Variante da Índia, do Brasil, da África e até da Escócia por aí? Aqui no MDC também temos as nossas variantes de nacionalidades diferentes. Circulando entre nós teremos hoje os norte-americanos Vince Guaraldi e R.E.M., os ingleses da The Who, a irlandesa Sinéad O'Connor e os brasileiros Sérgio Sampaio e Amado Maita, além de outros. Ainda, no 'Cabeção' e no 'Palavra, Lê', Miles Davis e Nelson Sargento, que são de todos os lugares. Sem variação, o programa de hoje é 21h, na invariável Rádio Elétrica. Produção, apresentação e livre circulação: Daniel Rodrigues.
sobre sua primeira audição de Ahmad Jamal, em 1953
Eu era um jovem da era pré-Google, sem dinheiro para comprar livros caros (neste caso, seriam dos caros) e sem muita orientação do que procurar para conhecer mais sobre um estilo de música que sempre me encantava quando ouvia: o jazz. Já conhecia "Kind of Blue" do Miles Davis alguma coisa de Wynton Marsalis e amava desde criança as trilhas do seriado Snoopy, que descobri serem de um tal de Vince Guaraldi vendo os créditos do desenho. Fora isso, mais nada. Assim, em minhas idas ao Centro de Porto Alegre para vasculhar e comprar discos (mais vasculhar do que comprar), entrava nas lojas e percorria com os dedos e os olhos a prateleira de vinis que dizia “Jazz” (embora já tivesse conhecimento suficiente para saber que a maioria das lojas não sabia classificar essa seção, por isso não era incomum achar um Richard Clayderman ou um Toto). Então que, numa dessas vezes, numa Multisom que até já fechou, encontrei um LP que tinha a maior cara de ser bom (e de jazz de verdade): “The Awakening”, de Ahmad Jamal Trio. Não só era o mais fino jazz como era, sim, muito bom, excelente.
Uma sonoridade refinada e viva exala do piano altamente técnico de Jamal, de uma identidade e emoção absurdas. É o que se vê na fenomenal faixa-título e de abertura, um dos melhores temas de jazz até hoje pra mim. Inicia com acordes soltos, que supõem um esboço da melodia, dando aos poucos forma a um jazz embalado e de clima suspenso com um toque erudito, seja pelos encadeamentos de acordes farfalhantes de Jamal, seja no padrão modal variante em si mesmo, mas sem suplantar a tônica. Intercala ataques ferozes até o mais suave dedilhar, ora rápido e miúdo nas teclas brancas agudas, ora altivo e imponente nas notas graves.
A aura clássica se intensifica na sequência, com outra obra-prima: “I Love Music”, uma peça lírica digna de Chopin e Rachmaninoff. Mas, como nos compositores românticos, este “amor” esconde mais mistérios do que se possa imaginar. Melancólica e densa, com um toque hispânico, abre com o piano em solo, num som cheio e ondulante. O baixo de Jamil Nasser e a bateria de Frank Gant entram depois de quase três minutos num complemento que envereda a música para uma amplitude sensorial ainda maior, mas mesmo assim as atenções se mantêm no estilo pronunciado do teclado de Jamal, desenhando uma harmonia rebuscada que alude, ao mesmo tempo, a um concerto beethoviano e às danças espanholas de Manuel De Falla.
Elevando o clima num jazz de compasso ligeiro e ritmo suingado, Jamal exercita variações de estruturas sobre uma base blues constante do baixo em “Patterns”, não menos magnífica. “Dolphin Dance” – delicada e etérea –, “You’re My Everithing” – ressonante, ora fugidia, ora acentuada – e “Stolen Moment” – apaixonante em sua construção em escalas – dão passagem para um desfecho forte e elegante com “Wave”, na mais impressionista versão do clássico de Tom Jobim Nesta, o pianista norte-americano se vale de um expediente pelo qual foi reconhecido desde seu surgimento nos clubes de jazz de Chicago, nos anos 50: o de simplificar a estrutura musical de standarts, permitindo-se dar novas cores ao tema.
Vim a saber, à medida em que fui entrando mais no mundo do jazz, que este disco, que comprei numa louvável reedição de 1986 da WEA, havia sido lançado originalmente 16 anos antes. Além disso, soube que este pianista, das poucas lendas do jazz ainda vivas, atualmente com 73 anos, é simplesmente uma das maiores influências de Miles Davis, Red Garland, Bill Evans e toda uma geração de jazzistas, pianistas ou não. O que sei é que, adquirido às escuras, “The Awakening” é até hoje um dos preferidos da minha discoteca, que vira a mexe volta ao toca-discos com o mesmo prazer da primeira audição. O prazer de uma descoberta.
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FAIXAS:
"The Awakening" - 6:19
"I Love Music" (Emil Boyd, Hale Smith) - 7:19
"Patterns" - 6:19
"Dolphin Dance" (Herbie Hancock) - 5:05
"You're My Everything" (Harry Warren, Joe Young, Mort Dixon) - 4:40
Nesta época de final de ano, o cinema, essa representação encenada e
diegética da realidade, reforça sua função, seja ela de ajudar a refletir ou
simplesmente entreter (ou os dois juntos, por que não?). Como n’"O Poderoso Chefão - Parte 2", em que os acontecimentos da máfia e da política estão fervilhando
em plena virada de 1959 para 1960 em Cuba, ou em “Boogie Nights”, quando todos
interrompem a chegada da década de 80 por causa de um suicídio em plena festa
de Réveillon, o dia de Natal também (ou a passagem de 24 para 25) aparece em
alguns filmes não necessariamente como tema central, mas como um pano de fundo
essencial àquilo que se quer contar. Às vezes é um detalhe, mas extremamente
simbólico para determinada obra de cinema. Um nexo narrativo que contribui para
a história de forma a lhe trazer os ícones que a data representa (o nascimento
e o significado simbólico de Cristo, a figura pop do Papai Noel, a valorização
dos sentimentos de fraternidade e compaixão, a representação do consumismo, o
pertencimento à sociedade capitalista ocidental, etc.).
Por isso, o Clyblog registra aqui algo nessa linha: não aquelas
comédias natalinas típicas que, embora divertidas, são óbvias. Aqui, fugimos da
obviedade. Listamos, sim, filmes que se nutrem dos elementos natalinos mais
profundos por assim dizer, ainda que apenas como instrumento para dar um toque
à trama, para gerar contraste entre a aparência e real ou apenas para contar
melhor uma história. Se você está cansado de assistir as franquias “Esqueceram
de Mim” ou “Meu Papai é Noel”, aqui vão alguns títulos que não esquecem da
data, mas vão além da mesmice – e que, justo por isso, merecem ser vistos mesmo
em outras épocas do ano. Mesmo que, porventura, apenas passem pelo tema, o
Natal, com seus significados, está lá.
“Duro de Matar” (“Die Hard”, John
McTiernan, EUA, 1988)
Provavelmente o melhor filme de ação dos anos 80 junto com “Um Tira da
Pesada”, “48 Horas” e alguns outros poucos, tem o Natal como pano de fundo para
uma trama inteligente que mescla policial, comédia e realismo (sim, realismo)
na medida certa. O policial nova-iorquino John McClane (Bruce Willis) vai
visitar a esposa em Los Angeles, que está numa festa de Natal da empresa onde
trabalha, no edifício Nakatomi Plaza. Durante a festa, terroristas alemães,
liderados por Hans Gruber (Alan Rickman) invadem o prédio e sequestram todos os
convidados com a intenção de roubar milhões em ações da companhia. McClane
escapa de ser aprisionado pelo grupo de Gruber e, com grande dificuldade, mas
com perícia e astúcia, passa a combatê-los.
A fórmula é muito parecida com o que Hollywood fazia de muito tempo no
gênero ação/policial – as sequências com o gancho da tensão e as explosivas
cenas de ação, entremeadas por tiradas engraçadas que aliviam a seriedade e a periculosidade
– mas adiciona-lhe algo que passaria a servir de exemplo para trocentas
produções posteriores: a pegada realista. McClane derrota os terroristas neste
dia de Natal atípico, mas o consegue a custas de muito esfolamento. O conceito
de anti-herói, humano e mortal, é uma quebra de paradigma no cinema norte-americano
do gênero. Se há estilhaços de vidro no chão e McClane está descalço, ele vai
cortar o pé, ora essa! É exatamente isso que acontece, numa ressignificação do
tipo James Bond, perfeito e inatingível. Tanto é que, por tudo que passa, McClane
sai um trapo no final do filme, o qual finaliza emblematicamente com o jazz
natalino “Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!” na voz de Vaughn Monroe.
Igualmente, o contraste dos elementos visuais e alegóricos da data com a
violência (o vermelho da roupa do Papai Noel com o sangue dos ferimentos)
funciona muito bem. Daqueles que sempre que estão passando na TV se assiste,
inevitável.
"Duro de Matar" - "Ho-Ho-Ho!"
“Morte e Vida Severina” (Walter
Avancini, BRA, 1981)
Uma obra-prima da teledramaturgia mundial (vencedora do Emmy daquele
ano), é a encenação do poema de João Cabral de Melo Neto, o qual se chama
também “Auto de Natal Pernambucano”. Com músicas primorosas de Chico Buarque e
aproveitando parte do elenco que Zelito Viana usara na filmagem da história quatro
anos antes para o cinema, esta é, sem dúvida, a mais bela versão do texto
clássico do poeta pernambucano.
De forte cunho social e denunciador, narra a trajetória do retirante
nordestino Severino (José Dumond, impecável) do sertão árido à capital Recife
através de versos musicados ou recitados em busca de respostas à vida miserável
que leva. O que encontra em muitas das etapas dessa cruzada é apenas morte
através do descaso e da desassistência do povo, de “Severinos iguais em tudo na
vida”, o que o faz pensar em “saltar fora da ponte e da vida”. Mas o nascimento
de mais um “Severino”, filho de um carpinteiro pobre mas sábio, vem trazer
cores à desesperança. É a “boa nova” que o Natal ensina, o Cristo incutido
naquela pequena e franzina vida que se rebenta. “E não há melhor resposta/ que o espetáculo da vida?”.
“A Felicidade não se Compra”
(“It's a Wonderful Life”, Frank Capra, EUA, 1946)
Capra é um dos mestres do primeiro cinemão norte-americano. Era capaz
de criar filmes de marcantes conceitos estético e narrativo a um espírito
fortemente nacionalista, seja na valorização dos símbolos de seu país, seja no
recorrente tom moral típico daquele povo, o qual vai da puerilidade à
arrogância. No caso, mais para onírico, “A Felicidade...” conta a história de
um espírito candidato a anjo que, para ganhar suas asas, recebeu a missão de
ajudar um empresário (James Stewart) que, em virtude de grave problema
financeiro, tinha a intenção de se suicidar. O aspirante a anjo aparece-lhe na
véspera do Natal quando este está prestes a saltar de uma ponte. Ele fala de
sua missão e comentou que seria um desperdício matar-se, pois ele era
importante para muita gente. Ante o ceticismo de seu protegido, que se sentia
um fracassado, o amigo espiritual mostrou-lhe várias situações que teriam
acontecido se não fosse sua interferência: a morte do irmão, o desespero da II
Guerra (recém terminada quando o filme foi rodado), a tristeza da esposa, a
situação lastimável de sua cidade, entre outras.
Com fotografia P&B impecável – bastante forjada no cinema soviético
de Eisenstein e Vertov –, Capra amarra uma história cheia de acontecimentos com
um domínio narrativo espantoso sem deixá-la confusa ou chata. Trata-se de um
típico clássico natalino, eu sei, mas com tamanha qualidade não daria para
deixá-lo de fora – até por que, atualmente, está em desuso assistir a filmes
antigos ainda mais nessa ditatoriamente colorida época natalina. No final, a
mensagem é evidente, o que não lhe tira a emoção – até por que muito bem
escrito e realizado.
“Cortina de Fumaça” (“Smoke”,
Wayne Wang e Paul Auster, EUA/Alemanha, 1995)
Uma ode à solidariedade e ao respeito às diferenças, sejam elas
raciais, de gênero ou qualidades pessoais. Tem coisa mais a ver com Natal isso?
Pois esta pequena obra-prima com cara de Jim Jarmusch traz isso e mais um
pouco. O “isso” é a história envolvente e coral: Auggie Wren (Harvey Keitel)
tem uma tabacaria onde circulam tipos bem peculiares (olha aí as diferenças
subtextualizadas). Ele também tem um hábito próprio: o de fotografar, às oito
da manhã, a fachada de sua loja. É assim que ele conhece o escritor em crise
criativa e emocional Paul Benjamin (William Hurt), que, por um momento
fortuito, acaba conhecendo um jovem negro morador de rua a quem ajuda a
encontrar seu pai. A história é, na verdade, um reencontro das raízes pessoais
e dos laços afetivos mal resolvidos no passado.
O “um pouco mais” a que me referi é, além desse instigante subtexto, há
a célebre cena em que Auggie vai parar na casa de uma senhora cega cujo neto
furtara-lhe a loja. Ela, amorosa e sem os pré-conceitos de quem enxerga apenas
com os olhos, o recebe e o convida para cear com ela naquela véspera de Natal.
Tudo ao som da belíssima canção “Innocent When You Dream”, de Tom Waits. Cena emocionante. Uma história tão linda que, renovadas as emoções de todos na
trama, motiva o até então travado escritor Paul em seu novo romance, chamado: “Auggie
When’s a Christmas Story”.
"Cortina de Fumaça" - História de Natal de Auggie Wren
“O Natal do Charlie Brown” ou “Feliz
Natal, Charlie Brown” (“A Charlie Brown Christmas”, Bill Melendez, EUA, 1965)
Já havia me referido ao filme indiretamente aqui no blog no Natal de
2013 quando escrevi sobre a magnífica trilha sonora de Vince Guaraldi nos ÁLBUNS FUNDAMENTAIS. Pois além da preciosidade que musica o episódio, a própria
animação merece destaque. Com os elementos característicos da série de Charles
Schulz, o curta “O Natal do Charlie Brown” é o primeiro desenho animado da
turma dos Peanuts. Quando o questionador Charlie Brown reclama sobre o sentido
materialista que as pessoas dão à data, Lucy sugere que ele se torne o diretor
de uma peça teatral no colégio. Charlie Brown aceita, mas, claro, sua
insegurança e os ingovernáveis fatores externos fazem com que ele perca o
controle, frustrando-se. “Que puxa!” O
amigo de todas as horas Linus, entretanto, lhe consola relembrando o verdadeiro
sentido natalino.
Tem um Charlie Brown e Snoopy novo por estrear no Brasil que aproveita
o Natal (comercialmente, inclusive) como pano de fundo, mas este aqui é
insuperável, não só pela trilha original de Guaraldi mas pela precisão de
Melendez na direção, que sempre imprimiu à série de TV a dose certa de doçura,
comédia, entretenimento e ludicidade. Atração – e ensinamento – para crianças e
adultos.
Sou um tanto suspeito em falar desse filme, pois trata-se de meu
preferido da longa, profícua e expressiva filmografia do gênio Bergman.
Entretanto, como deixar de fora essa obra-prima que, além de alinhar-se
bastante com o recorte que proponho, é o amadurecimento total de um artista que
já nascera maduro para o cinema. Superprodução que encerra a carreira do
cineasta na grande tela, transcorre-se em dois anos da primeira década do
século XX na família Ekdahl. Após um alegre Natal, o pai de um casal de
crianças morre. Deste momento em diante Alexander (Bertil Guve), o menino, passa
a ver o fantasma do pai frequentemente. Tempos depois, sua mãe casa-se com um
extremamente rígido religioso e as crianças são obrigadas a deixar a casa da
avó paterna para viverem com a família do padrasto de hábitos severos, onde são
tratados como prisioneiros. Na casa do padrasto o sensível e inventivo
Alexander passa a ver o fantasma da primeira esposa dele e suas filhas, que
haviam morrido tentando escapar dele. Decorrido algum tempo, a mãe se
conscientiza da real personalidade do marido e de quanto seus filhos sofrem
naquela casa e planeja um modo de tirá-los daquele lugar e levá-los de volta para
casa.
O proposital clima espiritualista de toda a história faz cama para a
impactante sequência da fuga, em que as forças divinas operam um milagre de
Natal e os três conseguem escapar da prisão domiciliar. Haveria muito a se
falar sobre “Fanny e Alexander” (a relação entre pais e filhos, a
espiritualidade imanente, a percepção afinada da criança, a metáfora da vida
como palco – e vice-versa –, os limites entre vida e morte, etc.) mas destaco
aqui um fator primordial: o fato de o Natal estar presente no início e no final
do filme. A data do nascimento de Jesus demarca dois momentos psicológicos e
emocionais dos personagens, numa significação das possibilidades de mudança e
desenvolvimento da vida e das pessoas. Cada um com suas qualidades e
dificuldades, com suas personalidades e jeitos, mas passíveis de enxergarem o
mundo para além de si mesmos. Afinal, é Natal.
Que coisa bem gostosa assistir ao filme do Snoopy!
Sessão de cinema com gosto de infância. Sensação garantida muito por conta do fato dos realizadores terem optado por não inventar. Não inventaram nada, foram conservadores, românticos até, e por isso mesmo acertaram em cheio mantendo-se, de um modo geral, fiéis às características originais dos personagens, fiéis aos quadrinhos e à série de TV. E é importante salientar estes três aspectos porque por mais que pareçam uma única coisa, na verdade são complementares e de importâncias distintas. A inocência está lá, a tônica de diálogos concisos mas de notável complexidade psicológica também, a atmosfera de um bairro onde crianças brincam livres e descobrem a vida está intacta.
As aventuras do intrépido Ás Mascarado.
Dos novos recursos que o cinema proporciona e que poderiam resultar numa produção mirabolante e tudo mais, o diretor Steve Martino valeu-se praticamente só do ganho das texturas e das dimensionalidades (mais ainda para quem assiste em 3D, logicamente) conduzindo seu filme no antigo e consagrado formato das tirinhas (lateral, chapado, na altura das crianças), utilizando-se apenas de cenas mais dinâmicas, com profundidade e velocidade, nas "pirações" do beagle maluco, Snoopy, com seu alter-ego aviador, o Ás Mascarado. Tirando esses momentos mais agitados, que, diga-se de passagem, inteligentemente foram bem inseridos de modo a manter o interesse das crianças que por mais que gostem dos personagens e achem graça, não querem ver apenas Charlie Brown se lamentando com seus "Que puxa!", a história toda é conduzida como uma artesanal colcha de retalhos de situações e historinhas dos episódios da TV, tudo, acertadamente ao som das antigas trilhas de Vince Guaraldi intercaladas com ritmos mais atuais, como, por exemplo, na excelente cena em que Charlie Brown dá um show no baile mas... (Com ele sempre tem o "mas"). "Snoopy e Charlie Brown: Peanuts, O Filme" (2016) é um excelente programa para adultos e crianças. Para nós marmanjos, em nome da nostalgia que felizmente não é frustrada pelo filme; para as crianças pela curtição, pelo entretenimento, pelos personagens adoráveis e apaixonantes, crianças como elas cheias de vida, medos, descobertas, inseguranças e alegrias; e para ambos pelo que transmite sobre caráter, solidariedade e honestidade, coisas que estão tão em falta no mundo de hoje e que é bom que as crianças aprendam desde cedo, e que nós recordemos.
Charlie Brown botando pra quebrar no baile da escola.
A gente começa novembro espantando as bruxas do Halloween com muito som aqui no Música da Cabeça. É nessa batida que será o programa de hoje. Vai ter coisas como Vince Guaraldi, Chico Buarque, Morrissey e Lou Reed & John Cale. Ainda, um “Sete-List” imperdível trazendo trabalhos de Brian Eno, o “Música de Fato”, o “Palavra, Lê” e aquelas coisas que a gente sempre traz a cada programa: informação e entretenimento. É véspera de feriado, mas não é desculpa para perder! É hoje, na Rádio Elétrica, às 21h. Produção, apresentação, doces e travessuras, Daniel Rodrigues.
Achatadores de curva de plantão, vamos dar uma folga pro coronavírus e prestar atenção noutras curvas: as das ondas sonoras do Música da Cabeça! Gente como Fela Kuti, Toni Tornado, Vince Guaraldi, Bob Marley e Bauhaussão alguns dos que nos ajudam nessa empreitada. Também nossos quadros fixos de notícia e poesia, além do móvel "Cabeça dos Outros". Tudo às 21h, na Rádio Elétrica. Produção e apresentação: Daniel Rodrigues. #ficaemcasa
“Quando a melodia de ‘The Sidewinder’ me veio à mente,
não estava pensando naquele tipo de cobra,
mas sim num cara mau”.
Lee Morgan
O trompetista
norte-americano Lee Morgan é um dos maiores nomes da história
do jazz, inegavelmente. Porém, seu caminho poderia ter sido ainda
mais frutífero não fossem essas coisas inexoráveis da vida. No
caso dele, a morte. Porém, durante os 36 anos em que esteve no
planeta Terra iluminando-o com sua música, o período entre 1963 e
1964 lhe é especialmente relevante. Foi quando ele produziu algumas
de suas mais significativas obras. Poderia muito bem falar aqui do
hard bop “The Gigolo”, com sua explosão soul de “Yes I
Can, No You Can't”, que lançou, em 1965, com uma afinadíssima
banda (Harold Mabern, piano; Bob Cranshaw, baixo; Billy Higgins,
bateria; e o mestre Wayne Shorter, no sax tenor). Podia, igualmente,
voltando dois anos no tempo, exaltar o brilhante “Search for the
New Land”, cuja faixa-título é dos colossos do jazz mundial mas
que, para além disso, é inteiramente radioso, contando com os
mesmos Higgins e Shorter e mais as luxuosas adições de Reggie
Workman, no baixo, e os dedos mágicos de Grant Green na guitarra e
de Herbie Hancock ao piano. Ainda caberia trazer o obscuro bop
modal “Tom Cat”, em que Morgan se juntara, logo depois, às feras
Jackie McLean (sax alto), Curtis Fuller (trombone), McCoy Tyner
(piano), Cranshaw (baixo) e seu “padrinho” Art Blakey (bateria).
Porém, a fase era
tão produtiva que Morgan não ficou apenas nesses grandes feitos.
Outro deles pode ser considerado ainda mais revolucionário e
esplendoroso: “The Sidewinder”. Juntamente com o já
resenhado aqui nos ÁLBUNS FUNDAMENTAIS"Empyrean Isles",
de Hancock, compõe o duo de discos que lançaram, há exatos 50
anos, as bases do jazz-funk, inspirando toda uma geração de
jazzistas (Vince Guaraldi, Miles Davis, Green, Henri Mancini, João Donato, Don Salvador) além da soul music e do pop-rock. Foram
os discos que fizeram o jazz sair do chão. A beleza formal dos
acordes complexos ganha aqui ainda mais malícia, gingado, groove.
Nascido na
Filadélfia, o prodígio Edward Lee Morgan começou pré-adolescente
a soprar seu instrumento inspirado em Miles, Clifford Brown – seu
ídolo – e Dizzy Gillespie, com quem tocara no início da carreira.
Em 1956, aos 19 anos, tem a chance de integrar a The Jazz Massangers
de Blakey, mesmo ano em que assina pela primeira vez com o selo Blue
Note, do qual saiu quatro anos e sete discos depois. Nessa época já
se via o virtuosismo, a fluência e o vigor de seu toque, destacando
os poderosos registros agudos, estilo que foi aperfeiçoando ao longo
dos anos (inclusive, na célebre participação como sideman
em “Blue Train”, memorável álbum de John Coltrane de 1957). Até
que, após passagens por gravadoras menores, em 1963 retorna à
“casa” e, com a mão Rudy Van Gelder na mesa de som e produção
de Alfred Lion (além da sempre linda arte de Reid Miles na capa),
leva ao estúdio da Blue Note, em Nova York, os camaradas Cranshaw e
Higgins juntamente com as feras Joe Henderson, no sax alto, e a Barry
Harris, no piano, para registrar “The Sidewinder”.
Como todo bom
jazzista, Morgan é altamente ligado ao blues. Entretanto, ele injeta
ao rhythm’n’blues uma carga ainda inédita do funk oriundo
das ruas dos guetos urbanos, que tinham, desde os anos 50, na figura
de James Brown, Otis Redding, Solomon Burke e Aretha Franklin seus principais representantes. A química foi infalível. A faixa-título
faz as honras de abertura, mostrando como se faz jazz com
inteligência, apuro técnico e alma soul. Cranshaw dedilha um
acorde de quatro notas que desencadeia uma explosão de groove,
com Higgns, brilhante, metendo swing na caixa e no prato;
Harris, segurando tudo num gostoso tempo 2 x 2; e os sopros, que
mandam ver no chorus. Impossível não balançar o esqueleto!
Tão lindos quanto o improviso de Morgan, de Harris e de Henderson –
músico experiente como Morgan que de cara já diz a que veio –, o
de Cranshaw, atrevido, fecha a sequência de solos, quando a banda
retoma inteira para concluir o número. Para coroar o feito de
Morgan, ninguém menos que uma de suas principais inspirações,
James Brown, regravou a faixa menos de um ano depois. O Godfather of
Soul gostou tanto da homenagem que pôs a The James Brown Band a
executar uma mais acelerada versão de “The Sidewinder” em “James
Brown Plays James Brown: Yesterday and Today”, com nada menos que
um naipe de cinco metais à frente.
“Totem Pole”,
com base de acordes circulares do baixo, traz uma estrutura mais
tradicional do hard bop. Porém, os solos são de uma
malemolência inquestionável. Morgan arranja o seu numa combinação
orgânica com o piano de Harris, que dialoga com o trompete durante
todo o improviso. Nesta, Handerson, que já havia soltado as garras
na anterior, realiza um de seus mais memoráveis solos. Capaz de unir
a bossa-nova e o be-bop a um virtuosismo de cores parkerianas,
ele incrementa a música com seu estilo particular.
“Gary's Notebook”
traz ainda mais embalo e um riff complexo, tocado com simetria
pelos sopros. De encher os olhos. Morgan mais uma vez se dá o
direito de iniciar os improvisos, ditando um toque fluente e variante
que Henderson e Harris seguem com desenvoltura. Na mesma linha e
ritmo, "Boy, What A Night" é mais uma de impressionar pela
sincronia de toda a banda, seja no chorus ou nos momentos de
realce dos instrumentos. Desta vez, é o sax de Henderson que inicia
os trabalhos, num conceito interessante em que ele estende as notas,
criando intervalos diferenciados e elásticos. Que Morgan é sempre
um espetáculo é sabido; mas nesta Harris não fica para trás, seja
na marcação swingada da base, seja no solo, certamente o destaque
da faixa. Tomada de blues, a improvisação do piano bem poderia
figurar em qualquer rock de Little Richard ou Jerry Lee Lewis.
Colorida, “Hocus
Pocus” fecha o álbum em alto astral. Morgan eleva a escala, num
tocar radiante. Van Gelder inteligentemente deixa o microfone captar
ao fundo a empolgação de algum dos músicos, que acompanha com a
voz algumas frases dos instrumentos (provavelmente o próprio band
leader) – o que faz lembrar Charles Mingus em sua ode ao blues
“Oh Yeah”, de 1962. Henderson e Harris mantêm o clima e a
qualidade indiscutível. Perto do final, Higgns, dos principais
responsáveis pelo conceito do álbum, uma vez que o amarra de ponta
a ponta com um ritmo gingado e bluesy, ganha seus momentos de
improviso também, conversando com o trompete de Morgan. Este, por
sua vez, também não deixa terminar a gravação sem emitir suas
peculiares notas agudas, que surpreendem o ouvido e o deliciam ao
mesmo tempo.
“The Sidewinder”
entrou para a história como o maior sucesso de Lee Morgan, atingindo
o 10º lugar na categoria R&B da Billboard. Os anos subsequentes
iriam alçar o músico cada vez mais ao posto de um dos grandes do
jazz universal, ao lado de craques da sua geração como Sonny
Rollins, Hancock, Shorter, Henderson, Cannonball Adderley, Ornette
Coleman e Coltrane. Porém, como havia ocorrido com este último em
1967, vitimado por um câncer, os céus tinham outros planos para Lee
Morgan. Todo aquele talento foi bruscamente ceifado por um brutal
assassinato pelas mãos da própria esposa, de quem recebeu um tiro
no coração quando tocava num clube em Nova York em 1972. O motivo? Não se
sabe. O crime ainda hoje é mal explicado. O que a levou a cometer
tal ato? Será que, domesticamente, Morgan encarnava o tal “cara
mau” a quem o próprio se referiu? Não se sabe – e nem importa.
Resta, sim, sua obra, que somente um cara com uma boa dose de
“maldade” podia ter criado. Uma maldade no sentido de “malícia”.
Afinal, não há males que vêm para bem?
Como fazemos todos os anos, recapitulamos e elencamos os discos que tiveram a honra de entrar para nossa seleta lista de ÁLBUNS FUNDAMENTAIS. Não tem disputa, não tem ranking mas a gente sempre gosta de saber que artista tem mais obras indicadas, qual o país tem mais discos lembrados, que ano marcou mais com discos inesquecíveis e essas coisas assim. Sendo assim, levantamos esses números e publicamos aqui, até para nossa própria curiosidade. No campo internacional, os Beatles ampliaram sua vantagem na liderança entre artistas, embora, entre os países, seja os Estados Unidos quem lideram com folga. Destaque na 'disputa' internacional para o primeiro nigeriano na lista, Fela Kuti, que aumenta o número de representantes africanos, ainda tímido, nos ÁLBUNS FUNDAMENTAIS. O Brasil segue na segunda colocação, mesmo com a reação dos ingleses que não colocaram nenhum álbum em 2021 mas voltaram a ter destacados grandes discos em 22. Só que com três craques da música brasileira, Gil, Caetano, Paulinho e Milton, fazendo oitenta anos em 2022, ficou impossível não destacar discos deles e abrir vantagem novamente sobre os ingleses. A propósito, Milton Nascimento que, de início não tinha nenhum, depois colocou o "Clube da Esquina", com Lô Borges, depois a parceria com Criolo e agora, com os dois que emplacou nesse ano que marcou seus oitentinha, já desponta com destaque na lista nacional. Contudo, ele não era o único a completar oito décadas e Caetano Veloso, garantindo mais um na nossa lista de grandes discos, continua na liderança nacional. Em 2022, o ano que mais teve discos na nossa lista foi o de 1992, embora a década de 80 tenha colocado 8 na lista, mas ainda não o suficiente para ultrapassar a de 70 que ainda é a que lidera nesse âmbito.
Vamos, então, aos números que é o que interessa.
Confira aí abaixo como ficou a situação dos ÁLBUNS FUNDAMENTAIS depois da temporada 2022:
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The Beatles: 7 álbuns
Wayne Shorter: 5 álbuns ***
David Bowie, Kraftwerk, Rolling Sones, Pink Floyd, Miles Davis e Wayne Shorter: 5 álbuns cada
John Cale* **
Talking Heads, The Who, Smiths, Led Zeppelin, Bob Dylan, John Coltrane e Lee Morgan: 4 álbuns cada
Stevie Wonder, Cure, Van Morrison, R.E.M., Sonic Youth, Kinks, Iron Maiden ,Lou Reed** e Herbie Hancock***: 3 álbuns cada
Björk, Beach Boys, Cocteau Twins, Cream, Deep Purple, The Doors, Echo and The Bunnymen, Elvis Presley, Elton John, Queen, Creedence Clarwater Revival, Janis Joplin, Johnny Cash, Joy Division, Madonna, Massive Attack, Morrissey, Muddy Waters, Neil Young and The Crazy Horse, New Order, Nivana, Nine Inch Nails, PIL, Prince, Prodigy, Public Enemy, Ramones, Siouxsie and The Banshees, The Stooges, U2, Pixies, Dead Kennedy's, Velvet Underground, Metallica, Dexter Gordon, Philip Glass, PJ harvey, Rage Against Machine, Body Count, Suzanne Vega, Beatie Boys, Faith No More, McCoy Tyner, Vince Guaraldi, Grant Green e Brian Eno* : todos com 2 álbuns
*contando com o álbum Brian Eno e John Cale , ¨Wrong Way Out"
**contando com o álbum Lou Reed e John Cale, "Songs for Drella"
*** contando o álbum "Five Star', do V.S.O.P.
PLACAR POR ARTISTA (NACIONAL)
Caetano Veloso: 7 álbuns*
Gilberto Gil: * **: 6 álbuns
Jorge Ben: 5 álbuns **
Tim Maia, Legião Urbana, Chico Buarque e Milton Nascimento +#: 4 álbuns
Gal Costa, Titãs, Paulinho da Viola, Engenheiros do Hawaii e João Gilberto* ****: 3 álbuns cada
Baden Powell***, João Bosco, Lobão, Novos Baianos, Paralamas do Sucesso, Ratos de Porão, Roberto Carlos, Criolo + e Sepultura : todos com 2 álbuns
*contando com o álbum "Brasil", com João Gilberto, Maria Bethânia e Gilberto Gil
**contando o álbum Gilberto Gil e Jorge Ben, "Gil e Jorge"
*** contando o álbum Baden Powell e Vinícius de Moraes, "Afro-sambas"
**** contando o álbum Stan Getz e João Gilberto, "Getz/Gilberto"
+ contando com os álbuns Milton Nascimento e Criolo, "Existe Amor"
# contando com o álbum Milton Nascimento e Lô Borges, "Clube da Esquina"
PLACAR POR DÉCADA
anos 20: 2
anos 30: 3
anos 40: -
anos 50: 120
anos 60: 97
anos 70: 145
anos 80: 124
anos 90: 96
anos 2000: 14
anos 2010: 16
anos 2020: 2
*séc. XIX: 2 *séc. XVIII: 1 PLACAR POR ANO
1986: 22 álbuns
1977: 19 álbuns
1969, 1972, 1976, 1985, 1992: 17 álbuns
1967, 1968, 1971, 1973 e 1979: 16 álbuns cada
1970 e 1991: 15 álbuns cada
1965, 1975, 1980 e 1991: 14 álbuns
1987 e 1988: 13 álbuns
1989 e 1994: 12 álbuns cada
1964, 1966 e 1990: 11 álbuns cada
1978 e 1983: 10 álbuns
PLACAR POR NACIONALIDADE*
Estados Unidos: 201 obras de artistas*
Brasil: 145 obras
Inglaterra: 118 obras
Alemanha: 9 obras
Irlanda: 6 obras
Canadá: 4 obras
Escócia: 4 obras
Islândia, País de Gales: 3 obras
México, Austrália e Jamaica: 2 cada
Japão, Itália, Hungria, Suíça, França, Bélgica, Rússia, Angola, Nigéria e São Cristóvão e Névis: 1 cada
*artista oriundo daquele país
(em caso de parcerias de artistas de países diferentes, conta um para cada)
Chegou a hora da verdade! A hora dos número. Mais um ano se foi e é chegada a hora de fazer aquele habitual levantamento dos álbuns que entraram para a seleta galeria dos Fundamentais do Clyblog. Lembrando sempre que, na verdade, a seção não tem por objetivo promover disputa ou qualquer tipo de comparação entre artistas e obras, mas a gente mesmo fica curioso para saber quais as marcas e quantitativos e aí, então, levantamos e, em forma de ranking, passamos para vocês.
2021 foi o ano do jazz nos ÁLBUNS FUNDAMENTAISÁLBUNS. Das 29 obras destacas na nossa seção de discos, 11 foram do refinado estilo norte-americano. Se aproveitando desse predomínio, neste período, o craque Wayne Shorter encostou definitivamente no pessoal de cima. Ainda não alcançou os Beatles, que continuam liderando, mas, junto com seu companheiro de sopro, Miles Davis, que também chegou nas cabeças, já começam a botar uma certa pressão nos rapazes de Liverpool. A propósito da Terra da Rainha, curiosamente no último ano, não tivemos NENHUM artista britânico teve discos incluídos na nossa seção. as ações ficaram basicamente divididas entre norte-americanos e brasileiros, com destaque para o primeiro japonês na lista, o versátil Ryuichi Sakamoto.
No que diz respeito aos brasileiros, Caetano Veloso que dividia a liderança com Jorge Ben, agora toma a frente isoladamente por conta pela participação no disco "Brasil", com João Gilberto, Bethânia e Gilberto Gil. Mas a disputa está tão apertada quanto no internacional e qualquer disco aqui, disco ali, no ano que chega, pode mudar o panorama.
Entre as décadas com mais obras mencionadas, os anos 70 continuam imbatíveis, embora o ano que aparece mais vezes seja o de 1986. Chama atenção que cada vez mais é inevitável que seja reconhecida a qualidade e se projete a relevância de trabalhos recentes, o que faz com que venham aparecendo com mais frequência, em maior número e cada vez mais fresquinhos, como foi o caso do recém lançado "Carnivore", do Body Count, que mal nasceu e já figura entre os melhores.
Então, vamos aos números que é o que interessa. Chegou a hora da verdade!
The Beatles: 6 álbuns
David Bowie, Kraftwerk, Rolling Sones, Pink Floyd, Miles Davis e Wayne Shorter: 5 álbuns cada
Talking Heads, The Who, Smiths, Led Zeppelin, Bob Dylan, John Coltrane e John Cale* **: 4 álbuns cada
Stevie Wonder, Cure, Van Morrison, R.E.M., Sonic Youth, Kinks, Iron Maiden, Lee Morgan e Lou Reed**: 3 álbuns cada
Björk, Beach Boys, Cocteau Twins, Cream, Deep Purple, The Doors, Echo and The Bunnymen, Elvis Presley, Elton John, Queen, Creedence Clarwater Revival, Herbie Hancock, Janis Joplin, Johnny Cash, Joy Division, Madonna, Massive Attack, Morrissey, Muddy Waters, Neil Young and The Crazy Horse, New Order, Nivana, Nine Inch Nails, PIL, Prince, Prodigy, Public Enemy, Ramones, Siouxsie and The Banshees, The Stooges, U2, Pixies, Dead Kennedy's, Velvet Underground, Metallica, Dexter Gordon, Philip Glass, Body Count, Faith No More, McCoy Tyner, Vince Guaraldi, Grant Green e Brian Eno* : todos com 2 álbuns
*contando com o álbum Brian Eno e John Cale , ¨Wrong Way Out"
**contando com o álbum Lou Reed e John Cale, "Songs for Drella"
PLACAR POR ARTISTA (NACIONAL)
Caetano Veloso: 6 álbuns*
Jorge Ben: 5 álbuns **
Gilberto Gil* **: 5 álbuns
Tim Maia e Chico Buarque: 4 álbuns
Gal Costa, Legião Urbana, Titãs, Engenheiros do Hawaii e João Gilberto* ****: 3 álbuns cada
Baden Powell**, João Bosco, Lobão, Novos Baianos, Paralamas do Sucesso, Paulinho da Viola, Ratos de Porão, Roberto Carlos, Sepultura e Milton Nascimento**** : todos com 2 álbuns
*contando com o álbum "Brasil", com João Gilberto, Maria Bethânia e Gilberto Gil **contando o álbum Gilberto Gil e Jorge Ben, "Gil e Jorge" *** contando o álbum Baden Powell e Vinícius de Moraes, "Afro-sambas" **** contando o álbum Stan Getz e João Gilberto, "Getz/Gilberto"
**** contando com os álbuns Milton Nascimento e Criolo, "Existe Amor" e Milton Nascimento e Lô Borges, "Clube da Esquina"
PLACAR POR DÉCADA
anos 20: 2
anos 30: 3
anos 40: -
anos 50: 19
anos 60: 96
anos 70: 138
anos 80: 116
anos 90: 89
anos 2000: 13
anos 2010: 15
anos 2020: 2
*séc. XIX: 2 *séc. XVIII: 1 PLACAR POR ANO
1986: 22 álbuns
1977: 19 álbuns
1969 e 1985: 17 álbuns
1967, 1972, 1973 e 1976: 16 álbuns cada
1968 ,1970 e 1991: 15 álbuns cada
1971, 1979, 1980 e 1991: 14 álbuns
1965, 1975 : 13 álbuns
1965 e 1992: 12 álbuns cada
1964, 1966, 1987,1989, 1990 e 1994: 11 álbuns cada
1978: 10 álbuns
PLACAR POR NACIONALIDADE*
Estados Unidos: 192 obras de artistas*
Brasil: 139 obras
Inglaterra: 114 obras
Alemanha: 9 obras
Irlanda: 6 obras
Canadá: 4 obras
Escócia: 4 obras
México, Austrália, Jamaica, Islândia, País de Gales: 2 cada
Japão, País de Gales, Itália, Hungria, Suíça, França, Bélgica, Rússia, Angola e São Cristóvão e Névis: 1 cada
*artista oriundo daquele país
(em caso de parcerias de artistas de páises diferentes, conta um para cada)