Abre hoje, aqui no Rio, mais uma daquelas exposições que não dá pra perder de jeito nenhum de um grande nome das artes. Paul Klee, pintor, poeta e ex-membro da renomada e influente escola de artes alemã Bauhaus, estará em destaque, através de suas obras no Centro Cultural Banco do Brasil, na exposição "Equilíbrio Instável". Uma obra versátil e inventiva que passeia por diversos estilos e possibilidades estará à disposição dos visitantes que terão a oportunidade de apreciar, em mais de cem itens, o trabalho de um dos nomes mais significativos da arte moderna do século XX. Como eu disse, é imperdível! Confira abaixo as Informações sobre horários, ingressos, datas, enfim, todo o serviço sobre a exposição.
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Exposição
"Paul Klee - Equilíbrio Instável"
local: Centro Cultural Banco do Brasil - CCBB
endereço:Rua Primeiro de Março, 66 - Centro - Rio de Janeiro /RJ
horário:de quarta a segunda, das 9h às 21 horas
período:de 15/05/2019 a 12/08/2019
ingresso:gratuito (retirada pelo aplicativo Eventim ou na bilheteria do CCBB)
Vocês já imaginaram se só as meninas gostasse de Pink Floyd e somente os meninos de blues? Os símbolos estariam totalmente mal compreendidos, né? Pois no Música da Cabeça a gente luta contra todos os rótulos e preconceitos, e por isso vamos ter todas as cores sonoras no programa de hoje. Tem as tonalidades jazz soul de Lucas Arruda e Sandra Sá, do rock proto e pós-punk da The Shadows of Knight e da Bauhaus e da docilidade melódica de Chico Buarque e Legião Urbana. Isso, pra ficar em apenas alguns, porque também tem avant-garde no quadro “Cabeção”, world music no “Música de Fato” e uma letra bem pop no “Palavra, Lê”. Ou seja: uma paleta inteira de motivos pra ouvir o programa hoje, às 21h, na Rádio Elétrica. Produção e apresentação: Daniel Rodrigues (“Alma não tem cor, porque eu sou Jorge Mautner”).
Marco do glam-rock, “The Slider”, álbum da banda britânica
T-Rex confirmava uma recente idolatria em torno de seu líder, o carismático e
sagaz Marc Bolan. O Tyrannossaur Rex,nome
original da banda que ficou mesmo conhecida por sua simplificação abreviada, contava,
entre tantos fãs com a admiração de ninguém menos que David Bowie, fã
declarado, que, de certa forma, se inspiraria em toda a proposta
estético-sonora de Bolan e sua turma para construir seu ícone Ziggy Stardust. Enquanto a produção ficava a cargo de Tony
Visconti, parceiro de Bowie no álbum "Space Oddity",a arte do álbum, marcante, com Bolan usando uma
cartola, foi concebida por ninguém menos que o Beatle Ringo Starr,
também admirador confesso do trabalho do T-Rex. Estava mal de fãs o T-Rex?
Bowie e Ringo?
A gostosa “Metal Guru” e a envolvente “Telegram Sam”, que posteriormente viria a ganhar uma versão bem interessante pela banda Bauhaus, foram os grandes sucessos do disco mas o
ótimo “The Slider” não se limitava a estas duas. A faixa título é contidamente pesada, “Rock On” e “
Buick Mackane” são rocks venenosos e contagiantes, enquanto a adorável “Mystic Lady” e a balada acústica “Ballroom of Mars” são momentos mais suaves nos quais Bolan desfilava todo o
potencial de seu vocal ácido e elegante.
“The Slider” é um dos discos mais importantes e um dos mais
influentes da história do rock, tendo inspirado um grande número de artistas a
partir de seu lançamento, tanto estética quanto musicalmente. Que o digam Morrissey, Green Day, Bauhaus,Siouxsie, My Chemical
Romance, R.E.M., só para ficar em alguns.
Parece estranho, mas à medida que vai se conhecendo mais a música de artistas do mundo pop, mais se conhece não as obras deles, mas sim a de Brian Eno. Profundamente influente sobre uma importante parcela de nomes referenciais do pop-rock nas últimas quase cinco décadas, Eno tem traços visíveis do seu trabalho refletidos nos de ícones como David Bowie, U2, Robert Wyatt, David Byrne, Massive Attack, Björk, Beck, entre outros. Seja na Roxy Music, nos discos solo precursores do pop anos 80 (“Taking Tiger Mountain” e “Here Comes the Warm Jets”) ou nos de ambient music, sua linguagem, que une num só tempo música a artes visuais e cênicas, formando um espectro sonoro-sensorial único, está presente em quase tudo que se ouviu em termos de música pop dos anos 70 em diante por influência direta ou indireta. Eno, mais que um músico, um “cientista”, como se autoclassifica, ditou o que é moderno ou não até hoje. Pois a grande síntese de todas essas pontas – da vanguarda ao folk, passando pelo blues, rock, progressivo, jazz e eletrônica – está em “Before and After Science”, disco que completa 40 anos em 2017.
O álbum, produzido pelo próprio autor em conjunto com Rhett Davies, antecipa e/ou reafirma uma série de conceitos utilizados por ele em produções a outros artistas e trabalhos solo. A concepção dos dois “movimentos” da obra é uma delas. A exemplo do que fizera em “Low” e “Heroes”, de Bowie (naquele mesmo 1977) e, três anos depois, em “Remain in Light”, do Talking Heads, “Before...” tem uma narrativa muito clara: um “lado A” agitado, num tom acima, e um “B” onde desacelera o ritmo e vai gradativamente baixando a tonalidade. Como uma sinfonia iniciada em alegro, o disco começa com o embalo afro-pop da estupenda “No One Receiving”. Eno comanda tudo tocando piano e cantando, além de fazer os efeitos de guitarra e manipular os sintetizadores e a programação de ritmo – as batidas que reverberam de tempos em tempos. Junto com ele está nada mais nada menos que Phil Collins na bateria, marcando o ritmo com maestria, e Paul Rudolph, que se esmera no baixo e na rhythm guitar, ao estilo Nile Rodgers. Para fechar o time, Davies no agogô e o exótico stick. Com seu tradicional canto tribal no refrão, que inspirou diretamente muita gente, é muito parecida em conceito e sonoridade com o que Eno dirigiria pouco tempo depois junto aos Heads (“I Zimbra” e “Born Under Punches”, ambas também faixas de abertura em discos produzidos por ele para a banda). Um começo arrasador.
Como é de sua especialidade, a segunda, “Backwater”, é um rock estilo anos 50 tomado de texturas eletrônicas, o que lhe confere certo precursionismo da new wave. E mais interessante: feita só com sintetizadores da época, todos ainda muito por evoluir, a sonoridade de “Backwater” jamais datou mesmo com a evidente defasagem tecnológica em relação à hoje, em que se pode fazer isso com menor risco de soar artificial. Afora isso, Eno está cantando muito bem, com voz inteira e potente. O próprio repetiria essa fórmula de canção em seu disco duo com John Cale (“Wrong Way Up”, 1989) na faixa “Crime in the Desert” e daria o “caminho das pedras” para o U2 em "The Wanderer”, cantada por Johnny Cash em “Zooropa” (1993).
A veia africana aparece noutro formato agora, mais brasileiro e “sambístico”. Trata-se de "Kurt's Rejoinder", um proto-samba eletrônico que traz novamente a profusão de estilos como essência. O amigo Wyatt aparece para fazer soar o timbal, que se soma, na percussão, com a bateria de Dave Mattacks. Pois este é um dos detalhes de “Kurt’s...”: parece um samba muito percussivo, mas a maior parte de sua timbrística está nos teclados de Eno e no baixo com delay de Percy Jones. Outro fator interessante da faixa são suas incursões de gravações e interferências, as mesmas que Eno exploraria com os Heads em “Remain...” numa das canções precursoras do sample na música pop, “Once in a Lifetime” – expediente, aliás que Eno e David Byrne usariam bastante no álbum dos dois, “My Life in the Bush of Ghosts de 1981, servindo de exemplo para outros vários artistas, como Malcom McLaren em seu aclamado “Duck Rock”.
Quebrando o ritmo quase de carnaval, a linda e introspectiva instrumental "Energy Fools the Magician" traz uma atmosfera de jazz fusion, lembrando bastante Miles Davis de “In a Silent Way” e “Bitches Brew”. Phil Collins está mais uma vez muito bem na bateria, marcando o tempo no prato mas sem deixar de executar viradas inteligentes. "Energy…” funciona como uma breve passagem para outra seção agitada, a que fecha o “1º movimento” do disco. Mas desta vez o ritmo não é de batucada e nem de new wave, mas sim o pop-rock exemplar de "King's Lead Hat". Primorosa em produção e mixagem, é daqueles exemplos de rock escrito na guitarra, ao melhor estilo hard rock. Eno e o craque Phil Manzanera dividem a rhythm guitar, mas é outro mestre do instrumento, Robert Fripp, quem comanda o solo. Com efeitos de teclados e de mesa, “King’s...”, em sua união de eletrônico e pós-punk, afina-se com o que ele e Bowie faziam naquele mesmo fatídico ano em temas referenciais como “Heroes”, “Beauty and the Beast”, “Funtime” e “Be my Wife”, influenciado grupos como Joy Division, The Cure e Bauhaus (estes últimos, que gravariam em 1982 “Third Uncle”, de Eno). Além disso, antecipa outro estilo musical que ganharia o mainstream anos mais tarde com as bandas New Order, Depeche Mode, Eurythmics, Ultarvox e outros: o synthpop.
Se a vigorosa “King’s...” termina a primeira parte de “Before...” lá no alto, o segundo ato já inicia mais leve com a melodiosa "Here He Comes". Com a bela voz de Eno cantando em overdub desde que os acordes da guitarra de Manzanera anunciam a largada, embora a melodia guarde certo embalo, já dá mostras que a rotação foi alterada para menos. O moog e o sintetizador de Eno conferem-lhe o clima espacial que se adensará na sequência em "Julie With...", esta, sim, totalmente ambient. Enquanto canta os belos versos com suavidade (“Estou em mar aberto/ Apenas vagando à medida que as horas andam lentamente/ Julie com sua blusa aberta/ Está olhando para o céu vazio...”), os teclados e sintetizadores desenham uma melodia cristalina como o céu limpo a que se refere na letra. Afora do baixo de Rudolph, Eno toca todos os outros instrumentos, inclusive a guitarra do curto mas belo solo, fazendo lembrar Fripp.
Mais uma especial (e espacial) do disco é "By This River", parceria dele com os krautrocks Moebius e Rodelius, mais conhecidos como a banda Cluster. O trio, que naquele ano havia gravado um trabalho em conjunto, o clássico “Cluster & Eno”, deixou guardada essa outra joia. De riff espiral marcado no piano, é sem dúvida a mais clássica do repertório, remetendo às bagatelas românticas, mas também à síntese formal do minimalismo. Nova instrumental, a ambient "Through Hollow Lands" é uma homenagem ao amigo e parceiro Harold Budd, com quem Eno fez diversos trabalhos desde aquela época. Não à toa, a música traz o clima introspectivo e contemplativo de Budd que tanto confere com este lado da musicalidade de Eno, neoclássico e new age.
Se como numa obra clássica “Before...” inicia com o allegro de “No One...”, prossegue variando allegretto e presto e em "Julie With..."/"By This River"/"Through...” encontra características de lento e de adagietto, "Spider and I", de ares litúrgicos e caráter emotivo, é o finale desta grande peça num andamento adagio. E se “No One...” começa arrasando, “ “Spider...” é um desfecho digno.
O crítico musical da Rolling Stone Joe Fernbacher diz que “Before...” é o álbum perfeito da carreira de Eno. Faz sentido, pois, ativamente participante do que estava sendo produzindo de inovador naquele momento, como “The Idiot”, de Iggy Pop, “Vernal Equinox”, de Jon Hassell, e os já citados “Low” e “Heroes”, de Bowie – todas obras de 1977 e responsáveis por alguma sonoridade que ditaria as mentes musicais nas décadas seguintes –, Eno resumiu a sua contribuição para uma nova cara da música pop em “Before...”. "Apesar do formato pop do álbum”, disse outro crítico, David Ross Smith, “o som deste álbum é único e distante do mainstream". Compreendendo todas as suas vertentes musicais e artísticas, Eno compõe um trabalho que alia o agradável e o denso, o popular e o complexo, a vanguarda e o pop. Ao ouvir o disco, pode-se dizer sem erro que a música pop divide-se, literalmente, em “antes e depois da ciência”, a ciência inventada por este alquimista dos sons chamado Brian Eno.
"Nenhuma das canções do álbum são sobre ser uma vítima dos seus próprios prazeres."
Andrew Eldritch
Ali pelo início dos anos 90, eu que já era vidrado em The Cure, Siouxsie and The Banshees, Bauhaus, ainda estava ávido por conhecer outros artistas que compunham o universo dark que naquele momento me fascinava muito. Certa vez fui à casa do meu amigo Samuel Grizza e ele me apresentou além do "Green" do R.E.M., o "Happy?" do PIL, o "Doolitle" dos Pixies, um álbum do Sisters of Mercy, banda que nunca havia escutado mas que ouvira falar que atuava mais ou menos naquela linha soturna e sombria que tanto me interessava. Como os discos eram do irmão dele que estava viajando, Samuca me emprestou às escondidas para que eu conhecesse e gravasse. Desde então a fita do Sisters passou a ser uma espécie de xodó, uma daquelas queridinhas que sempre ouvia com satisfação e admiração no walkman hipnotizado por aquela voz lúgubre e sinistra de Andrew Eldritch e aqueles climas pesados e soturnos. Muita gente considera "Floodland" o melhor disco da banda, que inegavelmente é um baita dum trabalho também, mas para mim nenhum supera este, seu álbum de estreia com a formação tida como clássica, ainda com os ex-integrantes que depois viriam a fundar o The Mission: "First and Last And Always".
O pessimismo apocalíptico da faixa de entrada "Black Planet", a morbidez desesperadora da suplicante "Marian (Version)", a imponência da faixa que dá nome ao disco e a belíssima guitarra serpenteante de Wayne Hussey na monumental "Some Kind of Stranger", o derradeiro momento do álbum, são motivos o suficiente para fazer deste álbum, na minha opinião, não só o melhor disco da banda como um dos grandes álbuns da leva gótica dos anos 80, embora seu vocalista renegue veementemente o rótulo. Pode até não ser gótico, Andrew, mas que é FUNDAMENTAL é, e isso nem você pode contestar, meu caro.
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FAIXAS: 1 - "Black Planet" 2 - "Walk Away" 3 - "No time to cry" 4 - "A Rock and a Hard Place" 5 - "Marian (version)" 6 - "First and Last and Always" 7 - "Possession" 8 - "Nine While Nine" 9 - "Amphetamine Logic" 10 - "Some Kind of Stranger"
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Ouça: The Sisters of Mercy First and Last and Always
Mais
do que qualquer exposição ou parque (e olha que lá têm muitos),
certamente o que mais me impactou em Curitiba foi o Museu Oscar
Niemeyer, o MON. É fantástica a emoção que se tem ao chegar pela
estreita Rua Marechal Hermes, no bairro Centro Cívico, e, ao
desvencilhar o olhar das árvores do entorno, dar de frente com
aquele impressionante olho suspenso e espelhado. Tal como foi quando
estivemos Leocádia e eu no MAC, de Niterói, no Rio, ao ver aquela
nave-flor totalmente integrada com a natureza e a topografia.
Rampa de entrada para o
prédio principal com a torre
e o lago artificial
Nesta
obra, a arquitetura de Niemeyer, embora num ambiente menos
privilegiado naturalmente do que o de Niterói, traz novamente esta
sensação impactante e de fusão com o que lhe cerca. O MON une duas
épocas de sua carreira e da Arquitetura como um todo. Isso porque o
projeto original foi composto pelo arquiteto em 1967 para as
instalações doInstituto
de Educação. Esta primeira obra comportava já o prédio em
linhas retas que fica ao fundo, o qual dá de costas para o Parque
Polonês, uma área verde de convívio ligada à outra de mata
fechada. Pois em 2002, Niemeyer, já em sua fase mais madura, foi
chamado para reelaborar o projeto, onde seria construído, enfim, o
museu que leva seu nome.
Em primeiro plano,
a escultura em aço, La Luna,
de Niemeyer
Escultura em bronze do
modernista Bruno Giorgi
Foi
quando se ergueu o chamado “olho”, que, na verdade, foi inspirado
no formato de uma pinha de araucária, árvore característica da
região e daqui do Sul. Sobre um lago artificial, o olho – cujo
traço da borda em concreto armado branco é de uma beleza infindável
– é sustentado por uma “sutil” base retangular, a “Torre”,
em cor amarelo-canário, onde se estampam a traço preto desenhos do
mestre que dialogam com outros feitos por ele em Niterói para o
Caminho Niemeyer, obra também pertencente à sua última fase. Digo
“sutil”, pois, como é natural em Niemeyer, as dimensões
gigantescas se aliam à precisão das proporções dentro do todo,
fazendo com que se percebam claramente os volumes, distinguindo o que
é menor e o que é maior. O que não quer dizer que o “menor”
seja necessariamente pequeno. Pelo contrário: ao todo, são 35 mil
metros quadrados de área construída. Somente dentro da base
amarela, vimos depois, há três andares de espaço expositivo mais o
do próprio olho anexo. Isso, rodeado de rampas curvas que, além da
função de acesso e mobilidade, emprestam movimento ao desenho.
Espaço Niemeyer traz maquetes, fotos e vídeos
dos principais projetos do arquiteto pelo mundo
Ao
fundo, então, o prédio principal, distribuído em três pisos.
Reto, amplo, moderníssimo. À Bauhaus. A estrutura do prédio é de
concreto protendido, que permite vencer os grandes vãos da
edificação com um enorme arrojo estrutural. Nele, estão nove salas
de exposição, a maioria do museu. Além das mostras temporárias,
há duas permanentes que cabem muito bem serem destacadas. A primeira
fica na área externa do subsolo, que é o Pátio das Esculturas. Ali
é possível perambular entre obras de Tomie Ohtake, Xico Stockinger,
Erbo Stenzel, Amélia Toledo, Bruno Giorgi e até do Niemeyer.
Leocádia percorre o tunel a la "Solaris"
que liga o prédio principal
à "torre do olho"
A
outra exposição permanente digna de realce refere-se ao próprio Oscar Niemeyer, num espaço reservado à sua obra, com projetos,
fotos e maquetes do arquiteto de vários países do mundo, como os
clássicos Cassino da Pampulha, o MAC, o Ibirapuera, as obras de
Brasília, o Centro Cultural Le Havre (Paris), entre outros.
Interessantíssimo, embora a proposta seja generalista, visto que não
apresenta projetos dele menos famosos mas tão legais quanto, como a
sede do Partido Comunista da França, em Paris, ou o Palazzo
Mondadori, em Milão, Itália. Mas pra arrematar o desbunde, saindo
dali, um lindo corredor em concreto que liga o prédio principal à
torre, o qual passa por debaixo do lago artificial da entrada.
Desenhada em curvas, dá a sensação de se estar percorrendo os
corredores da nave espacial do "Solaris", do Tarkovski – só
para se ter uma ideia do barato que dá.
Nós entre as esculturas
Enfim,
para nós que, aonde vamos, procuramos sempre conhecer algo do Niemeyer que tenha no local, foi uma visita mais uma vez
deslumbrante. Um museu organizadíssimo que, mesmo que não se veja
nenhuma exposição, por si só, vale como passeio.
Cinco amigos e as 5 músicas que, por algum motivo, qualidade, emoção, memória, referência, ou qualquer outro que seja, fazem suas cabeças: 1 Cláudia de Melo Xavier funcionária Pública (São Paulo)
"Da minha vida de morcega no início do Madame Satã e nos anos 80.
Bem clássicas. Na época pirei quando ouvi.
Amo"
1. "Bela Lugosi is Dead" - Bauhaus 2. Should I Stay or Shoud I Go - The Clash 3. Anarchy in the U.K. - Sex Pistols 4. The Boy With the Thorn in His Side - The Smiths
5. Boys Don't Cry- The Cure ************************************************** 2 Roberto Freitas empresário e vocalista da banda The Smiths Cover Brasil (Rio de Janeiro)
"As minhas não estão na ordem, pois acho que seria injusto."
1. "Well I Wonder" - The Smiths
2. "Human" - Human League
3. "The More You Ignore Me The Closer I Get" - Morrissey
“You better be ready for war.” (“É melhor você estar pronto para a guerra”)
da letra de “Mercenaries”
Eu teria tranquilamente pelo menos outros três ou quatro discos de John Cale para incluir numa lista de ÁLBUNS FUNDAMENTAIS o que talvez ainda seja reparado por mim, pelo Clayton ou outro colaborador do blog. Mas faço questão de começar justamente por um disco ao vivo que, via de regra, não tem a mesma “fundamentabilidade” dos de estúdio. Mas esse é um “live” diferente, como, aliás, é a marca deste genial e camaleônico cantor, compositor, arranjador e produtor galês. O referido disco é “Sabotage”, registro avassalador gravado por Cale em 1979 no lendário CBGB, boteco que, no início dos anos 70, foi palco do surgimento do punk, cena da qual o próprio foi um dos principais artífices.
Cale é um verdadeiro esteta. Já apareceu na cena artística de Nova York nos anos 60 como uma lenda. Ex-aluno do vanguardista La Monte Young, levou sua pegada erudita moderna para a não menos lendária banda Velvet Underground e, sob a batuta de Andy Warhol e ao lado de Lou Reed formou uma das parcerias musicais mais inventivas da história da música contemporânea. Não bastasse, o cara largou o Velvet após apenas dois discos (mas suficiente para deixar sua marca) e entrou numa carreira solo regida pelo mais absoluto ecletismo, indo do mais tosco punk-rock até a mais refinada suíte romântica a la Brahms. Coisa que apenas um maestro genial como ele teria condições e conhecimento para tanto. De 1969 para cá, produziu, lançou bandas e artistas, compôs inúmeros discos próprios e/ou em parceria, fez trilhas sonoras, enfim: soltou a criatividade.
“Sabotage”, o disco em questão, faz parte de sua trilogia proto-punk iniciada no magnífico “Fear” (1974) e no não menos brilhante “Guts” (1977). Porém, é no terceiro da série que Cale detona tudo, num dos mais pungentes e, ao mesmo tempo, bem elaborados discos de rock já ouvidos. A banda é afiadíssima: Mark Aaron, esmerilhando na guitarra solo; Joe Bidewell, competente nos teclados; Doug Bowne, mantendo super bem o ritmo na bateria, às vezes dando espetáculo; George Scott, com seu baixo grave e fundamental para o arranjo e textura; Deerfrance, a musa da cena punk nova-iorquina nos backings e colaborando também na percussão; e o próprio Cale, que manda ver no piano, guitarra-base, segundo baixo, viola (originalmente seu instrumento-base) e, claro, vocal.
"Mercenaries (Ready for War)", com sua base de baixo constante, grave e pesada, começa pondo a galera pra poguear. Cale solta o verbo numa letra que critica a sociedade e o militarismo, como um bom punk, desfechando ao som da explosão da bomba que ilustra a capa. Aaron é outro que destrói nesta, dando uma noção do que viria em seguida. Mantendo a pegada e o sarcasmo, "Baby You Know" vem na sequência com um ritmo marcial e um motivo constante de teclados super legal, lembrando Joy Division. Ótima.
“Evidence” traz um riff matador de guitarra, mas não menos legal na linha de baixo. Punk até dentro dos olhos, mas com aquele toque de Cale: um inconfundível refinamento até na escolha das poucas notas de um rock básico. “Dr. Mudd”, mais melodiosa mas não menos guitarrada, antecede a excelente “Walking the Dog”, clássico do Rhythm and Blues numa versão quase irreconhecível de tão reelaborada. O baixo sustenta a melodia numa combinação de notas dissonantes, dando até a (falsa e proposital) impressão de estar desafinado. Mas as guitarras também não deixam por menos, mandando super bem.
Aí vem um dos pontos altos do show: “Captain Hook”. Com mais de 11 minutos, que passam sem se perceber tamanha sua densidade musical, começa com um motivo minimalista de teclado constante, enquanto os outros instrumentistas deitam e rolam solando. Todos. Porém, o que parecia ser uma peça instrumental toma outro rumo, e somente ali pelos 4 min vira um rock magistral, arrastado e carregado, com a bela voz de Deerfrance fazendo coro e a de Cale – já bem rouca a esta altura do show – proferindo uma letra longa e melancólica. A canção vai num crescendo até estourar em energia e agressividade. De tirar o fôlego.
A linda “Only Time Will Tell” quebra o ritmo numa melodia suave feita por Cale especialmente para a afinada e doce voz de Deerfrance, tal como ele e Lou Reed faziam nos tempos de Velvet, como em “Femme Fatale”, para Nico, e “After Hours”, para Moe Tucker. Uma surpresa e uma graça especial ao show. Mas a delicadeza não dura muito tempo, pois a pancadaria volta novamente na faixa-título. Aliás, pancadaria “desordenada”. A destreza erudita de Cale o fez criar uma melodia sem um centro tonal claro, somente duas notas de guitarra que se repetem de quando em quando, transmitindo uma verdadeira sensação de sabotagem. Assim, as guitarras, o baixo, a bateria e as vozes se estabefeiam no espaço sonoro, cada uma tentando se encaixar dentro de uma harmonia vaga e dissonante. E a galera delira. Genial.
Para terminar, não podia ser diferente: uma marcha militar, “Chorale”, lenta e quase fúnebre. Fim da guerra e mensagem dada: todos perderam naqueles tempos de pós-Vietnã e Guerra Fria.
Um dos principais diferenciais de “Sabotage” para a grande maioria dos discos ao vivo é que todo o repertório é feito de canções inéditas compostas especialmente para esta performance. Ou seja, Cale pensou em um disco não com versões ao vivo de músicas já gravados em estúdio como geralmente se faz, mas, sim, num set list inédito que soasse como uma apresentação mesmo, tendo em vista que essas peças funcionariam melhor com a reverberação acústica ampla, ruídos, interferências e imprevisibilidades de um show. Um exemplo disso é a rouquidão de Cale naquele dia. O tom geralmente elegante e grave de sua voz dá lugar a uma interpretação rasgada e agressiva, o que intensifica a força das execuções, coisa que seria evitada em um estúdio.
Toda a trilogia, mas principalmente “Sabotage”, faz jus ao movimento punk, naqueles idos já reconhecido internacionalmente pelo sucesso de Sex Pistols, The Clash, Ramones e cia. mas de muito conhecida por Cale. É como se ele, artista essencial e influente para este movimento tão importante à história do rock e da cultura pop em geral, o avalizasse e dissesse aos punks: “É isso aí, gurizada”.
A edição em CD, lançada em 1999, traz ótimos extras. Primeiro, as três faixas do EP “Animal Justice”, de 1977, uma espécie de “quarto da trilogia”. Por último, a excelente obra gothic-punk "Rosegarden Funeral of Sores", posteriormente gravada super bem pelos darks do Bauhaus em que Cale, apenas com um sintetizador marcando a percussão, uma linha de baixo e uma guitarra urrando faz arrepiar a espinha de medo de qualquer vivente.
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FAIXAS:
1. "Mercenaries (Ready for War)" 2. "Baby You Know" 3. "Evidence" 4. "Dr. Mudd" 5. "Walkin' the Dog" (Rufus Thomas, Jr.) 6. "Captain Hook" 7. "Only Time Will Tell" 8. "Sabotage" 9. "Chorale"
Bônus tracks (CD 1999)
10. "Chickenshit"
11. "Memphis" (Chuck Berry)
12. "Hedda Gabler" 13. Rosegarden Funeral of Sores"
“...nós nunca fomos góticos, fizemos uma música de brincadeira ["Bela Lugosi is Dead"], uma ironia e um monte de idiotas no mundo começou a nos chamar de góticos."
Peter Murphy
Bauhaus é uma banda frequentemente substimada pelo seu aspecto dark, excessivamente teatral, mas atrás do que se escondiam, contudo, boas qualidades, boas referências musicais e literárias, um vocalista com bons recursos, instrumentistas criativos e nada desprezíveis. A verdade é que ao entrar na década de 80, o punk do final da década passada, ganhava outras características e com bandas como Sisters of Mercy, The Cure, Siouxsie and the Banshees, desacelerava aquele som, preenchia mais o ambiente com bases de teclados e sintetizadores, abordava temáticas mais pessimistas e soturnas e dava uma estética a este estado de espírito, tão densa e angustiante quanto suas letras e atmosferas. É verdade que o visual somado à proposta meio expressionista, tirava um pouco da credibilidade sonora do novo movimento que se ensaiava, ainda mais sucedendo exatamente ao punk que era extremamente ativo, engajado, revoltado, o que fazia aquele pessoal de preto parecer meramente um bando de fantasiados pro dia das bruxas sem nenhum valor musical. Mas isso não era verdade. O chamado rock gótico produziu muitos bons discos e alguns, diria, muito bons, como é o caso de “Burning From the Inside” do Bauhaus, de 1983, que se destaca na curta e interessante discografia da banda pela ousadia e experimentação, se afastando um pouco das próprias características. Diferencia-se também por prescindir em alguns momentos de gravação e produção, da presença do vocalista Peter Murphy, doente naquele período, fato que, por um lado dava mais liberdade e autonomia aos outros integrantes, mas por outro, prenunciava o possível fim da banda, que se confirmou logo em seguida.
Mas “Burning From the Inside” mostra uma banda mais madura em relação à própria obra e por isso mesmo arriscando mais. É um disco daqueles com ‘cara’ de grande álbum, sabem? Estrutura de grande disco: grande abertura, faixas de ligação, vinhetas importantes, faixa monumental e um final depois do final.
A abertura na qual se destaca uma envolvente linha de baixo e uma guitarra corrosiva traz a excelente “She’s in Parties” interpretada de forma magistral por Murphy; canção que depois de ‘terminar’, praticamente recomeça só instrumental com o baixo de David J. ainda mais marcante e mais recheada de efeitos, ecos e sintetizadores. Traz na seqüência um punk com roupagem preta na anárquica, “Antonin Artaud”, que por sua vez já emenda na vinheta”‘Wasp”, uma curta introdução de rabeca que leva à mística “King Volcano”, uma espécie festa cigana com inserção gradual de instrumentos acústicos cantada num coro ritualístico assustador.
Depois daí, aparecem dois momentos curiosos no disco pela ausência de Peter Murphy, e é onde os outros integrantes, Ash, Hawkins e David, tomam conta e já dão um ar meio Love & Rockets, futura banda dos três, para o som do disco. “Who Killed Mr. Moonlight” é uma balada soturna pontuada por um piano e cantada por Daniel Ash,; e “Slice of Life”, cantada por ele com o baixista David J., aparece com uma abertura de guitarras ‘luminosas’ que parecem nos permitir uma breve saída do claustro. Na seqüência vem “Honeymoon Croon” que também tem um som mais aberto e apresenta um teclado que remete a The Doors; seguida de “Kingdom Coming” que mostra uma beleza sombria que alterna luz e trevas quase ao mesmo tempo. Mas é a faixa que dá nome ao disco que faz arrepiar todos os pelos do braço: “Burning From the Inside”, uma longa viagem tormentosa com uma guitarra pesada, alta e quase monocórdia servindo de base para a voz de Peter Murphy soar mais horripilante do que nunca, durante mais de nove minutos, ao longo dos quais a música é entremeada por uma espécie de funk das trevas com uma linha de baixo pesada e agressiva. Simplesmente destruidora. Depois de algo assim não precisava vir mais nada, mas até para nos permitir dar uma respirada, ainda vem ‘Hope” que é como se fosse a luz do dia depois de tanta escuridão, numa canção entoada em coro lembrando cânticos camponeses, mas aí já é apenas uma despedida. E a propósito de adeus, o disco, por conta da excessiva participação de Ash e David J., na ausência de Murphy, que não aprovou tamanha autonomia, acabou sendo o estopim da separação da banda que até voltou em 2008 porém já sem o mesmo ímpeto criativo nem anímico. Mas já não valia a pena. Sua contribuição já tinha sido dada e era hora de assumir que, assim como Bela Lugosi, no nome de sua mais famosa canção, o Bauhaus também estava morto.
********************************** FAIXAS: 1. "She's in Parties" – 5:43 2. "Antonin Artaud" – 4:04 3. "Wasp" – 0:20 4. "King Volcano" – 3:29 5. "Who Killed Mr Moonlight?" – 4:54 6. "Slice of Life" – 3:43 7. "Honeymoon Croon" – 2:52 8. "Kingdom's Coming" – 2:25 9. "Burning from the Inside" – 9:19 10. "Hope" – 3:16
