8º Mississipi Delta Blues Festival – Largo da Estação Férrea – Caxias do Sul/RS (28/11/2015)

Com Dylan no peito,

nada melhor para uma

noite de blues.

Quando assisti ao ótimo bluesman Kenny Neal em São Paulo mês passado pensei que aquele breve mas impecável show fosse uma compensação por não poder ir ao Mississipi Delta Blues Festival, que ocorreria dali a semanas na cidade gaúcha de Caxias do Sul. Mas era, na verdade, um bom presságio. Tal sentimento se dava por um misto de falta de disponibilidade e a possibilidade de se fazer outra boa programação mais próxima – e mais fácil. É que teria também o festival Som de Peso, que ocorreria em Porto Alegre justamente no mesmo dia e hora e onde tocariam bandas célebres do punk nacional, como Cólera e Olho Seco, e, além destas, a Vômitos & Náuseas, a grande banda de hardcore do meu primo Lucio Agacê. Dúvida cruel. Depois de muita combinação, tive que suplantar a vontade de ir ao Som de Peso, pois conseguimos Leocádia e eu nos organizar para subir a Serra e conferir pela primeira vez o MDBF, vontade alimentada há anos.

Stroger, comandando o grupo no baixo.

E o esforço não poderia ter sido mais bem recompensado. Com uma programação cuidadosa e qualificada, tanto no que se refere a atrações internacionais quanto nacionais, além de uma estrutura planejada e eficiente, o MDBF, em sua 8ª edição, provou (pelo menos a nós, que ainda não o conhecíamos) que é o melhor festival de música do Rio Grande do Sul do momento. Prova disso é que o dia em que fomos, o terceiro e último da edição de 2015, não por isso ficou devendo. Dividido em sete palcos, o festival apronta um rodízio de apresentações dos artistas por vários destes durante os três dias de evento, fazendo com que se possa assisti-los em mais de uma oportunidade. Igualmente, o local não poderia ser mais adequado: a antiga estação férrea de Caxias, prato cheio para Leocádia fazer várias fotos pois empresta uma atmosfera onírica àquela sonoridade melancólica, antiga e sensual típica do blues. A chuva que caía ajudou a aumentar o clima cinematográfico.

Bob Stroger posando para as lentes.

O blues rolava por todos os cantos, dos alto-falantes, dos palcos, das pessoas cantando, assobiando, dançando. Chegava a emanar de algumas figuras que ali estavam. Um desses seres iluminados era Bob Stroger, o incrível baixista californiano de (acredite-se) 85 anos. Stroger, que havia estado em Porto Alegre na semana anterior – e que, novamente por agenda e correria, não pudera assistir –, foi um dos principais motivos de irmos ao MDBF. Artista “residente” do festival, participou de todas as edições deste até agora, o que certamente continuará fazendo até não poder mais, haja vista seu prazer em estar ali. Ele dizia, faceiro: “This is my house”. Um dos primeiros a se apresentar naquele dia, ele referia-se não somente a Caxias e ao festival como ao Front Porch Stage, um caracterizado palco que reproduzia o ambiente de uma sacada de um rancho do Sul norte-americano, aquelas que a gente vê em filmes sobre negros pobres e trabalhadores de fazendas de algodão de antigamente. Para alguém como ele, do início do século passado, certamente aquilo era bem familiar. Estava se sentindo em casa mesmo, acarinhado e admirado pelo público.

Cokeyne, à direita, e sua banda de ilustres convidados.

Na verdade, Stroger fazia o ambiente se tornar real, visto que ele em si é uma entidade em pleno palco. De terno risca de giz escuro, sapatos e chapéu, é a encarnação daquilo que o mundo conheceu no início do século XX chamado blues, o gênero musical afro-americano que coloca, em ritmo sincopado, repetitivo e simples, os sofrimentos e tristezas dos negros escravos e apartados de sua terra. Blues, com suas raízes religiosas, de trabalho ou de protesto. Um estado de espírito. E Bob Stroger é a representação viva disso. Ele mesmo, orgulhoso, diz várias vezes: “I’m the blues”. Quem há de contrariá-lo? Entre as maravilhas que escutamos de sua voz sôfrega, mas com o aveludado que somente os negros de lá conseguem ter, “Just a Sad Boy”, “Talk to me Mamma”, “Don't You Lie to Me” e uma canção que, além de fantástica, se tornaria especial naquela noite: “Blind Man Blues”, autoria do próprio Stroger. Um bluesão embalado num riff de baixo contínuo e cheio de groove, que lhe põe naquele limiar entre o blues e o rock. Esta, comporia outro episódio importante horas depois...

"Don't You Lie To Me" - Bob Stroger - Mississipi Delta Blues Festival 2015

Sherman Lee Dillon, pura energia.

Tinham mais coisas a se aproveitar ainda. Noutro palco, o Bus Stage, iriamos conferir o nosso amigo Cokeyne Bluesman (Beto Petinelli, ex-Cascavelletes), que havia reunido uma galera especial para uma das apresentações. E olha: que apresentação! Disparado a mais empolgante da noite e que, mesmo não estando num dos palcos principais, ensandeceu o público que assistia. Que energia que saída dali, a ponto de as pessoas serem tomadas por ondas de euforia, respondidas pelos músicos e vice-versa. A química foi precisa: Cokeyne, referencial na guitarra solo e slide guitar; Lucas Chini, no baixo, um cabeludo psicodélico e tomado pela música que parecia ter se congelado no tempo, pois era tal um integrante de banda de rock-blues dos anos 60, uma Canned Heat ou The Band; e o norte-americano Sherman Lee Dillon, de quem se pode dizer apenas uma coisa: nossa! Aquele velhinho branco de camisa, calça social e quepe poderia ser, como bem Leocádia observou, o vendedor da banca da esquina ou o dono da tabacaria. Só que quando empunha a guitarra, sai de perto! É um furação em forma de blues.

Na bateria, Gutto Goffi.

Melhor amigo do saudoso B.B. King, Dillon, natural do Mississipi, mostrou ser um genuíno seguidor de Muddy Waters e Bo Diddley. Com sua harmônica e sua guitarra de metal, parecido com um banjo elétrico, ele incendiou o pequeno palco, pondo todo mundo pra se mexer. Uma das mais quentes foi a versão de “Maybelline”, clássico de Chuck Berry, que tocaram numa versão tão eletrizante quanto. Além disso, quem completava a banda na bateria era Guto Goffi, o baterista do Barão Vermelho, que estava ali animadíssimo tocando o que gosta e sem todo o aparato e multidões de que é acostumado. Cokeyne, o anfitrião, também não deixou por menos. Com solos arrebatadores, levantou a galera várias vezes, mesmo sem cantar como Dillon. Ainda teve a palhinha do músico gaúcho Andy Serrano, na gaita, o mesmo da banda de rockabilly que vimos anos atrás no Clube de Jazz Take Five, em Porto Alegre. Um empolgante e surpreendente show.

'Super Chikan' no palco principal do MDBF.

Entre uma programação e uma paradinha para comer, deu tempo de ver, no Moon Stage, palco principal, um bom pedaço da apresentação de outra das também principais atrações do MDBF desse ano: o norte-americano James "Super Chikan" Johnson, mais um filho do Mississipi. Outro arraso. O cara, que ganhou esse apelido na infância, quando ainda era jovem demais para trabalhar no campo e passava o seu tempo conversando com as galinhas, começou tocando o diddley bow, instrumento muito rudimentar que o ajudou a desenvolver sua capacidade de extrair sons de uma só corda. Essa forma de tocar é evidente em seu estilo, que aproveita ao limite uma sequência de notas, sempre com muito groove. Isso sem falar do característico grito que lança entre uma execução e outra imitando o cocoricó das galinhas com quem tanto conversava quando criança.

Eu com Rip Lee Pryor.

Voltando ao Front Porch Stage, pena que não deu tempo de assistir um pouquinho de outra lenda: o harmonicista Rip Lee Pryor (filho de Snooky Pryor), que ainda estava passando som e o pito na equipe técnica, que não acertava o que ele pedia. Na mesma hora – essas coincidências são inevitáveis, ainda mais para que foi em apenas um dos dias como nós – subiria no Magnolia Stage outra das que nos motivaram bastante a escolher por essa e não outra programação: a cantora Zora Young. Igualmente produto do Delta do Mississipi, é daqueles vários artistas de blues cujas famílias, depois da 2ª Guerra, migraram para Chicago em busca de novas oportunidades. Criada dentro das igrejas gospel, foi tomando com o passar do tempo gosto pelo Rhythym n' Blues a ponto de não o largar mais. A explicação talvez esteja no sangue: Zora tem em sua árvore genealógica uma das lendas do blues, Howlin' Wolf. No festival, ela mandou ver num show pulsante e dançante, com sua poderosa voz rouca muito trabalhada nos corais religiosos e nos pubs de blues. Interagindo com a plateia, Zora e sua banda fizeram um espetáculo daqueles que não dá vontade de sair mais (tanto que, quando vimos, já tinha acabado o de Pryor), com repertório de primeiríssima qualidade, solos afiadíssimos e, claro, a excelência da voz de Zora.

A divina cantora de raízes gospel e rythm'n blues,

Zora Young e o privilégio de ter na banda Stroger, ao fundo.

Mas por falar na banda de Zora Young, aqui vai aquela parte que havia ficado faltando sobre “Blind Man Blues”, de Bob Stroger. Aconteceu que, com receio de que sobrasse para nós algum daqueles esporros de Rip Lee Pryor com a equipe, saímos logo do Front Porch Stage e chegamos minutos antes para assistir Zora. Porém, para nossa surpresa quem sobre no palco são três músicos mais... Bob Stroger! ”Ué, será que mudaram o lugar do show dela?”, pensamos. Fomos perguntar a um rapaz do staff e ele nos confirmou que era ali, sim, o show da cantora. Pois não é que Stroger, nos seus já mencionados (mas que não custa relembrar) 85 anos foi, horas depois de ter aberto o festival, formar a banda de Zora Young? Na maior simplicidade e humildade. Coisa de músico de verdade. Já no final da noite, ele abriu com a mesma música que já tinha tocado no outro palco para depois tocar, como apenas mais um integrante, mais uma hora e meia – sem se sentar nem pedir água. Pelo contrário: no centro do palco, estava lá ele postado, elegante em seu terno risca de giz e chapéu, abrilhantando ainda mais o show da companheira de blues.

"The Thrill Is Gone"/ "I'm Freee" - Zora Young - Mississipi Delta Blues Festival 2015

Foi o próprio Bob Stroger que disse se sentir em casa. Sentimento compartilhado com muita gente ali, entre músicos e espectadores, que fazem o MDBF crescer a cada ano, sempre com a expectativa pela edição seguinte. Eu mesmo já estou me vendo, lá em novembro de 2016, cantando para convencer Leocádia: “Oh, baby, don't you want to go? Back to the land of Caxias do Sul/ To my sweet home, festival?”

Front Porch Stage, "this is my house".

texto: Daniel Rodrigues

fotos: Leocádia Costa

Grant Lee Buffalo – “Fuzzy” (1993)

"O melhor álbum de 1993 folgado".

Michael Stipe

(R.E.M.)

É pura mentira, mas se um dia Elvis Presley refletisse sobre o seu legado para o futuro do rock ‘n’ roll, ele almejaria que se criasse um som de raiz, usando instrumentações e timbres típicos do rock genuíno, porém que se evoluísse naquilo que fizeram precursores como ele, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Johnny Cash, Chuck Berry e cia.. A música ambicionada pelo Rei haveria de conter, além desses predicados, melodias belas e bem elaboradas, referenciando não apenas a ele e seus companheiros de primeiros anos, mas a outras vertentes que o rock ganharia a partir de então – o country-rock, o punk, o hard-rock, a new wave, o folk-rock, o shoegaze. Ah! E também não abriria mão de ser uma música bem tocada e bem cantada, com um vocal afinado e de timbre apreciável (consciente, dispensaria que fosse necessariamente o vozeirão dele).

Até que, 40 anos depois de inaugurar o estilo mais subversivo, popular e eletrizante da história da música, Elvis, do auge do seu trono em que se senta lá em cima, veria os rapazes da Grant Lee Buffalo lançarem seu primeiro disco: “Fuzzy”. Estava ali o que ele esperava!  Pondo o vinil pra tocar em seu toca-discos celeste, os primeiros sons que Elvis ouviria são de uma introdução ligeira da bateria na caixa com escovinhas, herdada do jazz swing e ao estilo do rock que ele inventara. “Que beleza! É isso aí, rapaziada!”, vibrou. Ele está escutando “The Shining Hour”, um rockabilly matador em que a banda de Los Angeles liderada por Grant Lee Phillips – juntamente com Paul Kimble, baixo, e Joey Peters, nas baquetas – apresenta de cara as qualidades que fazem de “Fuzzy” o disco que é: a influência direta do blues, a prevalência da sonoridade acústica, simplicidade nos arranjos (não há nenhum sopro ou cordas de orquestra) e o espírito desafiador do bom e velho rock ‘n’ roll. Embalada, “The Shining Hour” conta ainda com um piano, como a letra diz, saído de um “salão de bilhar azul de Monterey”, que sola lá pelo meio e ainda a desfecha numa nota grave e impositiva.

Em “Jupiter and Teardrop”, balada lindíssima em que Phillips, se já tinha mostrado suas habilidades vocais na primeira faixa, aqui, ele impressiona. Principalmente nos momentos de maior emotividade, a qual a canção vai ganhando à medida que se desenrola. Esse clima é ampliado pelas guitarras que, rosnantes, aparecem pela primeira vez no disco para comporem junto com a base do violão 12 cordas um clima carregado e melancólico. A letra acompanha a sonoridade, contando a triste história de um casal cujo rapaz, Teardrop, encrencado com a polícia, está prestes a ser preso novamente, forçando a distanciar-se de sua Jupter. ”Apenas uma garota que não pode dizer não/ E seu namorado em liberdade condicional/ Seus pais lhe deram o nome de Jupiter/ Para abençoá-la com uma alma de sorte/ Ele é um garoto que nunca chorou/ Quando eles o prenderam lá dentro/ E ela o apelidou de ‘Lágrima’/ Para fazer uma tatuagem de seu olho.” Ela sonha com filhos e casamento, mas teme que o pior aconteça antes do esperado: “O telefone toca/ É para ela/ ‘Tenho que ver você, Jupiter’/ ‘Estou com problemas com a lei’/ ‘Traga minha calibre 38’.” Uma crônica urbana romântica e de final trágico.

Talvez a melhor da banda, se não, seu maior sucesso – o que para um grupo alternativo como eles é algo considerável –, a faixa-título é outra balada com estrutura semelhante à anterior (base no violão, guitarras intensificando o clima semiacústico, tom tristonho), visto que ganha emotividade conforme avança. “Fuzzy”, no entanto, traz um refrão absolutamente tocante, em que Phillips, mais uma vez explorando suas qualidades de canto, lança falsetes para dizer com sentimento: “I've been lied to/ Now I'm fuzzy” (“Eu tenho mentido/ Agora estou confuso”). Em seguida, “Wish You Well”, com uma base de guitarra bem interessante, é mais pesada mas sem deixar de ser bastante melodiosa. Realce para a interessante linha de bateria, forjada em pequenos rolos no surdo com a caixa.

“The Hook”, totalmente acústica, é uma bela canção em que tudo funciona com perfeição: violão de cordas de aço, baixo acústico, bateria nas escovinhas e a voz ora deslizante ora impregnada de Phillips. Outro destaque do disco é “Soft Wolf Tread”, que inicia só na voz e frases do violão para, em seguida, explodir em peso e fúria. Assim é também “America Snoring”: melodiosa mas permeada pela distorção das guitarras e por uma bateria alta, pericialmente amplificada na produção assinada pelo próprio Kimble.

O piano estilo country volta na excelente “Dixie Drug Store” em que, por óbvio, homenageia o bluesman Willie Dixon mas, igualmente, referencia a ligação intrínseca que o blues tem com a música folk, tal como outro bluesman, Muddy Waters, fizera no clássico “Folk Singer”, de 1959 – disco em que, não coincidentemente, Dixon produz e toca. Aqui, Phillips manda ver mais uma vez nos falsetes, os quais incorpora de forma muito natural ao próprio timbre. Com essa, Elvis deve ter ficado arrepiado. “Stars n' Stripes”, delicada, é talvez a mais fraca do álbum, o que nem de longe tira a graça do trabalho como um todo.

E é justamente essa característica que desfecha “Fuzzy”: graça. Afinal, “Grace”, penúltima faixa, seguindo o mesmo conceito de “The Hook”, que revela a leveza d’”a rocha”, contrariamente, traz agora a densidade da “clemência”. Imagino que para alguém que morava numa mansão chamada Graceland deve ter sido uma feliz surpresa ouvir esse tema. “You Just Have to be Crazy”, baixando novamente os ânimos, finaliza o álbum com a mesma pegada acústica e doce já apresentada em vários momentos. A bela letra que diz: “Você apenas tem que ser louco, não você/ Você apenas tem que estar fora de sua mente/ Você apenas tem que ser louco, não você/ Você apenas tem que ser/ Verdade ou não/ Verdade ou não.”

Com todo respeito que tem a seus súditos Neil Young, Bob Dylan, John Lennon, Raul Seixas, Robbie Robertson, Jimmy Page, Elton John, Renato Russo, Elvis Costello, Johnny Thunders e mais centenas e centenas de roqueiros e não-roqueiros mundo afora, Elvis Presley – na minha invencionice apaixonada –, deu seu troféu para a Grant Lee Buffalo por “Fuzzy”. Foi neste disco que ele identificou aquilo que imaginava que sua música um dia chegaria a ser: sofisticada mas popular e pungente. Dá pra enxergar Elvis tirando dos ouvidos seu fone dourado, recostando-se no trono e dizendo emocionado: “Muito bem, rapazes! Aprenderam direitinho. Obrigado”.

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FAIXAS:

1. The Shining Hour

2. Jupiter and Teardrop

3. Fuzzy

4. Wish You Well

5. The Hook

6. Soft Wolf Tread

7. Stars n' Stripes

8. Dixie Drug Store

9. America Snoring

10. Grace

11. You Just Have to be Crazy

todas as faixas compostas por Grant Lee Phillips

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OUÇA O DISCO:

Grant Lee Buffalo Fuzzy

por Daniel Rodrigues

Bruce Springsteen – “Darkness on the Edge of Town” (1978)

“[‘Darkness on the Edge of Town’]

parece que é o limiar de um novo período

em que nós vamos voltar a ter uma ‘vida no limite

 entre sonhos realizados e perdidos.’

Ele traz novamente a pergunta que o rock & roll sempre levanta

em momentos epifânicos:

Você acredita em mágica?”

Dave Marsch, em 1978

Meu disco favorito de Bruce Springsteen é “Darkness on the Edge of Town”. Demorei muito a comprar este LP. O disco saiu em 1978 e eu comprei numa loja de discos usados, lá no viaduto Otávio Rocha, em Porto Alegre (deve ter sido na lendária Flora Viaduto), depois de muito procurar um que tivesse as letras, isso, em 1980. Furei o LP e o meu amigo Ricardo Silveira comprou pra mim o CD numa de suas viagens aos Estados Unidos, lá por 1995.

Vamos começar por “Badlands”, que ele tocou no Rio de Janeiro ano passado quando esteve no Rock ‘n’ Rio. Um rock ao estilo Springsteen, com aquele sabor de anos 50. Com muito piano e a guitarra de Bruce lá na frente na mixagem, ele conta a história de um cara intenso que “não dá importância/ àquelas cenas sempre encenadas/ eu não dou importância/ àquelas coisas que ficam no meio do caminho/ Querida, eu quero o coração, eu quero a alma/ Eu quero controle agora/ falar sobre um sonho/ tentar torná-lo realidade/ Você acorda à noite/ com um medo tão real/ Gasta sua vida esperando/ por um momento que não chega/ bem, não perca tempo esperando”. No refrão, Bruce faz sua profissão de fé, dizendo que “terras arrasadas/ você tem de viver todos os dias/ deixe os corações partidos quietos/ como preço que tem de pagar/ vamos continuar a exigir/ até que estas terras arrasadas nos tratem bem”. Pra começar o disco, nada melhor do que este rock com solo de sax do falecido Clarence Clemons.

“Adam Raised a Cain” tem um jeito blues, com a guitarra de Bruce aparecendo já nos primeiros momentos. Esta canção conta metaforicamente a conturbada relação do compositor com seu pai, um cara muito estranho e que não se comunicava bem com seu filho. Tudo começa “no verão em que fui batizado/ meu pai carregou-me do seu lado/ Enquanto me colocavam na água/ Ele disse como eu chorei/ Somos prisioneiros do amor, o amor em correntes/ Ele estava parado na porta eu estava parado na chuva/ com o mesmo sangue quente correndo em nossas veias/ Adão criou um Caim”. Como a história tem um lado muito pessoal, Bruce canta como se fosse a última canção de sua vida. E continua dizendo que: “Na Bíblia Caim matou Abel e à leste do Eden foi segregado/ Você nasce nesta vida pagando pelos pecados que alguém cometeu no passado/ Papai trabalhou sua vida inteira por nada além de dor/ Agora ele caminha por estes quartos vazios procurando alguém pra culpar/ Você herda os pecados, você herda as chamas/ Adão criou um Caim”. A batida constante de Max Weinberg mantém o clima tenso desta, que é uma das principais canções da carreira de Bruce.

Na sequência, uma das road-songs de BS: “Something in the Night”. Uma balada desesperada onde a combinação de piano e órgão, divididos por Roy Bittan e Danny Federici, dá o tom. O narrador está andando a esmo de carro por Kingsley, liga o rádio para não ter de pensar em nada a não ser em sua garota que ele ama no chão, à procura de um momento em que o mundo faça sentido. Como em toda a sua carreira, Bruce dá um toque de desesperança nesta dupla. “Quando encontramos as coisas que amamos/ Elas estão amassadas e jogadas na poeira/ Tentamos juntar os pedaços/ E fugir sem nos machucarmos/ Mas eles nos alcançam na fronteira/ E queimam nossos carros numa última luta/ E nos deixam correndo queimados e cegos/ procurando algo na noite”. A velha história da procura de alguma coisa que não se sabe bem o que é. O que importa é a busca.

“Candy's Room” inicia com as vassourinhas de Weinberg fazendo uma cama para o piano de Bittan, enquanto Bruce recita a letra, dizendo: “No quarto de Candy tem retratos de seus heróis nas paredes/ mas para chegar no quarto de Candy/ Você tem de passar pela escuridão do hall de Candy/ Estranhos da cidade ligam para o número do meu amor/ E trazem brinquedos para ela/ Quando eu bato na porta, ela sorri bonito/ Ela sabe que eu quero ser o garoto de Candy”. Durante toda a canção, o garoto quer demonstrar que não adianta enchê-la de presentes, pois ela pertence a ele. “Ela tem roupas bonitas, anéis de diamante/ Ela tem homens que lhe dão tudo o que ela quiser/ Mas eles não veem/ que tudo o que ela quer sou eu/ Oh, e eu a quero muito/ Nunca vou deixar ela ir embora não, não, não / Ela sabe que eu darei tudo o que tiver de dar/ Tudo o que eu quero, tudo o que eu vivo/ para que Candy seja minha esta noite”. Será que ele conseguiu? Bruce não diz.

“Racing in the Street” traz novamente o piano de Bittan fazendo a cama lírica para a letra de Bruce, que conta a história de um trio que sai de carro correndo pela rua. Enquanto a banda vai entrando instrumento por instrumento, Bruce conta a saga destes dois rapazes e da menina de um deles assaltando de cidade em cidade e fugindo sempre. “Esta noite a faixa está certa/ Vou detoná-los na primeira tentativa/ O verão está aí e a hora é certa de correr na rua”. Na canção, Bruce vai contando as aventuras de gente simples que tem seus empregos simples e que passa a se sentir importante quando está na direção de um carro. Os protagonistas vivem isso até chegar ao fim da jornada afirmando que “todos os estranhos que foram jogados fora da estrada e todos os anjos de tala larga/ estão circulando pela terra prometida/ Esta noite eu e minha garota vamos até o mar/ lavar estes pecados de nossas mão / Esta noite, esta noite, a estrada está luminosa/ Mister é melhor ficar fora do alcance/ porque o verão está ai e a hora é certa para correr na rua”. A redenção destes personagens se dá ao estar em frente a um volante, correndo pelas estradas sem rumo. Poderia se dizer que estas criações de Bruce são atualizações dos personagens de John Steinbeck, especialmente em "As Vinhas da Ira", um dos livros preferidos do músico. Aos poucos, o órgão de Federici toma conta da canção com a batida na caixa de Weinberg, reforçando a dramaticidade desta história que encerra, enquanto a banda continua. Melancolia pura no operariado.

O lado 2 começa com mais uma música deste disco que se poderia chamar de um Road-record. Muitas das músicas falam de noite, escuridão, de carros, de corridas e fugas. “The Promised Land” não foge à regra. O narrador “trabalha o dia todo na garagem de seu pai / Dirigindo a noite inteira caçando alguma miragem / logo logo, garotinha, vou tomar conta”. O refrão dá mostras de uma pequena esperança: “Os cães na Rua Principal uivam porque eles entendem/ se eu pudesse pegar um momento em minhas mãos/ senhor não sou um garoto sou um homem/ e eu acredito na Terra Prometida”. A esperança deste narrador logo é confrontada com a dura realidade: “Tenho dado meu melhor para viver da maneira correta/ Acordo todas as manhãs e vou trabalhar todos os dias/ Mas seus olhos ficam cegos e seu sangue corre frio/ Às vezes me sinto tão fraco que quero explodir/ Explodir e detonar esta cidade/ Pegar uma faca e cortar esta dor do meu coração/ Encontrar alguém que esteja com vontade de começar”. No final, este homem diz que quer “explodir os sonhos que te desmontam/ explodir os sonhos que partem seu coração/ explodir as mentidas que te deixam perdido e baixo astral”. Nesta canção, a harmônica de Bruce dá aquele toque dylanesco na canção.

Outra canção que fala de seu pai, “Factory”, traz exatamente isso. Um inventário da vida de um operário de fábrica no interior dos Estados Unidos. É bom lembrar que Bruce foi criado em Nova Jersey, onde as oportunidades ficam restritas do outro lado do rio. “Cedo da manhã o apito da fábrica toca o homem levanta da cama e põe suas roupas/ O homem pega seu almoço e caminha na luz da manhã/ é a vida dos trabalhadores, dos trabalhadores, dos trabalhadores”. Em seguida, Bruce conta mais da vida de seu pai: “Através das mansões do medo, através das mansões da dor/ Vi meu pai caminhando/ Através dos portões da fábrica na chuva/ A fábrica tirou sua audição, a fábrica lhe deu vida/ é a vida dos trabalhadores, dos trabalhadores, dos trabalhadores”. No final da canção, a coisa fica preta, pois estes homens frustrados saem do ambiente de trabalho prontos para brigar, prometendo que “alguém vai se machucar esta noite”.

“Streets of Fire” traz de novo a metáfora das ruas como o ambiente de libertação mas também de perigo, pois são “ruas de fogo”. “Estou vagando, um perdedor nestas faixas/ Estou morrendo, mas garota não posso voltar/ porque na escuridão ouço alguém chamar meu nome/ e quando percebe que foi enganado desta vez/ São todas mentiras, mas estou preso totalmente a/ estas ruas de fogo”. Os arranjos do disco flertam com o blues e com o rhythm and blues de Elvis, Chuck Berry, Little Richard, mas trazem também um quê de Rolling Stones e sua interpretação da música americana. Bruce parece querer devolver estes gêneros para seu país. E consegue.

“Prove it all Night” é mais animada, mas a temática é a mesma: o narrador está dirigindo para comprar uma aliança de ouro e um vestido azul bonito para sua garota. E um beijo para provar toda noite. Lá pelas tantas, ele pede para que ela “prenda seu cabelo num longo rabo de cavalo branco/ me encontre nos campos atrás do dínamo/ Você ouve suas vozes dizendo que não é pra ir/ Eles fazem suas escolhas e eles nunca saberão/ o que significa roubar, enganar, mentir/ Como é viver e morrer/ pra provar toda noite”. Clarence Clemons reaparece com seu sax tenor na tradição R&B de King Curtis e Pee Wee Ellis, da banda de James Brown. No final do disco, este pequeno alento numa vida desesperançada.

"Darkness on the Edge of Town" termina com a faixa-título na qual Bruce conta a história de um corredor que perdeu sua garota porque as diferenças sociais os afastaram. Segundo ele, o sangue nunca correu em suas veias. “Agora ela tem uma casa em Fairview/ e um estilo de vida que tenta manter/ Pode dizer pra ela que sou facilmente encontrável/ Diga a ela que tem um lugar embaixo da ponte Abram/ e diga a ela que tem escuridão nos limites da cidade”. A narrativa vai mostrando que todos têm um segredo e que é difícil escondê-los o tempo inteiro até que algo faz com que eles sejam revelados. No último verso, que Bruce canta com raiva, ele diz que: “alguns caras nascem numa boa vida/ outros chegam a ela de um jeito ou outro/ perdi meu dinheiro e perdi minha mulher/ Essas coisas parecem não ter muita importância pra mim agora/ Esta noite estarei naquela colina porque não posso parar/ estarei naquela colina com tudo o que tenho/ Vidas no limiar onde sonhos são encontrados e perdidos/ estarei lá na hora e pagarei o preço/ por querer coisas que somente podem ser encontradas/ na escuridão nos limites da cidade”.

Um final sem esperança para um disco que lida com a vida cotidiana e mostra que, pelo menos naquela época, durante o governo Jimmy Carter, as coisas não andavam muito bem para o trabalhador americano. Tudo isso emoldurado pelo som da E. Street Band, grupo que o acompanha até hoje. Este grupo mantém as influências do líder todas em dia. Trabalho importante na carreira de Bruce Springsteen, "Darkness on the Edge of Town" consolidou sua imagem de uma espécie de "porta-voz poético" da população americana. Daí em frente, a trajetória do músico o levou a se tornar um herói nos Estados Unidos. Aqui no Brasil, Bruce só foi notado pelo grande público com "Born in the U.S.A.". Mas esta é outra história.

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FAIXAS:

Lado 1
1. "Badlands" 4:01
2. "Adam Raised a Cain" 4:32
3. "Something in the Night" 5:11
4. "Candy's Room" 2:51
5. "Racing in the Street" 6:53

Lado 2
1. "The Promised Land" 4:33
2. "Factory" 2:17
3. "Streets of Fire" 4:09
4. "Prove It All Night" 3:56
5. "Darkness on the Edge of Town" 4:30

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OUÇA O DISCO

Bruce Spingsteen Darkness on the Edge of Town

por Paulo Moreira

John Lee Hooker - "House of the Blues" (1959)

"John Lee Hooker é um daqueles caras
 que sabe o que é ter o blues,
e como mostrá-lo. 
A prova de que ele pode fazer isso
com estilo individual, força dramática e balanço crescente pode ser comprovado nesta coletânea, que deve ser considerada como um dos grandes álbuns de blues dos últimos anos."

nota da contracapa do
LP origianl de 1959

A voz rouca, o estilo quase falado de cantar, a marcação com o pé, um blues ao mesmo tempo primário e sofisticado, todas estas são marcas registradas de John Lee Hooker, uma das maiores lendas do blues e um dos músicos mais influentes de todos os tempos. Em 1959 esse cara lançava seu primeiro álbum, "House of the Blues", na verdade, uma coletânea de gravações avulsas realizadas de 1951 a 1955, com algumas faixas impressionantemente muito bem produzido e mixadas para os recursos da época, o que, de forma alguma, pelo bom aparato técnico, fazia perder a característica bem 'raiz', da música do cantor.

Como cartão de visitas, o disco abre com "Walkin' the Boogie ", um blues elétrico, experimental, que um ouvinte menos avisado poderia tranquilamente confundir com Jimmi Hendrix, e que revela bem essa ambiguidade entreo apro técnico e crueza. Também é exemplo de boa produção, a ótima "It's My Fault" com seus efeitos na voz e na guitarra e acompanhamento de piano ao fundo.
"Union State Blues", com seu solo insistente de guitarra; a belíssima "Sugar Mama" e a ótima "Louise" fazem a linha mais tradicional do cantor, em canções mais básicas, mais cruas, no modelo voz, guitarra, e marcação.
Ainda valem destaque a boa "Rumblin' by Myself" que inicia já com aquele 'mugido' característico de Hooker; o show do violão no blues acústico "Grounfd Hog Blues"; o bles/rock embalado "High Priced Woman"; e o rock'n roll de beira de estrada, quase à Chuck Berry, "Women and Money", que fecha a conta.
Grande disco de blues/rock que sempre tive vontade de ter e que, dia desses, passando pelos usados de uma loja que frenquento, dou de cara. "Ôpa! Só se for agora". Mais um ÁLBUNS FUNDAMENTAIS para a prateleira. Tá lá.

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FAIXAS:

1. Walkin’ The Boogie
2. Love Blues
3. Union Station Blues
4. It’s My Own Fault
5. Leave My Wife Alone
6. Ramblin’ By Myself
7. Sugar Mama
8. Down At The Landing
9. Louise
10. Ground Hog Blues
11. High Priced Woman
12. Women And Money

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Ouça:
John Lee Hooker The House Of The Blues

Cly Reis

John Cale – “Sabotage/Live” (1979)

“You better be ready for war.” (“É melhor você estar pronto para a guerra”)

da letra de “Mercenaries”

Eu teria tranquilamente pelo menos outros três ou quatro discos de John Cale para incluir numa lista de ÁLBUNS FUNDAMENTAIS  o que talvez ainda seja reparado por mim, pelo Clayton ou outro colaborador do blog. Mas faço questão de começar justamente por um disco ao vivo que, via de regra, não tem a mesma “fundamentabilidade” dos de estúdio. Mas esse é um “live” diferente, como, aliás, é a marca deste genial e camaleônico cantor, compositor, arranjador e produtor galês. O referido disco é “Sabotage”, registro avassalador gravado por Cale em 1979 no lendário CBGB, boteco que, no início dos anos 70, foi palco do surgimento do punk, cena da qual o próprio foi um dos principais artífices.

Cale é um verdadeiro esteta. Já apareceu na cena artística de Nova York nos anos 60 como uma lenda. Ex-aluno do vanguardista La Monte Young, levou sua pegada erudita moderna para a não menos lendária banda Velvet Underground e, sob a batuta de Andy Warhol e ao lado de Lou Reed  formou uma das parcerias musicais mais inventivas da história da música contemporânea. Não bastasse, o cara largou o Velvet após apenas dois discos (mas suficiente para deixar sua marca) e entrou numa carreira solo regida pelo mais absoluto ecletismo, indo do mais tosco punk-rock até a mais refinada suíte romântica a la Brahms. Coisa que apenas um maestro genial como ele teria condições e conhecimento para tanto. De 1969 para cá, produziu, lançou bandas e artistas, compôs inúmeros discos próprios e/ou em parceria, fez trilhas sonoras, enfim: soltou a criatividade.

“Sabotage”, o disco em questão, faz parte de sua trilogia proto-punk iniciada no magnífico “Fear” (1974) e no não menos brilhante “Guts” (1977). Porém, é no terceiro da série que Cale detona tudo, num dos mais pungentes e, ao mesmo tempo, bem elaborados discos de rock já ouvidos. A banda é afiadíssima: Mark Aaron, esmerilhando na guitarra solo; Joe Bidewell, competente nos teclados; Doug Bowne, mantendo super bem o ritmo na bateria, às vezes dando espetáculo; George Scott, com seu baixo grave e fundamental para o arranjo e textura; Deerfrance, a musa da cena punk nova-iorquina nos backings e colaborando também na percussão; e o próprio Cale, que manda ver no piano, guitarra-base, segundo baixo, viola (originalmente seu instrumento-base) e, claro, vocal.

"Mercenaries (Ready for War)", com sua base de baixo constante, grave e pesada, começa pondo a galera pra poguear. Cale solta o verbo numa letra que critica a sociedade e o militarismo, como um bom punk, desfechando ao som da explosão da bomba que ilustra a capa. Aaron é outro que destrói nesta, dando uma noção do que viria em seguida. Mantendo a pegada e o sarcasmo, "Baby You Know" vem na sequência com um ritmo marcial e um motivo constante de teclados super legal, lembrando Joy Division. Ótima.

“Evidence” traz um riff matador de guitarra, mas não menos legal na linha de baixo. Punk até dentro dos olhos, mas com aquele toque de Cale: um inconfundível refinamento até na escolha das poucas notas de um rock básico. “Dr. Mudd”, mais melodiosa mas não menos guitarrada, antecede a excelente “Walking the Dog”,  clássico do Rhythm and Blues numa versão quase irreconhecível de tão reelaborada. O baixo sustenta a melodia numa combinação de notas dissonantes, dando até a (falsa e proposital) impressão de estar desafinado. Mas as guitarras também não deixam por menos, mandando super bem.

Aí vem um dos pontos altos do show: “Captain Hook”. Com mais de 11 minutos, que passam sem se perceber tamanha sua densidade musical, começa com um motivo minimalista de teclado constante, enquanto os outros instrumentistas deitam e rolam solando. Todos. Porém, o que parecia ser uma peça instrumental toma outro rumo, e somente ali pelos 4 min vira um rock magistral, arrastado e carregado, com a bela voz de Deerfrance fazendo coro e a de Cale – já bem rouca a esta altura do show – proferindo uma letra longa e melancólica. A canção vai num crescendo até estourar em energia e agressividade. De tirar o fôlego.

A linda “Only Time Will Tell” quebra o ritmo numa melodia suave feita por Cale especialmente para a afinada e doce voz de Deerfrance, tal como ele e Lou Reed faziam nos tempos de Velvet, como em “Femme Fatale”, para Nico, e “After Hours”, para Moe Tucker. Uma surpresa e uma graça especial ao show. Mas a delicadeza não dura muito tempo, pois a pancadaria volta novamente na faixa-título. Aliás, pancadaria “desordenada”. A destreza erudita de Cale o fez criar uma melodia sem um centro tonal claro, somente duas notas de guitarra que se repetem de quando em quando, transmitindo uma verdadeira sensação de sabotagem. Assim, as guitarras, o baixo, a bateria e as vozes se estabefeiam no espaço sonoro, cada uma tentando se encaixar dentro de uma harmonia vaga e dissonante. E a galera delira. Genial.

Para terminar, não podia ser diferente: uma marcha militar, “Chorale”, lenta e quase fúnebre. Fim da guerra e mensagem dada: todos perderam naqueles tempos de pós-Vietnã e Guerra Fria.

Um dos principais diferenciais de “Sabotage” para a grande maioria dos discos ao vivo é que todo o repertório é feito de canções inéditas compostas especialmente para esta performance. Ou seja, Cale pensou em um disco não com versões ao vivo de músicas já gravados em estúdio como geralmente se faz, mas, sim, num set list inédito que soasse como uma apresentação mesmo, tendo em vista que essas peças funcionariam melhor com a reverberação acústica ampla, ruídos, interferências e imprevisibilidades de um show. Um exemplo disso é a rouquidão de Cale naquele dia. O tom geralmente elegante e grave de sua voz dá lugar a uma interpretação rasgada e agressiva, o que intensifica a força das execuções, coisa que seria evitada em um estúdio.

Toda a trilogia, mas principalmente “Sabotage”, faz jus ao movimento punk, naqueles idos já reconhecido internacionalmente pelo sucesso de Sex Pistols,  The Clash,  Ramones e cia. mas de muito conhecida por Cale. É como se ele, artista essencial e influente para este movimento tão importante à história do rock e da cultura pop em geral, o avalizasse e dissesse aos punks: “É isso aí, gurizada”.

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A edição em CD, lançada em 1999, traz ótimos extras. Primeiro, as três faixas do EP “Animal Justice”, de 1977, uma espécie de “quarto da trilogia”. Por último, a excelente obra gothic-punk "Rosegarden Funeral of Sores", posteriormente gravada super bem pelos darks do Bauhaus  em que Cale, apenas com um sintetizador marcando a percussão, uma linha de baixo e uma guitarra urrando faz arrepiar a espinha de medo de qualquer vivente.

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FAIXAS:

1. "Mercenaries (Ready for War)"
2. "Baby You Know"
3. "Evidence"
4. "Dr. Mudd"
5. "Walkin' the Dog" (Rufus Thomas, Jr.)
6. "Captain Hook"
7. "Only Time Will Tell"
8. "Sabotage"
9. "Chorale"

 

Bônus tracks (CD 1999)

10. "Chickenshit"

11. "Memphis" (Chuck Berry)

12. "Hedda Gabler"
13. Rosegarden Funeral of Sores"

todas de autoria de John Cale, exceto indicadas

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Ouça:
John Cale Sabotage/Live

por Daniel Rodrigues

Hank Williams - "Memorial Album (1953)

"Poucos compositores deste século
souberam expressar a
profunda dor da solidão
e da saudade por causa do amor
tão sombria e docemente como Hank Williams"

Matt Johnson, The The

Conheci Hank Wiliams através do The The. Seu líder e homem-banda, Matt Johnson, resolveu homenagear o lendário cantor country com a gravação de um álbum só com versões e releituras das músicas de Hank, chamado "Hanky Panky". Matt já havia feito um música numa linha mais country para a trilha do filme "O Juiz" e me deixara uma boa impressão, despertando alguma curiosidade quanto ao que poderia na matéria que se propunha então. Ouvi o "Hanky Panky" do The The, gostei bastante e fiquei bastante curioso a partir disso para ouvir, então, o verdadeiro, o original, uma vez que ouvira muito falar a respeito dele mas nunca havia escutado suas músicas interpretadas por ele mesmo. Até porque o astro country dos anos 40 e 50, tinha a fama de ser maldito, marginal e muito rock'n roll antes mesmo do termo ser efetivamente abençoado por Chuck Berry.
O disco que destaco aqui é um dos poucos dos quais falo nesta seção que não tenho. Ouvi e tenho, na verdade uma coletânea com todos os grandes sucessos do cantor chamada "Hank Willliamms 40 Greatest Hits", mas como o legal aqui é destacar sempre uma obra concebida, seu contexto histórico, suas circunstâncias de produção, etc., aponto como Fundamental o "Memorial Album", terceiro disco de Williams e contentor de alguns de seus grandes sucessos como "Move it on Over e "Your Cheatin' Heart".
"Move it on Over" é uma canção descontraída, alegre, conduzida por um violino e cantada naquela voz anasalada de Williams com uns propositais falseamentos de 'rouquidão' que já eram tradicionais nas suas interpretações; divertida também é a grande "Hey, Good Lookin'", fronteira entre o country, o blues e o rock;  "Your Cheatin' Heart" ainda, até hoje, persiste como uma das  mais belas baladas já feitas e ganhou posteriormente versão de Elvis Presley; e "You Win Again", brilhante, teve versão gravada pelos Stones presente nos extras do álbum  "Some Girls" .
"Cold, Cold Heart", outra balada, tem outra interpretação marcante ; "Half as Much" e "I Could Never Be Ashamed of You", também lentas, de dor-de-cotovelo, fazem o estilo bem campeiro característico; e "a ótima "Kaw-Liga", bem rock'n roll no conceito, tem uma batida indígena forte e marcada acompanhada por um violino.
Influência evidente para artistas como os já citados Elvis e  Rolling Stones , além de outros como Bob Dylan, Neil Young, Johnny Cash, The Smiths entre tantos outros, Hank Williams, ali por aquele final de anos 40 representava mais um passinho que a música dava em direção ao que seria o rock'n roll.

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FAIXAS:

1. Your Cheatin' Heart
2. Settin' The Woods On Fire
3. You Win Again
4. Hey, Good Lookin'
5. Crazy Heart
6. Move It On Over
7. Cold, Cold Heart
8. Kaw-Liga
9. I Could Never Be Ashamed Of You
10. Half As Much
11. My Heart Would Know
12. I'm Sorry For You, My Friend

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Ouça:
Hank Williams Memorial Album

Cly Reis

Chuck Berry - "Chuck Berry is on Top" (1959)

"É difícil para mim falar de Chuck Berry

porque eu copiei todos os acordes

que ele já tocou."

Keith Richards

O que é que aquele negro estava fazendo ali pela segunda metade dos anos 50?
Negros faziam blues, mas aquilo não era blues.
Tinha pitadas, doses de música country, mas não era country, e, afinal de contas country era música pra caipiras brancos.
Tinha um balanço diferente, tinha um embalo impressionante.
Senhores, aquele homem tinha acabado de inventar uma coisa chamada rock'n roll!
Aquela mistura, aquele jeito de tocar, aquela guitarra singular, aqueles riffs, aquele novo ritmo de certa forma desagradava um pouco aos negros porque subvertia o blues; desagradava também aos brancos por ousar mexer com um ritmo característico deles; mas o mais importante é que muito mais gente aprovou, e adorou, e aderiu e, enfim, é por isso que estamos aqui, não é mesmo Chuck?
Embora seu primeiro disco, After School Session" de 1957, seja considerado uma espécie de marco-zero do rock, destaco aqui seu terceiro álbum, "Chuck Berry is on Top" de 1959, por trazer uma maior quantidade de seus grandes hits por metro quadrado entre os primeiros trabalhos de sua carreira: tem a alucinante "Maybelline"; a elétrica "Sweet Little Rock and Roller"; o riff matador de "Johnny B. Goode"; e a empolgante "Roll Over Beethoven"; sem falar em outras como "Around and Around", "Carol" ou "Jo Jo Gunne" por exemplo, igualmente excelentes mas não tão famosas quanto as clássicas.
Não, não é a toa Chuck Berry é considerado por muitos o Pai do Rock, e "Chuck Berry is on Top" está aqui para confirmar isso.

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FAIXAS:

1. "Almost Grown" – 2:18
2. "Carol" – 2:44
3. "Maybellene" – 2:18
4. "Sweet Little Rock & Roller" – 2:18
5. "Anthony Boy" – 1:50
6. "Johnny B. Goode" – 2:38
7. "Little Queenie" – 2:40
8. "Jo Jo Gunne" – 2:44
9. "Roll Over Beethoven" – 2:20
10. "Around and Around" – 2:20
11. "Hey Pedro" – 1:54
12. "Blues for Hawaiians" – 3:22

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Ouça:
Chuck Berry Is On Top

Cly Reis

The Sonics - "Here are The Sonics" (1965)

"Eu tenho que admitir ...

The Sonics gravou muito, mas muito barato (...)

apenas utilizaram um microfone sobre a bateria, e o som da bateria deles é o mais incrível que eu já ouvi. Ainda hoje é o meu som de bateria preferida.

Parece que ele está batendo mais forte

do que qualquer um que eu já conheci."

Kurt Cobain

É certo que um bocado de bandas dos anos 60 influenciaram e ajudaram a formar a linguagem do que seria o punk rock, mas poucas daquela época sujaram tanto o som, estouraram as caixas amplificadas, rasgaram tanto os vocais como o The Sonics. As guitarras soavam altas e agressivas, os teclados quando apareciam formavam uma espécie de camada, os metais eram invariavelmente enlouquecidos e a bateria alta e oca, soava como uma metralhadora nos rolos.
Numa época em que as versões e releituras dos clássicos do blues e do rock eram quase um cartão de visitas para qualquer banda que aspirasse aparecer no cenário musical, os caras verdadeiramente 'desvirtuaram', num bom sentido, algumas pérolas do rock de lendas como Chuck Berry, Little Richard e Ray Charles.
No seu álbum de estreia, "Here Are The Sonics" de 1965, eles até dão uma poupada em "Roll Over Beethoven", por exemplo, que ganha peso, aceleração mas não chega a ser tão ousada, mas "Good Golly Miss Molly", por sua vez fica absolutamente selvagem tal o barulho, o volume e a gritaria; e a bela balada "Night Time Is the Right Time" de Ray Charles  ganha vocais berrados e arranhados que lhe conferem uma sensação completamente nova em relação à original.
Mas, em absoluto, se limitavam às covers: das canções próprias destaca-se facilmente a fantástica "The Witch", um rockaço, meio surf music, com um riff minimalista e pesado que lembra o antigo tema do seriado Batman. Nada mais nada menos que matadora! "Psycho", outra das composições da banda, como já subentende o nome é algo assim próximo à loucura, e "Strychnine" que descarrega guitarras ruidosas e vocais violentos em outra das melhores do disco, é puro veneno
O disco "Here are the Sonics" não era assim tão fácil de ser encontrado mas há pouco tempo saiu em reedição com alguns extras, no entanto, bom mesmo pra quem quiser um apanhado geral é a coletânea lançada em 1993 que contém todas as músicas deste primeiro LP e mais um bocado de outras boas coisas da banda, chamada "Psycho-Sonic". Pra quem quiser ir atrás, acho que este é o melhor caminho.
Simplesmente psycho!
Psycho!

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FAIXAS:
1."The Witch"
2."Do You Love Me" (The Contours)
3."Roll Over Beethoven" (Chuck Berry)
4."Boss Hoss"
5."Dirty Robber" (The Wailers)
6."Have Love, Will Travel" (Richard Berry)
7."Psycho"
8."Money (That's What I Want)" (Barrett Strong)
9."Walkin' the Dog" (Rufus Thomas)
10."Night Time Is the Right Time" (Ray Charles)
11."Strychnine"
12."Good Golly Miss Molly" (Little Richard)

*todas as faixas, The Sonics, exceto as indicadas
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Ouça:
Here Are The Sonics

Cly Reis