Final de ano é época de listas. Tem lista de tudo, lista de coisas pra realizar no próximo ano, lista de presentes, lista de reforços pos times, listas de filmes e chove de listas de melhores músicas e álbuns por aí. E sendo final de ano e de década, mais aparecem listas ainda.
Duas das mais conceituadas publicações do ramo musical não poderiam deixar de apresentar as suas de Melhores Álbuns da Década. Particularmente acho que desde o final dos 80, início dos 90 a coisa anda piorando e cada vez menos se vê coisas muito boas, mas é lógico, sempre surge algo legal. Não são muitos mas tem.
A Rolling Stone por exemplo, pôe Radiohead com seu “Kid A”, na primeira posição, com dos melhores da década. Particularmente, não gosto nem desgosto muito do Radiohead. Perdi a paciência com eles depois do bom “Ok, Computer” e desde então não dou muita bola pros caras. Vou tentar ouvir este “Kid A”. Destaques, pra mim, para o ótimo e marcante “Is This It” dos Strokes na segunda posição e para "Elephant" dos White Stripes, destacado há alguns dias aqui neste blog, ocupando o quinto posto. Atenção para o também destacado (entusiasticamente) aqui no Spin 1/2, "Oracular Spectacular" do MGMT que para mim é o que de melhor aconteceu nos últimos anos, que aparece na 18° posição.
Sinal de que a coisa não anda muito boa é que Bob Dylan aparece duas vezes na lista entre os 20. A essas alturas cantando como uma velha, NÃO PODE! É apelar pras velhas novidades porque não tem nada muito melhor.
Mas outra que apresentou sua listinha da década, da qual gostei mais, foi a New Musical Express que tasca o mesmo “This Is It” dos Strokes na primeira, seguido de Libertines com “Up the Braket’ na segunda e o bom "XTRMNTR" do Primal Scream com o bronze. Outros destaques para mim são PJ Harvey com “Stories from the City, Stories from the Sea” em 6° que não é o melhor dela mas vá lá; Stripes que aqui aparece em 18° com o mesmo “Elephant” e em 19° com ”White Blood Cells”, The Horrors, outra das boas novidades dos últimos anos com "Primary Colours" como 68 e não contando com tanta generosidade como a da Rolling Stone, na NME "Oracular Spectacular" do MGMT só pegou a centésima posição.
Confira abaixo as 10 mais de cada publicação:
Rolling Stone:
1. Radiohead: Kid A 2. The Strokes: Is This It 3. Wilco: Yankee Hotel Foxtrot
4. Jay-Z: The Blueprint
5. The White Stripes: Elephant
6. Arcade Fire: Funeral
7. Eminem: The Marshal Mathers LP
8. Bob Dylan: Modern Times
9. M.I.A.: Kala
10. Kanye West: The College Dropout
New Musical Express:
1. The Strokes: This Is It
2. The Libetines: Up the Bracket 3. Primal Scream: XTRMNTR 4. Arctic Monkeys: Whathever People Say I Am, That’s What I’m Not
5. Yeah Yeah Yeahs: Fever to Tell
6. PJ Harvey: Stories from the City, Strories from the Sea
7. Arcade Fire: Funeral
8. Interpol: Turn on the Bright Lights
9. The Streets: Original Pirate Material
10. Radiohead: In Rainbows
e juntamente o esforço de compor alguma coisa ao sabor clássico,
uma página que fosse, uma só, mas tal que pudesse ser encadernada entre Bach e Schumann."
trecho do conto "Um Homem Célebre"
de Machado de Assis
De um modo geral, procuro nunca nutrir expectativas quanto a artistas. O
que ele já fez e eu goste me basta, e o que vier de bom pela frente é lucro. Porém,
a uma exceção me permito: Beck Hansen, autor do espetacular “Odelay”, de 1996.
Sem exagero, Beck ficou ali-ali para parear com gênios da música norte-americana
como Stevie Wonder, Gil Scott-Heron, Bob Dylan ou Tom Waits mas, parecido com o
personagem Pestana do conto “Um Homem Célebre”, de Machado de Assis, nunca superou a si mesmo – e provavelmente não o fará mais talvez por
autobloqueio. Beck despontou na cena alternativa no início dos anos 90 já
prometendo. Veio numa crescente e trouxe ao showbizz o excelente “Mellow Gold”,
de 1994, difícil de superar. Mas ele superou. Para mim o maior disco da música
pop da sua década, “Odelay” é uma obra radicalmente criativa, transgressora e
crítica, um disco caleidoscópico que traz em si todas as referências musicais
possíveis e imagináveis, num caldeirão sonoro de composição, execução e
produção na mais absoluta sintonia.
A coisa toda já começa tirando o fôlego com “Devils Haircuit”, pós-punk
com um riff repetitivo carregado de distorção, um sequenciador eletrônico propositadamente
simplório e muitos, mas muitos samples, colagens, efeitos de mesa, tudo que se
possa imaginar. Impressionante. “Hotwax”, na sequência, começa com uma viola
caipira e muda direto para um inusitado rap-folk. E assim o álbum segue, pois tudo
cabe nesta “desordem organizada” criada por Beck: folk, funk, blues, hardcore,
rap, indie, soul. As faixas são como uma
montanha russa, pois tudo pode mudar a qualquer momento. E muda. Alta riqueza
de texturas, sonoridades, ritmos, notações. Um barroquismo moderno esculpido
por psicodelia e experimentalismo. Assim é “Lord Only Knows”, que inicia com um
grito ensandecido e passa, como se nada tivesse acontecido, a uma balada folk desenhada
pelos lindos canto e voz de Beck.
“Derelict”, densa e percussiva, tem um tom dark com seus elementos
indianos e árabes, lembrando as peças étnico-pop de David Byrne e Brian Eno de "Remain in Light" e "My Life in the Bush of Ghosts".
Já “Novacane”, outra magnífica, é um rock carregado cantado como hip-hop, com
um baixo pesado e bateria marcada, ao estilo do new-rock inglês de Stone Roses e Primal Scream e um riff feito apenas na modulação da distorção da guitarra no
amplificador, uma ideia estupenda. Porém, o que parece num primeiro momento uma
execução de músicos cai por terra quando entra sem aviso um sample que
substitui tudo, voltando, logo em seguida, ao andamento anterior. Ou seja: uma
quebra que serve para mostrar que tudo era apenas um produto artificial. Para causar
ainda mais espanto, a música, em sua parte final avança para uma tensão de ruídos
que se transformam num ritmo de break, como que saído de um Nintendo,
terminando deste jeito: noutra textura e absolutamente diferente de como
começou. É como se Beck pusesse à prova o que é tocado e o que não é, pois em
todo o disco é quase impossível definir isso com exatidão, como se fosse uma
música feita de plástico.
Esse conceito de reciclagem está também em “Jack-Ass”, mas em forma de
tributo, visto que, num lance, Beck homenageia dois mestres da música pop
universal: Van Morrison e Bob Dylan. Do primeiro, ele sampleia a linda base de"It's All Over Now, Baby Blue",
um clássico de Dylan que Morrison versara para o Them em 1966. E o mais
importante: o faz sem parecer preguiça ou falta de criatividade, pois recria
uma nova música – ao estilo Dylan, propositadamente – em cima da melodia de uma
outra recriação, a do Them, num processo semiótico. “Where it’s At”, hit do
disco, é mais uma brilhante. Inicia com o chiado de uma agulha sendo posta
sobre um vinil, que dá lugar a um soul retrô originalíssimo com direito a
scratchs, samples diversos, ruídos, microfonias e um refrão pegajoso.
Pra não deixar que a coisa desvirtue para uma palhaçada pretensamente
“cabeça”, “Minus” vem mostrar que rock bom é rock básico e sem firula. Sonic Youth na veia: seca, às guitarradas, voz furiosa e ritmo punk mantido na linha
do baixo, que rosna. Depois, “Sissyneck”, uma mistura de folk e eletrofunk, assonante
e harmonicamente complexa, mas com um refrão saboroso e totalmente agradável ao
ouvido. Já “Readmade” segue a linha de massa sonora, com muitos efeitos,
texturas e trabalho de estúdio, descendo o tom do disco novamente como foi em
“Derelict”. Sóbria, traz curiosamente em seu sample de destaque uma frase
sonora de “Desafinado”, clássico de Tom e Vinicius na versão de Sérgio Mendes.
Quase terminando o álbum, Beck sai com outra joia: “High 5”. Um break
dance ao estilo Afrika Bambaata em que não faltam scratches, efeitos de voz e,
claro, guitarras pesadas. Referências aparentemente díspares convivem e se
entrosam perfeitamente nesta faixa. Inicia com um violão na batida de
bossa-nova, que, em seguida, dá lugar às vozes de Beck e outros rappers com vozeirão
de negrão do Harlem. Lá pelas tantas, o andamento é interrompido para entrar um
trecho de... “O Lago dos Cisnes”! Como se não bastasse, depois de voltar no que
era e de uma breve incursão daquela mesma melodia com som de videogame barato que
desfecha “Novacane”, Beck adiciona a “High 5” cuícas de samba, encontrando a
tal “batida perfeita” que Marcelo D2 tanto procura mas sem precisar fazer
marketing disso.
Toda essa variedade torna “Odelay” quase uma obra aleatória, uma “obra
aberta”, como definiria Umberto Eco. Aí entra uma das grandes questões que o
disco levanta: ele questiona o papel do músico moderno diante da tecnologia e
das novas formas de interação social através das mídias. É impossível o músico
hoje ter total autenticidade de sua obra, pois esta, mesmo que ele não queira,
será afetada pelos efeitos externos da vida contemporânea. Trata-se de uma nova
autenticidade, a das TVs cuspindo publicidades e Big Brothers, do lixo
eletrônico, do lixo pornográfico, do lixo midiático, do lixo sonoro. É “a nova
poluição”, termo que dá título a uma das mais geniais faixas do disco: um drum
n’ bass, espécie de “Tomorrow Never Knows” pós-moderno, mantido numa base
inteligente de guitarra e colagens sem receio de esconder as “sujeiras”. Ou
seja, é possível escutar os remendos entre um sample e outro de propósito.
Sinal dos novos tempos, em que o músico não pode mais esconder que sua música
se vale de elementos que estão além dele próprio. É a “estética do arrastão”,
como diria Tom Zé.
Fechando o disco, depois de todo esse arsenal de sons e ideias, Beck dá
um novo recado aparentemente contraditório: o de que, se o papel do músico-autor
ficou mais subjetivo hoje, não quer dizer que ele não tenha ainda espaço para
compor “à moda antiga”. É isto que está incutido em “Ramshackle”: acústica, só
nos violões, voz e percussão. Sem sequem qualquer efeito de computador. O que
seria um final “tradicional”, num disco como “Odelay” se torna ainda mais
transgressor.
Isso que Beck trouxe em “Odelay” não é necessariamente uma novidade. Miles Davis já anunciava tal fusão conceitual no final dos anos 60 com "Bitches Brew"
na mesma época, Milton Nascimento e a galera do Clube da Esquina, assim como os
tropicalistas, já experimentavam toda essa musicalidade, só que com aparato
técnico mais deficiente; Prince e David Bowie também já formularam com precisão
essa química. Beck mesmo já mostrara muito disso no seu trabalho anterior, e os Beastie Boys já faziam tal mescla de estilos e referências numa roupagem
moderna desde Paul’s Boutique, de 1989. Mas Beck apresenta tudo isso com uma
maestria diferente, denso, original, além de manter um senso de ironia
constante uma vez que interroga a fundo a sociedade de massas, seu massacre de
informações e imagens, suas ideologias distorcidas, suas ideias que se tornam
abstratas de tão sem sentido. E ele faz isso reciclando tudo que já fora
produzido em música pop até então, gerando um produto pós-moderno incrivelmente
bem acabado.
Depois de “Odelay”, Beck caiu na pior armadilha que um artista pode
cair: a de supervalorizar a sua arte. Passou a fazer trabalhos sempre apontando
para um nível técnico altíssimo, sem, contudo, concentra-se no que interessa: a
alma da obra. Neste sentido, lembra o dilema de Pestana, do conto machadiano, que,
descontente por compor apenas polcas, tentava, mesmo com o sucesso popular
destas, produzir em vão uma obra “respeitável”, a qual, no entanto, não
conferia com seu espírito. É parecido com o que aconteceu com Beck: por causa
de uma ideia genuína bem executada, “Odelay”, ele passou a inverter a lógica, ou
seja, a tornar forçadamente uma boa execução numa ideia genuína. Já deu várias
provas disso, sendo a última em 2012, quando lançou seu novo disco. Só de
partituras (!). Nada consumível ou próximo do público como foram seus triunfos
com “Mellow Gold” e, obviamente, “Odelay”, que, se não tem substituto até hoje,
é porque talvez ele mesmo, Beck Hensen, não se disponha a superá-lo. Pelo menos, é o que se percebe: enquanto Pestana tinha neura em se superar, Beck tem medo do autoenfrentamento.
Uma das coisas mais impressionantes que já presenciei em um show de
música foi numa apresentação de Naná Vasconcelos. Algo tão impressionante que
me leva a relativizar, inclusive, os termos que acabo de usar: “apresentação” e
“show de música”. Não me refiro necessariamente à emoção de assistir a um
artista que se gosta, o que, por si, já causa impressão. Naná foi um deles,
assim como foi Paul McCartney, Gilberto Gil, Morrissey, Maria Bethânia, Helmet, Di Melo, The Cure, Monarco, Primal Scream, Milton Nascimento, e por aí vai. Só
vê-los num palco, gigantes que se tornam – alguns, de baixa estatura como Caetano Veloso ou Vitor Ramil, mas enormes entidades quando cantam –, é um
momento especial.
Refiro-me a outra coisa. Esse show de Naná foi em 2010, no Salão de
Atos da UFRGS, em Porto Alegre. A começar, não havia mais ninguém no palco:
apenas o gênio pernambucano (mais um deles) cujos tambores e percussões foram responsáveis
por virar de ponta-cabeça a música do século XX com sua arte originalmente
universal, forjada no âmago mais recôndito da África negra mas sensivelmente
generoso aos sons de todo o mundo. Tudo que se fala hoje em termos de inclusão,
diversidade, cosmopolitismo e até sustentabilidade estavam presentes desde
sempre na música de Naná. As reminiscências da humanidade estão preservadas em
seus sons, a manifestação inata e orgânica do corpo em movimento também, assim
como entenderam Meredith Monk, os tap dances norte-americanos, Dorival Caymmi, Violeta Parra, os bluesmans do Mississipi.
Pois, por toda essa complexidade – extremamente natural de ser sorvida
e apreciada com a maior das facilidades –, questiono que aquilo tenha sido uma
“apresentação” e necessariamente de “música”. Ele, sozinho no palco, rodeado de
alguns instrumentos percussivos (não muitos), não simplesmente apresentou, mas
experenciou algo a nós, plateia. E não somente um show, o que seria simplório,
mas, por cerca de 1 hora, vivemos um momento de humanidade. Conversou e contou
histórias com a simplicidade contrastante de um tímido acostumado a comandar
públicos há décadas. Mas, principalmente, tocou. Tangeu, atritou, bateu,
produziu sons. Ele e instrumentos eram a mesma coisa. Do mesmo barro.
Independia a nós, que ouvíamos sua arte e certamente, antes de mais nada, a ele próprio, se os sons emanavam do seu aparelho
vocal, do berimbau, da pancada com as mãos em sua própria pele ossuda e
ressonante ou da sua respiração. Ecos, reverberações, estampidos, fala,
raspados, vibrações: tudo de igual origem.
Provavelmente só vira tal integração natureza/homem quando assistira
Monk ano passado, quando esta recolhera o repertório de 50 anos de pesquisas e
aprofundamento de sua “música impermanente”. Com Naná, entretanto, a
comunicação foi maior. Costumaz colaborador de tantos e tantos artistas e
bandas pelo mundo, em realidade não precisava de mais ninguém num palco. Quando
o vi, havia Naná e centenas de outros. Todos dentro dele. Naquele dia, quem teve
a sorte de estar na plateia – e isso certamente ocorria a muitos e em qualquer
lugar que fosse, dada a generosidade de sua arte – teve a chance de
experimentar essa sensação tão natural a nós, humanos, e, curiosamente, tão inacesssada.
Foi quando, para terminar o “encontro” (nego-me a classificar somente
como “show”), Naná convidou a nós da plateia a produzir o som do Rio Amazonas
quando chove... Sim, o som da água, da chuva caindo no rio e na mata! Como um
maestro – ou um mago –, regeu-nos. Sob seu comando emitimos sons guturais e
batíamos palmas acompanhando um ritmo que ele conduzia em gestos. O resultado foi
algo simplesmente transcendente. Estávamos ali, sim, imitando o som da chuva na
selva. Tornamo-nos água naqueles instantes, rumamos direto para àquilo que nos
forma, que nos rege, aquilo que nos compõem em maioria em termos físicos e
espirituais. Vibramos todas nossas moléculas e as harmonizamos no ritmo das
ondas, sob a orientação dos ventos, sob a influência dos astros. Voltamos ao
útero. Sentimos a pureza.
Não sei do restante das pessoas, mas eu nunca mais fui o mesmo a partir
daquele momento. Mesmo que pouco, aquela experiência me mudou para sempre de
alguma maneira, a ponto de, hoje, quando Naná Vasconcelos deixa esse planeta do
qual tanto compreendeu e simbolizou com beleza, lembrar-me justamente desse
episódio. Ele dizia que nunca iria gravar aquilo, pois era uma experiência para
ser vivida. Eu vivi. E virei água como ele.
Passei daquela fase de ficar procurando bandas novas legais, sons interessantes e tal. Ate' pq, na minha opinião, elas estão bem mais escassas e a busca, chega uma hora, começa a ficar inglória, ate' mesmo.
Atualmente estou esperando as coisas chegarem ate' mim e mesmo assim, passarem por um crivo bem critico e exigente. E elas acabam chegando de uma forma ou de outra. Apesar de não procurar, estou sempre atento ((((Antenas ligadas)))
Desde os anos 90 pouca coisa vem me impressionando a ponto de me fazer comprar CD, ir a show, etc. Nos últimos anos me chamaram a atenção os White Stripes com seu som cheio de blues e singular pela ausência de baixo, especialmente o excelente album "Elephant". Me impressionou também o primeiro disco do Kings of Leon, "Youth and Young Manhood", mas que pelo que andei ouvindo do ultimo álbum não confirmaram as qualidades que apresentavam ali.
Dia desses estou zapeando na TV com meu controle remoto e passando no MTV Hits (que costuma ser um lixo, sempre com aquelas negras gostosas americanas, que fazem a gente ter que baixar o volume pq so' vale a pena ver) me vejo obrigado a parar pq me aparece um daqueles negócios, assim, que impressiona em poucos segundos. Continuo ouvindo e a sensação vai melhorando. E o clipe e' um barato. Umas sobreposições de imagem bem toscas (propositalmente, e' claro) num clima muito psicodélico.
Pronto! Esse me pegou! Espero ate' o final do clipe pra saber o que e' e descubro que a banda chama-se MGMT e a canção chama-se "Time to Pretend". E ai', qdo me interessa vou atras.
Fui pesquisar e trata-se de uma dupla novaiorquina, cujo álbum "Oracular Spectacular", de 2008, foi produzido pelo cara que ja' havia trabalhado com Flaming Lips e Mercury Rev, Dave Friedmann (o que ja credencia bem o disco).
Então fui ouvir o álbum... Cara, e' demais! Das melhores coisas que ouvi nos últimos tempos. Producao caprichada, sonoridade marcante mas sem exageros, um álbum com peso e sofisticação. O clima psicodélico do clipe "Time to Pretend" também comanda o restante do álbum com influencias que vão desde o brit-pop dos anos 90, de bandas como Ride e Charlatans, passando evidentemente por bandas como New Order, Depeche, nos 80, e bebendo de elementos dos 70 também ate' mesmo aos progressivos.
Particularmente, me lembrou muito Primal Scream e Stone Roses, com um pouco mais de eletrônico mas tem toda a sua peculiaridade o que lhe garante originalidade o suficiente para nao virar uma mera colagem de referencias.
Alem da ja' citada "Time to Pretend", que e' uma joia, destaco também a doce e acida "Youth" e a vigorosa "Future Reflections" que fecha brilhantemente o álbum.
Depois de algum tempo, algo que vale a pena ouvir da primeira `a ultima faixa.
Foi tudo meio no susto. Por conta do nefasto AI-5, os militares
endureciam no limite máximo a repressão a comunistas, subversivos e a todo
mundo que lhes incomodava. E isso incluía – ora por serem comunistas, ora
subversivos, ora incomodativos (ora os três) – muitos artistas. Mesmo sem
alcance mental muitas vezes para entender o que reprimiam, os milicos achavam
melhor, por via das dúvidas, manter quem fosse calado. Foi o que aconteceu com Gilberto Gil que, em 1969, junto com seu companheiro de Tropicália, Caetano Veloso foi “convidado” a se retirar do Brasil. O destino foi Londres, onde,
ativo e com senso de oportunidade, Gil se tornou mais cosmopolita do que já era.
Mas não foi Londres que lhe fez assim. O gênio tropicalista saíra de terras
brasileiras com um já vasto repertório que o colocava, já naquela época, entre
os grandes criadores da música mundial. E o pouco falado disco produzido por
ele a toque de caixa antes de se mandar embora é, visto hoje, ano em que o
artista completa 70 anos, um de seus melhores e mais marcantes trabalhos,
moderno do início ao fim.
A começar pelo repertório, tudo foi, de fato, meio no susto. Sem muito
tempo para dar critério à escolha das faixas, Gil apanhou o violão e gravou
tudo num talagaço só. Registrou 12 delas às vésperas de viajar, desde composições
suas a inspiradas regravações, como “17 Léguas e Meia”, de Humberto Teixeira, e
“2001”, de Tom Zé e Rita Lee. Nove delas foram escolhidas, resultando numa playlist magnífica com o que
havia de mais pulsante na MPB da época. O violão de Gil, musical e absurdamente
rítmico, é simplesmente fumegante: consegue evocar numa coisa só a África, a
tradição indígena, a cidade moderna, o rock estrangeiro, a influência barroca,
o Brasil rural. “Cérebro Eletrônico”, rock filosófico que abre o disco em alto
ritmo (“Cérebro eletrônico nenhum me dá
socorro em meu caminho inevitável para a morte”), e “Volks-Volkswagen
Blue”, blues eletrificado no melhor estilo Bob Dylan, são exemplos claros de
sua batida poderosa e vigor de interpretação.
Mas nem tudo foi tão assim de sobressalto. O produtor Manuel Berembein
pegou as masters gravadas por Gil e largou na mão do ensandecido Lanny Gordin,
nas guitarras, Wilson das Neves, bateria, Sérgio Barroso, baixo, e do maestro
Chiquinho de Moraes nos teclados, o qual também fez as orquestrações. Aí, o
“estrago” se completou. Criativos e psicodélicos à altura do autor, eles deram
o corpo que faltava para que o álbum não fosse apenas acústico, mas, sim, um
marco da fusão do rock com a MPB. Tropicalismo puro. O resultado é uma simbiose
perfeita, como se todos tivessem tocando juntos e ainda escolhido o melhor take
para cada faixa.
Muito influenciado por Jimmi Hendrix à época, Gil passou pelas notas de
seu violão e seu modo de cantar essa atmosfera rocker para o restante da banda,
que eleva volume e distorção a todo o momento. “A Voz do Vivo”, de Caetano,
mostra bem isso. Sob um riff super distorcido de Lenny, ruídos espaciais e uma
batida funkeada, lembra (ou melhor, antecipa!) a psicodelia do rock inglês dos
anos 90. O ritmo e a até o jeito de cantar meio insolente, abafado sob a massa
sonora, lembra Primal Scream do "Screamadelica" (1991). Outra que antevê algo
que seria aclamado três décadas depois é “Vitrines”, tecnicamente mais
deficitária mas parecidíssima em ideia, letra e construção melódica com as
“músicas de plástico” de Beck em “Odelay” (1994).
“Futurível” é outra ótima e também bastante vanguarda, com uma letra
inteligente inspirada nos autores de ficção científica da época (Orwell, Bradbury)
que critica o processo de massificação cultural que robotiza o ser humano (“O mutante é mais feliz/ Porque na nova
mutação/ A felicidade é feita de metal”). Finaliza o disco o bate-papo
hiperfilosófico entre Gil e o artista plástico Rogério Duarte (autor da capa,
por sinal) sobre existência, cultura e infinitude, um mosaico sonoro com cara
de “Revolution 9” dos Beatles.
Mas a grande joia é justamente o hit do disco, o partido-alto dedicado,
não à toa, às três gerações-chave do samba (Dorival Caymmi, João Gilberto e Caetano Veloso: “Aquele Abraço”. O “até breve” de Gil para os brasileiros era
uma mensagem direta e sem medo aos militares, que o expulsavam de sua terra, dedicando
uma homenagem ao Rio de Janeiro, símbolo tropical(ista!) de “bossa” e
“palhoça”, de “mata” e “mulata”. Alegre e amorosa, mas forte, lúcida e de alto
comprometimento pessoal. Gil não manda dizer: diz abertamente e com
propriedade. Ao mesmo tempo, manda um abraço para “todo o povo brasileiro”. Um
dos maiores sambas e uma das melhores canções da MPB de todos os tempos, é um
hino, um manifesto que conseguiu não ser barrado pela censura, tamanha sua
força e identificação com o público.
Tudo precisamente instintivo – ou instintivamente preciso, como
preferirem. Afinal, mesmo que no susto, não é por acaso que um disco como esse
sai como saiu. Não com Gil.
Em época de grandes apresentações ao vivo por essas bandas, é interessante também saber com os amigos quais foram os grandes espetáculos musicais que presenciaram. Palco, luzes, a banda ali pertinho, o empurra-empurra, pegar a palheta do guitarrista, filas, subir no palco pra fazer jump-stage, poguear na roda-punk, ir ao camarim, ouvir a banda tocar sua música preferida, são coisas que só quem esteve lá pôde sentir. Por isso, em mais uma dos 5 anos do clyblog, 5 convidados nos contam quais os 5 shows que, de alguma forma marcaram suas vidas.
Com vocês clyblog5+ shows:
1Marcos Rocker Mattos analista de logística e DJ (São Paulo)
"O Peter Murphy, no Carioca Club, foi muito bacana, esse ano."
Peter Murphy em ação, em SP
1. Einstürzende Neubauten - SESC Belenzinho- São Paulo/ SP
2. The Cure - (Hollywood Rock 1996) - Pacembu- São Paulo/ SP
3. Teenage Fanclub (Whisky Festival) - The Week- São Paulo/SP
4. Primal Scream - HSBC Hall - São Paulo /SP
5. Peter Murphy - Carioca Club- São Paulo/ SP
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2Anderson Reis estudante (Porto Alegre)
"O Nightwish foi incrível
mas no Lacuna Coil a vocalista me viu e abanou pra mim."
"Teve vários, mas o ParaNóia foi o primeiro de todos e a minha incursão no movimento Punk RS. Suicidal e Biohazard, no Opinião, foram shows nos quais tive o prazer de abrir, com a Grosseria"
Tá pensando que é só show de rock que é bacana?
Bezerra detonou, na opinião de Lúcio Agacê
1. Insanidade (Festival "Não ParaNóia 0) - Novo Hamburgo/ RS
2. Bezerra da Silva - Auditório Araújo Vianna - Porto Alegre/RS
3. B-Negão com Autoramas (Fórum Social Temático) - São Leopoldo - Porto Alegre/RS
4. Suicidal Tendencies - Opinião - Porto Alegre/RS 4. Biohazard - Opinião - Porto Alegre/RS
Coloquei no blog o primeiro da minha lista do melhores álbuns de todos os tempos e então agora resolvi listar o resto.
Sei que é das tarefas mais difíceis e sempre um tanto polêmica, mas resolvi arriscar.
Até o 10, não digo que seja fácil, mas a concepção já está mais ou menos pronta na cabeça. Depois disso é que a gente fica meio assim de colocar este à frente daquele, tem aquele não pode ficar de fora, o que eu gosto mais mas o outro é mais importante e tudo mais.
Mas na minha cabeça, já ta tudo mais ou menos montado.
Com vocês a minha lista dos 100 melhores discos de toda a história:
1.The Jesus and Mary Chain “Psychocandy” 2.Rolling Stones “Let it Bleed” 3.Prince "Sign’O the Times” 4.The Velvet Underground and Nico 5.The Glove “Blue Sunshine” 6.Pink Floyd “The Darkside of the Moon” 7.PIL “Metalbox” 8.Talking Heads “Fear of Music” 9.Nirvana “Nevermind” 10.Sex Pistols “Nevermind the Bollocks"
11.Rolling Stones “Exile on Main Street”
12.The Who “Live at Leeds”
13.Primal Scream “Screamadelica”
14.Led Zeppellin “Led Zeppellin IV
15.Television “Marquee Moon”
16.Deep Purple “Machine Head”
17.Black Sabbath “Paranoid”
18.Bob Dylan “Bringing it All Back Home”
19.Bob Dylan “Highway 61 Revisited”
20.The Beatles “Revolver”
21.Kraftwerk “Radioactivity”
22.Dead Kennedy’s “Freshfruit for Rotting Vegettables”
23.The Smiths “The Smiths”
24.The Stooges “The Stooges”
25.Joy Division “Unknown Pleasures”
26.Led Zeppellin “Physical Graffitti
27.Jimmy Hendrix “Are You Experienced”
28.Lou Reed “Berlin”
29.Gang of Four “Entertainment!”
30.U2 “The Joshua Tree”
31.David Bowie “The Rise and the Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars”
32.David Bowie “Low”
33.My Bloody Valentine “Loveless”
34.The Stone Roses “The Stone Roses”
35.Iggy Pop “The Idiot”
36.The Young Gods “L’Eau Rouge”
37.The 13th. Floor Elevators “The Psychedelic Sounds of The 13th. Floor Elevators”
38.The Sonics “Psychosonic”
39.Ramones “Rocket to Russia”
40.The Beatles “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”
41.PIL “Album”
42.REM “Reckoning”
43.Love “Forever Changes”
44.Madonna “Erotica”
45.Grace Jones “Nightclubbing”
46.Pixies “Surfer Rosa”
47.Pixies “Doolitle”
48.Rolling Stones “Some Girls”
49.Michael Jackson “Off the Wall”
50.Michael Jackson “Thriller”
51.Beck “Odelay”
52.Nine Inch Nails “Broken”
53.The Fall “Bend Sinister”
54.REM “Green”
55.Neil Young and the Crazy Horse “Everybody Knows This is Nowhere”
56.Kraftwerk “Trans-Europe Expreess”
57.The Smiths “The Queen is Dead”
58.New Order “Brotherhood”
59.Echo and The Bunnymen” Crocodiles”
60.Prince “1999”
61.Morrissey “Viva Hate”
62Iggy Pop “Lust for Life”
63.Pixies “Bossanova”
64.Chemical Brothers “Dig Your Own Hole”
65.Prodigy “Music For Jilted Generation”
66.Van Morrisson “Astral Weeks”
67.Pink Floyd “Wish You Were Here”
68.Muddy Waters “Electric Mud”
69.Sonic Youth “Dirty”
70.Sonic Youth “Daydream Nation”
71.Nirvana “In Utero”
72.Björk “Debut”
73.Nirvana “Unplugged in New York”
74.Björk “Post”
75.Jorge Ben “A Tábua de Esmeraldas”
76.Metallica ‘Metallica”
77.The Cure "Disintegration"
78.The Police ‘Reggatta de Blanc”
79.Siouxsie and the Banshees “Nocturne”
80.Depeche Mode “Music for the Masses”
81.New Order “Technique”
82.Ministry “Psalm 69”
83.The Cream “Disraeli Gears”
84.Depeche Mode Violator”
85.Talking Heads “More Songs About Building and Food”
86.The Stranglers “Black and White”
87.U2 “Zooropa”
88.Body Count “Body Count”
89.Massive Attack “Blue Lines”
90.Lou Reed “Transformer”
91.Sepultura “Roots”
92.John Lee Hooker “Hooker’n Heat”
93.The Cult “Love”
94.Dr. Feelgood “Malpractice”
95.Red Hot Chilli Peperrs “BloodSugarSexMagik”
96.Guns’n Roses “Appettite for Destruction”
97.The Zombies “Odessey Oracle”
98.Johnny Cash “At Folson Prison”
99.Joy Division “Closer”
100.Cocteau Twins “Treasure”
Vim ouvindo hoje, pro trabalho, o "Automatic" do The Jesus and Mary Chain, que mesmo não sendo a obra-prima da banda é um disco bem legal. É o primeiro desde a dissolução da banda de apoio, que contava como futuro-Primal Scream, Bobby Gillespie, permanecendo apenas os irmãos Jim e William Reid à frente de suas barulhentas e distorcidas guitarras, apoiados apenas, na maior parte das músicas por ritmadores eletrônicos e programações de bateria.
O fato de ter que recorrer a estes recursos não fez com que o disco soasse eletrônico ou artificial. Pelo contrário: "Automatic" é rock'n roll puro. É cheio daquelas influências de rockabilly, como em "Coast to Coast"; de Beach Boys, como em "Beetween Planets", e de punk rock em praticamente todas; tudo isso sem abandonar as tradicionais tempestades sonoras que já eram marca registrada da banda desde sua aparição, como na barulhenta "Gimme Hell" e de alguma forma sempre presente em várias outras dos disco."Take It", por exemplo, lá pela metade, parece estar fora de controle como se os ruídos, distorções e microfonias tivessem vontade própria, num exemplo clássico de como o bom e velho rock'n roll se transforma nas mãos dos irmãos Reid.
Mas o grande destaque do disco, e provavelmente o maior sucesso comercial da banda, é "Head On", uma gostosa canção com generosas pinceladas surf-music, que viria a ser gravada depois pelos Pixies e aqui no Brasil, pela Legião Urbana no seu acústico. Clássico!
Como eu disse, não é nenhum disco fora do comum, ainda mais se comparado ao fantástico "Psycho Candy", mas não deixa de ser um disco muito gostoso de ouvir.
E vou então me deliciando com ele hoje no carro.
******************************** FAIXAS: 1."Here Comes Alice" – 3:52 2."Coast to Coast" – 4:13 3."Blues from a Gun" – 4:44 4."Between Planets" – 3:27 5."UV Ray" – 4:04 6."Her Way of Praying" – 3:46 7."Head On" – 4:11 8."Take It" – 4:34 9."Halfway to Crazy" – 3:41 10."Gimme Hell" – 3:18
da posição e para "Elephant" dos White Stripes, destacado há alguns dias aqui neste blog, ocupando o quinto posto. Atenção para o também destacado (entusiasticamente) aqui no Spin 1/2, "Oracular Spectacular" do MGMT que para mim é o que de melhor aconteceu nos últimos anos, que aparece na 18° posição.
: Is This It
m: XTRMNTR
