goiana Shirley Paes Leme, compostos por fuligem de poluição sobre filtro de ar condicionado de carro; fotografia do colombiano Andres Ojuela de um homem sendo agredido pela polícia por ter tentado resgatar algo que lhe havia sido roubado; e a simbólica bandeira “parodiando” o “verde-louro” da flâmula brasileira, que ostenta não os ditos “Ordem e Progresso”, mas “Complexo do Alemão”, numa clara referência à controversa ocupação das favelas do Rio de Janeiro.

O sarcasmo de Cildo Meireles

com a icônica marca.

Na mesma linha, porém consideravelmente mais sarcástica, outro trio de obras critica um dos símbolos do capitalismo e da midiatização: a Coca-Cola. O craque Cildo Meireles é um deles, compondo em três garrafas contour de vidro elementos de sua percepção – numa delas, explica didaticamente como fazer um coquetel Molotóv. Junto, uma impactante impressão sobre lâmina do colombiano Antonio Caro, igualmente parafraseando, ao reescrever-lhe sobre a logotipia icônica da marca o nome de seu país. Completando, um pequeno mas altamente expressivo quadro de outra mente privilegiada da arte moderna brasileira, Paulo Bruscky: “Fax Performance”, autorretrato de 1985 em que se coloca na pele de um super-herói urbano meio homem-bomba (atualíssimo, infelizmente).

A ótima “Multidão”, do paulista Cláudio Tozzi (acrílica sobre compensado, de 1968), traz o frescor da arte pop com o uso discursivo da publicidade e do cinema. Igualmente impressionante, principalmente em termos de concepção/concisão, é a instalação-quadro de Waldemar Cordeiro “Subdesenvolvido”, de 1964, em que uma constituição em madeira aglutina em si todos os móveis de um imaginário cômodo, como uma versão 3D mas subdesenvolvida e reprimida (não esqueçamos que, naquele ano, se marcava a entrada da Ditadura Militar no Brasil) de “Quarto em Arles”, de Van Gogh – sem prescindir, claro, da expressiva distorção das formas.

Arte-pop e denúncia
na obra de Cláudio Tozzi.

Também incisiva e denunciadora é a instalação “Stelar”, do peruano Giancarlo Scaglia, a qual cumpre aquele que é um dos fundamentos da arte: a ressignificação. Isso porque resgata um dos momentos mais tristes e sangrentos da história peruana recente ao perscrutar as ruínas da de uma antiga cadeia de presos políticos, palco de sangrentos massacres de presos do grupo separatista Sendero Luminoso pela força militar do governo, hoje desativada. O artista apronta enormes telas feitas a partir dos furos das balas dos fuzilamentos nas paredes de concreto do presídio (somando a isso os próprios resquícios de pedras do complexo) e, como um simbólico negativo, pinta de preto ao redor, formando uma imagem que remete a uma constelação, mas também apontando para o vazio da memória e dos desaparecidos políticos. Em texto, os curadores anotam: ”Frente ao trauma, o artista articula um potente registro visual das ruínas da tragédia que une representação, presença e ausência”. Pungente pra caramba.

"Declaration" do norte-americano

naturalizado hondurenho, Jonas.

Há uma sequência relativa ao espaço urbano, apontando para várias ideias e leituras no que se refere à sociabilidade, controle e emancipação. Primeiro, uma série de fotos P&B exaltando a arquitetura modernista de várias cidades como a São Paulo e Montevidéu dos anos 70, as quais dialogam com e estética da cidade-sede da Bienal, gerando uma identidade urbana através de um do legado artístico-funcional da Arquitetura. Noutra, a que abre o nicho, o deboche de “Declaration”, do norte-americano residente de Honduras Paul Ramirez Jonas, feito com trompete e bandeira de algodão escrito “Open”. Também, o interessante paralelo entre o que se conquista enquanto território, no óleo do catarinense Victor Meirelles “Visão de Desterro – atual Florianópolis”, de 1851 (e mais antiga obra dali) e aquilo que configura – ou se perde – como espaço concreto na tela de Eduardo Haesbert (pastel seco sobre tela e papel): fria, tecnicamente arquitetônica e quase apenas um esboço.

Traz também uma das obras em metal de Lygia Clark, das artistas plásticas celebradas dessa Bienal. Mas impressionante mesmo (não só a mim: a maioria dos que veem saem com tal impressão) pela criatividade, originalidade e expressividade, a instalação “Ocio”, do chileno Ivan Navarro. Composta de tijolos, espelho, energia elétrica e a palavra-título escrita em neon, a qual se reproduz ao infinito para baixo, como num poço sem fim. Genial.

Faltou apenas um pedacinho do Memorial para visitar, o que rapidamente complemento depois. Enfim, um começo de visitas à Bienal bem positivo. Expectativas pelas próximas exposições.

Díptico de Shirley Paes Leme usa poluição da cidade
como instrumento de discurso.

Composição que evidencia os contrassensos da sociedade.

Coca-Cola no âmago da crítica ao capitalismo.

A arte via aérea de Paulo Brusky.

O Van Gogh subdesenvolvido de Cordeiro.

A arquitetura como meio de identidade.

A cidade conquistada e acidade possível.

"Bicho", uma das peças de Lygia Clark na Bienal

À esquerda, a impressionante instalação de Scaglia que remonta a guerra civil no Peru
e à direita o detalhe da obra mostrando os furos de bala.

por Daniel Rodrigues

10ª Bienal do Mercosul - Porto Alegre/RS

Primeiras Impressões
por Daniel Rodrigues

Sem Título - Dudi Maia Rosa

Impus-me uma obrigação este ano: não perder mais uma Bienal do Mercosul. O evento acontece em minha cidade, Porto Alegre, de dois em dois anos e, mesmo com o declínio qualitativo de algumas edições, traz sempre coisas interessantes de serem vistas. Ou seja: trata-se de um acontecimento imperdível para qualquer apreciador de arte. Porém, não para um desleixado como eu – ou, ao menos, como fui de anos para cá. Após presenciar ativamente as duas primeiras bienais, marcos na minha formação ideológica, em 1997 e 1999, respectivamente, um pouco por falta de tempo, de cabeça, de planejamento e certo descaso, perdi todas as edições seguintes. Fora a terceira, que vi em parte, a quarta, quinta, sexta, sétima, oitava e a nona: sete ao todo, todas não visitadas! E pior: nesse meio tempo, em 2010, vi até a Bienal de São Paulo, mas a da minha cidade, vergonhosamente, não. Uma falta de respeito comigo mesmo.
Pois tomei vergonha na cara e decidi não deixar passar em branco mais uma Bienal do Mercosul, que vai até 6 de dezembro. Também, porque esta, ao contrário de outras que me pareceram bem desinteressantes, com o título “Mensagens de Uma Nova América”, parece estar muito legal. Valorizando a produção artística da América Latina, tenta retomar o espírito que motivou a criação do evento - as duas primeiras edições seguiam com afinco essa linha -, quando o Mercosul em si fazia-se uma promessa política maior do que se concretizou.
Quatro grandes campos conceituais compõem a Bienal: A Jornada da Adversidade, A Insurgência dos Sentidos, O Desapagamento dos Trópicos e A Jornada Continua. As mostras, assim, estão divididas por temas e seus respectivos espaços, sete no total: Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli – MARGS (“Modernismo em Paralaxe”), Memorial do Rio Grande do Sul (“Biografia da Vida Urbana”), Santander Cultural (“Antropofagia Neobarroca”), Usina do Gasômetro (“Marginália da Forma” / “Olfatória: O Cheiro na Arte” / “A Poeira e o Mundo dos Objetos” / “Aparatos do Corpo”), Instituto Ling (“Plataforma Síntese”), Centro Cultural CEEE Erico Verissimo (Programa Educativo e a obra “A Logo for America”!, de Alfredo Jaar) e Acervo Independente (Projeto Colaborativo “Confesión - Cenário olfativo-acústico”, de Oswaldo Maciá). Ou seja: bastante coisa pra ver.
No entanto, ainda terei que me organizar para achar tempo hábil para tal. Por isso, à medida em que for conseguindo ir aos locais de exposição, vou também relatando aqui no blog. A conta-gotas, mas com o prazer de quem aprendeu a não desdenhar mais a arte com tamanha irresponsabilidade.

cotidianas #256 - Uma Floresta

Quem é amante de música como eu vai entender essa história, mas quem é fã da banda inglesa The Cure vai, mais do que isso, se identificar. Embora tenha ocorrido há uns bons anos, a sensação daquele acontecimento ainda me é bastante presente. Os “bons anos” a que me refiro significam 23 deles atrás, em 1990. O local: a emblemática loja Mesbla da Voluntários da Pátria, Centro de Porto Alegre.

Era um início de noite de um dia útil qualquer, terça, quarta, qualquer coisa assim. Hora do pico: pessoas pegando condução, umas correndo para os compromissos noturnos, outras voltando para casa, comércio fechando, meretrício abrindo, ambulantes aproveitando o movimento para vender, frotas de coletivos lotando as ruas, muito zunzunzum. Minha mãe, que trabalhava na Senhor dos Passos, combinou comigo de nos encontrarmos ao final de seu expediente, por umas 18h30. Ela precisava comprar algo ou simplesmente pesquisar preços, não lembro ao certo. Lembro, sim, de pegá-la em seu trabalho e rumarmos em direção da Mesbla, por ficar ali perto e por ser um dos poucos estabelecimentos que se mantinham abertos até mais tarde do que o horário normal do comércio.

A Mesbla, para os que não conhecem, era uma loja de departamentos (tal qual uma Magazine Luiza ou Colombo da vida) de origem francesa cuja falência, decretada em 1999, diz-se, se deu por má administração. Porém, naquela época, princípio dos anos 90, a Mesbla ainda reinava, embora, por debaixo dos panos, já se prenunciava a derrocada, o que só veio a público anos depois, quando tentaram em vão salvar o negócio e as lojas foram fechando aos poucos até definhar. Havia outra loja Mesbla na esquina da Otávio Rocha com Dr. Flores (onde funciona hoje uma Manlec). No entanto, a da Voluntários era “A” Mesbla. Majestosa. Moderna. Convidativa. Numa época em que outras boas lojas de departamento já guerreavam entre si com ofertas e preços, as também extintas Grazziotin, Hipo-Incosul, JH Santos e Arapuã (que se situavam se não na mesma rua, no entorno), nenhuma batia a Mesbla. Lá era o shopping de uma Porto Alegre que, naquele então, tinha apenas o Iguatemi como grande centro comercial.

Parte desta importância se devia, certamente, à arquitetura do Edifício Mesbla. Projetado pelo arquiteto Arnaldo Gladosch, em 1944, o prédio, marco da arquitetura comercial da cidade, se já era vistoso por fora, com sua fachada acompanhando a curvatura da rua e cuja superfície explorava a textura dos tijolos em tom terroso-escuro, por dentro, então!... No seu interior, os três primeiros pisos eram integrados através de mezaninos em forma de anéis, enquanto os demais, destinados a escritórios, desenvolviam-se perifericamente, liberando uma área central que possibilitava uma iluminação vinda do cume em todos os pisos de loja. Isso sem falar na visibilidade do seu todo, apreciável de qualquer ponto em que se estivesse.

Depois que aquela Mesbla fechou as portas, antes mesmo de a empresa anunciar a falência, duas situações vividas por mim envolvendo o prédio – hoje pertencente ao Centro Cultural do Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia e onde se pretende, em breve, instalar a nova sede do Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul – me geraram sentimentos opostos. Uma delas, em 1997, de puro deleite, quando pude visitar a 1ª Bienal do Mercosul, evento o qual, inteligentemente, se valeu da beleza e da disposição espacial do prédio para integrar lindamente o desenho de sua arquitetura a quadros, esculturas e instalações da nata da arte moderna brasileira. A outra circunstância, no entanto, nada tem de encantadora, pois foi quando, a trabalho, em 2009, fui à TV Ulbra à época em que as emissoras da universidade, então dona do imóvel, se transferiram da cidade de Canoas para lá. Encontrei tudo “remendado”: divisórias, paredes móveis e estúdios montados no hall que, numa lógica funcional e burra, descaracterizaram totalmente o local, dando-me, logo ao entrar, a nítida sensação de que não estava no mesmo lugar. Nada daquele visual clean e do espaço amplo, que fazia destacar com clareza os produtos e as pessoas que circulavam. Não localizei nem a grande escada em alas simétricas ao fundo da área central, nos moldes dos primeiros magazines de departamentos do século XIX, que facilitavam a progressão vertical do público no interior da loja.

Naquele início de noite com minha mãe, no entanto, não subi as escadas da Mesbla. Enquanto ela comprava-pesquisava suas bugigangas noutros andares, eu permaneci no térreo, pois ali ficava o que me interessava: os discos. O setor de Música e Vídeo era ao fundo e à esquerda do salão principal, com seus módulos para LP’s separados por categorias (Cantor Nacional, Banda Nacional, Gauchesco, por exemplo) mais os mostruários de fitas K7 e as de VHS, que não recordo como ficavam expostas. Ao chegar, o vendedor do departamento, um rapaz de uns 30 anos de quem não lembro o nome (perdoem-me, mas quem me conhece sabe que tenho dificuldade de gravar nomes, ainda mais quando de um acontecimento de tanto tempo atrás), cumprimentou-me como pede a conduta de um bom atendimento varejista. Porém, percebi que ele ficou observando (com motivo de sobra) aquele pré-adolescente de 12 anos vestido de blusa preta, calças jeans rasgadas num dos joelhos, tênis tipo basquete sujos, cabelo pixaim com corte quase moicano, óculos de grau com armação redonda e de cor azul fluorescente e, para arrematar, pendurado no pescoço por uma corrente metálica, um crucifixo de ferro fundido de uns 14 cm de altura, que tomava a extensão do tórax, comprado não numa loja de artigos de rock, mas num antiquário da rua Fernando Machado. Sim: eu me vestia desse jeito, algo entre o punk, o dark e eu mesmo. E pior: minha mãe, mais por coragem do que por amor, mesmo que fizesse algum comentário a respeito de um exagero ou outro, andava com seu filho numa boa pelo Centro ou onde fosse. Inclusive em lojas de departamentos.

Como não tinha por hábito comprar filmes para assistir no videocassete, pois me eram caros (alugava-os como solução), meu interesse ali era voltado especialmente para os discos de vinil. Diletante já naquela época, colecionava junto com meu irmão o que me era possível com a mesada, mas a maioria dos discos, inevitavelmente, eram apenas objetos de desejo que eu não cansava de admirar nas prateleiras das lojas. Repetia este ritual de contemplação mais uma vez ali na Mesbla, dedilhando volume após volume para, ávido por conhecer mais, descobrir novos títulos, ver os já conhecidos e aqueles que almejava ter ou rever os que já figuravam na discoteca de casa. Passando pela letra C da fileira de Bandas Internacionais, deparei-me com os LP’s de um dos meus grupos preferidos desde aqueles idos: o The Cure. Tinham posto para venda os mais populares em vendagem e conhecimento do cliente mediano, afinal, tratava-se de uma loja de departamentos que, vendedora de produtos muito mais caros e rendosos, não se preocupava em ser especialista justamente em discos. Disco era coisa para aficionados como eu. E o vendedor.

Havia ali dois ou três do Cure, provavelmente “The Head on the Door”, álbum de carreira repleto de hits da banda, de 1985, e “Standing on a Beach”, de um ano depois, a coletânea com os maiores sucessos de Robert Smith e Cia. até então, um campeão de vendagens. O terceiro, no entanto, não podia ser classificado exatamente um estrondo de vendas. Não era o exótico “The Top” nem o deprê “Pornography”, mas, sim, o único LP oficial ao vivo da banda até aquele momento, de 1984: o “Concert”. Embora fosse dos que já tivesse em casa, puxei-o da pilha com surpresa e emoção e fiquei a admirar a capa. Foi quando ouvi uma voz atrás de mim perguntar-me com empolgação:

- Tu gosta de The Cure?!

Virei-me e constatei que quem me perguntava era o vendedor da loja. Respondi que sim com um sorriso tanto de surpresa quanto de identificação. Comentei que meus preferidos (na época era) do Cure eram o “Pornography” e o “Faith”, os bem gothic-punk, mas que gostava muito, no “Concert”, entre outras coisas, da sonoridade da bateria do Andy Anderson, um negrão que assumira as baquetas do grupo naquela época e que tocava forte como um bate-estacas. Foi visível que o tal moço da loja também se identificou comigo, tendo ficando, inclusive, positivamente espantado por aquele pirralho conhecer e gostar do mesmo que ele, de uma geração mais velha – situação que vira e mexe me ocorria quando era mais guri. Ele ainda disse:

- Eu fui no show deles no Gigantinho. Foi demais. – contou-me com emoção. – Cara, me dá esse disco aqui que eu vou colocar pra rodar.

Sim: ele interrompeu uma Paula Abdul ou George Michael qualquer que tocava sonolentamente na vitrola e substituiu por The Cure. Pelo “Concert”. O som dos alto-falantes, espalhados por toda a loja, saía, tirando as interrupções para os anúncios em voz dos vendedores ao microfone, somente dali. Ou seja: toda a Mesbla estava prestes a escutar The Cure. Ele pôs na primeira faixa. Chiados da agulha no sulco e entra um sobe-som da plateia ovacionando a banda que, percebe-se, entrava no palco naquele instante para abrir o “concerto”. Robert Smith dá boa noite e anuncia a canção de abertura. Andy Anderson faz um longo rolo na bateria conjugando tom-tom e surdo, abrindo caminho para que toda a banda entrasse explodindo naquele clima soturno e denso, de guitarras distorcidas, teclados espaciais e bateria possante. Era “Shake Dog Shake", para delírio do público, meu e do vendedor.

Escutamos a música inteira entre uma conversa e outra sobre partes da mesma que achávamos legal e sobre nossa paixão pelo Cure. Tudo num volume ambiente, afinal, o som ia para toda a loja. Não que Cure não pudesse tocar na Mesbla, mas o “Concert”, cheio de músicas da fase dark da banda, carregado em sonoridades ruidosas e perturbadoras, além do fato de ser ao vivo, o que adensa as vibrações irregulares por causa do rumor da plateia, não era exatamente o mais aconselhável para uma situação como aquela. Por isso, respeitávamos os ouvidos das senhoras que, como minha mãe, estavam lá para comprar uma colcha, roupa de banho, artigos para casa, etc. Mas nossa vontade era de arrebentar as caixas de som! Durante a conversa, concordamos que a melhor performance da bateria era a de “A Forest”. Sem dúvida. Afinal, aquela marcação de ritmo da música original pedia mesmo uma batida forte. Empolgado, ele virou o lado e foi direto nesta faixa. Largou a agulha ainda no fervor da multidão, que vibrava com o final de “A Hundred Years”, a anterior. Foi a partir dali que a luminosa e moderna loja Mesbla se transformou...

A clássica abertura de teclados, num tom grave e ritualístico, mórbido como que vindo de dentro de uma caverna, e as espaçadas frases da guitarra prenunciando o riff, levam a galera ao êxtase. E nós também. Começava um dos épicos do Cure. Já alheio a qualquer outra coisa que estivesse por perto, inclusive o seu gerente ou outros clientes, o vendedor aumentou o volume. Naquele mesmo momento, a sensação foi de que anoitecera dentro da Mesbla e de que entrávamos definitivamente para dentro de uma selva fechada e escura. Parecia que ninguém mais existia em nossa volta. Só nós, a música e uma floresta.

A introdução de “A Forest”, de pouco mais de 1 minuto, parece ter durado uma hora. Nós, diante daquele som, não falávamos, talvez com receio de alertar os bichos à espreita. Até que, finda a abertura, entra, enfim, a tal batida, marcada em dois tempos, pesada, esmurrando as caixas da bateria e até mais acelerada que na versão original. Arrasador! Meu companheiro silvícola não se conteve e aumentou ainda mais o volume. Para o máximo! Os acordes de “A Forest” retumbavam pelos corredores, fazendo vibrar as mesas, os eletrodomésticos, as vidraças e as louças do setor de Bazar.

Robert Smith dizia: “The sound is deep/ In the dark/ I hear her voice/ And start to run/ Into the trees/ Into the trees...” (“O som é profundo/ Na escuridão/ Eu ouço a voz dela/ E começo a correr/ Para dentro das árvores/ Para dentro das árvores...”). E corríamos, ali, parados. Sentíamos o som reverberar por todo o espaço, tomando totalmente os 15 metros de altura que iam do chão ao teto (ou seria a copa?).

Absorvidos por aquela atmosfera selvagem, os versos: “Again and again and again...” nos fazia investir mais ainda mata adentro. E de novo, e de novo, e de novo. Será que saberíamos voltar agora? “I’m lost in a Forest”? We lost in a Forest? O maravilhoso solo de guitarra, cheio de efeito de pedal, já avançava e levava a canção para o final, em que os instrumentos pouco a pouco vão morrendo, perdendo-se no escuro da noite silvestre. Anderson dá o último soco da bateria; ficam apenas as guitarras e os teclados, que logo se retira, para, por fim, manterem-se as cordas, que saem de cena uma a uma. Cessam as guitarras e fica apenas o baixo, que suspira espaçadamente os últimos pares de acordes: “tan dan - tan dan - tan dan...”, até sua propagação esvaecer de vez no espaço.

Bastou a música terminar para tudo voltar a ser como era antes. Claridade, senhoras comprando ou pesquisando preços, crianças correndo e berrando, vendedores vendendo. Uma loja de departamentos. Entretanto, entreolhamo-nos com a sensação de que algo diferente ainda pairava no ar, mas que não tínhamos mais como saber ao certo o que era. Retomados, trocamos ainda algumas animadas palavras de “cureanos” até que minha mãe retornou para irmos embora. Despedi-me do parceiro de viagem calorosamente, afinal, só nós sabíamos a experiência que tínhamos vivido naqueles 6 minutos e 46 segundos minutos entre o primeiro e o último acorde de “A Forest” que pareceram durar uma madrugada inteira.

Indo em direção à porta de saída, minha mãe ainda observou impressionada:

- Tu faz amizade rápido, hein, Dã?!

- ... É-é... – respondi meio bobo, ainda sem muita noção do que se sucedera ali naquele magazine entre tantos objetos supérfluos e desnecessários, entre tantas pessoas que eu não conhecia e jamais conhecerei.

O segurança abriu-nos a porta da entrada e, ao sairmos para a rua, educadamente deu-nos “boa noite” antes de fechá-la novamente como quem passa o cadeado numa jaula. Antes de a passagem ser totalmente fechada, porém, juro ter escutado, vindo lá de dentro da loja, o uivo de um lobo, o que, lamentavelmente, logo se perdeu no ruído metálico da frenagem desvairada dos ônibus que cumpriam, com suas toneladas de realidade, a correria irracional da vida, deixando-me com a dúvida, até hoje, se realmente escutei aquilo.

de Daniel Rodrigues

Mostra “VOCÊ ESTÁ AQUI”, de Daniel Escobar – Galeria Mamute – Porto Alegre / RS

A mostra que começa a dimensionar onde realmente cada um de nós está no mundo, fica mais duas semanas na Galeria Mamute e apresenta cinco obras do artista plástico Daniel Escobar.

Para os amantes da deriva e da perambulação por cidades (a quem me alio por vocação) a mostra de Daniel tem muito desses caminhos trilhados por cidades como Porto Alegre, Belo Horizonte e New York. Daniel convive com os espaços numa versão tridimensional. Ele está dentro dos espaços, seja afetivamente, seja por estar perambulando mesmo.

Daniel nasceu em Santo Ângelo e formou-se em Artes Visuais no Instituto de Artes da UFRGS. Seu trabalho está em coleções públicas de alguns museus referenciais no mundo das artes. No exterior, está no Canadá, na Devry Smith Frank LLP, em Toronto; em New York, no Crowell and Moring Law Firm; em solo brasileiro, no Museu de Arte da Pampulha, em Beagá; no Museu de Arte do RS (MARGS); no Museu de Arte Contemporânea do RS (MAC/RS), em Porto Alegre; e nos Museus de Arte Contemporânea de Jataí (GO) e do Paraná (PR).

A ideia é pensarmos num conjunto de situações onde realidade e representação dos lugares parece fundir-se para que finalmente possamos nos identificar como habitantes destas cidades reais e fictícias. Em sua produção mais recente, Daniel aborda paisagens do desejo criadas pelo entretenimento e o consumo. Existe muito de publicidade nestas obras buscando trazer à tona várias camadas que constroem o que vemos somente na superfície. Neste sentido, a cidade ganha ares de sonhos, mistura-se aos mapas, ícones e tours labirínticos, deixando você imerso em pura fantasia.

A mostra tem curadoria de Bernardo José de Souza, que é curador associado da 9ª Bienal do MERCOSUL, curador independente do MAC/RS e Ecarta, professor de Pós-Graduação em Moda na ESPM, Coordenador de Cinema, Vídeo e Fotografia na PMPA. 

Conheça os trabalhos que fazem parte da mostra na Galeria Mamute:

• Sala 1

Scroll, 2013: É um mapa do local da exposição e seu entorno. O mapa obtido no Google Maps a partir da imagem projetada sobre a parede e, em seguida, redesenhada através da sobreposição de fitas adesivas, que constroem o traçado urbano sobre a parede.

Scroll, 2013,
foto: Drigo Cardoso

Permeável – série “Perto demais”, 2012: A publicidade está nesta obra através de outdoors e cartazes sobrepostos, perfurados em formato de 1,50 x 2,20cm. “Perto demais” faz parte de uma série de trabalhos desenvolvidos com empresas, que fazem esse material e descartam o excedente. O perfurador que Daniel utiliza transforma essas imagens em rendas de papel, com imagens porosas, instaurando, assim, um novo tempo de observação com imagens enigmáticas.

• Sala 2

Continuous, 2012: Papel, metal e fragmentadoras de papel. Uma instalação que gera acúmulos de papel em cada suporte. No centro da instalação, as tiras de papel vindas de diferentes direções – aliás, da outra sala –, constroem uma trama que redesenha a malha urbana da parte planejada da cidade de Belo Horizonte. É uma ideia de mapa em processo que representa a cartografia e o espaço real das cidades, sempre em constante processo de transformação.

Continuous, 2012
(foto: Drigo Cardoso)

Atlas de Anatomia Urbana, 2012: Recorte sobre guia turístico de Belo Horizonte, nas dimensões de 21 x 23 x 2,5cm. A série toma como ponto de partida a fragmentação do mapa da cidade em regiões para a sua apresentação em um guia turístico. Os guias são escavados, então se vê o que está no seu interior, conferindo, assim, um caráter escultórico ao objeto.

Atlas de Anatomia Urbana
(foto: site)

• Sala 3

The World, 2011: Apresenta numa mesa 12 guias de viagem, no formato de 10 x 23 x 20cm cada.  A obra surge da ideia de projetar fisicamente um mundo ficcional produzido pela indústria do turismo, utilizando guias de viagem de diversos lugares do mundo. As imagens, recortadas e levantadas das páginas, ganham cenários tridimensionais que lembram os livros pop-up. A maquete mistura realidade e ficção. A atmosfera escurecida da sala com foco de luz somente sobre os livros deixa o visitante mergulhado num mundo paralelo de sonho.

The World, 2011
(foto: site)

Se você está em Porto Alegre, pegue seu mapa de viagem, abandone a bússola e venha conhecer o trabalho de Daniel Escobar. Embarque nessa deriva e perambule conosco.

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Entrevista com o artista

Teaser de apresentação

 

SERVIÇO:
Mostra “Você Está Aqui” , de Daniel Escobar
Curadoria: Bernardo José de Souza
Local: Galeria Mamute (Rua Caldas Júnior, 375 – Centro Histórico – Porto Alegre)
Visitação: Até 19 de abril, das 14 às 18h, de segunda a sexta

Mais informações:
www.danielescobar.com.br
www.galeriamamute.com.br



 por Leocádia Costa