Assim como filmes que merecem ser vistos no cinema enquanto
estiverem em cartaz, há exposições que não podem ser perdidas, ainda mais
quando passam pela tua cidade. Caso da exposição “Tomie Ohtake: seis décadas de
pintura”, da artista visual nipo-brasileira Tomie Ohtake (1913-2015). Trata-se
de panorama que percorre momentos bem pontuados da carreira de Tomie, que
visitei com Leocádia e Carolina numa escaldante tarde porto-alegrense.
Fazendo um apanhado dos 60 anos de produção da artista, a
mostra é enxuta em volume de obras, apenas 12 óleos e tinta acrílica sobre tela (todos sem título).
Porém, a vontade de apreciar mais artes de Tomie é relativamente sanada com a
excelente curadoria de Cézar Prestes, que conseguiu reunir quadros muito representativos
das diferentes épocas de sua produção. Nas palavras de Prestes, a apreciação da
exposição “leva o espectador a desfrutar de um mundo de imensa força pictórica
e sensorial – mesmo que não tenha conhecido as fases anteriores da artista,
atende ao chamado de sua arte”.
Já havia tido a oportunidade de ver obras de Tomie em outras
exposições coletivas, tanto no Rio de Janeiro quanto em Curitiba mas, principalmente, no
maravilhoso Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, onde estive em 2010 com minha
mãe. Porém, uma seleção individual e focada em sua trajetória é, mais do que um
presente à cidade em que moro, um sublinhado da excelência da arte brasileira moderna
das últimas seis décadas.
Há quem valorize Tomie mais do que ao celebrado artista visual
norte-americano Mark Rothko, a quem atribuem ser menos inovador (e nem pioneiro)
no estilo de arte expressionista abstrata. A obra de 1967 da mostra de Tomie, a
mais antiga entre todas expostas, talvez seja uma prova disso: a disposição cromática,
que divide o quadro em blocos, como que fundando mundos distintos mas
dialogáveis. Por falar em mundo, interessante perceber a noção espacial de
Tomie - muito oriental, aliás - inclusive no que se refere a elementos pictóricos, seja das superfícies ou
da natureza. O quadro de 1968, onde se percebe associada ao verde escuro a forma
e a textura de uma lua, ou a impressionante tela de 2013, de cujo amarelo
intenso se observa à distância genes encadeados, carregam esta ligação orgânica
entre abstração e realidade.
Ideias estas que subentendem movimento, como o sutil
deslocamento de luz por detrás de camadas escuras na obra de 1985, a qual se
mostra mais evidente (como que ampliada) na de um ano antes. Impressiona igualmente
a habilidade cromática de Tomie. Como se faz para extrair cores tão vívidas e
pessoais? A junção destes elementos – cores próprias, imagem astral e
organicidade – está evidente em duas das obras da exposição: o grande óleo sobre
tela de 2002, que ocupa sozinho a parede ao fundo do espaço e o qual invoca um universo em ebulição, e, um pouco menor,
a de 2013, das obras da última safra da artista antes de sua morte. Olhando-se de
longe, parece até uma foto de uma floresta escura vista de cima tamanha a
vivacidade da luz. Porém, quando se aproxima, nota-se um traço abstrato
esvanecido em que a luz é trabalhada em núcleos distintos, que formam o todo.
Completam ainda a exposição telas dos anos 70 (1970, 1974 e 1976),
que, embora também tenham deixado a sensação de que poderia haver mais,
principalmente considerando o gigantesco acervo de Tomie Ohtake, foram
suficientes para encantar nossa tarde. Confiram abaixo algumas fotos e vídeo daquilo que pode ser visitando até dia 25 deste mês de fevereiro:
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Obra dos anos 60. Melhor que Rothko?
Noção espacial e texturas de superfícies
O sutil movimento expresso em obras de anos sequentes, 83 e 84
A impressionante tela azul que remete a um universo em movimento
Carol e Léo atentas à exposição
Minha vez de apreciar a arte de Tomie
Trabalho de luz incrível de Tomie: visto de longe, uma selva. de perto, borrões esverdeados
O intenso amarelo que descortina um caráter genético
O minimalismo oriental de Tomie
Visão geral do salão
Uma panorâmica da exposição "Tomie Ohtake: seis décadas de pintura"
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Exposição “Tomie Ohtake: seis décadas de pintura” local: Instituto Ling endereço: R. João Caetano, 440 - Três Figueiras, Porto Alegre - RS quando: até 25 de fevereiro
horário:de segunda-feira a sábado, das 10h30 às 20h ingresso;gratuito Mais informações:institutoling.org.br
Emoldurado por um dos cartões postais da cidade, o Araújo Vianna, local onde foi lançado o livro
“Mas não é só o filme que carrega em seu corpo sinais.
Sociedades e cidades também as têm, mesmo que por baixo das vestes. 'O Caso do
Homem Errado', na linha do que outras realizações vêm evidenciando há
aproximadamente 20 anos na produção audiovisual negra no Brasil e noutros polos
cinematográficos, denuncia verdades fadadas até então ao apagamento da
história, ao escurecimento – sem o perdão da redundância.”
Trecho do artigo "A Pele da Cidade", sobre o filme “O Caso do Homem Errado”
Antes de pisar sobre o chão da sala Radamés Gnatalli, no Auditório Araújo Vianna, na manhã do domingo, dia 20 de março, já tinha ideia que viveria um momento especial. A presença de my love Leocádia e de minha hermana Carolina, somadas à coincidentemente bem-vinda presença de minha mãe, Iara, chegada do Rio de Janeiro horas antes por outros motivos, mas que a deu condições de também comparecer ao evento, já garantiam a especialidade. O retorno, depois de 2 anos e alguns meses de total ausência de eventos presenciais por conta da covid-19, ao mesmo tempo em que excitava pela novidade, também assustava pela descostume. Havia também como elemento adicional as comemorações pelos 250 anos de Porto Alegre, do qual o livro faz parte através do projeto Cine Rock, momento raro na história de qualquer cidade. Tudo fazia aumentar a espera.
Mas todos os receios e expectativas foram totalmente superados ao que adentramos a sala onde “50 Olhares da Crítica sobre o Cinema Gaúcho” teve seu histórico lançamento. A felicidade de todos era visível, fosse pelo feito da materialização do primeiro livro da ACCIRS em 24 anos de associação, fosse pela alegria de poder rever as pessoas depois de tanto tempo, fosse pela satisfação de, simplesmente, dividir aquele momento com os colegas, amigos, familiares e realizadores. O livro da ACCIRS é feito em correalização com a Opinião Produtora por meio do projeto Cine Rock, aprovado pelo Pró-Cultura RS e pela Lei de Incentivo à Cultura (LIC) do RS e patrocínio da JBS.
De minha parte, mesmo sem convidar a ninguém especialmente, fui agraciado com, além destas as quais mencionei no início, ricas presenças que me fizeram ainda mais completo. Estiveram lá, representando a família Leão, meu primo Henrique, filho de Cléber, competente professor e historiador que tão essencialmente contribuiu para o artigo de minha autoria no livro. Fizeram meu coração sorrir também os amados amigos Rodrigo, Lisi, Malu e Elis, e Valéria Luna com a sua filha Dora, bem como dividir - e trocar - autógrafos com Conrado Oliveira, colega de trabalho e de cinefilia. Completou-se ainda com a satisfação de rever (e abraçar) os colegas jornalistas Paulo Moreira, membro da ACCIRS mas que não participou da edição, e Ana Mota, outra que coincidentemente, assim como minha mãe, aterrissou em Porto Alegre e também não quis perder a oportunidade de prestigiar.
Do livro em si, adianto que ainda não será possível me estender. Mal consegui folheá-lo do dia do lançamento até hoje e, para modo de não dar luz ao que mereça, prefiro deixar para uma outra postagem aqui no blog mais adiante – talvez até nem por mim mesmo. Entretanto, agora já posso comentar brevemente sobre o artigo que escrevi e o filme o qual escolhi: “O Caso do Homem Errado”, o essencial documentário da cineasta Camila de Moraes, de 2017, primeiro longa dirigido por uma mulher em então mais de 60 anos de produção cinematográfica no Rio Grande do Sul. Histórico por si só. Mas não somente isso: “O Caso...” trata-se de um grande filme, absurdamente atual diante da uma realidade social gaúcha e brasileira.
Em meu artigo, o qual considero grave por necessidade temática, discorro sobre questões que ligam o ontem e o hoje nas relações de preconceito racial e urbanicidade. Como disse anteriormente, a colaboração de meu primo Cleber é de suma importância para a abordagem proposta, uma vez que sua visão do brancocentrismo na sociedade é chave para fazer ligar essas pontas que enlaçam passado e presente.
Fico aqui, porém, em palavras, mas os deixo com alguns dos felizes registros feitos neste dia marcante para a história da crítica de cinema no Rio Grande do Sul, para o cinema do Rio Grande do Sul, para quem faz e curte cinema no Rio Grande do Sul. Para mim, que nasci e moro no Rio Grande do Sul. Uma coisa posso lhes dizer: que momento feliz vivemos neste dia!
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Um brinde com a mãe e o primo
Love, love, love: cinema, cinema, cinema
Conrado e eu: quando é que vem o próximo em conjunto?
Com hermana, que fez a manhã de autógrafos ser ainda mais iluminada
Os amigos da "visões periféricas" e da vida
Val, Dora e eu: Guaíba e Capibaribe
Autógrafos para a filha e ex-esposa de Luis Carlos Merten, referência pra qualquer crítico de cinema
A amada presença de Henrique representando os Leão
O professor Paulinho Moreira foi prestigiar!
O exemplar autografado de d. Iara não podia faltar...
... E ela logo pegou pra ler!
Com as queridas colegas de ACCIRS Mônica Kanitz e Fatimarlei Lunardelli
Posando para a foto conjunta com todos os autores presentes...
Ontem terminei meu dia com a notícia do falecimento do querido e talentoso Ricky Bols. Apesar de sabermos que há muitos anos a saúde dele vinha debilitada, Ricky não se entregava as etapas de tratamento foi forte e guerreiro até o final. A última vez que nos vimos foi na Exposição no CCCEV, de mesmo nome do livrão, com toda a história artística e a bio dele, chamado “Ricky Bols por Ricardo Irigoyen Bolsoni” em 2014. No dia da abertura, Daniel e eu fomos lá para abraçá-lo triplamente, pois levávamos o abraço da minha irmã, Carolina, e da Maria da Paz. Saímos de lá com pôsteres que ele produziu para quem comprasse o livro, podíamos escolher e não foi nada fácil. Tudo muito bem produzido por Rosane Furtado, que fotografou tudo registrando aquele momento lindo.
Ele um canceriano clássico, viveu sua vida de forma intensa sempre através das Artes. Ricky promoveu inúmeros artistas da música (uma de suas paixões) e atendeu clientes ligados ao surf, futebol, moda, fez capas de livro, discos, CDs, encartes, etc através da sua arte gráfica. Até onde eu sei, o único livro na íntegra ilustrado por ele desde a capa foi “Lili inventa o Mundo”. – que honra! O conheci numa temporada em que fomos, eu e minha irmã, visitar a artista Zoravia Bettiol. Nesta época Ricky estava produzindo o material sobre um espetáculo teatral da atriz e diretora Débora Finochiaro com a obra de Mario Quintana, que apresentava obras de Zoravia. Meses depois, a minha terapeuta Maria da Paz Ceppas C. Peixoto, que o conhecia do movimento de contracultura de Porto Alegre (eles eram da mesma geração), me falou carinhosamente nele. Ela admirava a sua Arte e a sua forma de ser humano. Ricky conservava a rebeldia saudável de questionar tudo o que fazia, por isso gostava de trocar ideias, não aceitava nada sem dialogar bastante. Mas sempre nos recebeu com carinho, cuidado e atenção típicas de um canceriano.
Anos mais tarde, em 2009 quando tivemos uma oportunidade de trabalho que envolvia ilustradores o convidamos. Aprata estava realizando a Coleção Mario Quintana para a Infância e ele ilustrou o volume com a obra “Lili inventa o Mundo” com suas aquarelas, representando tão lindamente aquele universo poético que é uma publicação muito acalentada por mim desde então. Nesta época, na sua agitação produtiva e criativa estivemos na sua casa em Petrópolis e lá também gravamos com ele para o documentário do Quintana, da mesma Coleção. Em 2016 chamei ele novamente para participar de um Calendário da Casa do Jardim que reunia ilustradores do Brasil, de forma voluntária divulgando os 10 anos de Evangelização para Crianças e Adolescentes dessa instituição. Ele veio novamente muito feliz, dizendo para escolhermos a obra que mais se adequasse ao calendário e novamente foi bem difícil, porque haviam muitas que eu gostava demais. Depois compareceu à cerimônia de lançamento, emocionado pela realização.
Ontem eu pensei nele, mas sem saber conscientemente que estava hospitalizado. Ele não era uma pessoa de alarde, sempre foi muito discreto com a sua vida, com a sua família e profissão. Na dedicatória sem data, do livro que conta a sua trajetória, ele nos deixou a seguinte frase: “Leocádia e Carolina que legal tê-las aqui comigo. Espero que gostem! Um beijo Ricky Bols”. Acredito que um artista talentoso é atemporal, voa querido amigo e muito obrigada por ter estado conosco num projeto tão desafiador como este: viver e fazer Arte! Gratidão.
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RICKY BOLS
(Sant'Ana do Livramento, 4 de julho 1952 -
Porto Alegre, 9 de novembro 2020)
Reprodução do face de Ricardo Irigoyen Bolsoni Ricky Bols com a ilustração feita para a capa de "Lili inventa o Mundo", Coleção Mario Quintana para a Infância - Aprata 2009
"Confesso que recebi o convite para criar uma trilha
para o Grupo Corpo com satisfação mas com preocupação também, especialmente
quando eles manifestaram o desejo de denominar a peça GIL - ou seja, de
concentrar a criação no conjunto, num arco que fosse o mais amplo possível do
meu trabalho, que tem tantas influências baianas, do samba, da música pop em
geral. De todo modo, ouvindo a trilha no final, percebo que ela tem muitos
elementos da minha dimensão rítmica mesmo, com elementos da música afro-baiana". Gilberto Gil
O Grupo Corpo é, mais do que qualquer banda, cineasta ou outro tipo de artista no Brasil, o que mais tem o poder de me surpreender. A cada nova montagem, e até mesmo a cada repetição de alguma das antigas, a capacidade da companhia mineira de balé – sem dúvidas uma das melhores em atuação no mundo – de reinventar-se e trazer novas visões estéticas e conceituais é invejável. Não foi diferente na última apresentação deles em Porto Alegre, em razão da mais recente montagem,“Gil”, cujo nome já diz tudo: um retrospecto sintético da obra do genial músico baiano Gilberto Gil. Para arrematar, além da iluminada companhia das "Costa", Leocádia, Carolina e a amiga Amanda, a ocasião caiu justamente no dia de meu aniversário. Muita emoção envolvida.
Como disse, não só as novas montagens surpreendem. O hábito comum do grupo de trazer na primeira parte alguma de suas peças anteriores, não raro é tão estimulante quanto a estreia. Foi assim em 2015, quando trouxeram, junto à então recente “Dança Sinfônica” – com trilha de Marco Antônio Magalhães, parceiro de longa data do Corpo –, que perdeu impacto diante de sua talvez mais representativa montagem, “Parabelo” (1997, José Miguel Wisnik e Tom Zé). Desta vez, abriram com uma das que mais tinha vontade de assistir mas que nunca tivera a oportunidade: ”Sete ou Oito Peças para Ballet”, de 1994. Marco na trajetória recente da companhia de mais de 40 anos, tem trilha com arranjos e execução do grupo mineiro instrumental Uakti – liderado por Magalhães – e autoria do, assim como Gil, gênio: o norte-americano Philip Glass.
"Sete ou Oito Peças para um Ballet", com trilha de Glass: êxtase no palco
Afora a deliciosa surpresa de que a tal trilha que nunca achava para ouvir pelo nome da peça era a mesma de “Águas da Amazônia”, lançada em disco com este título anos depois da apresentação nos palcos, a coreografia é simplesmente extasiante. Aproveitando-se da construção minimalista da música, que se monta a partir de células sonoras móveis em variações de volume, intensidade e harmonia, Rodrigo Pederneiras cria uma coreografia em que extrai o máximo da trilha através de movimentos e danças, intercalando constantemente contenção e expansão. Como uma dança da natureza em que a terra determina criação e recriação. Isso auxiliado pela linda luz (Paulo Pederneiras) e pelo figurino (Freusa Zechmeister), que remetem diretamente à organicidade, e a cenografia (Fernando Velloso), igualmente inspirada na fauna e na flora brasileiras. Para mim, que ouço seguidamente “Águas...” , foi emocionante vê-la encenada, principalmente a parte final, quando uma das composições mais icônicas de Glass, “Metamorphosis”, ganha a instrumentalização característica da Uakti, de sonoridade tão brasilianista quanto de vanguarda. No encerramento, num ápice típico das composições de Glass, fica a sensação de que talvez nem precisasse de segunda parte.
Luz amarela e fendas pelo corpo: o sertão de Gil representado
Mas precisava, sim. Afinal, era a representação em dança pelo filtro artístico do Grupo Corpo de ninguém menos que o “Buda Nagô” Gilberto Gil, talvez o mais completo músico de sua geração. Com um conceito totalmente diferente de “Sete ou Oito...”, o que fez parecer tratar-se de outra companhia, “Gil” inicia. Tons de um amarelo intenso, como um sol implacável do sertão nordestino, iluminam o tablado. Eu, fã ardoroso de Gil, mas suficientemente resistente para não buscar nenhuma informação sobre a montagem antes de assisti-la para não estragar a surpresa, pensava: “De que forma ele irá começar a trilha?” Seria com o toque de seu violão, instrumento tão simbiótico a ele? Ou acordes de sanfona, herança do baião de Luiz Gonzaga e memória de sua infância? Ou as percussões, as quais sempre fora intimamente ligado por conta das raízes da África? Eis que o mestre me surpreende emitindo os primeiros sons da peça em que ele próprio é tema com vocalizes e sons guturais reelaborados eletronicamente. O título: “Choro”. A voz, representação primeira da identidade do ser humano, do músico, do artista, do ser humano. Afinal, qual o primeiro som que emitimos quando nascemos?
Nascida a peça, a partir daí o autor constrói uma verdadeira sinfonia gilbertiana, em que traz, em uma síntese tocante, todos os elementos de sua extensa e abarcante obra: a Bahia, o candomblé, a bossa nova, o sertão, a tecnologia, o tropicalismo, o samba, o concretismo, o rock, o Oriente. E também Villa-Lobos, Beatles, Satie, Chico Science, Smetak, Domenico, Caymmi, Arnaldo, Caetano. João. Que tarefa difícil, visto a amplitude de sua importância como artista no mundo e o paradigma simbólico de uma obra tão representativa da cultura moderna de um país continental como o Brasil. Gil acompanhou tudo o que aconteceu em termos de movimentos musicais em mais de 60 anos para cá. Agora, foi a vez de ele mesmo fazer esse autopercurso revisitando-se para extrair uma nova compreensão de si próprio.
Gestual que lembra a performance do próprio artista inspirador da montangem
A coreografia, também de Rodrigo Pederneiras, se vale enormemente de gestos amplos e expansivos (com referências ao frevo, ao samba, aos caboclos de lança, aos orixás, à assimetria roqueira) e não raro referindo-se aos conhecidos gestos performáticos de Gil quando no palco. O tempo todo o ritmo dos passos é marcado pela luz quente e amarelada criada por Paulo e Gabriel Pederneiras, a qual persegue em fachos os dinâmicos movimentos dos corpos. O figurino escuro, autoria de Freusa, traz estampas de colorido africano (Joana Lira) que dão, sob o jogo de luz, a impressão de porem à mostra fendas da carne corpórea. Com um conceito cenográfico bastante limpo – poucos bailarinos no palco por vez, utilizando-os muito mais como linhas ora em pequenas composições, ora individualmente –, a montagem, assim, desenha a concepção musical proposta pelo compositor: organismos que se formam (as três “Intros”), tomam fisionomia própria (“Choro nº 1”, “Seraphimu” e “Fragmento Lírico”, além do knee "Balafon"), brincam em suas existências efêmeras (os três “Improvisos”) para, na segunda metade, aí sim, ganharem concretude, ganharem corpo (“Círculo”, “Triângulo”, “Quadrado”, “Retângulo” e “Pentágono”). O final não poderia ser mais lógico e emblemático com um tema intitulado, justamente, de “Gil”.
Rica em variações, harmonias, timbres e texturas, a encadeada e emocionante trilha dá ao espetáculo coesão e dinâmica em seus quase 40 minutos de duração. “Intro”/“Choro nº 1/”Improviso”, logo nos primeiros movimentos, é especialmente marcante, pois encerra várias vertentes do universo musical do músico baiano: o chorinho, o rap, o afoxé, o samba, o eletro-pop e o baião, passando por uma seção clássica de piano até progredir na reelaboração de si mesmo e de sua música ao parafrasear "Filhos de Gandhi" (1974) e "Ela Falava Nisso Todo Dia" (1968). Outras duas, "Aquele Abraço" (1969) e "Andar com Fé" (1982) sevem de motivo para um auto-sample, em que traços minimamente reconhecíveis de suas melodias se entrecruzam - repetindo e ressignificando, aliás, as vozes fragmentadas da introdução.
Ritmo e movimento: a Bahia africana de Gil
Já a segunda sequência, o movimento “Seraphimu”, ideia extraída de outra canção dele, "Serafim", de 1992, começa como um legítimo kraut-rock alemão em que cita o riff de “A Novidade”, para, mais adiante, dar um caráter erudito-religioso aos tambores e às percussões politonais do matiz africano fazendo da mesma "Serafim" um fio condutor ("Quando o agogô soar/ O som do ferro sobre o ferro/ Será como o berro do bezerro/ Sangrado em agrado ao grande Ogum", diz a letra original). Também, de extrema sensibilidade e responsável por um dos momentos mais belos do espetáculo, “Fragmento Lírico” é com certeza das melodias mais bonitas já criadas por Gil. Igualmente empolgante, inclusive na coreografia, o rock "Círculo", com citação a "Toda Menina Baiana", de 1979.
Além do uso intenso de percussão em vários momentos (que chama a coreografia a movimentos igualmente carregados), o trabalho de sopros é, não à toa, bem destacado, assim como os elementos eletrônicos (comandados por Domenico Lancellotti). Mas o que ganha realce é o violão de Gil, quase que seu segundo corpo. É no violão que o autor, ao compor, se materializa enquanto som, em que revive e logo se esvai a cada nota que o vento leva. E é sobre isso que, em suma, “Gil”, aborda: vida e morte. Ao varrer através do tempo a própria vida, do começo desta até o presente, Gil, com 76 anos e sapiente da maior proximidade da partida deste plano, escreve uma espécie de réquiem. Porém, diferente de Mozart, Gil a completa ainda de olhos abertos. Sente-se um olhar enevoado tanto para o passado esvaído quanto para o futuro implacavelmente cada dia mais encurtado. Tudo está embrenhado: memória, perspectivas, sentimentos, razão, espírito, matéria. Num só corpo. Por isso, os altos e baixos da narrativa, em que alegria e tristeza, luz e sombra, vida e morte, se confundem, já são a mesma coisa para Gil. A releitura desconstruída e uns dois tons abaixo na escala de “A Raça Humana” (“Triângulo”) é uma mostra “viva” disso. O que era originalmente um reggae dançante vira uma missa fúnebre, como os passos sofridos a caminho da morte dos retirantes nordestinos sob (aquele) sol calcinante.
A riqueza da obra do compositor baiano representada em gestos pelo Grupo Corpo
Nova guinada e volta animada a manipulação eletrônica da própria voz com o eletro-funk “Quadrado” emulando “Cérebro Eletrônico” (1969) e “Realce” (1979). A misteriosa e oriental “Retângulo” e a marcha “Pentágono”, com ares de jazz funeral de New Orleans, dão, como se diz na linguagem vulgar, a “morta”. Gil pronuncia, agora com a voz inteira e sem processamentos de mesa, palavras soltas. Mas não tão soltas assim, visto que simbolizam ele, a montagem e a sua arte: “Corpo/ Carpa/ Corvo/ Cravo/ Cedro Corpo/ Perna/ Braço/ Fauna/ Flora Corpo/ Palco/ Pedra/ Preto/ Porco”.
Por fim, todos os metais e madeiras, um a um, dão aquilo que pode ser classificado prática e simbolicamente como o último sopro. Pois que, numa inesperada alteração de textura, timbre e sensação, Gil tira das cordas do violão, este sim, o derradeiro acorde. Dissonante, enigmático e inconcluso. Um som cuja energia vibratória tem tempo de vida de alguns segundos, desde seu ataque até sua queda, esvaindo aquilo que em música se chama justamente de “corpo”. Finda-se o som e um proposital silêncio se faz mesmo depois que as luzes se apagam, mas ainda sem o cerrar das cortinas (ou seria o fechar os olhos?). A plateia reage com estranhamento e desconforto, pois realmente a intenção era desacomodar. Se a sensação não foi de êxtase, ainda mais em comparação com a primeira parte de “Sete ou Oito...”, a proposta dos autores, Gil e Grupo Corpo, foi totalmente exitosa, visto que simbólica e profunda. E se não é tão arrebatadora a montagem, com certeza mais uma vez a companhia surpreende, ainda mais desta feita, inspirada na força criativa do autor de "Drão". Aliás, não é exagero dizer que se trata de um dos melhores trabalhos da carreira de Gilberto Gil.
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trechos de"Sete ou Oito Peças para um Ballet"e"Gil"
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