Convidados por nossa hermana Carolina Costa, Leocádia e eu
fomos a uma agradável feira a céu aberto ocorrida na Rua Bento Figueiredo, uma
pequena travessa do bairro Bonfim acostumada a, durante a semana, comportar
apenas a correria dos automóveis, uma vez que funciona como passagem entre duas
vias de bastante movimento, a Felipe Camarão e a Ramiro Barcellos, as quais se ligam
uma a outra por meio desta primeira. Neste domingo de uma tarde nublada,
entretanto, a via serviu de abrigo para a feira, esse belo tipo de iniciativa
que aos poucos Porto Alegre vai adotando a exemplo de Rio de Janeiro e São
Paulo: a da ocupação de espaços públicos para ações comunitárias e alternativas
ao comércio pasteurizado.
Tinha de tudo um pouco na feira: antiguidades, roupas, bijuteria,
brechó, artesanato. Havia também vinis, os quais, claro, dei uma boa parada
para ver. Muito bons, tanto em conservação quanto de diversidade e qualidade na
banca da Bugio Discos, que, organiza, inclusive, a Feira do Vinil de Porto
Alegre, a qual acontece na Casa de Cultura Mário Quintana e já é um sucesso de
público em sua 5ª edição. Nesta feira, entretanto, eles eram os únicos a
oferecer discos, tanto reimpressões novas quanto usados. Coisas bem variadas de
rock internacional, MPB e um pouco de jazz. Grata surpresa foi encontrar uma
edição do “Tubarões Voadores”, do Arrigo Barnabé, de 1985 (que o meu primo e clybloggerLúcio Agacê me apresentou lá nos anos 80), contendo o encarte
original, que é um HQ, de autoria do cartunista Luiz Cê, super raro. Tão raro,
que justificava o valor do disco: R$130,00. Contentei-me em levar, a um preço
bem mais em conta, um João Bosco, “Gagabirô”, de 1984, um dos de maiores
vendagens do cantor e compositor mineiro, que contém o hit “Papel Machê”.
Fora isso, tinham brincadeiras coletivas para crianças, como
bolhas gigantes, além de musica mecânica e apresentações artísticas, como a de
um espirituoso mambembe e suas acrobacias. Paramos para assisti-lo, e não é
que, sob os olhares atentos de adultos e pequenos, o sol, até então escondido
por detrás da espessa camada de nuvens, deu de aparecer? Não por muito tempo,
pois a nebulosidade logo o cobriu de novo e a noite chegou para selar de vez a
tarde. Mas enquanto esteve presente, fosse com os raios pelas frestas das
nuvens ou mesmo por entre elas, o astro-rei nos permitiu enxergar com olhos
mais atentos aquela rua de construções antigas bonitas, as quais não raro se
anulam no vai e vem acelerado da maior parte dos dias da semana. É como se nos
projetássemos em um tempo e como se aquela rua ali ganhasse uma aura mágica – a
qual, na verdade, é uma magia que já lhe pertence. A nós é que cabe reduzir a
marcha um pouquinho e apreciar as coisas do jeito que elas são. Na nossa bela
tarde mais nublada que ensolarada, deu para fazer isso.
Público conferindo a Feira
Roupas e acessórios independentes.
Tem de tudo na feira da Bento Figueiredo
Vinis da Bugio foram devidamente apreciados.
Sapatos à venda no brechó
Leocádia conversa com o dono do brechó Gama
As hermanas Leocádia e Carolina caminham pela feira
Carolina se senta com a criançada para assistir ao show
“Não foi difícil projetar para Niterói, porque esta é uma cidade de orla tão bela que possibilita a criação a céu aberto, como um itinerário cultural e religioso.”
Oscar Niemeyer
Já havia ido duas vezes a Niterói por conta, obviamente, do Museu de Arte Contemporânea, o MAC, aquele monumento que a cidade carioca abriga. Entretanto, sempre tivemos curiosidade de conhecer também o Caminho Niemeyer, altamente recomendado por concentrar o segundo maior conjunto arquitetônico assinado por esse genial brasileiro depois de Brasília, e também por estes serem alguns de seus últimos projetos construídos. Aliás, Oscar Niemeyer nos é um dos fatores turísticos mais instigantes sempre que viajamos, e isso em várias partes do mundo. Embora conheçamos pessoalmente apenas algumas delas e apenas brasileiras, todo local que conte com construções suas, seja São Paulo, Belo Horizonte, Tel Aviv, Paris, Milão ou Nova York, são, se não pelo óbvio, destinos turísticos interessantes também por conterem obras do arquiteto em suas paisagens.
Pois é a paisagem litorânea de Niterói, beirada à Baía de Guanabara e a qual se contempla a cidade do Rio de Janeiro ao fundo, que faz cenário para o Caminho Niemeyer, que finalmente visitamos Leocádia, Carolina e Iara em nossa estada no Rio em dezembro. Ao todo, ali na Praça Popular de Niterói, são 3 prédios – sem contar com o administrativo, simples mas bonito: a Fundação Oscar Niemeyer, o Memorial Roberto Silveira e o Teatro Popular de Niterói. Mas ao longo da orla da cidade há também outros edifícios espalhados: o Terminal de Barcas de Charitas, o Centro Petrobras de Cinema e a Praça JK. Da catedral da cidade, que deve ser erguida, vimos o lindo projeto: um alto prédio que remete a um galero religioso.
O exuberante teatro com formar que lembram o corpo feminino
Embora não tenhamos conseguido entrar em nenhum deles, visto que fomos num horário da manhã que não havia nenhum funcionamento, admirar os prédios e integrar-se com eles já vale a visita à Praça. O Teatro Popular é um desbunde. Com traços artísticos que lembram o curvilíneo corpo feminino, dialoga com outras de suas últimas obras, como o Museu Oscar Niemeyer (MON), de Curitiba. É o prédio que mais interage com a natureza da Baía entre todos dali, até pela proximidade com o mar. Isso se percebe tanto no foyer inferior, com pilotis espaçados que lhe conferem profundidade e amplitude, quanto no andar de cima, entre o mural com a marcha do MST e a entrada para o teatro. O desenho da bailarina, o mesmo do MON, está lá em impressão feita sobre os ladrilhos. Por falar no traço de Niemeyer, o espetacular mural, propositadamente incompleto, traz a ideia das transformações sociais ainda em curso em que o povo virá a protagonizar na ideia sonhadora do comunista Niemeyer. O Teatro traz ainda os vidros escuros que abrem “olhos” na arquitetura, mesmo material usado nos outros prédios, dando unidade ao complexo.
O Memorial Roberto Silveira lembra bastante a Oca do Ibirapuera, em São Paulo, e o Museu Nacional da República Honestino Guimarães, de Brasília, mas num formato menor, como uma pequena nave espacial branca ali assentada. Já o da Fundação Oscar Niemeyer – cujo conteúdo original fora transferido para a sede da mesma em Brasília, estando atualmente funcionando uma sessão administrativa da prefeitura de Niterói – foi possível subir a rampa curva e admirar o olho d'água logo abaixo, que dialoga com a Baía de Guanabara (assim como, mais adiante mas dentro do mesmo complexo de obras, o MAC o faz novamente, porém espelhando do alto do morro a água do mar).
Não deu pra tirar mais fotos, que o sol começou a ficar castigante a certa altura, mas esses registros aqui dão noção do quão deslumbrante é.
Espaço amplo do foyer com vista para a cidade do Rio
Leocádia integrando-se à arquitetura do Teatro do Povo
Eu em frente ao belíssimo painel desenhado por Niemeyer em homenagem à luta no campo
Caminhando em direção à Oca
Na entrada do Memorial Roberto Silveira
Mais um detalhe do fabuloso Teatro, as bailarinas, as mesmas vistas no MON, em Curitiba
Na rampa de acesso ao prédio da Fundação Niemeyer
texto: Daniel Rodrigues
fotos: Leocádia Costa, Carolina Costa e Daniel Rodrigues
Pode parecer contraditório, mas, às vezes, dependendo da intensidade emotiva
que determinado show ao vivo tem para mim, é mais difícil escrever sobre ele.
Foi assim com o do Paul McCartney, em 2010, do Gilbert Gil e orquestra, em
2014, e o da Meredith Monk, ano passado. Todos muito bem sorvidos pelos ouvidos
e sentidos, mas que, na hora de transpor pro papel, parece que a emoção me
congela. Pois outro desta lista foi o do cantor, compositor e escritor Vitor Ramil, que assisti ao lado das hermanasLeocádia e Carolina Costa em
2013. Naquela feita, como nestes outros que citei, não consegui escrever a
respeito daquele que foi certamente um dos grandes shows que assisti. Música no
seu mais alto nível. Pois o tempo se encarregou de me dar uma nova chance,
igualmente acompanhado das duas e novamente tendo como cenário o majestoso e
familiar Theatro São Pedro. E com um adicional incontestável: Vitor tocando com
a Orquestra de Câmara do teatro. Ou seja, motivos de sobra para que, enfim,
esse momento tão especial fosse por mim registrado.
Minha obrigação atestou-se já de início. Ainda sem o protagonista no
palco, a orquestra, formada basicamente pelas cordas (cellos, violinos e
violas), estremece-nos com uma luxuosa execução do Prelúdio das “Bachianas nº
4”, de Heitor Villa-Lobos. Que começo! Quando sobe finalmente, o gracioso Vitor
brinca: “Quero ver se vocês vão querer me
ouvir agora depois do Villa-Lobos”. “Foi no mês que vem”, de poesia
romântico-lírica, numa brincadeira com o tempo cronológico e afetivo (“Vou fiquei/ No teu chegado e tu chegada ao
meu/ Penso, grande é Deus/ Um paraíso prum sujeito ateu...”) dá início ao refinado
e absolutamente musical espetáculo, tanto quanto o de dois anos atrás embora
diferente. Não somente pelos arranjos da orquestra, assinados por Vagner Cunha
e regidos pelo também bem-humorado maestro Antônio Borges-Cunha, os quais
cumpriram, com muita felicidade a função de realçar os traços das canções. Mas,
sim, pela obra maior de Vitor Ramil, um dos maiores músicos da atualidade no
Brasil.
A habilidade como violonista e cantor destacam ainda mais o lindo timbre
de voz, suave como uma pluma, e a capacidade criativa do compositor de criar
melodias lindamente improváveis. O professor de artes Celso Loureiro Chaves diz,
no texto do programa: “Há sempre uma
surpresa nessas melodias. Quando pensamos que elas vão para um lado, elas tomam
outro caminho e terminam como ninguém – a não ser Vitor – poderia ter pensado”.
Essa é a sensação que se tem na tensa e quase expressionista “Livro aberto” –
infelizmente prejudicada pelo pandeiro muito mal tocado por uma das integrantes
da orquestra, único resvalo de todo o espetáculo –, a qual vai ganhando ares
hipnóticos que as cordas ajudam a intensificar.
Para qualquer fã de Vitor, não precisa nem dizer que "Noite de São João", obra do célebre “Ramilonga”, de 1997, na qual ele musica uma poesia de
Fernando Pessoa, foi das mais emocionantes. A regência de Borges-Cunha lhe
empresta cores lúdicas, enquanto o músico entoa com absoluta delicadeza a
melancólica e rica melodia. Igualmente de embasbacar, “Milonga das 7 Cidades”
(mais uma de “Ramilonga”), a suplicante “Perdão” (“Perdoo o sol/ Que aquece meu corpo/ Perdoo o ar/ Que me alimenta/
Perdoo a dor/ Que desistiu de mim/ E a solidão/ Que não foi tanta como eu quis...”)
e “Vem”, onde, a capella, Vitor
arrasa no canto (a letra, fez sobre um prelúdio de Bach) enquanto o maestro
conduz um belíssimo arranjo, chamando atenção para a segunda parte, em que
todos abandonam os arcos para, delicada e ordenadamente, tangerem com os dedos as
cordas de seus instrumentos.
Original do disco “Délibáb”, de 2010, “Querência” traz a poesia pampeana
de João da Cunha Vargas, a quem muitos, incluindo a mim, passou a conhecer
através das músicas de Vitor. Dos dois é outra das mais incríveis que se ouviu,
esta apenas na voz e violão: “Deixando o Pago”, milonga capaz de transmitir ao
mesmo tempo bravura e fragilidade, tristeza e sensação de liberdade: “Cruzo a última cancela/ Do campo pro
corredor/ E sinto um perfume de flor/ Que brotou na primavera/ À noite, linda
que era/ Banhada pelo luar/ Tive ganas de chorar/ Ao ver meu rancho tapera”.
No final do show, executando "Astronauta Lírico".
Hit gravado por nomes como Gal Costa, Milton Nascimento, Chico César e Maria Rita, “Estrela Estrela”,
amada pelo público, é a que mais foi possível ouvir o coro da plateia, silenciosa
a maior parte do tempo, pois extremamente atenta a todos os acordes que se
pronunciavam. Esta ganha um arranjo suave, acompanhando sua aura lunar e
fugidia. Já em “Indo ao Pampa”, mais uma de “Ramilonga”, Loureiro Chaves
escreve um arranjo especial no qual explora a atmosfera indiana da original e
transpõe isso para a orquestra. Um show! Das melhores do set-list, a qual explode no refrão em ataques intensos das cordas.
Especial também é o canto de Vitor, que avança impressionantemente de um tom
médio para o agudo sem desafinar jamais. Que cantor!
Outra das incríveis de seu repertório, igualmente adorada pelo público,
“Astronauta Lírico”, levou-nos às lágrimas. Delicadeza resume bem essa canção,
onde se nota novamente a esfíngica forma de Vitor compor. Valendo-se
praticamente de “lugares comuns” da poesia, os versos, escritos com tamanha
sensibilidade e destreza, são de uma poesia sem igual: “Quero perder o medo da poesia/ Encontrar a métrica e a lágrima/ Onde
os caminhos se bifurcam/ Flanando na miragem de um jardim...”. E o refrão,
em que ele consegue quebrar em três tempos uma pequena palavra como “terra”!?
(sem que isso fique esquisito, aliás, pelo contrário: harmonizando lindamente
palavra e som.)
O primeiro bis é a própria “Ramilonga”, de lindo arranjo das cordas que
veste a música num crescendo nesta que é a mais perfeita tradução da
melancólica mas poética Porto Alegre, cidade cujos versos “nunca mais/nunca mais” se encaixam assustadoramente bem. O
desfecho foi com a milonga “Mango”, talvez não a melhor escolha para um último
número, haja vista a extensa lista de sucessos que fariam o público ir para
casa embora levitando (“Loucos de cara”, “Joquim”, "Satolep"
, “Não é céu”), mas
nada que desagradasse - pelo contrário, pois foi suficiente para, junto com o
restante, fazer-nos ir para casa suspensos sim.
Se ficou muita coisa de fora, é compreensível, pois é realmente difícil
sintetizar cerca de 40 anos de música em um projeto complexo em formato e que
envolve tantas mãos como este. Porém, certamente o que vimos manteve intacta a
sublime obra deste gaúcho de Pelotas que tanto representa, com profundidade
artística e até semiológica, a arte e o modo de ser do pampa. Vitor nos prova o
quanto se é capaz de ser regional e universal ao mesmo tempo. Vitor nos mostra
que existe outro Brasil que não só de Carnaval e Nordestes pasteurizados. Vitor
nos evidencia que há uma beleza nessa combalida e vulgarizara imagem do ser
gaúcho. Em Vitor nos identificamos e ele em nós.
E sim, Vitor: não deixas nada a desejar diante do mestre Villa-Lobos,
podes ter certeza.
Assistir ao Grupo Corpo é sempre uma ocasião especial. Ponto. Agora, imagine um espetáculo comemorativo aos 40 anos da companhia, com sessão pré da melhor montagem deles e na companhia amorosa de Leocádia e Carolina Costa, duas costumazes espectadoras do Corpo há décadas como eu. A perfeição! Assim foi com a apresentação de “Dança Sinfônica”, que a melhor companhia de dança do Brasil (quiçá, na atualidade, do mundo) trouxe a Porto Alegre junto com o balé "Parabelo", de 1997.
Como de praxe, abre-se com o espetáculo mais antigo. No caso de “Parabelo”, a escolha por esta e não outra peça de sucesso como “Corpo” (Arnaldo Antunes, 2000) ou “Onqotô” (Caetano Veloso e José Miguel Wisnik, 2005) parece bastante pontual, haja vista que, feitos quase 20 anos de sua estreia, continua dizendo muito sobre o trabalho dos Pederneiras e sua equipe. Para mim, mesmo já a tendo visto outras duas vezes anteriores nesse meio tempo, “Parabelo” é sempre uma avalanche emocional. Que belíssima montagem! Sobre músicas de Tom Zé e Wisnik, é, como disse antes, provavelmente a melhor coreografia do grupo e, igualmente, talvez a mais brilhante trilha sonora já escrita para eles – além de ser um dos grandes discos instrumentais de toda a música brasileira, certamente.
O rico e brasileiro "Parabelo" de 1997.
O esmero do material criado pela dupla, que entrelaça a cultura regional do Nordeste através dos sons e dos cantos folclóricos e antropomórficos à uma inerência da musicalidade barroca e ao atonalismo da vanguarda, dá a Rodrigo Pederneiras (coreografia), Fernando Velloso, Paulo Pederneiras (cenografia e cenografia), Freusa Zechmeister (figurino) um manancial de possibilidades de criação que sublimam muito do coração brasileiro. Ver esse espetáculo é sentir-se brasileiro e, mais do que isso, feliz por ver que se é capaz de criar algo tão bonito e rico tendo como substrato elementos que nos compõem como entes culturais. É impossível não se tocar pela beleza, pelo gingado, pela leveza (ora dureza), de momentos como do balé clássico se entremeando à realidade dura dos retirantes de “Assum Branco”, ou a apoteose “frevística” do fechamento com a faixa “Xique Xique”.
Depois do arrebatamento total advindo com “Parabelo”, a estreia de fato. A nova montagem, feita sobre trilha de um velho parceiro do Corpo, o também mineiro Marco Antônio Guimarães, tem todos os quesitos de um grande espetáculo. A música, escrita para grande orquestra – a primeira feita nesses moldes para a companhia, geralmente tomada de brasilidade temática e instrumentalização idem – retraz elementos de trilhas dele para o Corpo, como em “21” (1992), “7 ou 8 Peças para Ballet” (1994) e “Bach” (1996). Igualmente, aciona células sonoras de outros trabalhos marcantes da trajetória do grupo ("Benguelê", 1998; “Santagustin”, 2002; “Sem Mim”, 2011; “Triz”, 2013) como que prestando pequenas homenagens – típicas das obras sinfônicas –, o que aqui soa como metalinguagem também.
Metalinguagem, aliás, é a chave para esta nova montagem do Corpo. A vida dedicada aos palcos e a relação vital entre artista e obra conceituam “Dança...”. A cenografia/iluminação e os figurinos dialogam o tempo todo ao usarem o vermelho encarnado do veludo, típico das cortinas dos teatros, e o preto do fundo da caixa cênica como o elemento escuro, a não-luz. Dessa forma, o conceito coreográfico de “Dança...” se baseia todo nestas cores-elementos, nesses dois estados emocionais de vida e morte, em que os dançarinos surgem e somem de “dentro” das cortinas ou do fundo infinito do palco, como se se desprendessem dali para apresentar movimentos e, em seguida, retornarem a suas origens: o imaterial, o nada.
Saltos e esticar de pernas, lembrando o balé clássico e moderno.
Guimarães, cabeça do Uakati, vale-se, na composição, bastante do estilo “folk tropicalista” do grupo, que forma a banda principal da peça sinfônica. Eles usam instrumentos peculiares, como flauta e tambores Uakati, tubos PVC, piano sem o ataque, buzina de sopro, caxixi e castanhola. Somados à volumosa orquestra da Filarmônica de Minas Gerais, todos esses músicos dão à trilha uma textura bastante própria, que lembra em vários momentos os trabalhos do Uakati e de Philip Glass, compositor com quem coassinam a trilha de “7 ou 8...”. As coreografias de “Dança...”, por sua vez, vão de lances bastante lânguidos, referenciando o balé clássico – numa reverência à raiz da arte da dança – a gestuais peculiares da dança moderna, os quais hibridizam o folclórico aos movimentos da vida urbana, com suas assimetrias e desequilíbrios. Tudo, porém com muita leveza, haja vista os vários momentos de saltos e giros, menos comuns ao Corpo da forma tradicional como foram usados. Mesmo assim, estão presentes as jogadas de pernas, o balanço dos quadris, o corpo a corpo das duplas e as composições plástico-espaciais vistas em suas obras anteriores. Assim, a coreografia veste de forma muito competente a sonoridade proposta por Guimarães, e o que se vê em “Dança...”, universal e brasileiro na medida certa, é uma síntese de um trabalho de quatro décadas pautado pela inventividade e pelo rigor. Como dizem os próprios, uma dança sobre a memória.
Na comparação com o que se assistiu antes em “Parabelo”, entretanto, fica-se com uma sensação de “podia ser mais”. Mesmo forjando um universo mais onírico e fulgurante, acaba perdendo força diante daquela enxurrada de brasilidade, algo que marca muito a companhia nesses anos de estrada. Impossível assistir ao Corpo sem associá-los à uma tropicalidade. Isso não quer dizer que “Dança...”, enquanto proposta e realização, não tenha valido. Bem pelo contrário. É um trabalho em que se nota a simbiose entre artista e palco, vida e obra, encenação e real, luz e sombra. Uma justa homenagem que o Corpo presta ao teatro e a si mesmo enquanto artífice da arte da dança no Brasil e nas Américas. A nós, admiradores de longa data da companhia, que não só buscam não perder nenhuma estreia como ainda colecionam várias de seus CD’s (relembrando as danças a cada execução), a satisfação é completa. E com o gostinho da excitante dúvida: o que será que eles trarão daqui a dois anos na nova montagem? Isso fica para 2018.
Como não falar das artes plásticas, das artes visuais? Impossível. Afinal, um dos objetivos do blog desde seu início, era exatamente servir de canal para a apresentação e expressão, inicialmente de minhas manifestações artísticas como gravuras, pituras, quadrinhos, etc., mas com o tempo ganhando possibilidades mais amplas. A seção COTIDIANAS, por exemplo, passou a ganhar ilustrações (de artistas conhecidos ou não) que tivessem alguma ligação visual ou referencial com os textos; as mini-HQ's foram ficando mais trabalhadas, mais ricas, mais artísticas; a fotografia foi ganhando força e espaço mas admito que ainda merece um destaque maior no blog; e ainda exposições, mostras e espaços passaram a ser destacados com frequência e qualidade, tanto que criarmos uma página especialmente para isso, a VAL E VEJA, coordenada pela parceira Valéria Luna.
Como se vê, o que não falta no clyblog é arte e, sendo assim, nada mais justo do que convidarmos 5 pessoas para participarem de mais esse especial dos 5 anos: clyblog5+artistas visuais.
1.Valéria Luna relações públicas (Porto Alegre)
"Do espanhol Joan Miró tenho uma tatuagem no braço direito com o detalhe da pintura do artista.
Como toda boa lista não posso deixar de fora os clássicos e, no caso de Van Gogh, eu gosto do simplório,
quando ele retrata seu quarto e dos detalhes de Os Girassóis.
O expressionismo abstrato de Pollock me influenciou, mesmo sem querer, na época que resolvi pintar algumas telas.
Quando assisti ao filme, ("Pollock", 2000) apesar da vida conturbada do rapaz, vi também que ele era exatamente o retrato de suas obras.
Para uns o rei da Pop Arte é o Andy Warhol, para mim, sem dúvida é o Lichtenstein.
E não posso deixar de fora, de jeito nenhum, meu pai, Leonardo Filho.
Foi com ele que eu aprendi a maioria das coisas que sei sobre artes visuais e claro, que me influenciaram na criação desta lista."
1. Joan Miró 2. Vincent van Gogh 3. Jackson Pollock
4. Roy Lichtenstein 5. Leonardo Filho
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2.Carolina Costa pedagoga (Porto Alegre/RS)
"Todos estes artistas me completaram em algum momento da minha vida."
1 - Louise Bourgeois 2 - André Breton 3 - Henri-Cartier Bresson 4 - Leonardo Da Vinci 5 - Vincent Van Gogh
Van Gogh:O artista
por ele mesmo
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3.Tita Strapazzon professora (Porto Alegre/RS)
Uma das impressionantes imagens
produzidas pelo chinês Huan
"Coloquei mais ou menos assim: Hoje são os artistas visuais que gosto muito".
1 - Zhang Huan 2 - Barbara Kruger 3 - Rosangela Rennó 4 - Frida Kahlo 5 - Arthur Bispo do Rosário
Ontem terminei meu dia com a notícia do falecimento do querido e talentoso Ricky Bols. Apesar de sabermos que há muitos anos a saúde dele vinha debilitada, Ricky não se entregava as etapas de tratamento foi forte e guerreiro até o final. A última vez que nos vimos foi na Exposição no CCCEV, de mesmo nome do livrão, com toda a história artística e a bio dele, chamado “Ricky Bols por Ricardo Irigoyen Bolsoni” em 2014. No dia da abertura, Daniel e eu fomos lá para abraçá-lo triplamente, pois levávamos o abraço da minha irmã, Carolina, e da Maria da Paz. Saímos de lá com pôsteres que ele produziu para quem comprasse o livro, podíamos escolher e não foi nada fácil. Tudo muito bem produzido por Rosane Furtado, que fotografou tudo registrando aquele momento lindo.
Ele um canceriano clássico, viveu sua vida de forma intensa sempre através das Artes. Ricky promoveu inúmeros artistas da música (uma de suas paixões) e atendeu clientes ligados ao surf, futebol, moda, fez capas de livro, discos, CDs, encartes, etc através da sua arte gráfica. Até onde eu sei, o único livro na íntegra ilustrado por ele desde a capa foi “Lili inventa o Mundo”. – que honra! O conheci numa temporada em que fomos, eu e minha irmã, visitar a artista Zoravia Bettiol. Nesta época Ricky estava produzindo o material sobre um espetáculo teatral da atriz e diretora Débora Finochiaro com a obra de Mario Quintana, que apresentava obras de Zoravia. Meses depois, a minha terapeuta Maria da Paz Ceppas C. Peixoto, que o conhecia do movimento de contracultura de Porto Alegre (eles eram da mesma geração), me falou carinhosamente nele. Ela admirava a sua Arte e a sua forma de ser humano. Ricky conservava a rebeldia saudável de questionar tudo o que fazia, por isso gostava de trocar ideias, não aceitava nada sem dialogar bastante. Mas sempre nos recebeu com carinho, cuidado e atenção típicas de um canceriano.
Anos mais tarde, em 2009 quando tivemos uma oportunidade de trabalho que envolvia ilustradores o convidamos. Aprata estava realizando a Coleção Mario Quintana para a Infância e ele ilustrou o volume com a obra “Lili inventa o Mundo” com suas aquarelas, representando tão lindamente aquele universo poético que é uma publicação muito acalentada por mim desde então. Nesta época, na sua agitação produtiva e criativa estivemos na sua casa em Petrópolis e lá também gravamos com ele para o documentário do Quintana, da mesma Coleção. Em 2016 chamei ele novamente para participar de um Calendário da Casa do Jardim que reunia ilustradores do Brasil, de forma voluntária divulgando os 10 anos de Evangelização para Crianças e Adolescentes dessa instituição. Ele veio novamente muito feliz, dizendo para escolhermos a obra que mais se adequasse ao calendário e novamente foi bem difícil, porque haviam muitas que eu gostava demais. Depois compareceu à cerimônia de lançamento, emocionado pela realização.
Ontem eu pensei nele, mas sem saber conscientemente que estava hospitalizado. Ele não era uma pessoa de alarde, sempre foi muito discreto com a sua vida, com a sua família e profissão. Na dedicatória sem data, do livro que conta a sua trajetória, ele nos deixou a seguinte frase: “Leocádia e Carolina que legal tê-las aqui comigo. Espero que gostem! Um beijo Ricky Bols”. Acredito que um artista talentoso é atemporal, voa querido amigo e muito obrigada por ter estado conosco num projeto tão desafiador como este: viver e fazer Arte! Gratidão.
**********
RICKY BOLS
(Sant'Ana do Livramento, 4 de julho 1952 -
Porto Alegre, 9 de novembro 2020)
Reprodução do face de Ricardo Irigoyen Bolsoni Ricky Bols com a ilustração feita para a capa de "Lili inventa o Mundo", Coleção Mario Quintana para a Infância - Aprata 2009
Já é tradicional sempre que viemos ao Rio de Janeiro Leocádia e eu –
desta vez acompanhados por nossa hermana Carolina – assistirmos nos dois
primeiros dias de estada algum show musical com minha mãe, Iara. Ela, antenada
nas atividades culturais da cidade, invariavelmente nos leva a algum espetáculo
especial. Já foi assim com Jorge Ben Jor, em 2015, com Monarco e Nei Lopes, em
março deste ano, por exemplo. Desta feita, no dia em que pisamos os três na
Cidade Maravilhosa, minha mãe nos participa que Mart’nália se apresentaria de graça naquela tarde no Auditório do
BNDES, no Centro. Mesmo com chuva, fomos lá os quatro em busca de ingresso.
Oportunidade dessas em Porto Alegre é algo inimaginável, tanto pela qualidade
artística quanto pela gratuidade, uma vez que seria de 100 Reais para mais para
vermos a mesma coisa em nossa cidade.
Ingressos retirados, ajudamos a ocupar um lotado auditório, o qual
presenciou um show da mais alta qualidade técnica e artística. Som e iluminação
perfeitas e, o mais importante, uma apresentação digna dos maiores artistas
brasileiros da atualidade. Mart’nália é um espetáculo por si própria. Dona do
palco e totalmente entrosada com sua banda (Humberto Mirabelli, violão e
guitarra; Rodrigo Villa, baixo; Menino Brito, percussão e cavaquinho; Raoni
Ventepane, percussão; Macaco Branco, percussão; e Analimar Ventepane, percussão
e vocal), faz lembrar o pai Martinho da Vila, com quem se parece bastante fisicamente
e no gestual. Mas Mart’nália, musicista consagrada e original, não é apenas uma
cópia dele. Vê-se nela a música pop, a modernidade do rap, o swing da soul, a
urbanidade do funk carioca, a tradição dos sambistas anteriores a Martinho, as
mulheres bambas, como D. Ivone Lara e Jovelina Pérola Negra. Uma artista
completa que respira música e que, com alegria e malandragem, transmite isso no
palco.
A carismática e talentosa Mart'nália interagindo com o público
O repertório, dedicado aos 100 anos do samba, começa com a prece
sambística “Peço a Deus”. Entretanto, o show não trouxe apenas o ritmo mais
brasileiro de todos. Tinha, em perfeita mistura, os ritmos da música pop, como
o funk, o reggae e outros ritmos que Mart’nália introduz com uma naturalidade
tocante. Assim foi com “Tava por aí” e “Pretinhosidade”, duas dela e de Mombaça,
“Cabide”, seu grande sucesso, de autoria de Ana Carolina, “Namora comigo”, de Paulinho
Moska, e a linda “Ela é minha cara”, feita especialmente por Ronaldo Bastos e
Celso Fonseca a ela. Nessa mesma linha, a belíssima “Pé do meu samba”, escrita
por Caetano Veloso, de quem Mart’nália tocou também a graciosa “Gatas
extraordinárias”, conhecida na voz de Cássia Eller e que Mart’nália não se
atreve a meramente copiar, haja visto que sua versão lembra a original mas
traz-lhe toques de samba-reggae.
A segunda metade do show foi dedicada às raízes de Mart’nália, ou seja,
os sambas que cresceu ouvindo nas quadras da Vila Isabel e nos pagodes da vida.
A começar pela diva do samba, D. Ivone, de quem emendou três clássicos,
começando pela linda “Mas quem disse que eu te esqueço”, que muito me
emocionou, “Acreditar” e o sucesso “Sorriso Negro”. Veio uma de Benito di
Paula, “Que beleza”, e outra altamente emocionante do show: “Pra que chorar”,
de Vinicius de Moraes e Baden Powell, numa versão delicada e cheia de
musicalidade. A sensibilidade musical de Mart’nália, que canta e toca vários
instrumentos de percussão com impressionante naturalidade, prossegue com um
arranjo precioso de dois clássicos do mais célebre compositor de Vila Isabel,
Noel Rosa: “Feitiço da Vila” e “Com que roupa”.
Se o assunto era samba e Vila Isabel, então, era hora de puxar aquilo
que trouxe “de casa”, como ela mesma referiu. Ela emenda pout-pourri com seis clássicos de seu pai, começando por “Casa de
bamba” (“Lá na minha casa todo mundo é
bamba/ Todo mundo bebe, todo mundo samba”), passando por “Mulheres”, “Canta
Canta, Minha Gente” e uma engraçada performance de “Nhem nhem nhem”, na qual
Mart’nália gesticula como se estivesse sendo perseguida pela esposa dentro de
casa (“Toda vez que eu chego/ Em casa
você vem/ Com nhem, nhem, nhem/ Se eu vou pro quarto/ Você vai/ Volto pra sala/
Você vem/ Nos meus ouvidos, perturbando/ Nhem, nhem, nhem/ Nhem, nhem, nhem”).
Fechando a roda de samba, outro hit de Martinho: “Madalena”. O desfecho foi com
“Chega”, mais uma dela com Mombaça, canção muito querida do público.
Não tinha exatamente ideia do que ia encontrar num show de Mart’nália.
Embora as notícias davam conta de que sua presença de palco e seu carisma
cativavam o público, tive uma surpresa muito positiva. É muito bonito ver um
artista genuíno no palco, com entrega e amor pelo que faz. No caso dela, como
já mencionei, isso se junta à total musicalidade e bom gosto. Valeu, enfim,
mais uma empreitada idealizada por minha mãe. Que venham os próximos shows de recepção
no Rio, pois este foi mais um dos especiais.
