Vince Guaraldi Trio - "A Charlie Brown Christmas" (1965)

" 'E, então, um anjo do Senhor desceu sobre eles,

e a glória do Senhor brilhou ao redor deles.

E eles tiveram muito medo, e o anjo disse:

‘nada temam, escutem: trago notícias alegres, que repartirei com toda a gente,

pois entre vocês nasceu, neste dia, na cidade de Davi,

um salvador, que é Cristo, nosso Senhor.’ (...)

E, de repente, ao redor do anjo, surgiu uma multidão de vozes

 celestiais louvando ao Senhor e dizendo:

‘Glória a Deus nas Alturas, e paz na Terra aos homens de boa vontade’.

Este é o significado do Natal, Charlie Brown.”
Lino Van Pelt

Quando criança, o período do Natal me era empolgante por diversos motivos. Além dos presentes, da reunião familiar e da decoração pela casa, um deles era porque, nesta época, haveria programações de tevê especiais que não se viam durante todo o ano. Era necessário esperar 12 meses para que fossem transmitidas, pois passavam somente no final de dezembro. Na Globo, depois da Missa do Galo e de alguns desenhos temáticos da Turma do Mickey, rodava, já de madrugada, um clássico hollywoodiano do nível de “E o Vento Levou”, “O Mágico de Oz” ou “Hamlet” do Zefirelli. À tarde, independente do dia que caísse o feriado, soltavam algum filmão antigo sobre o Livro Sagrado como “Rei dos Reis”, “A Bíblia” ou “Os 10 Mandamentos”. O Chaves, no SBT, repetiria pela milésima vez o episódio em que todos da vila vão cear na casa do Seu Barriga e causam a maior confusão – e eu via sempre. Dos desenhos animados, eram tradicionais os episódios natalinos. Todo desenho que se prestasse deveria ter o seu! A Manchete dava vários da Hanna-Barbera. Globo e SBT faziam o mesmo com o seu estoque: tinha Natal dos Smurfs, da Pantera Cor-De-Rosa, do Pato Donald, do Tom & Jerry e de vários outros.

Um dos que não me cansava de rever era o filme de Natal de um dos desenhos que sempre me fez a cabeça: Snoopy. Era “Merry Christimas, Charlie Brown”, o qual tinha como trilha sonora este disco: “A Charlie Brown Christmas”, da Vince Guaraldi Trio. Além de achar a série engraçada e prazerosa de ver – desde lá, já adorava os personagens, o estilo de traço do Charles Schulz, simples e expressivo, a coloração pastel, os longos diálogos, o ritmo das narrativas e todo aquele universo da turma do Minduim –, um dos elementos que mais me atraíam era, justamente, a trilha sonora. Aquilo me arrebatava, embora me fosse enigmático.

O responsável por me fazer gostar assim, ainda pequeno, com uns 7, 8 anos, de um estilo de música que eu ainda nem sabia que se chamava jazz é Vince Guaraldi. Pianista, maestro e compositor, dono de um estilo de tocar e de compor de rara sensibilidade, ele é o autor de todas as trilhas dos Peanuts desde as primeiras séries para tevê, em 1964. Todas geniais. Oriundo da cena jazz da Costa Oeste, o “Dr. Funk”, como era apelidado, ostentava um bigode pontiagudo tão caricato quanto de um desenho animado e dizia-se, modestamente, um mero “reformado pianista de boogie-woogie”, porém, mais que isso, dominava o cool, o jazz contemporâneo, o soul e o latin jazz, tornando-se influência para nomes como George Winston, Dave Brubeck, Wynton e Ellis Marsalis. Este é o primeiro disco, além das coletâneas e homenagens lançadas até hoje, dos três que produziu para a série ao longo de aproximadamente 10 anos, até sua morte prematura em 1976, aos 47 anos, vítima de um ataque cardíaco.

Pois “A Charlie Brown Christmas” é, assim como os desenhos do cachorrinho Snoopy, apaixonante. A beleza começa na faixa inicial: “O Tannenbaum”. A banda, composta por Guaraldi, Jerry Granelli, na bateria, e Fred Marshall, no baixo acústico – a clássica e charmosa formação em trio do jazz –, toca esta canção tradicional germânica de Natal datada do século XIX. Claro, num clima jazz-erudito ao modo de Gershwin. Nela, o piano de Guaraldi desliza uma melodia suave e mágica, dando o tom que dominará o que vem a seguir. “What Child is This?”, outra adaptação do cancioneiro folk, este, da Inglaterra romanesca, vem numa arrojada versão em que os três passeiam com elegância pela melodia, situando-a entre o lúdico e o misterioso. O clima se mantém em “My Little Drum”, composição do próprio Guaraldi, na qual o arranjo se vale, pela primeira, do coral infantil, único tipo de voz usado em todo o disco, o qual mantém, nesta, um vocalise constante enquanto o piano desenha acordes que aludem a “O Tannenbaum”.

Quebrando o clima introspectivo – equilíbrio que, aliás, é característico das próprias histórias do seriado –, vem a clássica “Linus & Lucy”, certamente a mais conhecida canção da série, curiosamente mais marcante do que os temas dos próprios Snoopy e Charlie Brown. Esperta, faceira, bem humorada. Guaraldi, como bom admirador de Herbie Hancock e Thelonius Monk, colore a melodia com uma linha de piano swingada e moderna. Afinal, Natal é tempo de alegria!

Das melhores do álbum, a emocionante “Christmas Time Is Here” (que conta também com uma igualmente linda versão cantada pelo coral infantil), melancólica e sonhadora como o personagem Charlie Brown, é um show do trio. Guaraldi, delicado e preciso no dedilhar, moderando intensidades, volumes, ataques e sustenidos, improvisa belamente; Granelli, raspando a escovinha sobre a caixa, ataca-a levemente para marcar o tempo; e Marshall, no baixo, passeia pelas escalas com liberdade e firmeza.

“Skating” mais uma vez levanta o astral, musicando a brincadeira de esqui no gelo praticada pelos personagens. Bluesy e cheia de swing, tem na bateria um dos destaques, seja na parte que Granelli esfrega as escovinhas ou na mais agitada, em que dá intensidade à música. O riff, repleto de fantasia, traduz em sons a complexidade/simplicidade do ato de brincar para o mundo da criança. O espírito natalino retorna com a afortunada versão da cantata de Charles Wesley, adaptada por Felix Mendelssohn em 1840, “Hark! The Herald Angels Sing”, apenas com coral e órgão.

Na bossa-nova “Christmas Is Coming”, Guaraldi homenageia dois de seus ídolos, Tom Jobim e Luis Bonfá, e, de novo, seu toque remete aos mestres Hancock e Monk e ainda Ahmad Jamal, Red Garland e Sonny Clark pelo fraseado de mão esquerda solto e inteligente. Ele faz o mesmo em “The Christmas Song”, solando por cerca de 1 minuto e 45 segundos (dos 3 minutos e 20 de toda a faixa), criando um jazz lírico e de cadência arrastada.

Em “Für Elise”, a cândida bagatela romântica de Beethoven escrita no início do século XIX, que dispensa comentários de tão incrível, dá a impressão de que Guaraldi cede lugar ao piano para o menino Schröeder, o alemãozinho superdotado e amante do compositor da Nona, personagem dos Peanuts. O tema de “What Child Is This?” é retomado com seu nome original no folclore inglês, “Greensleeves”. A trilha finaliza com a saltitante “Thanksgiving Theme”, não sem antes executar a minha preferida de todos os temas inventados por Guaraldi para os personagens de Snoopy: “Great Pumpkin Waltz”. Usada em outro episódio da série, o da Grande Abóbora, é um tema simplesmente magistral, que conta, além do trio, com a guitarra de John Gray e a flauta de Tom Harrell. A melhor tradução do universo lúdico, enigmático e fantasioso da série, que não se abstinha de mostrar as aflições, emoções, incertezas, amores e fragilidades das crianças. Pois a vida não é assim, repleta dessas belezas?

Neste sentido, Snoopy e Cia., que mostra tão bem o mundo dos pequenos, tem tudo a ver com Natal, época de celebrar a vida através do nascimento do Menino Jesus – e nada melhor do que fazê-lo com boa música, né? Por isso, não é à toa ter me lembrado deste desenho e de minha infância como pano de fundo para um ÁLBUNS FUNDAMENTAIS especial de Natal. Ainda mais porque, hoje, não se transmitem mais programas assim na tevê como ocorria antes nesta época, inclusive os Peanuts, que nem passam mais há muito tempo. O importante, entretanto, é o que disse Lino em sua inocente sapiência ao citar, no episódio em questão, a passagem bíblica de São Lucas sobre o nascimento de Cristo (e arrastando seu inseparável cobertor azul, obviamente): “Este é o significado do Natal, Charlie Brown”.

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trecho do episódio "Charlie Brown Christmas"

FAIXAS:

1. O Tannenbaum (Tradicional - Versão: Guaraldi) - 5:08

2. What Child Is This? (Tradicional - Versão: William Chatterton Dix) - 2:25

3. My Little Drum (Guaraldi) - 3:12

4. Linus and Lucy (Guaraldi) - 3:06

5. Christmas Time Is Here (Guaraldi/Lee Mendelson) - 6:05

6. Christmas Time Is Here (Guaraldi/Mendelson) - 2:47

7. Skating (Guaraldi/Mendelson) - 2:27

8. Hark! The Herald Angels Sing (Mendelssohn/Wesley) - 1:55

9. Christmas Is Coming (Guaraldi) - 3:25

10. Für Elise (Ludwig van Beethoven) - 1:06

11. The Christmas Song (Mel Tormé/Robert Wells) - 3:17

12. Greensleeves (Tradicional - Versão: Dix) - 5:26

13. Great Pumpkin Waltz* (Guaraldi) - 2:29

14. Thanksgiving Theme* (Guaraldi) - 2:00

* Na versão em CD de 2012

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OUÇA:

Vince Guaraldi Trio A Charlie Brown Christmas

por Daniel Rodrigues

Wayne Shorter - “Speak no Evil” (1965)

“Wayne Shorter continua e evoluir

para explicar tudo aquilo

que as pessoas levam dentro de si.”

Herbie Hancock

Já escrevi sobre o saxofonista Wayne Shorter e o pianista e tecladista Herbie Hancock para a seção ÁLBUNS FUNDAMENTAIS mais de uma vez. De Shorter, sobre o hipnotizante "Night Dreamer", afora "The Sidewinder", no qual integra a banda de Lee Morgan. De Hancock, falei do suingado "Empyrean Isles" e do esplendoroso "Maiden Voyage", além de outras menções invariavelmente merecedoras. Porém, tanto um artista quanto outro tem, principalmente nos anos 60, vários discos (se não todos dessa época) que podem figurar numa lista de essenciais. Suas produções, seja como band leaders ou em participações, são extremamente ricas e fecundas. Outro trabalho dessa leva e de suma importância tanto quanto estes ou até mais em certo aspecto é o por mim já citado neste blog "Speak No Evil", de 1965. Aqui, com Shorter à frente, o amigo Hancock assume o piano junto com o primoroso acompanhamento de outros três mestres: o do baixo acústico, Ron Carter, o do trompete, Freddie Hubbard, e o da bateria, Elvin Jones. Às vésperas de finalmente assisti-los ao vivo pela primeira vez – e os dois numa vez só! –, acho digno relembrar uma das icônicas parcerias entre essas duas lendas vivas do jazz.

A começar pela enigmática capa de Reid Miles (para mim a melhor arte de todos os tempos da discografia jazz norte-americana),“Speak no Evil”é puro refinamento. Seja nas composições, nos arranjos, nas harmonias, nos estilos de tocar. E é um dos mais felizes momentos de comunhão entre esses músicos, todos filhos musicais de Miles Davis, porém, ainda mais, no que se refere a Shorter e Hancock, duas figuras basais para o jazz contemporâneo que seguiriam mudando em vários momentos a cara da música moderna. Aqui, a revolução já estava em plena combustão. As seis composições de Shorter presentes no disco ajudaram a definir um novo estilo dentro do jazz naqueles meados de anos 60, numa fusão da força muscular concentrada do hard bop com os intervalos surpreendentes e melodias muitas vezes suspensas sobre o compasso. O resultado disso foi a cunhagem de um novo ”Birth of the Cool", uma mistura ímpar de contenção e liberdade que criou um contraste marcante entre temas arejados e outros de uma tensão calculadamente equilibrada.

“Witch Hunt”, com o início marcante do duo entre Shorter e Hubbard, começa na melhor atmosfera cool, algo sinalizado pelo piano de Hancock, que se mantém num tom moderado. O sax dá a largada exercitando um solo de pura consciência de ritmo e variações. Equilíbrio nas tensões e distensões. Sua exatidão remete ao piano de Thelonious Monk. Seu som é tão amplo e perfeitamente pronunciado que mal se percebe quando o trompete entra. Sensação que, no entanto, logo se corrige: é Hubbard quem está no solando agora. Acelerando e intensificando, ele imprime um leve desnorteio àquele cosmos mas, igualmente inteligente, não deixa escapar o tema. A emoção é captada com ainda mais astúcia por Hancock, que desmancha os dedos sobre o piano. Claro e denso ao mesmo tempo. Tudo isso desenhado pelo dedilhado trasteado de Carter. Ao final, no último chorus, Shorter estoura com parcimônia o agudo do sax enquanto o restante se mantém, demonstrando mais uma vez o controle conceitual do álbum em seu casamento de leveza e energia.

Agora é Hancock quem dá os primeiros acordes, mostrando que, mesmo num projeto de Shorter, parceiros como ele têm participação fundamental. O pianista determina o andamento lento e elegante de ”Fee-Fi-Fo-Fum”. Carter segura um blues de alta capacidade de leitura melódica. Que tema charmoso! O riff, em chorus, é repetido uma vez e, quando parece que vai se diluir, um rolo em crescendo de Jones sinaliza para Hubbard, que já salta em uma nota aguda para depois compor um solo emotivo. Shorter acata a mesma ideia, ora repetindo o tema, ora injetando mais respiros entre uma frase e outra. Porém, tomado pela emotividade, há o momento em que a acentua a seu modo, gerando ostinati típicos de seu estilo. Após uma breve participação de quem começou tudo aquilo, Hancock, o chorus é repetido com a mais alta precisão, desfechando com o tradicional titilar nos pratos de ataque.

A cadência leve de ”Fee-Fi-Fo-Fum” é pega emprestada para o tema seguinte, “Dance Cadaverous”. No entanto, não em um clima ameno mas, sim, num muito mais denso e etéreo, trazendo ao cool uma nova dimensão de sobriedade. Hancock dispara acordes que se dispersam dos sopros, acima deles, enevoando o ambiente. Jones, de pura sensibilidade, usa baquetas de madeira quase apenas nos pratos e o chipô; quando muito, na caixa. Já Carter entrega ao ar ressonâncias estendidas. Mas é Hancock quem norteia a melodia. Nada mais natural, então, do que ele mesmo começar solando. É de seu dedilhar e da textura do piano que se constitui a essência fantasiosa da canção, o que Hancock elabora em variadas cores, seja remetendo ao classicismo de um Gershwin, dando pinceladas do atonalismo de vanguarda europeia ou se apropriando da sutiliza romântica de Chopin. A personalidade lírica e ao mesmo tempo “cadavérica” do tema dá a Shorter argumento suficiente para este transitar entre dissonâncias e relevos no improviso. Música levemente perturbadora – ou seria instigantemente deliciosa?

Mais emblemática ainda é a faixa-título, em que Shorter e Hubbard já largam arrebatados e impecavelmente sintonizados. Eles executam um riff em tempo 4/4 no qual ainda brincam com a extensão do acorde e o perfil sonoro, mantendo e variando a intensidade do corpo do som até sua queda e iniciarem um novo ataque. Como se não bastasse, o restante da banda também se esmera. Jones, bluesy por demais; Carter, preciso, preenchendo os espaços; e Hancock: ah, Hancock! Que maestria! Se em ”Fee-Fi-Fo-Fum” e “Dance Cadaverous” sua contribuição é claramente notada, em “Speak No Evil” ele voa. Figuras soltas, oníricas, encadeamentos, glissandos, quase à parte do restante dos companheiros. Nos improvisos, os solistas expandem a coloração sobre a base modal, cada um a seu jeito: Shorter, buscando a pureza dos sons, pautado por uma brandura inquieta; Hubbard, criativo como sempre, repetindo frases de seus mestres; e, por fim, Hancock, ágil e impermanente, delicadamente impiedoso.

Mais uma balada doce e sensível, “Infant Eyes” se constrói a partir dos primeiros acordes do piano, o qual chama o sax para fazer-se conhecer a melodia. Sopros extensos e sentidos, como deve ser um bom tema romântico. Shorter o conduz sem pressa por quase 5 min dos 6’54 da faixa, entre riff e improviso, os quais, difusos, se diluem. Única sem solo de Hubbard, nela cabe a Hancock quebrar a fala enfeitiçada de Shorter, o que não dura muito tempo, pois o líder, sedento por expor o sentimento de seu sax, volta para dar os últimos acordes. “Wild Flower”, com algo de oriental como sugere a capa, desfecha na mesma atmosfera elegante de todo o álbum: sobriedade e coração. Repetindo a ordem, primeiro Shorter, depois, Hubbard e, por último, Hancock, todos sob a base rítmica e harmônica cunhada por Carter e Jones. Terminava ali a sessão registrada no Natal de 1964 nos estúdios Van Gelder, em Nova York, e posta em acetado meses depois.

A fase era tão boa que somente aquele ano de 1965 contaria com outros três discos igualmente antológicos de Wayne Shorter: “The Soothsayer”, “Et Cetera” e “The All Seeing Eye”. Hancock, igualmente, estava voando baixo, compondo discos solo, trilhas, fundindo a música pop ao jazz de maneira inseparável. A dupla voltaria a se encontrar em vários outros projetos, fosse nos sessentistas “Adam’s Apple” e “Schizophrenia”, de Shorter, fosse compondo a banda de Miles (“Smiles”, "In a Silent Way", “Big Fun”, “Water Babies”, entre outros), nos discos da V.S.O.P. ou nos trabalhos de Milton Nascimento (“Native Dancer”, “Courage”, “Raça”). A última vez que entraram juntos num estúdio foi para o disco-duo “1 + 1”, de 1997 e, agora, afinados como são há meio século, retomam a parceria para uma turnê que passa pelo Brasil. Nada mais pertinente, portanto, que ouvir – ou reouvir, àqueles que conhecem – uma das obras-primas em que ambos trabalharam juntos. Speak no evil: only, listen.

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FAIXAS:

1. Witch Hunt - 8:11

2. Fee-Fi-Fo-Fum - 5:54               

3. Dance Cadaverous - 6:45

4. Speak No Evil - 8:23

5. Infant Eyes - 6:54       

6. Wild Flower - 6:06

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OUÇA O DISCO

Wayne Shorter Speak no Evil

por Daniel Rodrigues

Wayne Shorter - "JuJu" (1965)

“Quando escrevi a música 'JuJu', 

estava pensando na África. 

Sua estrutura é um pouco reminiscente da simplicidade de um canto africano”. 

Wayne Shorter

A cultuada banda formada pelo pianista McCoy Tyner, o baterista Elvin Jones e contrabaixista Jimmy Garrison ficou conhecida como o trio que acompanhou John Coltrane no seu período áureo por quase cinco anos. Mas, na prática, embora o êxito desse encontro e o longo período de parceria com o saxofonista autor de “A Love Supreme”, as coisas não eram assim tão exclusivas. Se e a afinidade musical fazia com que ganhassem essa marca junto a Coltrane, a mesma qualidade lhes garantia sucesso em outros projetos. Afinal, o período, primeira metade dos anos 60, era o de maior fertilidade do jazz pós-bop e, além do mais, os músicos da época conviviam e se trocavam sadiamente. Tanto que, praticamente a mesma banda, com ocasionais substituições, é responsável por discos como “Matador”, do guitarrista Grant Green (1964), “McCoy Tyner Plays Ellington”, de Tyner (1963), e outro magnífico álbum da época: “JuJu”, em que o grupo apoia outro mestre do sax alto: Wayne Shorter.

Com o mesmo vigor e brilhantismo que os faz ostentar a aura de melhor quarteto de todos os tempos do jazz, Tyner e Jones, desta feita acompanhados por outra fera do baixo, Reggie Workman, montam o palco ideal para a exibição de Shorter em “JuJu”. Numa estrutura parecida com seu disco imediatamente anterior, a obra-prima “Night Dreamer” (1964), que contava com esse mesmo time de músicos, “JuJu” inicia, assim como na abertura do outro disco, com uma intensa faixa-título. Trata-se de um bop modal em que ninguém fica para trás, nem band leader nem seus acompanhantes. O trio da “cozinha” não poupa, esbanjando inventividade nas variações sobre a escala. Tyner solta ataques abertos nas teclas brancas; Jones, polirrítmico, engendra um compasso 3/6 cheio de variantes; Workman, por sua vez, desliza os dedos em impulsos constantes sobre as cordas. Mas tudo, claro, a serviço do sopro de Shorter. Majestoso. Altivo. Carregado. Inspirado nos ritos religiosos da África ancestral (o ritual “voodoo” é a versão para “juju” no Haiti), é ele quem – com exceção do solo de Jones no meio do número – preenche do início ao fim a faixa unindo lirismo e ferocidade, disciplina e instinto.

O toque fugidio e aparentemente impreciso da abertura de “Deluge”, o tema seguinte, revela, assim que a melodia se define, que aqueles acordes eram, sim, sua assinatura. Jazz elegante e bluesy, tem um dos mais bonitos riffs criados por Shorter, exímio melodista autor de boa parte de seu próprio repertório e cujas músicas foram gravadas por vários outros artistas, de Miles Davis a Chick Corea. Assim como "Oriental Folk Song", também uma segunda faixa, no caso, no referencial “Night...”, “Deluge” guarda certo exotismo e mistério. Por contar apenas com o sax de Shorter como metal, assim como ocorre em todo o disco, a canção traz a marca forte do seu autor, que tem liberdade para desenvolver os improvisos sem “dividir” o tempo/espaço com outro solista (como em “Night...”, onde o trompete de Lee Morgan faz o segundo sopro). É Shorter brilhando livre com o rico amparo da estelar banda.

Caso da romântica “House of Jade", daquelas baladas dilacerantes de Shorter tal qual “Virgo”, igualmente terceiro número do disco anterior e cujo sentimentalismo é tão arrebatador quanto. Tyner está especialmente clássico, mostrando o quanto ele e outro genial pianista contemporâneo seu, Herbie Hancock, dialogavam. Nota-se Gershwin e Rachmaninoff no seu dedilhar onírico e inteligente, sabendo preencher o espectro sonoro com delicada precisão. Jones, capaz de oscilar da intempestividade à doçura, arrasta e bate a escovinha de leve, quando não solta a baqueta com mais intensidade nos pratos e na caixa. Workman, por sua vez, impecável ao extrair um blues triste do baixo, quase choroso. E Shorter, então?! Quanta beleza! Sopradas lânguidas, macias mas bem pronunciadas, variando das mais inventivas formas o tema central. A 3min30’, uma ligeira guinada para um blues mais embalado, quando se acelera levemente o compasso. Não o suficiente, contudo, para tirar-lhe o caráter lírico. Tyner, a pouco menos de 5min, ensaia um breve solo para, então, Shorter retornar e fechar com a mesma carga sentimental que rege “House of Jade".

Caso também de "Mahjong". Nesta, é a bateria que dá o tom, abrindo a faixa com variações de tan-tan e prato num ritmo sincopado, exótico. Tyner entra com um 3/2 modal como é sua especialidade. Aí, novamente, aparece a lindeza do riff de Shorter, em que as sonoridades orientais, tanto da Índia quanto do Extremo Oriente, se revelam mais presentes, igual o fez em "Charcoal Blues" de “Night...”. Após a abertura, Tyner, num dos momentos mais célebres do disco, engendra um solo de mão direita intrincado, enquanto sustenta com a esquerda a base. Parecem dois pianistas tocando – mas não é. Para responder a tal maravilha no mesmo nível, Shorter volta à carga para hipnotizar o ouvinte. Encadeamentos sobre uma escala de apenas 5 notas se dão em profusão, os quais vão se intensificando em figuras ora dissonantes, ora espirais. Totalmente a ver com a inspiração do tema, uma vez que o “mahjong”, um jogo de mesa de origem chinesa, tem peças que envolvem, justamente, imagens circulares.

A embalada “Yes or Not” já diz a que veio quando o sax Shorter larga soltando o riff. Depois, são quase 6min só de improviso, em que ele explora com agilidade escalas de tons inteiros formando relações diversas. No embalo, Tyner improvisa com igual desenvoltura valendo-se das mesmas premissas construtivas.

A talvez menos “espelhada” em relação a “Night...” seja, justamente, a música que encerra o álbum. Enquanto "Armageddon" finaliza aquele disco carregando na atmosfera avant-garde com dissonâncias e arroubos, a charmosa "Twelve More Bars to Go" é, como o próprio título diz, um passeio fagueiro pelas ruas de Nova York atrás de (mais 12) bares para se tomar um bourbon e ouvir um jazz. Bonito detalhe são os lances em que Shorter, na empolgação do improviso, acaba afastando o bocal do sax do microfone, gerando redução no volume da captação. O engenheiro de som, Rudy Van Gelder, com a habilidade e sensibilidade incomum que tinha, sabiamente não “corrige” a diferença nem durante a execução e nem depois. O que para muitos seria uma falha, nas mãos de Van Gelder vira um acerto divino.

Até mesmo a sonoridade límpida e equalizada dada por Van Gelder e a mais uma vez impecável arte de Reid Miles se repetem de “Night...” para “JuJu”, mostrando o quanto Shorter acertara neste conceito de obra, sua primeira pelo renomado selo Blue Note, o qual carrega toda a bagagem do hard-bop e que serviria de modelo para outros trabalhos igualmente inesquecíveis do artista logo em seguida, como “Speak no Evil”, “Etcetera” (ambos de 1965) e “Schizophrenia” (1967). No entanto, “JuJu”, tão mítico quanto estes, é, acima de tudo, um álbum único, haja vista todas essas suas qualidades, que o fazem chegar, bem dizer, à perfeição.

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FAIXAS:

1. "JuJu" - 8:28

2. "Deluge" - 6:49

3. "House Of Jade" - 6:49

4. "Mahjong" - 7:40

5. "Yes Or No" - 6:35

6. "Twelve More Bars To Go" - 5:26

Todas as composições de autoria de Wayne Shorter

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OUÇA O DISCO:

Wayne Shorter - "JuJu"

Daniel Rodrigues

Gal Costa - "Cantar" (1974)

Canto, Recanto

"Gal é uma das grandes

personalidades da nossa história.

As Dunas da Gal, o Vapor Barato, ‘a mulher mais elegante do Brasil’

(no dizer de Danuza Leão na época),

Baby, Divino Maravilhoso, Índia:

todo um mundo brasileiro do qual

não podemos abrir mão

se quisermos ser o que devemos ser."

Caetano Veloso

Caetano Veloso é, como todos sabem, irmão de Maria Bethânia. Mas sua ligação e sinergia musicais com Gal Costa talvez sejam até maiores do que com a cosanguínea. Baiana como ele, poucos anos mais nova mas da mesma geração, foi com Gal que o cantor e compositor gravou seu primeiro disco, “Domingo”, de 1966 – embora o elo, inclusive familiar, já viesse de antes. Além disso, no entanto, foi Gal quem, embarcada com os dois pés no Tropicalismo liderado por ele e Gilberto Gil na segunda metade dos anos 60, manteve acesa a explosão transgressora e criativa aberta pelos tropicalistas quando do exílio da dupla em Londres de 1969 a 1972. Ao contrário de Bethânia – que sempre soube seguir o seu caminho fugindo ao máximo das rotulações e estereótipos –, Gal por escolha não só segurou a barra enquanto única remanescente da formação original da Tropicália durante os anos de chumbo da Ditadura como, mais ainda, avançou a MPB em todos os sentidos, da confluência de estilos e referências (objetivo-fim tropicalista) a, obviamente, sua própria arte maior: a técnica do canto.

Não se começou a falar em Caetano Veloso num texto sobre Gal Costa à toa. Como aconteceria no espetacular "Recanto" – disco de 2012 cujo diálogo estreito com este forma um díptico de 38 anos de ínterim –, é o quase-irmão Caetano quem dá o tom do “cantar” de Gal. Produzido por ele em parceria com outro mestre da retaguarda tropicalista, Perinho Albuquerque, é um disco totalmente maduro da talentosa cantora, já deixando a extravagante e raivosa Gal do início da Tropicália um pouco para trás. Aqui, ela está dona de si, de seu conceito como artista e do posto de maior cantora de seu tempo ao lado de Elis Regina, também no auge à época. E Caetano, dirigindo um projeto para ela pela primeira vez (até então haviam exercido tal função Wally Salomão, Jards Macalé, Rogério Duprat e Guilherme Araújo), é um pouco responsável por esse amadurecimento.

Desfilam pelo disco músicos de primeira linha, como o genial João Donato, o mestre da raça Gil, o “Clube da Esquina” Noveli, o baterista Tuty Moreno e, claro, os próprios Perinho e Caetano. O resultado é um álbum resplandecente, florido como sugere a belíssima arte forjada pelo artista visual Rogério Duarte. A contestação de “Divino, maravilhoso”, a fúria de “Eu sou terrível”, a psicodelia de “Dê um role” ou a estridência de “Meu nome é Gal”, agora, refazem-se, remolduram-se. Estão ali, porém sob outro olhar. Um sopro de pólen colorido no negror dos anos de chumbo.

O começo não é nem um desabroche: é a flor já em pleno estado de vida. “Barato Total”, hit do álbum, é das melhores músicas de Gilberto Gil cujo presente não se encerra somente no fato de este tê-la dado especialmente para a amiga. Gil também empunha o violão durante a faixa, e Gil ao violão sabe-se como é, né? Além de sua altíssima técnica que une a batida de João Gilberto ao ritmo frenético do rock – e mais o congado, o maxixe, o jazz e o baião –, o grande compositor simplesmente arrasa nas cordas, sustentando a melodia num toque swingado e cheio. É tão intenso que, na regravação feita por Gal com a Nação Zumbi, em 2004 (também produzida por Caetano), bastou à banda traduzir para os tambores pernambucanos a batida de violão de Gil. A letra traz, já na abertura do disco, a mesma ideia de ressaltar a beleza da vida para além de toda a situação política e moral do país: “Quando a gente tá contente/ Tanto faz o quente, tanto faz o frio, tanto faz”. E finaliza, numa exclamação: “Quando a gente tá contente/ Nem pensar que está contente a gente quer/ Nem pensar a gente quer, a gente quer/ A gente quer, a gente quer é viver”.

Como todo grande disco, “Cantar” larga com uma de encher os olhos. O que virá a seguir superará ou se equiparará? Pois o lirismo da cantora estava realmente germinado. Ela arrebenta na interpretação da clássica “A Rã”. É a primeira das quatro de autoria de Caetano no disco, e justo uma em parceria com outro personagem fundamental desta obra: João Donato. Ele, além desta, assina o arranjo da canção de ninar que finaliza o disco, “Chululu” (de autoria da mãe de Gal, Mariah Costa, que costumava cantá-la para a filha na infância), e de outras duas: “Até quem Sabe”, só piano e voz, lindíssima e altamente erudita; e “Flor de Maracujá”, um soul funkeado ao estilo de “A Bed Donato” (referencial álbum gravado pelo acreano nos Estados Unidos em 1970). Esta, última do lado A do vinil, dialoga maravilhosamente com a primeira da segunda face: “Flor do Cerrado”, que, assim como “Barato Total” é das melhores composições de Gil não gravadas por si próprio, também é das mais belas de Caetano nunca registradas por ele mesmo. Letra de poesia caetaneana, vocal cristalino de Gal e uma rica incursão do autor contracantando “Garota de Ipanema”, de Tom e Vinícius. No refrão, ainda, Gal, afinadíssima, executa um portamento de notas muito bonito e técnico, subindo gradualmente até finalizar lá em cima da escala na última palavra: “Mas da próxima vez que eu for a Brasília/ Eu trago uma flor do cerrado pra você”.

Antes, entretanto, o primeiro lado ainda guarda duas ótimas faixas. Lua, lua, lua, lua”, mais uma de Caê, que, junto com outra que vem mais adiante, “Joia” (um espetacular trabalho de percussões africanas e piano monotonal que antecipa trabalhos de Caetano de 1997 e 2000, “Livro” e “Noites do Norte”, respectivamente, quando ele aproxima a vanguarda erudita às raízes da África), foram gravadas por Gal um ano antes do próprio usá-las no seu disco – por sinal, intitulado “Joia”. E diferentemente da versão barroca que gravaria para si, “Lua...” traz um elemento interessantíssimo: sob a voz dela, Caetano exercita uma espécie de beat-box, expediente que o mesmo se valera na concepção da trilha sonora do filme “São Bernardo”, dois anos antes, encomendada pelo cineasta Leon Hirszman a ele quando ainda no exílio.

A outra maravilha que completa a primeira parte de “Cantar” é “Canção que morre no ar”, clássico da bossa-nova de Carlos Lyra e Ronaldo Bôscoli, somente com a voz e um apaixonante e ornado arranjo de cordas de Perinho e regência de Mário Tavares. Aqui, Gal encarna Billi Holliday acompanhada da orquestra de Ray Ellis em "Lady in Satin"; Ella Fitzgerald conduzida pela batuta de Nelson Riddle em “Sings the George and Ira Gershwin Songbook”; ou Dalva de Oliveira com o conjunto sinfônico de Roberto Inglez. Gal está jazzística e lírica em seu timbre de soprano. A letra faz uma fusão entre as atmosferas lunar e flórea do disco como um todo: “O mundo é sempre amor/ O pranto que desliza/ No seio de uma flor/ É a luz lá do céu”.

Também síntese do álbum é “O Céu e o Som”, do cantor, compositor e poeta Péricles Cavalcanti. Ritmada e gostosa, contrapõe cantos entre ela e um coro masculino (que desconfio seriamente serem Os Golden Boys, embora não haja crédito disso). “Cantar, cantar/ Há uma asa na alma no ar/ Me ensina a cantar, amor”. E, lá pelas tantas, perguntam retoricamente: “Quem foi que disse que a mulher não voa?” Voa, sim.

Tanto voa que, antes de terminar o disco, Gal faz o ouvinte levitar no sensualíssimo jazz “Lágrimas Negras”, composição de Jorge Mautner e Nelson Jacobina. Das melhores do álbum, sua cadência suave remete (e serve muito bem para isso, diga-se de passagem) ao momento de uma transa embalada ao ritmo da guitarra-ponto dedilhada por Perinho. E quando Gal, diz, num compasso hiper sexy: “E você, baby, vai, vem, vai...”, é de arrepiar até o tal “astronauta da saudade” mencionado na letra!

“Cantar” gerou um show que não foi bem recebido pelo público por ser taxado de “muito suave”, contrastando com a imagem forte que a cantora criara a partir do movimento tropicalista. À época, bom que se lembre, artistas de sucesso como ela eram exigidos pela opinião pública burra de permanente e abertamente lutarem contra a Ditadura na concepção de suas obras. Queriam canções de protesto, não arte. Uma bobagem tamanha, uma vez que a premissa do artista é exatamente a liberdade tão desejada por estes que os retalhavam. Afora isso, visto noutro enfoque, há formas distintas de se lutar e se engajar sem necessariamente bater de frente com a força bruta – e sair perdendo, como geralmente acontece. Foi o que Gil e Caetano, enquanto tropicalistas como ela, fizeram a seu modo. E venceram. Hoje, completando 40 anos de seu lançamento, “Cantar” é um trabalho de uma riqueza descomunal que tem ainda muito a se revelar e cuja participação destes protagonistas foi fundamental. Uma flor que não morreu e ainda colore o jardim de quem entende que “o caminho do céu” está “no caminho do som”. Gal nos ensina a cantar e voar.

"Barato Total" - Gal Costa

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FAIXAS:

1. Barato Total (Gilberto Gil) - 3:48

2. A Rã (Caetano Veloso, João Donato) - 3:52

3. Lua, Lua, Lua, Lua (Veloso) - 3:02

4. Canção que Morre no Ar (Carlos Lyra, Ronaldo Bôscoli) - 1:50

5. Flor de Maracujá (Veloso/Lysias Ênio) - 2:56

6. Flor do Cerrado (Veloso – música incidental: “Garota de Ipanema”, Tom/Vinicius) - 3:13

7. Joia (Veloso) - 3:24

8. Até Quem Sabe (Ênio/Donato) - 3:39

9. O Céu e o Som (Péricles Cavalcanti) - 3:00

10. Lágrimas Negras (Jorge Mautner/Nelson Jacobina) - 3:31

11. Chululu (Mariah Costa) - 0:56

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Ouça:

Gal Costa Cantar

por Daniel Rodrigues