com tudo que ele representa pra
mim e pras pessoas,
é uma emoção muito forte.
É como uma entidade que me toma,
me arrebata. É o meu momento e também
é meu encontro com Caetano,
que sempre
gera alguma coisa forte, big-bang.”
Gal Costa
Caetano Veloso lança seu melhor disco desde os anos 70. Ops! Ato falho.
Desculpem: não foi ele, e sim a também baiana, também tropicalista, também
cantora Gal Costa com o CD “Recanto”, certamente seu melhor trabalho desde
“Cantar”, de 1974. Porém, meu engano não foi em vão: assim como o mencionado LP
dos anos 70, marcante obra do tropicalismo a qual Caetano dirigira e dera o
norte de todo o trabalho, este novo projeto repete a fórmula engendrada pela
dupla: Gal pondo seu belo canto a serviço de uma ideia coesa e verdadeira e
Caetano com a batuta, produzindo e concebendo.
As semelhanças vão além do formato, uma vez que, a princípio, o
colorido e tropical “Cantar” – cujo repertório inclui, entre outros
compositores, quatro canções de Caetano –, parece não ter nada a ver com o
obscuro e ruidoso “Recanto”, totalmente construído com novas composições do
“mano Caetano”. “Recanto Escuro” (assista ao vídeo abaixo), sua mais nova
obra-prima – que entra para o time de “Sampa”, “Gema” e “Trilhos Urbanos” –
abre o disco dando o tom soturno e introspectivo que perfará boa parte do
restante do disco. Uma melodia quase invariável, bela e triste, sem refrão.
Seca. Letra de reflexão, de lamento, como que ecoada de um recanto escuro de
onde saem confissões vasculhadas na alma tanto dele quanto dela. Mas o que
poderia ser feito só ao violão e voz, ganha, no arranjo eletrônico e texturado
de Kassin, uma cara de peça da vanguarda erudita, um Stockhausen, um Xenakis,
um Varèse. Absolutamente genial!
O tom de vanguarda, ora com ares de Velvet Underground, ora Brian Eno,
ora Silver Apples, perpassa todo o disco, dando-lhe um caráter moderno e duro,
que responde ao estilo introspectivo da maioria de suas faixas, como o rock
“Cara do Mundo”, a bossa-modernista “Autotune Auterótico” e a genial
eletro-monofonia “Neguinho”, um Nine Inch Nails menos pesado mas tão corrosivo
quanto que remete também ao krautrock
de Neu! e Faust. Clima sujo que encaixa totalmente com a letra, mordaz e
ferina. Caetano solta o verbo com sentenças como: “Neguinho compra 3 TVs de plasma, um carro GPS e acha que é feliz”,
ou ainda: “Neguinho quer justiça e
harmonia para se possível todo mundo. mas a neurose de neguinho vem e estraga
tudo”. No rim.
Belas também a bossa com pitadas eletrônicas, “Mansidão”, a mais “Gal”
de todas, e “Segunda”, um xote só ao cello
e prato de cozinha, totalmente acústico. Mas outra surpreendente é “Miami
Maculelê”, um funk carioca estilizado na qual o ouvido apurado de Caetano
consegue extrair uma das coisas que sempre me chamaram atenção neste estilo
dito vulgar e pobre musicalmente, que é a intenção de abrasileirar o ritmo
estrangeiro. O funk carioca não é só a batida funkeada do rap, pois contém, no
repique da batida, uma pitada de samba, o que, nessa salada toda, acaba por
remeter aos sons e danças africanos e indígenas da raiz brasileira, uma
embolada, um coco, um batuque, um... maculelê.
As referências ao período heroico da MPB não ficam só em Gal, mas em
Caetano e na Tropicália como um todo. E é aí que se dão as semelhanças entre o
histórico “Cantar” e o atual “Recanto”. Se antes Rogério Duprat ou Guilherme
Araújo eram os maestros que davam corpo aos arranjos, agora é o jovem Kassin (ao
lado da banda escolhida por Caetano: Pedro Baby, guitarras, e Domenico, bateria
e eletrônicos,) que destila seus computadores para cumprir esta função. Outra
autoreferência está em “Tudo Dói”, que dialoga com "Lindoneia", do Tropicália 1
(1967) ao transmitir o mesmo sentimento de depressão de uma mulher solitária
(não sem querer, “Lindoneia” também tinha sido dada a uma intérprete, Nara
Leão).
À época do lançamento, notou-se certo furor quanto a este Caetano rocker e tecnológico, que, desta vez,
não se concretizaram em críticas, mas em elogios. Um pouco porque, com Gal
interpretando tão bem, obviamente, os méritos são muito dela. Porém, novamente
parece que Caetano nada de novo contra a corrente, pois até mesmo os que
elogiaram, acostumados a criticá-lo sem fundamento, não parecem saber por que o
fazem, uma vez que estranham algo que não é de hoje, basta ter um pouquinho de
interesse – ou coragem. A parceria com Kassin, por exemplo, vem desde o pouco
comentado “Eu não peço desculpa”, dele e de Jorge Mautner (2002). A veia
experimental e vanguardista, igualmente, vem desde o concretista “Araçá Azul”
(1972) e está claramente em músicas como a parafraseada “Doideca” (brincadeira
com o termo “dodeca-fonia”), do CD “Livro” (1997), ou no “Rap Popcreto”, do
Tropicália 2 (1993).
O fato é que “Recanto” é demais. Certa vez, outro colaborador deste
blog, Lúcio Agacê, ponderou algo com certa razão. Para ele, o fato de a
“finada” Gal voltar dando um salto tão grande diante daquilo que vinha produzindo
se deve exclusivamente a Caetano, alguém que, além de um amigo generoso, é alguém
que está sempre se renovando. Se comparado com a fraca Gal que veio
degringolado nos anos 80 e se instaurou na mediocridade nos 90, isso é
plenamente verdade. Mas tropicalista é tropicalista. E se compará-la àqueles seus
primeiros idos, “Gal” (1969), “Fa-Tal” (1971), “Índia” (1973) e,
principalmente, “Cantar”, seu ápice, a musicalidade não está muito diferente.
Mais avançada em certos aspectos, menos explosiva do que antes, mais high-tech em texturas; porém a Gal de
“Recanto” recupera a daquela época - mesmo com quase 40 anos de atraso.
Num ano de 2012 que teve um ótimo Chico Buarque, um surpreendente
Criolo e um elogiado Lenine, também houve uma nova Gal recantando-se. Antes
tarde do que nunca.
Sinceramente pensei que havíamos perdido Gal Costa. Por quase duas décadas, ela,
uma das maiores cantoras do Brasil e do mundo havia se afundado numa fase
obscura de falta de criatividade e trabalhos opacos que nem a voz cristalina
conseguia impulsionar. Parcerias ruins, projetos mal elaborados, repertórios
duvidosos, ações de marketing ineficientes. Tudo contribuía para pior a ponto
de quase tirar o brilho da intérprete de tantas glórias e êxitos. Porém, em
2012, renascida das cinzas, Gal Costa chama o “mano” Caetano Veloso para
exorcizar seus demônios e lança o “divisor de águas” "Recanto", no qual não só
retoma uma série de referências que havia deixado no passado quanto,
obviamente, se ergue de novo musicalmente.
Não é mesmo à toa que “Recanto” tenha esse título, pois de
fato a partir dele tudo mudou para Maria da Graça Costa Penna Burgos, que
completa louváveis 50 anos de carreira em 2015. E uma das mostras dessa mudança
para melhor é o novo CD “Estratosférica”,
cuja turnê passou por Porto Alegre numa memorável apresentação da baiana e sua
banda de jovens rapazes. Aliás, a nova geração é que, sob a batuta dessa
experiente cantora, dá o tom dos novos trabalho e show. A começar pela direção
musical, a cargo de Pupilo (Nação Zumbi), certamente responsável em boa parte
pelo tom de rock do show. Igualmente, o repertório é recheado de canções de
compositores de agora, como Mallu Magalhães, Marcelo Camelo, Criolo, Zeca Veloso
(sim, filho de Caetano!) e Alberto Continentino.
Maravilhosamente bem iluminado e com uma Gal em boa forma
física e principalmente vocal, “Estratosférica” é uma aula de construção de
repertório e conceito de espetáculo. Mesclando as novas músicas com sucessos e
clássicos da carreira, Gal não faz apenas o que se espera como, assim, reassume
a função que sempre foi sua desde que se tornou a revolucionária resistente do
tropicalismo e a dona de hits incontestes das rádios: a de servir de canal
transformador entre o novo e o tradicional na música brasileira. Afinal, foi
ela uma das principais responsáveis por gravar, nos anos 60 e 70, os então
jovens Caetano, Gilberto Gil, Tom Zé, Jards Macalé, Luiz Melodia, Jorge Ben e
vários outros. stoneano “Sem medo nem esperança”, música
do novato Arthur Nogueira com poesia do veterano Antonio Cícero dando o recado
pela intérprete: “Nada do que fiz/ Por
mais feliz/ Está à altura/ Do que há por fazer” (assim é que nós gostamos
de ver, Gal!). Esta emenda com “Mal Secreto”, de Jards e Waly Salomão, gravada
por ela no histórico “Fa-Tal” ou “Gal a Todo Vapor”, de 1971. Voltando mais no
tempo, Gal revive o ápice do tropicalismo com “Namorinho de Portão”, de Tom Zé,
que ganha arranjo tão parecido com o de 1969 que a guitarra de Guilherme
Monteiro soa até com aquele distorcido rasgado de Lanny Gordin. Grande momento.
Gal e sua excelente banda.
Nessa linha, o show começa detonando com o rockzão
Como todo bom concerto de rock, a base harmônica está na
guitarra, que ganha ora peso ora groove, auxiliado pela bateria de Thomas
Harres, pelo baixo de Fábio Sá e, principalmente, pelos teclados do ótimo Maurício
Fleury, ora modernos ora retrô-psicodélicos, servindo como elemento climático e
de textura. Soa assim a versão de outro clássico, “Não Identificado”, de Caetano,
cujos efeitos do sintetizador cobrem muito bem a orquestração intensa e
espacial de Rogério Duprat da original. “Pérola Negra”, de Melodia, é outra das
antigas que conquista o público. As canções novas não deixam, no entanto, nada
a dever para as já consagradas. É o caso de “Quando você olha pra ela”, gostoso
samba-rock assinado por Mallu com cara do melhor Jorge Ben: melodia suingada, linha
vocal assimétrica e a docilidade romântica de uma “Ive Brussel” e “Moça”.
Aliás, Benjor é reverenciado mais de uma vez: primeiro numa embasbacante
“Cabelo”, parceria com Arnaldo Antunes que ganha arranjo de funk-rock pesado, tipo Parlaiment/Funkadelic (o que é aquilo!). Lá no fim, Babulina volta em alto
estilo para encerrar o show com uma improvável (mas maravilhosa) "Os Alquimistas Estão Chegando", misto de indie
e samba-soul (o que é aquilo, de novo!).
Voltando às novas, ainda surpreendem a doce bossa-nova “Pelo
fio”, de Camelo, com ares de Carlos Lyra ou Ronaldo Bôscoli; “Ecstasy”, joia
nova de João Donato e Thalma de Freitas; a interessante faixa-título, de Maria
Poças, Romário Oliveira Jr. e Barreto; e, principalmente, a genial “Por baixo”,
um malicioso baião eletrônico de Tom Zé encomendado pela conterrânea: “Por baixo do vestido: a timidez/ Baixo da
timidez: a seda fina/ Baixo dela: uma nuvem de calor/ Baixo de calor: um
perfume da China...”. Ainda, a bela “Você me deu”, de Caetano e seu filho
Zeca, revisitando o conceito de “Recanto”; “Muita Sorte", última música
escrita pelo saudoso Lincoln Olivetti (morto em 2014), "Amor, Se
Acalme" (de Marisa Monte, Arnaldo e Cezar Menezes); a sensorial “Anuviar”,
de Moreno Veloso e Domenico; e a rica “Dez Anjos”, parceria de Criolo e Milton Nascimento, também feita especialmente para Gal. Aliás, para abrilhantar a
noite no Araújo Vianna, Bituca, na cidade para um show que faria dali a dois
dias, foi prestigiar a amiga.
Como nos velhos tempos, voz e violão.
O clima especial de quem está reverenciando sua própria obra
faz com que a artista passe por pontos importantes, e Caetano está presente aí
novamente. Além de ser personagem fundamental no resgate da companheira de
Doces Bárbaros e o único a ter quatro composições no set-list, é dele ainda outro feito: a primeira canção gravada por
Gal (ainda como Maria da Graça), “Sim, Foi Você”, em 1965. Para tocá-la, a
própria volta a empunhar o violão, numa das horas emocionantes do show.
A pulsante “Casca” (Jonas Sá e Alberto Continentino), das
melhores do show e que novamente remete ao tom kratrock de “Recanto”, fecha muito bem com o hino “Cartão Postal”,
de Rita Lee e Paulo Coelho, resgatada com muita sensibilidade por Gal. É o que
acontece também com “Arara”, de Lulu Santos, e no desbundante blues de “Como 2
e 2”, em que a cantora repete a performance que faz com que sua interpretação
seja tão definitiva quanto a de Roberto Carlos. Por falar em Roberto, é a
parceria dele com Erasmo Carlos escrita em homenagem à própria em 1969, o
sucesso “Meu nome é Gal”, que fecha o show no bis. Ainda teria mais um
impressionante arranjo, este para o samba dor-de-cotovelo de Lupicínio Rodrigues “Vingança”, que vira um bolero modernista, para encanto dos gaúchos.
Foi mais um show deste histórico momento de comemorações de
50 anos de carreira e/ou de 70 anos de idade, aos quais já presenciei de dois
anos para cá de Caetano e Gil (tanto juntos quanto separadamente), Milton, Maria Bethânia e da norte-americana Meredith Monk. Ou seja: a celebração de uma
geração que, na faixa ou acima dos 70 anos (ponham-se aí os Rolling Stones, Paul McCartney, Stevie Wonder, Bob Dylan e outros precursores), ainda nos tem
muito para dizer. E Gal, para sorte de todos, voltou ao time de forma inteira. Total.
Legal. Fa-tal. Estratosférica.
e isso, junto com as viagens que fiz com
Guarabyra
ao então ignoto e isolado sertão do São Francisco,
me deram o
necessário banho-Brasil.
Hoje sou um anel carioca folheado a sertão.”
Sá
“Concordo.
E concordo também com
a crítica
que acha que outros é que são (risos)."
Guarabyra,
sobre a crítica
considerar“Pirão de Peixe com Pimenta”
o melhor disco da dupla
Era começo de 1978, eu recém tinha passado no vestibular. Estava feliz
porque tinha entrado no Jornalismo de primeira depois de “matar” o cursinho no
sentido de que ia às aulas, mas sentava na última fila, onde se juntavam os
malucos, baderneiros e afins. O mês era janeiro, tava um calorão e fui no
Zaffari Ipiranga comprar uns discos (é, na época tinha discos pra vender no
Zaffari: “economizar é comprar bem”). Dei de cara com um que tinha ouvido no rádio
– 1120 Continental, por supuesto – e
tinha gostado da música. Se chamava “Pirão
de Peixe com Pimenta”, da dupla Sá
& Guarabyra. Acompanhava os caras desde os tempos do rock rural que
tinha eles mais o Zé Rodrix e do lendário jingle da Pepsi (“Hoje existe tanta gente
que quer nos modificar...”). Dei uma ouvida e comprei sem pestanejar. Pois este
disco me acompanha desde aquele tempo e é um dos meus discos favoritos.
A aventura musical começa com “Sobradinho”, música deles, talvez uma
das primeiras a falar dos desmandos do poder público quando resolve que
destruir a natureza é mais importante do que preservá-la. E a letra é explícita
desde o começo: “O homem chega/ já desfaz
a natureza/ tira gente põe represa/ diz que tudo vai mudar... E passo a passo
vai cumprindo a profecia do beato/ que dizia que o sertão ia alagar/ O sertão
vai virar mar/ dá no coração/O medo que algum dia o Mar também vire sertão... Remanso,
Casa Nova, Sento Sé, Pilão Arcado, Sobradinho, Adeus, Adeus”. Preocupações
ecológicas numa roupagem rock rural e a harmônica do mestre Maurício Einhorn
percorrendo a canção. Grande sucesso na época, que só foi ofuscado na fase
“Roque Santeiro” da dupla.
“Marimbondo”, uma parceria de Xico Sá com Marlui Miranda, bem ao estilo
onomatopaico da cantora. “Marimbondo vem
fazer sua casa/ em minha asa, za za/Sai azar marimbondo”. A banda base
composta por Sérgio Caffa ao piano, Sérgio Magrão (Ex-O Terço, atual 14 Bis) no
baixo, Luis Moreno na bateria e Chico Batera na percussão segura todas,
enquanto os violões e as violas caipiras de Sá e Guarabyra encontram o bandolim
de Quinintinho de Pirapora. No final, o narrador diz ao marimbondo que não pode
fazer sua casa lá porque “Eu já sou torto
e solto/ e não posso te morar/ ou vai curtir a bananeira/ que tem eira, eira,
eira e eu/ não tenho eira nem beira não/ tenho eira nem beira”. Viagens de
Xico e Marlui que S&G tornam palatáveis e, especialmente, audíveis.
Nesta fase, Sá e Guarabyra andavam muito curtindo o interior de
Minas Gerais e da Bahia, e isso se reflete nas canções. “Trem de Pirapora” faz
a defesa da vida interiorana: “O trem de
Pirapora já passou por essa pont / perdido em Montes Claros/ achado em Belo
Horizonte/ pirapora preta, preta barranqueira/ luz acesa até altas horas da
noite... cadeira na calçada fugiu pra dentro de casa/ da porta entreaberta
espreita a cara zangada...”. O arranjo de Nelson Ângelo valoriza as flautas
de Paulo Jobim, Danilo Caymmi, Franklin e Paulo Guimarães e as cordas no final.
“João Sem Terra” toca no drama dos imigrantes e dos sem-terra numa
levada sertanejo roqueira. “Desde pequeno
me chamam/ desde pequeno me chamam/ João Sem Terra/ Filho de um sol
estrangeiro/ que acabou me renegando/ fico onde chego primeiro/ João Sem
Terra”. A questão de quem chega numa terra desconhecida é bem explorada
pela dupla sem cair num rame-rame político-ideológico. Lá pelas tantas, a letra
diz: “ter de se andar para frente/ sem
olhar atrás o que se deixou/ não se deseja o pior inimigo/ tão sujo presente...
ter de lembrar todo o dia/ o medo que te fez deixar teu chão/ nem ao pior
inimigo/ se quer tão amarga recordação”. A dupla diz tudo e capta bem o
sentimento do imigrante e do sem terra. Grande música.
Pra fechar o lado 1 do LP, vem a faixa-título, que dá água na boca só
de ouvir: “Carne de Sol, pirão de peixe
com pimenta/ e uma boa Januária completando a refeição/ dizendo assim até
parece que é mentira/ de Sá & Guarabyra / coisa da imaginação...”. Com
um arranjo do mestre Rogério Duprat, a canção vira uma grande celebração num
coreto qualquer do interior do Brasil, com direito a bandinha. E esta comilança
toda fica lá. Tanto que S&G ficam muito saudosos e dizem: “Eh parada em Carinhanha/ Eh Zé Sales nosso
irmão/ Eh Ranchão de CorrentinA/ Eh paizinho de alemão/ vamos voltar no próximo
verão/ O Quincas nos espera pra inauguração”. Uma delícia de canção.
Abrindo o Lado 2, tem “Coração de Maçã”, uma metáfora da busca do amor. “Coração de maçã/ uma fruta aqui dentro do
peito/ que vive não fala/ tomada de horror/ pelos mistérios do mundo exterior”.
Nela, se destaca o piano de Caffa, que percorre a canção enquanto os violões da
dupla se misturam com as flautas de Paulo Guimarães e do lendário Copinha,
arranjadas por Guarabyra e Duprat. E este coração vive um amor ardente: “Coração de maçã/ lutando contra o verão que
queima este corpo/ febre equatorial/ bicho de amor/ Coração de maçã/ fechado e
guardado espera/ o sangue vermelho e novo/ da primavera/ pra que possa dar sua
flor”. Pelo jeito, tanto Sá quanto Guarabyra tiveram problemas com as
garotas com coração de maçã.
O experimento musical mais ousado do disco vem com “Cinamomo”, que tem
o baixo de Sérgio Magrão dando o tom e a flauta de Paulo Guimarães e as
marimbas de Chico Batera ajudando a criar um clima. A experimentação também se
dá na letra, uma poesia com jeito concretista, brincando com as sílabas: “Farta fumaceira/ faz este vapor/ moça
marinheira/ quem é teu amor/ nos cabelos belos bibelôs/ nos cabelos bibelôs/ E
um cinamo ci ci cinamomo/ E um cinamomo”. Deve se destacar também o piano
elétrico de Caffa, que faz harmonias dissonantes.
Depois, vem outro sucesso do disco, a popular “Espanhola”, gravada por
eles antes de estourar com Flávio Venturini, o autor da música junto com
Guarabyra. Esta versão traz uma banda completamente diferente: Cartier no viola
elétrica de 12 cordas; Burnier no violão; Gilson ao piano; Fernando Leporace no
baixo; e Nonato na bateria mais o arranjo maravilhoso de cordas de Eduardo
Souto Neto. A dupla só canta nesta linda canção que muita gente conhece, mas
deveria ouvir esta linda versão. “Por
quantas vezes/ eu andei mentindo/ só por não poder/ te ver chorando/ te amo
espanhola/ te amo espanhola/ se vais chorar/ Te amo”. Vale a pena conferir.
O momento mais divertido do disco vem a seguir com “Canção dos
Piratas”. O arranjo de Eduardo Souto Neto agora se utiliza dos metais com
trompas, trombones e tuba pra dar um ar de trilha sonora de filme de pirata. E
a letra é divertida: “Hoje o tempo parece
tranquilo/uma brisa soprada de leve/ ahey, ahey/ Hoje o mar mais parece um
espelho/ refletindo bonecos de neve/ ahey, ahey/ Diz o capitão que amanhã de
manhã/ se continuar esta viração/ nós vamos chegar no mar do Japão”. Os backing vocals de Lizzie Bravo, Rosana,
Ismail, Betinho e Didito ajudam S&G a dar o recado na canção, que tem o
arranjo mais rebuscado de todo o disco.
“Pirão de Peixe com Pimenta” termina com uma canção linda que remete
aos passeios no interior do Brasil, onde se pode ver a “Água Corrente”, pura e
cristalina (ou pelo menos se podia naquela época). A banda está reduzida ao
máximo com Sá na viola caipira, bandolim e guitarra slide; Guarabyra no violão;
Sérgio Caffa ao piano; Sergio Magrão no baixo e Moreno na bateria. A letra é
tão bonita que foi reproduzi-la inteira: “Água
corrente, pedra rolante/ desce contigo o meu coração/ leito de rio, esconderijo
e doce, doce prisão/ Deixa eu molhar minha voz e repetir a canção/ Água corrente,
pedra redonda/ Onde os segredos se vão afogar/ Leva a saudade pra quem te
espera longe/junto do mar/ Que nenhum desvio te possa deter/ por entre os
barrancos/ palavras de amor/ lá se vão na corrente”. Linda canção, que
encerra este disco e que tem um quê de country
rock, o irmão americano do rock rural brasileiro.
Sou fã desta dupla e dois anos depois eles lançaram mais um disco muito
bom e que, em breve vai estar aqui chamado “Quatro”. Mas isso é outra história.
*********************
FAIXAS:
1. Sobradinho
2. Marimbondo (Xico
Sá/Marlui Miranda)
3. Trem De Pirapora
4. João-Sem-Terra
5. Pirão De Peixe Com Pimenta
6. Coração De Maçã
7. Cinamomo
8. Espanhola (Flávio Venturini/Guarabyra)
9. Canção Dos Piratas
10. Água Corrente
todas as composições de autoria
de Sá/Guarabyra, exceto indicadas.
“Entramos em campo com o que tínhamos na mão. Gal já era a maior cantora do Brasil naquele momento e esse trabalho foi muito especial, pois nós juntamos os melhores músicos da época, como Chiquinho de Moraes e Lanny Gordin. A gente procurou pensar que tínhamos que fazer o melhor naquele clima de ditadura militar: Caetano e Gil exilados, a Copa do Mundo em cima, uma confusão danada. E fizemos o nosso trabalho".
Jards Macalé
“Genial, contemporâneo e perturbador”.
Assucena Assucena, da banda As Bahias e a Cozinha Mineira, sobre “Legal”
Ao mesmo tempo em que começa a se tornar cada vez mais comum ver os ídolos brasileiros da geração dos anos 50/60 se irem, caso de João Gilberto, Sérgio Ricardo, Moraes Moreira, Luiz Melodia e, mais recentemente, Gerson King Combo, em contrapartida, é uma enorme satisfação presenciar estas mesmas figuras referenciais chegarem à idade avançada. É mais do que só um motivo de comemoração, e sim de emoção. Caso da "água viva" da MPB: Gal Costa, que, mais do que viva, está operante e produzindo muito bem, obrigado. Gal chega aos 75 anos de idade e 55 de carreira celebrada como uma das maiores vozes do Brasil, posto que ocupa desde os anos 60 quando, junto com Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé, Mutantes e toda a turma da Tropicália, revolucionou a musica brasileira para sempre. Parte dessa revolução, contudo, está de aniversario junto com ela: o genial disco da artista “Legal”, de 1970, que completa 50 anos de lançamento.
O contexto no qual o lançamento de “Legal” ocorreu, no entanto, não foi nada festivo. O que faz aumentar ainda mais seus méritos. AI5 em vigor há pouco mais de um ano; Caê e Gil exilados em Londres; Allende eleito no Chile; Seleção de Pelé e Jairzinho fazendo a alegria do povo; Estados Unidos bombardeando o Vietnã; Roberto Carlos tornando-se um rei “adulto”. Tudo isso sob a capa negra da “linha dura” da Ditadura Militar, que reprimia, perseguia, sequestrava, torturava e matava. Afora esta pior parte das violações à liberdade imposta pela ditadura, a repressão recaía, em maior ou menor grau, sobre qualquer um que se opusesse ao Estado. Para isso, os militares contavam, inclusive, com o policiamento da própria sociedade civil. Gal, que permaneceu no Brasil com a missão de manter tesa a sina do tropicalismo, não o fez sem vigília ou pressões. Ela conta que chegou, àquela época, a ser quase linchada em praça pública por "cidadãos do bem", que a viam como uma hippie subversiva e comunista. Afinal, pensar definitivamente não é um atributo de quem domina pela força.
Gal em 1970: cabelos repartidos ao meio em novo visual, que inspirou Oiticica
Toda essa brutal condição de medo e tensão – mas também de orgulhos e belezas inexoráveis – era despejada imediatamente na musica de Gal, e “Legal” é o seu álbum que melhor sintetiza esse momento. Amplificando a psicodelia e a postura rebelde dos seus trabalhos imediatamente anteriores, de 1968 e 1969, Gal vinha para não fazer concessões. Agora, ela explodia. A doce cantora que começara a carreira seguindo o estilo cool da bossa nova de João Gilberto agora soltava a voz da maneira mais aguerrida como jamais havia feito até então. Estridente, raivosa, intensa, provocadora - mas também doce quando quer. Com o auxílio nos arranjos e na banda dos igualmente arrojados Lanny Gordin – o histórico guitarrista inglês da Tropicália responsável aqui também pelas ensandecidas guitarras do disco – e do "maldito"Jards Macalé – antecipando o que este faria dois anos depois noutro LP clássico da música brasileira, “Transa”, de Caetano –, a “divina maravilhosa” baiana torna-se, agora, “terrível”. É com o então recente sucesso de Roberto que ela, num arranjo monstruoso, inicia o disco. Se “Eu Sou Terrível” soava como um ato de rebeldia na voz do seu careta autor, na de Gal, transformava-se num manifesto anti-ditadura. Na boca dela, versos como: "Estou com a razão no que digo" ou "Não tenho medo nem do perigo" significavam muito mais do que a mera e ingênua afirmação sexista da original. Ressignificadas, as palavras querem dizer, sem hesitação: "Não adianta me perseguir, que sou mais forte que vocês" e "vocês é que devem ter medo de mim".
E Gal tinha urgência. O rock com influências soul dessa indignada Etta James dos trópicos tem nos sopros arranjados por Chiquinho de Moraes e na guitarra rascante de Lanny a velocidade certa para acompanhar a cantora. Ou seja: com muita rapidez! Os garotos que andavam ao seu lado tinham certeza que ela andava mesmo apressada. Em resposta, a banda pratica o que em teoria musical se chama de “antecipação”, quando se encurta o tempo entre os acordes e joga-se uma nota estranha à harmonia, a qual, se verá logo em seguida que pertence ao acorde seguinte. Se Gal havia permanecido no Brasil, sua terra, ouvi-la dizer “Eu corro mesmo aqui no chão” fazia realmente muito sentido.
Se “Legal” começa assim, mostrando que não veio para brincadeira, o negócio era prender o fôlego e acostumar-se, pois seria assim até a última rotação da agulha no sulco. Em novo recado pros militares, Gal manda na sequência “Língua do Pe”, do exilado Gil. Já que o parceiro não podia como ela estar no seu próprio país, Gal dava um jeito de materializá-lo. Um novo rock se anuncia... só que não! Subvertendo a si mesma, de repente, a música torna-se um xaxado “pé de serra” animado no melhor estilo Luiz Gonzaga: zabumba, triângulo e sanfona. A letra, cifrada, tirava um sarro dos milicos: “Garanto que você/ Nãpão vapai não vai/ Compomprepeenpendeper/ Bulhufas”. Não compreenderam bulhufas, mesmo.
Não precisa mais do que duas faixas pra se notar que “Legal”, contrariamente ao vocábulo, não se presta a ser nada amigável com os hipócritas devotos da moral e dos bons costumes. De pura ironia e musicalidade, “Love, Try And Die”, este Broadway jazz chistoso tem a luxuosa participação de dois mitos da música pop brasileira: o jovem Tim Maia, que recém havia lançado seu exitoso disco de estreia, e de Erasmo Carlos, que, na direção oposta do pop romântico de Roberto no pós-Jovem Guarda, corajosamente alinhava-se aos tropicalistas. Autoria de Gal com seus fiéis escudeiros Macalé e Lanny, lembra a invencionice transgressora de "Cinderella Rockfella", de Rogério Duprat com os Mutantes, de 1968, e a galhofa que os próprios Roberto e Erasmo criariam em 1971 com a canção "I Love You", o solfejo tropicalista de RC.
Novos petardos: uma versão futurista de “Acauã”, de Zé Dantas, reafirmando a cultura do Nordeste como desde o início propôs o tropicalismo. A pegada regionalista, contudo, vem empunhando uma peixeira como Lampião. Inversamente a “Língua do Pe”, que inicia rocker e depois alivia, aqui é o folk regional que prevalece até boa parte da faixa, mas que ganha uma reviravolta para um baião-heavy de dar inveja a qualquer guitar band enfezada. Bem que dava para desconfiar quando Gal, no começo da música, calmamente entoa os versos: “Teu canto é penoso e faz medo/ Te cala, acauã/ Que é pra chuva voltar cedo”.
Mais uma inédita de Gil: a psycho-bossa “Mini-Mistério”. Uma só dele seria pouco pra confrontar os militares. E se “Língua do Pe” soa quase anedótica, o recado desta é bem mais direto: "Compre, olhe/ Vire e mexa/ Não custa nada/ Só lhe custa a vida". Ou que tal isso aqui?: “Procure conhecer melhor/ O cemitério do Caju/ Procure conhecer melhor/ Sobre a Santíssima Trindade/ Procure conhecer melhor/ Becos da tristíssima cidade/ Procure compreender melhor/ Filmes de suspense e de terror”. E Gal, que não tinha medo nem de filmes de suspense e de terror, repete ostensivamente a última palavra: “Terror, terror, terror, terror”. Afinal, este era o melhor termo para definir o sentimento que tomava conta daquele Brasil de terríveis minimistérios: delações, perseguições, olhos vigiando por todos os cantos, amigos presos, “amigos sumindo, assim, pra nunca mais”. Sob um suingue jazzístico acachapante, Gal ainda aconselha: “Ande muito/ Veja tudo/ Não diga nada/ Além de dois minutos”.
Gal e Macalé: alta qualidade musical contra a repressão
Jards, totalmente presente na concepção do disco, vem com outras duas suas. Primeiro, a emblemática e não menos provocativa “Hotel das Estrelas” (“No fundo do peito esse fruto/ Apodrecendo a cada dentada/ Mas isso faz muito tempo...”), que o próprio gravaria apenas dois anos depois em seu primeiro álbum solo. Interpretação tristonha e sensual de Gal na primeira parte, quando um blues jazzístico. Mas o andamento é bem mais variante que isso, e a banda acelera o ritmo para entrar numa soul quase gospel e, daí, voltar novamente à melancolia. Um arraso! De Jards e de Duda Mendonça também é o falso jazz “The Archaic Lonely Star Blues”. Falso até no idioma, pois, iniciando com versos em inglês, envereda, em seguida, para um samba-canção em que Gal deita e rola na interpretação sob o arranjo de cordas primoroso de Chiquinho de Moraes.
Transgressão pouca era bobagem para a combativa Gal. Ela guardava ainda mais munição em sua metralhadora sonora e poética. E, como as canções de Gil, vinham encomendadas também da Inglaterra as do mano Caetano. Primeiro, a carnavalesca “Deixa Sangrar”, cujo duplo sentido do título, obviamente, não é mera coincidência: “Deixa o coração bater, se despedaçar/ Chora depois, mas agora deixa sangrar/ Deixa o carnaval passar”. Alguma semelhança com a situação política de então? Neste aspecto, “Legal” ainda se beneficia pelo fato de ter sido lançado logo após o endurecimento da ditadura, ainda muito mais preocupada em reprimir a luta armada do que necessariamente censurar músicas – isso, até perceberam em seguida que o “perigo” era justamente a junção dos dois. Talvez por isso (e pela letra em inglês, esta na totalidade) tenha-se liberado “London London”, o tristonho canto de exílio de Caetano que atravessou o Atlântico trazendo ao Brasil os gélidos ventos do Velho Mundo poucos meses depois do próprio autor tê-la gravado no seu álbum londrino. Nesta rumba desenhada pela guitarra de Lanny e uma gaita de boca bem rithum n’ blues, toda a estridência que domina boa parte do disco dá lugar de vez à cantora melodiosa e de profundo apuro técnico.
Igual à matadora versão de “Falsa Baiana”, reduzindo de vez o compasso em alta voltagem que havia iniciado o disco lá em “Eu Sou Terrível”. Bossa nova pura. Leve e melodiosa. Um contraste tremendo com o fervente início do disco. Os distraídos podem até achar que se trata de uma contradição por não perceberam mais uma ironia. “Falsa baiana” não é necessariamente aquela que "requebra direitinho", mas a que, contrariando a pecha de um povo "preguiçoso" e "acomodado", se levanta contra a atrocidade humana. Fora isso, Gal, saudavelmente apressada de novo, antecipa justamente seu mestre João Gilberto, que gravaria este samba de Geraldo Pereira somente três anos depois em semelhantes moldes.
Arte de Oiticica completa, com as duas faces: capa e contracapa
A capa, autoria do célebre artista visual Helio Oiticica – pivô acidental no episódio da boate Sucata motivador da expulsão de Caetano e Gil do Brasil meses antes – emula o policulturalismo da capa clássica de "Sgt. Peppers", dos Beatles, ao reproduzir diversas fotos de referências constituidoras daquela proposta de obra. No entanto, além das diferentes figuras – por exemplo, Elis Regina, James Dean e a Marcha dos 100 Mil no lugar de Bob Dylan, Marylin Monroe e Karl Marx –, a arte de Oiticica direciona incisivamente esta intenção ao impregnar essas imagens fragmentadas nos cabelos de Gal (visual trazido de Londres, de onde ela recentemente viera de uma viagem) e cuja metade do rosto se agiganta em relação a todo o resto. O mundo pertence a ela, esta Medusa empoderada e resistente. Metáfora cortante de um álbum que cumpre a corajosa missão de falar por todos os exilados, os de fora e os de dentro do país. Se as vozes restavam sufocadas pelo poder das armas, havia a de Gal para representar-lhes. E acelerada, atenta e forte, sem tempo de temer a morte. Em “Legal”, como nunca ela foi porta-voz de toda uma geração. E quanta voz tem essa (verdadeira) baiana para portar!
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Gal Costa cantando "Acauã", programa Ensaio (1970)
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FAIXAS: 1. “Eu Sou Terrível” (Erasmo Carlos, Roberto Carlos) - 2:30 2. “Lingua Do P” (Gilberto Gil) - 3:40 3. “Love, Try And Die” (Gal Costa, Jards Macalé, Lanny Gordin) - 2:23 – partic.: Tim Maia e Erasmo Carlos 4. “Mini-Mistério” (Gil) - 4:16 5. “Acauã” (Zé Dantas) - 2:49 6. “Hotel Das Estrelas” (Duda Machado, Jards Macalé) - 4:22 7. “Deixa Sangrar” (Caetano Veloso) - 2:53 8. “The Archaic Lonely Star Blues” (Duda, Macalé) - 3:03 9. “London, London” (Caetano) - 4:00 10. “Falsa Baiana” (Geraldo Pereira) - 2:11
a inventar instrumentos, misto de músico e escultor,
de
filósofo e profeta,
uma das figuras mais extraordinárias da arte
brasileira."
Jorge Amado
“Sou
um descompositor contemporâneo.”
Walter Smetak
Uma
das coisas que mais queria ver quando fosse a Salvador, se esta ainda
estivesse lá, era a exposição de obras de um cara que tenho grande
admiração: Walter Smetak. O gênio da música microtonal que,
a partir de uma obra pautada pela originalidade, didática e
hermetismo, abriu caminho para toda a música moderna brasileira,
influenciando e ensinando diretamente figuras como Caetano Veloso, Gilberto Gil, Tom Zé, Rogério Duprat, Rogário Duarte, Walter Franco, Gereba, Marco Antônio Guimarães, entre outros.
Já
apreciador de sua música e trajetória (gravou dois discos:
“Smetak”, de 1973, produzido por Caetano e Roberto Santana, e
“Interregno”, com o Conjunto de Microtone, de 1980), em 2008,
conheci em São Paulo sua neta, Jessica, jornalista como eu com quem
estabeleci saudável amizade. No final do ano passado, no que
confirmei minha ida à Terra de Todos os Santos , prontamente me
comuniquei com ela para perguntar-lhe se ainda se mantinham em
exposição as obras de seu avô. Um agravável “sim” recebi como
resposta, indicando que o material se encontrava na Galeria Solar
Ferrão, em pleno Pelourinho – quadras adiante de onde Leocádia e
eu nos instalaríamos.
O
Solar em si já é uma atração: um casarão construído entre o fim
do século XVII e início do XVIII (tombado pelo IPHAN em 1938) sem
os rebuscamentos da arquitetura colonial mas exuberante em dimensões:
quatro andares com longas salas e um terraço, um subsolo e um pátio
traseiro. Este abrigava três ricas exposições: a de arte africana
(do colecionador italiano Claudio Masella), outra de arte sacra (de
acervo pertencente ao artista plástico e também colecionador baiano
Abelardo Rodrigues) e a terceira, a que eu tanto ansiava ver:
“Plásticas Sonoras”, de Smetak.
Anton
Walter Smetak, ou somente “Tak Tak” – como era apelidado por
Gil devido à sua postura séria de educador europeu, mas também
numa alusão onomatopeica à sua procedência da terra dos relógios
–, era violoncelista, compositor, inventor de instrumentos
musicais, escultor e escritor nascido em Zurique em 1913. Fugido da
2ª Guerra, veio parar no Brasil nos anos 30. Sua primeira cidade
foi, por essas coincidências da vida, a minha Porto Alegre, tendo
atuado como professor da recém-inaugurada faculdade de música da
Universidade Federal do RS. Também na capital gaúcha, formou o Trio
Schübert, juntamente com outros dois músicos de descendência
europeia como ele, grupo de câmara com o qual se apresentava na
antiga rádio Farroupilha. Trocando informações com sua neta tempo
atrás, soube que ela estava escrevendo um livro sobre o avô
(“Smetak: Som e Espírito”) e me prontifiquei a pesquisar alguma
coisa nos arquivos do Museu de Comunicação Social Hipólito da
Costa, aqui em Porto Alegre. Achei alguns anúncios
da programação da rádio em que o Trio Schübert se
apresentava em exemplares do jornal Correio do Povo de 1937. Embora
pequena, minha contribuição foi parar no livro como bem podem ver.
Porém,
como disse, minha contribuição foi pequena. Só podia, pois Smetak,
depois de uma passagem pelo Rio de Janeiro iniciada em 1941,
encontrou-se como cidadão e pessoa no destino seguinte: Salvador.
Lá, a partir de 1950, casou-se, formou família e estabeleceu
residência (até sua morte, em 1984). Profissionalmente, passou a
integrar a Orquestra Sinfônica da Universidade da Bahia, onde também
lecionava música. Em um período de forte impulso à cultura em
Salvador, artistas do teatro, cinema, dança, artes visuais e, claro,
música, surgiam de todas as partes incentivados pelos programas
públicos. E a ida de Smetak para lá, a convite do maestro alemão
Hans Joachim Koellheutter, foi de uma química inusitadamente
acertada.
Adaptado
ao clima, à cultura, ao misticismo e às gentes da Bahia, Smetak
achou na calorosa Salvador um terreno fértil para expandir sua carga
erudita a serviço de uma nova visão musical-espiritual. Volta-se
para o experimentalismo, numa pesquisa que chamava de “Iniciação
pelo Som”, sob o impacto de estudos realizados na Eubiose –
corrente teosófica dedicada à ciência da vida focada na evolução
humana, levando em conta os planos espirituais da mente. Passa a
investigar o silêncio (tal como fizera John Cage), o som (a exemplo
dos modernistas da vanguarda europeia) e as suas relações com o
homem (numa visão que trazia para reflexão a cultura milenar
oriental).
Na
sala/galpão que recebe da Universidade, já nos anos 60, monta uma
oficina de ideias e objetos. É quando, para encontrar esse “novo
som”, passa a criar instrumentos, intitulados, justamente, de
“Plásticas Sonoras”. Para construí-las, Smetak empregou
cabaças, madeira, cordas, tubos de PVC, latas e qualquer material
que estivesse a seu alcance. Particularmente, acho maravilhosas essas
composições plásticas de Smetak, uma vez que unem com muita
propriedade e conhecimento o equilíbrio físico e espiritual que o
autor buscava, com uma precisão digna de um relojoeiro suíço, a
uma brasilidade profunda pela utilização de materiais típicos da
natureza local com outros reciclados (olha aí a mentalidade
sustentável de Smetak 40 anos antes de isso virar moda).
Além
dessa fusão tão distinta e original entre velho e novo nundos, as
Plásticas Sonoras, engenhocas de utilização não apenas visual mas
prática, ainda me impressionam por outro motivo: o bom humor. Vindo
de um homem refugiado de sua terra-natal, desbravador de um país
distante do seu, tanto em quilômetros quanto em emotividade, e cuja
formação foi pautada na rigidez do ensino europeu do início do
século XIX, não seria de estranhar que essas obras transmitissem
certo grau de amargura ou secura. Pelo contrário. Smetak, eterno
subversor da arte, na Bahia, reinventou a si através da música. Ele
uniu os microtons (comuns na tradição musical de países orientais),
Stockhausen, Cage, Ives e Obuhov e seu arsenal bachiano às
sonoridades e harmonias folclóricas brasileiras, buscando nisso
produzir uma música que ampliasse as percepções humanas a caminho
de um autoconhecimento amplo da alma. Algo de um exotismo e
imparidade apenas reduzidos pela larga aplicabilidade pedagógica que
teve. As Plásticas Sonoras, assim, são uma extensão de sua música
e filosofia, o que fica evidente nos títulos das peças: “Mulher
faladora movida pelo vento”, “Mr. Play-Back”, “Caossonância”,
“Piston Cretino”. De um humor que muito tupiniquim “original”
não teria.
Se a
Tropicália mudou a música brasileira no final do século XIX,
reverenciando as dissonâncias agradáveis da bossa-nova e o legado
tonal dos sambistas antigos, foi o lado avant-garde aprendido
com Walter Smetak que deu lastro para a ligação da Tropicália com
o modernismo, concretismo, neoconstrutivismo e atonalismo. Não foi
a orquestração de George Martin nem o exemplo composicional
engenhoso de Lennon/McCartney (pelo menos, não apenas). É Smetak
que está fortemente nos arranjos de Duprat, na divisão harmônica
de Tom Zé, no ”canto-de-ruídos guturais” de Caetano (como
definiu Augusto de Campos), na ênfase minimalista do Uakati, no
atonalismo de Walter Franco, na aproximação Brasil-Japão de
“"Refazenda"-Refavela” de Gil. Este último, sabiamente como lhe é
de costume, bem definiu a amplitude da obra do mestre e irmão:
“Smetak é um mergulhador de excelente performance e
vários records de profundidade no oceano da Dúvida”. "Música dos Mendigos"- Walter Smetak
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"Plásticas
Sonoras", de Walter Smetak
onde:Galeria Solar Ferrão (R. Gregório de Matos, 45, Pelourinho,
Salvador/BA)
quando:Sábados, domingos e feriados, das 12h às 17h
