Kamasi Washington - Bar Opinião - Porto Alegre/RS (26/03/2019)

Considerações a respeito do show de Kamasi Washington no Opinião

por Paulo Moreira

1 - Há dois anos, eu e os queridos amigos Cuscos (José Beltrame Cusco e Jucemara Beltrame) fomos ao Teatro Municipal do Rio de Janeiro ver o show de lançamento de "The Epic", o álbum triplo de estreia do saxofonista Kamasi Washington. A banda era basicamente a mesma, com o acréscimo de um trompete, um sax alto e flauta (o pai de Kamasi) e até mesmo um DJ. Foi intenso e MUITO jazzístico e a cantora cantou e não fez aeróbica, como bem disse meu amigo Sérgio Karam.

2 - Desde então, Kamasi tem participado do trabalho do rapper Kendrick Lamar, que tem preponderante vínculo com a música negra, especialmente dos anos 70.

3 - O terceiro disco de Kamasi, "Heaven And Earth", já demonstra esta influência marcada da black music setentista, inclusive na canção "Fists of Fury", trilha de um filme de Bruce Lee.

Kamasi, o trombonista Ryan Porter  à frente no palco
do Opinião (foto: Roger Lerina)

4 - Como música é momento, o show de Kamasi de ontem apresentou todas estas influências. Em determinados momentos, me senti ouvindo um daqueles discos da CTI (soul jazz) com o fusion de Herbie Hancock e seus Headhunters mais a soul music de George Clinton e seus Parliament/ Funkadelic. As influências estavam todas à mostra. Junto com isso, pitadas de free jazz a la Archie Shepp. Até um mini-moog foi ressuscitado. Uma grande mistura intensa e, como diriam os americanos, "in your face". Com esta intensidade toda, é normal que se "jogue pra torcida". Foi o que Kamasi e seu grupo fizeram. O que não quer dizer que não foi bom. Eu curti. Mas é da série: "Azar, eu gosto". Entretanto, tenho de confessar que a apresentação do Rio foi melhor.

5 - Durante o show, encontrei o Pedro Verissimo que estava curtindo. Até comentei que não era bem o estilo do pai dele, ao que retrucou: "ele quase veio....". Fiquei imaginando o Verissimo sendo assaltado por todo aquele som.

6 - Entendo o que disse o Karam mas Kamasi faz parte desta turma nova (Robert Glasper, Snarky Puppy, Thundercat) que mistura tudo numa linguagem jazzística. É jazz?? Também é!!

7 - Ah, roubei a foto do Roger Lerina. Obrigado, Roger.

8 - O Marcelo Figueiredo matou a charada!! 10 de maio tem Ron Carter no Centro de Eventos do BarraShopping no lançamento da quinta edição do POA Jazz Festival. Jazz acústico e de primeira! Todo mundo lá!!!!

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Lindeza e fúria

por Daniel Rodrigues

Parece mentira, mas um baita show que foi o de Kamasi Washington em Porto Alegre, inédito, raro, de casa cheia e da mais alta qualidade técnica, conseguiu render críticas negativas e até reclamações. Para quem estava lá sem a viseira do preconceito, a apresentação foi um arraso, garanto. O grande acontecimento do jazz na cidade em um ano, considerando o fraco line up dos últimos POA Jazz Festival e a vinda, lá em março de 2018, de John Pizzarelli à cidade, o último grande artista de jazz a tocar na cidade bem dizer.

Com uma banda afiadíssima (Ryan Porter, trombone; Brandon Coleman, teclados; Miles Mosley, baixo; Tony Austin e Ronald Bruner, baterias; e Patrice Quinn, vocal) e disposta a doar-se até o último acorde, Kamasi, grande revelação do jazz norte-americano dos últimos anos, desfilou temas do seu repertório, que passeiam pelos mais diferentes estilos jazzísticos e da música pop, do hard bop ao funk, do fusion ao trip hop, do free jazz ao rock, da vanguarda ao blues, do modal à bossa nova. Não raro, a plateia é pega ouvindo um suingue da primeira metade do século XX e, logo em seguida, a coisa evolui para heavy metal setentista. Sim! Mesmo sem guitarra, o baixo com arco de Mosley e o moog de Coleman cumpriram muito bem a ausência desse instrumento, encorpando um som a la Led Zeppelin em meio aos acordes livres do jazz.

"Muito lindo", disse o próprio Kamasi

As referências são claras a ídolos do jazz-soul dos anos 70 (Herbie Hancock, Weather Report, Stanley Clarke, George Duke, George Clinton), o que talvez para os críticos tire da obra de Kamasi a tão imputada “inovação”. Mas do que isso importa? Não seria mais fácil simplesmente ouvir e admirar? Como não se tocar pelo funk-soul “Street Fighter Mas” ou a meditativa “Truth”, épicas? Ou a suingada “The Rhythm Changes”, com o voz aveludada de Patrice? “Miss Understanding”, um retorno consciente aos mestres Dexter Gordon, John Coltrane e Pharoah Sanders? Ou “Re Run”, irresistível misto de latin jazz e funk. E o que dizer da gigante “Fists of Fury”, um soundtrack soul de arranjo elaboradíssimo? Como não se tocar por tudo isso?

Chamou-me atenção em especial, no que diz respeito às harmonias, as evoluções comandadas por Kamasi, que faz com que a música tenha, através não só dos improvisos e variações de intensidade, espécies de microriffs, os quais vão dando aos temas diferentes personalidades no seu decorrer, mas, transitando dentro da mesma escala, não menos espelhadas em sua célula matriz. Tudo sob a égide do sax alto tenor imponente mas afagador de Kamasi, tão gigante quanto aquele que o faz extrair sons. Magia pura de um coração docemente furioso. Como o emocionado Kamasi dizia repetidamente em limitado português: “Muito lindo, muito lindo”.

Li comentários pós-show de que Kamasi Washington é moderno, mas não tão inovador assim, como se ele tivesse entrado no palco e prometido que haveria inovação e não música. Li que sua performática vocalista, a quem os movimentos no palco não atrapalharam em nenhum momento o principal, o seu canto, mexia-se demais. Li que o Opinião, que sempre foi assim, não dispunha de cadeiras suficientes para se sentar. Li que a banda estava lá para tocar para a... galera (afinal, para QUEM MAIS queriam que a banda tocasse?). Li, inclusive, o descabimento de alguém dizendo que o show não foi bom mesmo sem que essa própria pessoa tivesse ido! Olha, que cidade atrasada essa Porto Alegre, irritante. Um atraso até moral, que chega ao ponto de não querer admitir que a cidade recebeu um evento empolgante, de alta qualidade e que conseguiu atrair um público maior do que somente os ardorosos fãs do gênero. Não é isso que sempre se quer para a boa arte: que mais pessoas apreciem? Eu estava lá e foi o que fiz.

Elton John - "Don't Shoot me, I'm Only the Piano Player" (1973)

"O coração do álbum é uma sequência de fantasias de filmes 

americanos cujo principal objetivo 

é encantar."

Stephen Holden, em matéria 

da Rolling Stone de 1973

Um disco que comprei em 1973, chamado "Don't Shoot me, I'm Only the Piano Player", de Elton John, depois de ouvir "Daniel" no programa de inglês do Professor Fisk, que praticamente abria a programação da TV Gaúcha, lá pelas 10h30 da manhã. Me encantei com a música e a letra - apesar de ser ingênuo e não entender que era uma declaração de amor do Elton para um rapaz - e fui comprar na loja de discos do Krahe (bah, mas tu és velho mesmo!!!).

Sexto disco da carreira do Elton, eu já tinha ficado fascinado com "Rocket Man" no ano anterior. Neste trabalho, Reginald Kenneth Dwight tem a seu lado a banda que lhe acompanhou durante quase toda a sua carreira de mega sucessos nos anos 70: Davey Johnstone na guitarra e que toca com ele até hoje, sem interrupções; Dee Murray no baixo, que morreu em 1992, e o batera Nigel Olsson.

Além de "Daniel" e Crocodile Rock" (o hit radiofônico de Elton), o disco tem "Have Mercy on the Criminal" e "High Flying Bird" como outros destaques. Mas o disco inteiro é muito bom. Daí pra frente, Elton John se transformou no hitmaker dos anos 70. Todos os LPs e compactos que lançava faziam o maior sucesso. Dois anos depois, lança o que eu considero seu melhor disco, "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" mas aí já é outro papo.

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FAIXAS:
1. "Daniel" – 3:54
2. "Teacher I Need You" – 4:10
3. "Elderberry Wine" – 3:34
4. "Blues for My Baby and Me" – 5:42
5. "Midnight Creeper" – 3:55
6. "Have Mercy on the Criminal" – 5:57
7. "I'm Gonna Be a Teenage Idol" – 3:55
8. "Texan Love Song" – 3:33
9. "Crocodile Rock" – 3:58
10. "High Flying Bird" – 4:12
Todas as composições de autoria de Elton John e Bernie Taupin

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OUÇA O DISCO:

Elton John - "Don't Shoot me, I'm Only the Piano Player"

por Paulo Moreira

Led Zeppelin - "Led Zeppelin II" (1969)

"Nosso segundo álbum tem o fogo e a energia de 

nós na estrada. 

Eu realmente acredito que você pode ouvir isso." 

Jimmy Page

Tinha eu tenros 11 aninhos de idade quando ganhei meu toca-discos Phillips, daqueles cuja caixa de som é a tampa, bem pequeno, mas que me servia muito bem na época. Como não tinha muita grana pra comprar LPs, comecei a atacar as discotecas dos primos. As primeiras vítimas foram a Tania e o Clebar Derivi Barros, que moravam na César Lombroso. Peguei emprestado com eles três discos: "The Best of The Ventures", com a banda de surf music tocando o tema da série Batman; o disco psicodélico dos Stones, "Their Satanic Majesties Request", e o "Led Zeppelin II".

Fiquei fissurado pelos três mas o Led Zeppelin me impressionou, porque era “roquenrou” de verdade. Peso, muito peso. De cara, curti "Living Loving Maid" e "Whole Lotta Love". Aos poucos, fui entrando no clima da banda e passei a ouvir com atenção "The Lemon Song", "Heartbreaker", "Ramble On" e mais o resto do disco. Posso dizer que este LP preparou minha pobre cabecinha de guri para o que vinha pela frente. Continuei comprando os compactos da moda e ouvindo a Continental mas nunca mais me recuperei do "trauma" de ouvir Led Zeppelin aos 11 anos.

Tempos depois, aos 17, quando estava no cursinho IPV, a Yes Discos ainda na Rua da Praia fez uma superpromoção com todos os discos do Led sendo vendidos a um precinho razoável. Tentei convencer minha mãe a me dar de presente mas ela achou muito caro. Me vinguei anos depois, na era do CD, comprando TODOS os discos oficiais da banda. E descobri que alguém mais gosta de Led, especialmente do "Led IV", que sumiu lá de casa.


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FAIXAS:
1. "Whole Lotta Love" (Jimmy Page/Robert Plant/John Paul Jones/John Bonham/Willie Dixon) - 5:34
2. "What Is and What Should Never Be" (Page/Plant) - 4:47
3. "The Lemon Song" (Page/Plant/Jones/Bonham/Howlin' Wolf) - 6:20
4. "Thank You" (Page/Plant) 4:47
5. "Heartbreaker" (Page/Plant/Jones/Bonham) - 4:15
6. "Living Loving Maid” (“She's Just a Woman”) (Page/Plant) - 2:40
7. "Ramble On" (Page/Plant) 4:35
8. "Moby Dick" (instrumental) (Page/Jones/Bonham) - 4:25
9. "Bring It On Home" (Page/Plant/Dixon) - 4:19

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OUÇA O DISCO:

Led Zeppelin - "Led Zeppelin II"

Paulo Moreira

Air - "80º Below '82" (1983)

"'80° Below '82' foi o 'canto do cisne' do trio, um retorno ao formato e à magia dos primeiros anos. Como improvisador, Threadgill parecia criar um vocabulário e uma persona diferentes para cada instrumento que tocava. Todos eles compartilhavam uma paixão quase científica pela complexidade."

Piero Scaruffi,
historiador e crítico musical

Entre os discos que marcaram a minha história, está "80º Below '82", do trio Air, que não é o grupo francês. Este disco foi trazido para Porto Alegre pelo meu querido amigo David Barcellos, em 1982, a partir de uma lista feita por mim e pelo Mauro Magalhães.

O trio formado pelo saxofonista e flautista Henry Threadgill, pelo baixista Fred Hopkins e pelo baterista Steve McCall estava com tudo na época. A Down Beat só falava neles. É claro que aproveitamos a viagem do Davizinho pra Inglaterra, e ele trouxe esta maravilha pra gente. Gravei um cassete imediatamente e, quando surgiram os CDs graváveis, fiz uma cópia pra mim, que toquei muitas vezes no programa Sessão Jazz.

Como dizem os americanos, o interplay entre os caras é impressionante. O CD tem uma versão de "Chicago Breakdown", do Jelly Roll Morton, que vale o preço do disco. Infelizmente, o trio terminou. Em 1989, morreu o baterista McCall e, dez anos depois, o baixista Hopkins. Pra nossa sorte, o Threadgill está vivíssimo e esteve em São Paulo no Festival Jazz na Fábrica do SESC, em 2018, com seu grupo Zooid.

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FAIXAS:
1. "Chicago Breakdown" (Jelly Roll Morton) – 7:58
2. "The Traveller" – 9:28
3. "80° Below '82" – 8:02
4. "Do Tell" – 9:50
Todas as composições de autoria de Henry Threadgill, exceto indicada

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OUÇA O DISCO:

Air -  "80º Below '82"

Paulo Moreira

POA Jazz Festival - Centro de Eventos BarraShoppingSul - Porto Alegre/RS (9, 10 e 11/11/2018)

1ª noite – 9/11

Começou a 4° edição do POA Jazz Festival no Centro de Eventos do BarraShopping Sul. Como não estou envolvido profissionalmente neste ano, pude acompanhar com atenção a primeira noite. Quem abriu os trabalhos foi uma das minhas bandas favoritas da nova geração: a Marmota Jazz. Como sempre, os meninos mostraram a qualidade de sua música aliada a uma apresentação expressiva. Com o repertório calcado no segundo disco, "A Margem", os marmotas impressionaram o público do festival com suas composições cheias de passagens intrincadas e soluções rítmicas que se transformam a cada instante. O guitarrista Pedro Moser estava particularmente inspirado mas a banda inteira deu show de musicalidade. Na metade do show, entra no palco o cantor Pedro Veríssimo. O repertorio mudou, passando para a reinterpretação de standards como "The Man I Love" e "My Funny Valentine". Este encontro do cantor com a banda está rendendo bons frutos e o caminho natural para esta parceria parece ser a gravação de um disco. Pedro foi feito para cantar com a Marmota e vive-versa. A surpresa foi a inclusão de "Time of the Season", da banda roqueira sessentista The Zombies. Em tese, um corpo estranho mas que Pedro e os Marmotas se encarregaram de "transformá-la" em outro standard.

A talentosa Marmota Jazz com o convidado já parceiro Pedro Verissimo

Na sequência, veio a atração certamente mais popular de todo o festival: as argentinas Bourbon Sweethearts. Três vocalistas que emulam o som dos grupos vocais femininos das décadas de 30 e 40, como as Andrew Sisters, além de tocar trombone, violão e baixo acústico. Meu amigo Eduardo Osorio Rodrigues comparou a música das portenhas às trilhas sonoras dos filmes de Woody Allen. A gênese está ali. As Bourbon Sweetheatts tiveram grande empatia com o público, que reconheceu a música das Betty Boops argentinas como "jazz da antiga".  Particularmente, neste quesito, prefiro o trabalho da POA Jazz Band, que deu show nos intervalos.

As argentinas Bourbon Sweethearts: emulando o som dos grupos
vocais femininos das décadas de 30 e 40

Para encerrar, a grande atração da noite: o saxofonista alto Rudresh Mahanthappa e seu grupo Indo-Pak Coalition, formado pelo guitarrista Rez Abbasi e pelo baterista e tablista Dan Weiss. Mesclando os intrincados ritmos indianos com uma pegada elétrica que beira o jazz-rock, Mahanthappa hipnotiza o público com sua destreza. Já Abbasi se utiliza de um arsenal de efeitos e variedade de timbres em sua guitarra, fazendo com que ela soe absolutamente diferente a cada momento. O baterista Weiss merece um capítulo à parte: mestre dos polirritmos na bateria – lembrando as invenções do indiano Ranjit Barot, que toca com John McLaughlin –, Weiss demonstra domínio completo das tablas, como se fosse um nativo. Depois, adota um 4/4 básico do rock, como se fosse um John Bonham redivivo.

Mahanthappa hipnotizando o público com sua destreza

Usando loops de guitarra e saxofone – que me lembraram "Baba O'Riley", do The Who –, Mahanthappa recheia sua interpretação com climas jazzísticos, roqueiros e orientais que vão se sucedendo numa música muito particular e voltada para o futuro. Como normalmente acontece com a última atração da noite, o público mais conservador levantou e foi embora. Impressionado com a música do Indo-Pak Coalition, evoquei Caetano Veloso, imaginando o grupo "esfregando o leite mau (a música sem rótulos) na cara dos caretas".

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2ª noite – 10/11

Vitor Arantes Quarteto abrindo a segunda noite do festival

A segunda noite do 4° POA Jazz Festival no Centro de Eventos do Barra Shopping iniciou abrindo espaço para a nova geração do jazz e da música instrumental brasileira. Subiu ao palco o Vitor Arantes Quarteto, vencedor do Concurso Novos Talentos do Jazz, parceria do festival daqui com Savassi e o Sampa Jazz. Como se poderia esperar de um grupo tão jovem, a mistura de ritmos brasileiros e jazz desenvolvida pela rapaziada em suas composições próprias apresenta momentos interessantes e que certamente serão melhor explorados no futuro. Os meninos mostraram todo seu talento nas versões de "Bebê", de Hermeto Pascoal, e da clássica "My Favorite Things", do musical "A Noviça Rebelde" e que ganhou notoriedade na gravação de John Coltrane de 1961. 

Na sequência, entramos na máquina do tempo e voltamos ao final da década de 50 e começo dos anos 60 com os argentinos do Mariano Loiácono Quinteto. Adotando como parâmetro musical as lendárias gravações do hard-bop da Gravadora Blue Note, o trompetista e seu grupo fizeram uma viagem para aqueles tempos de Art Blakey & The Jazz Messengers e semelhantes. Loiácono parecia um Lee Morgan ressuscitado (opinião confirmada pelo próprio Mariano depois do show). Já seu saxofonista tenor, Sebastian Loiácono, alterna passagens “coltranísticas” com os estilos de Sonny Rollins e Joe Henderson. No piano e no baixo, dois velhos conhecidos do Festival de Jazz de Canoas: Ernesto Jodos e Jerónimo Carmona. Completa o grupo o baterista Eloy Michelini. No repertório, só pérolas, entre elas duas baladas de cortar os pulsos: "You Don't Know What Love Is" e "Soul Eyes". Com tanta energia, Mariano e seu grupo conquistaram o público presente. Aliás, um parêntese: os dois grupos que mais empolgaram a plateia, depois do arrasa-quarteirão Rudresh Mahanthappa, foram os hermanos Bourbon Sweethearts – para mim, exagerado – e o quinteto do trompetista, plenamente justificado. 

Uma viagem ao hard-bop anos 50 com o quinteto de Mariano Loiácono 

Para encerrar a noite, uma brisa da melhor MIB (Música Instrumental Brasileira) com o grupo do baterista Edu Ribeiro, também integrante do Trio Corrente e do Vento em Madeira. Usando uma formação não usual de guitarra, trompete/flugelhorn, baixo elétrico e acordeon, Edu desfila com categoria e precisão sobre os mais variados estilos: frevo, samba, choro, baião e até mesmo o sulista chamamé. Interessante é ver o guitarrista Fernando Correia assumir o lugar do piano na harmonia, enquanto Edu, Daniel D'Alcântara no sopro e Guilherme Ribeiro no fole ficam com a improvisação. Tudo isso é mantido no lugar pelo baixo seguro de Bruno Migotto. Na apresentação, músicas do disco "Na Calada do Dia" como "O Índio Condá", "Maracatim", ambas de Edu, e "Brincando com Theo", homenagem da flautista Léa Freire ao filho dos músicos Monica Salmaso e Teco Cardoso. Nela, o guitarrista teve espaço para um solo e mostrou sua técnica apurada. 

Grupo do baterista Edu Ribeiro: formação não usual que agradou

No final, o líder chama ao palco o argentino Mariano e lhe faz tocar um frevo. No papel, parece uma demasia mas Loiácono se saiu muito bem. Em resumo, uma noite de música de alta qualidade para o público que compareceu ao Centro de Eventos. 

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3ª noite – 11/11

Instrumental Picumã, uma das mais interessantes bandas surgidas
nos últimos tempos no RS

Pra fechar a 4ª edição do POA Jazz Festival, mais uma noite de ótima música no BarraShopping Sul. Tudo começou com os guris do Instrumental Picumã. Uma das bandas mais interessantes surgidas nos últimos tempos aqui no Estado, o Picumã faz a ponte entre a música regional gaúcha – e os ritmos do sul do mundo – com uma linguagem jazzística. Com uma formação que reúne flauta (Texo Cabral), violão (Matheus Alves) e acordeon (Paulinho Goulart) como solistas e tendo na base os baixos acústico e elétrico (Miguel Tejera) e percuteria variada (Bruno Coelho), o Picumã desfilou as músicas de seu primeiro disco e várias composições inéditas, que farão parte do próximo trabalho.
Toda a sonoridade do grupo é voltada para uma concepção acústica coletiva, o que não impede de destacarmos os trabalhos de Matheus no violão e de Bruno, se virando em vários instrumentos de percussão ao mesmo tempo. Destaque para algumas canções do primeiro CD como "Salsilla Y Scooby", "Milonguera" e "Chacareta".

Na sequência, tivemos o show mais descontraído de todo o festival: o mestre da harmônica Maurício Einhorn, acompanhado de duas feras: Nelson Faria, na guitarra, e o nosso querido gaúcho de Frederico Westphalen, Guto Wirtti, no baixo acústico. Como se estivessem na varanda, os três tocaram standards ("The Days of Wine and Roses"e "Blusette"), clássicos da bossa-nova ("Corcovado"), MPB ("Pra Dizer Adeus", numa linda versão) e as composições de Einhorn que ganharam o mundo ("Estamos Aí" e Batida Diferente"). O repertório era escolhido na hora, segundo a vontade do líder, que se esbaldou contando histórias, chamando o homenageado Zuza Homem de Mello ao palco e falando de seus amigos gaúchos. Tudo isso com o acompanhamento luxuoso de Faria e Wirtti, ambos dando um show de musicalidade. Claro que esta atmosfera relax conquistou o público, que acorreu em hordas aos bastidores após a apresentação.

Einhorn, sua harmônica e sua banda no show mais descontraído do festival

Pra fechar a noite e o festival, o piano trio de um dos maiores instrumentistas e arranjadores brasileiros: Gilson Peranzzetta. Acompanhado do mestre Zeca Assumpção no baixo acústico e do exímio baterista João Cortes, Peranzzetta mostrou as músicas que estão no disco "Tributo a Oscar Peterson". Baseando parte do show no disco "West Side Story", de 1962, o pianista deu mostras de sua técnica impecável em canções como "Somwhere", "The Days of Wine and Roses" (de novo, dando a oportunidade de comparação entre as versões mostradas no palco do BarraShopping) e "Con Alma".

O craque Peranzzetta: formação em trio que vai além da bossa-nova

A curiosidade da noite foi a versão piano solo de "Tico-Tico no Fubá", de Zequinha de Abreu, que, lá pelas tantas, se transforma em "Nunca", de Lupicínio Rodrigues. Pra encerrar, outra surpresa: a clássica "Just One of Those Things" em ritmo de samba. Dentro da tradição do piano trio, Peranzzetta e seus asseclas se saíram muito bem, mostrando que o formato ultrapassa os grupos do tempo da bossa-nova e pode apontar para uma outra sonoridade. Parabéns aos curadores Carlos Badia, Rafael Rhoden e Carlos Branco pelo belo trabalho, extensivo a toda equipe técnica e de produção, em especial a este grande produtor e uma figura amada por todos chamada Bruno Melo.

por: Paulo Moreira

fotos: Ricardo Stricher

Queen - "A Night At The Opera" (1975)

"Disseram que ela era demasiado longa

e não iria funcionar.

Podemos pensar, 'Bem que poderíamos cortar ela,

mas ela não faria qualquer sentido', não faz muito sentido agora e teria ainda menos sentido naquele momento; você iria perder todos os humores diferentes da canção.

Por isso, dissemos que não."

Roger Taylor, 

baterista,

sobre "Bohemian Rhapsody"

"Ele [Freddie Mercury] sabia exatamente

o que estava fazendo…

nós só ajudamos ele dar vida a ela."

Brian May,

guitarrista,

também sobre "Bohemian Rhapsody"

Em 1976, ouvia eu a Rádio Continental quando meu querido amigo Beto Roncaferro rodou no seu programa "Death on Two Legs" do disco "A Night At The Opera", do Queen, uma banda da qual eu já andava ouvindo uma fita-cassete do disco "Queen II", que me fora emprestada pelo meu colega de aula João Eduardo Costa. Me apaixonei na hora

Um ano depois, o Queen estourava com "Somebody to Love", do disco "A Day At The Races", que eu e minha irmã Cristina de Andrade Moreira ouvíamos sem parar. Na dúvida sobre qual comprar, acabamos com os dois em altíssima rotação em casa. Daí, pra "You're my Best Friend", "Seaside Randezvous" e, é claro, "Bohemian Rhapsody" foi um passo. Chamava a atenção a variedade de estilos e o uso dos clichês de cada gênero dentro do som da banda. E Freddie Mercury era Freddie Mercury!!! Faz muito tempo que não ouço mas tenho certeza de que, se colocar a rodar, cantarei de cor TODAS as músicas.

por Paulo Moreira

"A Night at the Opera" é o quarto álbum de estúdio da banda britânica de hard rock Queen, lançado em 21 de novembro de 1975 na Europa e em 2 de dezembro de 1975 nos Estados Unidos.
Assim que foi lançado, o álbum estreou direto no topo da UK Albums Chart, do Reino Unido, e chegou ao quarto lugar na Billboard 200 dos Estados Unidos, sendo o disco que levou definitivamente o Queen à consagração mundial. O disco também foi um sucesso de crítica, frequentemente apontado como um dos melhores discos da música de todoso os tempos, tendo vendido mais de cinco milhões de cópias nos anos 70, uma número impressionante para os mercados da época.

fonte: Wikipedia

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FAIXAS:

 01 Death On Two Legs (Dedicated To....)
 02 Lazing On A Sunday Afternoon
 03 I'm In Love With My Car
 04 You're My Best Friend
 06 Sweet Lady
 07 Seaside Rendezvous
 08 The Prophet's Song
 09 Love Of My Life
 10 Good Company
 11 Bohemian Rhapsody
 12 God Save The Queen

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Ouça:

Queen - A Night At The Opera

Jethro Tull - “Minstrel in the Gallery” (1975)

"Tecnicamente, é um álbum muito bom, um de nossos melhores. Conseguimos um ótimo som, tendo o luxo de poder montar o estúdio do jeito que queríamos. Musicalmente, há coisas muito boas nele". 

Ian Anderson

Dos álbuns que marcaram minha história, seguindo o meu querido Iran Rosa, que colocou “Aqualung”, da Jethro Tull na sua lista, vou marcar um disco posterior dessa banda e que fez a minha cabeça aos 15 anos de idade: “Minstrel in the Gallery”. Eu ouvia sempre o programa do cara, que depois se tornou meu amigo, Beto Roncaferro, no qual ele se intitulava The Peacemaker, sempre às segundas-feiras á meia-noite, nos 1120 da Rádio Continental. Graças a ele, ouvi pela primeira vez bandas como Queen, The Tubes, Rush, Supertramp e este Jethro Tull, de 1975.

Ele rodava “Cold Wind To Vahalla” e a faixa-título. Como não tinha toca-discos na época – o meu tinha ido pro saco –, comprei um cassete deste disco e quase arrebentei a fita de tanto ouvir. Adorava as já citadas e a suíte “Baker St. Muse” e “Black Satin Dancer”.

Ah! O meu CD deste disco está autografado por Mr. Ian Anderson, que inclusive tirou uma foto comigo batendo os cotovelos – ele não aperta a mão de ninguém –, que foi parar na Contracapa do jornal Zero Hora, no tempo que o jornalista Roger Lerina a assinava.

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FAIXAS:

1. "Minstrel in the Gallery" (Ian Anderson/Martin Barre) - 8:13

2. "Cold Wind to Valhalla" - 4:19

3. "Black Satin Dancer" - 6:52

4. "Requiem" - 3:45

5. "One White Duck / 010 = Nothing at All" - 4:37

6. "Baker St. Muse" - 16:39

a)  "Pig-Me and the Whore"

b)  "Nice Little Tune"

c)  "Crash-Barrier Waltzer"

d)  "Mother England Reverie"

7. "Grace" - 0:37

Todas as composições de autoria de Ian Anderson, exceto indicada

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OUÇA:

Jethro Tull - “Minstrel in the Gallery”

por Paulo Moreira

Paul McCartney & Wings - "Wild Life" (1971)

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"'Wild Life' não era o que os fãs de rock queriam, não era o que os fãs dos Beatles esperavam, e não era o que os fãs de McCartney estavam esperando. Em retrospecto, isso foi quase um ato herético de bravura artística." Jornalista britânico Jason Hartley, no livro "The Advanced Genius Theory", de 2010

Paul McCartney sempre esteve presente na minha vida, desde os tempos de criança, quando conseguia ouvi-lo junto aos Beatles no rádio. Quando se separaram, rolou "Another Day", hit em 1971. Neste ano, comprei meu primeiro compacto, "Uncle Albert / Admiral Halsey", também dele! Um ano depois, adquiri o disco que está na minha lista dos que marcaram minha história, "Wild Life", o primeiro dele com a Wings.

Ouvi na rádio Continental – sempre ela – "Tomorrow", uma das mais pop do disco e pirei. Comprei o LP e furei de tanto ouvir. As minhas preferidas eram "Love is Strange", da dupla Mickey & Sylvia, e a preferida até hoje: "Some People Never Know".

Não é considerado um grande disco do Macca, mas tem a mim um valor sentimental inestimável. A partir dele, comecei a me interessar pela música pop de forma mais constante. Segui comprando os discos do Paul McCartney, como "Red Rose Speedway", e o maravilhoso "Band on the Run". Mas aí já é outra história.

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FAIXAS:

1. "Mumbo" - 3:53

2. "Bip Bop" - 4:09

3. "Love Is Strange" (Baker/Smith) - 4:49

4. "Wild Life" - 6:39

5. "Some People Never Know" - 6:36

6. "I Am Your Singer" - 2:13

7. "Bip Bop Link" - 0:48

8. "Tomorrow" - 3:23

9. "Dear Friend" (John Lennon) - 5:46

10. "Mumbo Link" - 0:45

Todas as composições de Paul e Linda McCartney, exceto indicadas

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OUÇA:

Paul McCartney & Wings - "Wild Life"

por Paulo Moreira

"Benzinho", de Gustavo Pizzi (2018)

Embalado pelas notícias do Festival de Cinema de Gramado, ocorrido recentemente na cidade gaúcha, e pela premiação, eu e Andrea Rita Muller fomos ver "Benzinho", de Gustavo Pizzi (2018). Durante muito tempo, me ressentia de só ver filmes de violência urbana, polícia e traficantes e comédias cariocas idiotas no cinema brasileiro. Foram incontáveis vezes que fiquei com inveja da cinematografia iraniana que, com pouquíssimo dinheiro, conseguia retratar as inúmeras realidades do país, como "O Balão Branco"; "O Caminho de Kandahar", "Gosto de Cereja", "A Maçã" e "A Separação", entre muitos outros. Pois, já está em cartaz em Porto Alegre, "Benzinho", que leva o cinema brasileiro para as discussões nem tão prosaicas sobre a vida de uma família de classe média baixa.

Em resumo, o filme conta a história de um adolescente que é convidado a jogar handebol numa equipe profissional da Alemanha e os efeitos que este convite tem em sua família, especialmente na mãe, Irene, interpretada magistralmente por Karine Teles, melhor atriz em Gramado 2018. Com este ponto de partida, "Benzinho" analisa uma série de temas importantes na realidade socioeconômica brasileira sem fazer proselitismo nem transformar tudo em melodrama. Estão ali, os desmandos econômicos que fazem com que as irmãs Irene e Sônia (Adriana Esteves, também maravilhosa em

Karine Teles: Melhor Atriz em Gramado

cena) vendam quentinhas e lençóis para completar a renda da família; os planos mirabolantes do marido de Irene (Otávio Muller) para ganhar dinheiro; a falência do casamento da irmã em função do vício em drogas do cunhado (César Troncoso, numa ponta excelente); a busca da casa própria numa construção que está pela metade; o cuidado com os filhos pequenos, quando pai e mãe estão fora trabalhando. Uma série de "pequenos problemas", que afligem os personagens e, de uma maneira geral, o povo brasileiro.

A ternura com que Pizzi enxerga e trata seus personagens é comovente, e a atuação de Karine mostra que o cinema brasileiro não é só feito de carinhas bonitas e mulheres gostosas. As crianças, filhos gêmeos de Karine e do diretor e o sobrinho dela, além do protagonista Konstantinos Sarris, dão um show de naturalidade à parte. "Benzinho" recoloca o cinema nacional na vida de sua população, não somente na Zona Sul ou nas favelas do Rio de Janeiro. Vale a pena conferir.

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Trailer de "Benzinho"

por Paulo Moreira

Chico Buarque - Show "Caravanas" - Auditório Araújo Vianna - Porto Alegre/RS (17/08/2018)

Muito já se disse sobre os três dias de shows de Chico Buarque de Hollanda em Porto Alegre nos dias 17, 18 e 19 de agosto. Meu amigo Juarez Fonseca fez um texto com muita propriedade sobre o que ele – e eu – vimos num dos dias, mas tenho algumas impressões pessoais a registrar.  Chamou-me a atenção que Chico não se utiliza da linguagem pop da MPB em nenhum momento. Cheguei a comentar com o Raul Ellwanger no final do show que Chico é dos poucos cantores/compositores que ainda pratica os gêneros de canção brasileira anteriores à bossa-nova: bolero, fox-trot, sambas em todos os andamentos, chorinho, etc. Ao contrário de seus contemporâneos Caetano e Gil e dos representantes da geração seguinte, Djavan e os nordestinos Alceu Valença, Zé Ramalho e Lenine, Chico não se deixa seduzir pelos sons das guitarras e bloops-blips da modernidade. O baixo elétrico no seu espetáculo é discreto, assim como os timbres de teclados de Bia Paes Leme. Já o pianista João Rebouças chega a tocar um bandolim em vários momentos.

Chamou também a atenção que as famosas músicas de “dor-de-cotovelo” ("Trocando em Miúdos" e "Olhos nos Olhos", por exemplo) não estivessem presentes no roteiro. Uma das poucas canções que entram neste rol e que estava no show é a lírica "Todo o Sentimento", parceria com o pianista Cristóvão Bastos. Como bem disse o Juarez, o discurso é outro e não está nos intervalos entre as músicas. Está nas letras das canções. Artista maduro, Chico não atendeu os anseios dos seus detratores, que desejavam um discurso defendendo suas posições políticas para se refestelar nos gritos de "comunista", "vermelho" e outras sandices. Isso tem hora e lugar, como fez ao visitar Lula em Curitiba.

Chico com sua banda: fiel à música
brasileira em suas diversas vertentes

No palco, a história é outra e os "comentários" vem embalados em belas melodias com o auxílio luxuoso de sua banda. Destaque especial para o percussionista Chico Batera, que tocou marimba e vibrafone, instrumentos não usuais em espetáculos de MPB. Vi o show ao lado do empresário musical João Mário Linhares, que confirmou que o roteiro foi totalmente criado e montado pelo compositor. Ao contrário do que queria um colunista da praça, que acha que o artista não deve evoluir, a base do espetáculo foi o disco "Caravanas" com incursões pontuais ao passado ("Homenagem ao Malandro", "Partido Alto", Sabiá", "Geni e o Zeppelin", "Retrato em Branco e Preto" e "Gota D'Água"). Em mais de duas horas e 30 músicas, Chico Buarque calou a boca de seus "inimigos de Facebook" com a cabal demonstração de que continua sendo o maior compositor brasileiro vivo.

Texto: Paulo Moreira

Fotos: Guilherme Ricacheski

"Você Nunca Esteve Realmente Aqui", de Lynne Ramsay (2017), e "A Festa", de Sally Potter (2017)

Depois do almoço de Dia dos Pais, eu e Andrea encaramos dois filmes dirigidos por mulheres lá no Itaú Cinemas, em Porto Alegre: "Você Nunca Esteve Realmente Aqui" da diretora escocesa Lynne Ramsay, e "A Festa", da inglesa Sally Potter. O interessante é que, mesmo sendo dirigidos por mulheres, os filmes são absolutamente diferentes entre si. O primeiro conta a história de Joe, um veterano de guerra com tendências suicidas, interpretado por Joaquin Phoenix, que sustenta a si e à sua mãe como assassino de aluguel que também resgata meninas fugitivas ou sequestradas. Seu mais recente trabalho é trazer a filha de um senador de volta pra casa. Com um roteiro da diretora e de Jonathan Ames, o escritor do livro no qual o filme foi baseado, "Você Nunca Esteve...", avança e recua nos flashbacks para nos dar pequenos vislumbres da vida de Joe, que vão montando o quebra-cabeça de sua existência e de suas motivações.

A cineasta faz um filme extremamente violento sem explicitar. A própria figura de Phoenix, gordo, barbudo e seboso, contribui para a construção do personagem. Realizado basicamente em cima das expressões e olhares dos personagens, o filme tem pouquíssimos diálogos, todos eles essenciais na resolução da trama. Mas o espelho da alma de Joe é o rosto de Joaquin Phoenix, um ator realmente espetacular. A música de Jonny Greenwood, do grupo Radiohead, é fundamental na criação dos climas mostrados na tela. Responsável pelo excelente "Precisamos Falar Sobre o Kevin", Lynne Ramsay faz um filme surpreendente, onde a violência cotidiana está presente antes de acontecer e depois do fato consumado, nunca durante. Tudo isso contado em menos de uma hora e meia de projeção. Muitos diretores deveriam ver este filme antes de fazer seus "épicos" de 3 horas de duração.

trailer de "Você Nunca Esteve Realmente Aqui" 

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O segundo filme que vimos foi "A Festa", da diretora inglesa Sally Potter, de "Orlando, A Mulher Imortal" e "Uma Lição de Tango". Com uma cinematografia totalmente oposta à película de Lynne Ramsay, Potter apostou na estética do "teatro filmado", usando e abusando da qualidade de seu elenco estelar: Kristin Scott Thomas, Patricia Clarkson, Bruno Ganz, Cillian Murphy, Timothy Spall (irreconhecível), Emily Mortimer e Cherry Jones. O básico da trama é um jantar de comemoração à indicação de Janet (Scott Thomas) ao Ministério da Saúde. Os convidados são o casal de amigos, April (Clarkson) e Gottfried (Ganz), ela uma cética e ele um pós-hippie que acredita em terapias alternativas; o casal formado pela professora Martha (Jones) e sua partner Jinny (Mortimer), o enigmático e descontrolado Tom (Murphy) mais o marido de Janet e também professor (Spall), que vai revelar um segredo durante o encontro.

Filmado em p&b, "A Festa" se justifica nesta escolha pelo peso que Potter dá às palavras, aos diálogos e às atitudes de seus personagens. É como se filmar em cores distraísse os espectadores do que está sendo dito. Com um ensemble deste calibre, "A Festa" faz uso de cenas com dois e três personagens por vez, sendo que uma única ocasião os protagonistas estão todos juntos na mesma sala. Com uma duração de 71 minutos, Potter coloca questões interessantes na boca de seus atores: a situação política da Inglaterra; o homossexualismo feminino e a necessidade da formação de uma família; o adultério; o contraponto entre medicina tradicional e alternativa; a ganância, as drogas, o sucesso imperativo e o avanço da tecnologia na vida das pessoas.

Interessante é que a música do filme é toda retirada de discos que o personagem de Timothy Spall vai alternando em seu toca-discos de vinil, demonstrando seu gosto eclético (o roqueiro Bo Diddley, os jazzistas Sidney Bechet e Albert Ayler, os cubanos Rubén Gonzalez e Ibrahim Ferrer; o reggaeiro Ernest Ranglin, o fadista Carlos Paredes e os clássicos Henry Purcell e Grigoras Dinicu). Com diálogos deliciosos e irônicos, "A Festa" nos reserva uma surpresa final hilariante e que define a existência de todas aquelas figuras.

trailer de "A Festa"

por Paulo Moreira

Joan Armatrading - “To the Limit” (1978)

"O que distingue seu trabalho é a autenticidade 

única de cada uma de suas músicas. 

Percorrendo o jazz, o blues, o reggae e o rock, 

ela nunca parece repetir o material anterior." 

Stephen Demorestdec,
em matéria de dezembro de 1978 

do jornal The New York Times

Um disco que pouca gente conhece, mas que é um dos meus discos da vida: “To the Limit”, da cantora e compositora britânica Joan Armatrading. Este disco me foi apresentado pelo colega de faculdade e grande figura Cláudio Almeida. Eu já havia lido uma crítica de um show da Armatrading no Jornal de Música, escrita pelo Mauricio Valladares, e tinha ficado curioso.

Nas minhas madrugadas ouvindo a Rádio El Mundo de Buenos Aires, curti pela primeira vez "Love and Affection", a principal canção do terceiro disco da moça. Mas nada me preparou para o impacto ao ouvir o “To the Limit”. Já de cara, "Barefoot and Pregnant" te derruba com o groove maravilhoso do baterista Henry Spinetti e os teclados de Red Young. Na sequência, "Your Letter" é uma daquelas baladas que te deixa na lona com o sax tenor de Quitman Dennis. "Am I Blue for You" começa com o talk box do guitarrista Dave Palmer e "You Rope You Tie Me" tem três mudanças de tempo e clima.

"Baby I" é outra balada de cortar os pulsos. "Bottom to the Top", de onde foi tirado o título do disco, é um reggae com o órgão de Dick Sims mandando no pedaço. "Taking my Baby Up Town" é um roquinho onde Aramatrading conta a história de um passeio com sua namorada. "What Do You Want" tem Joan cantando num tom baixo e a flauta de Dennis pontuando a canção. "Wishing", segundo ela própria, é a primeira tentativa de fazer poesia com uma melodia poderosa. Pra fechar, "Let It Last" tem um clima gospel e o sax soprano de Quitman Dennis fazendo mais uma aparição.

Tremendo disco com letras fortes e cantadas com maestria pela compositora. O disco é tão bom que consegui arrebanhar mais uns fãs pra Armatrading: Mauro Magalhães, Marcelo Jardim e Mauro Drummond. Ah, tu não conheces? Ouve aqui, meu!
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FAIXAS:
1. "Barefoot and Pregnant" - 3:40
2. "Your Letter” - 3:40
3. "Am I Blue For You" - 4:24
4. "You Rope You Tie Me" - 4:08
5. "Baby I" - 4:52
6. "Bottom to the Top" - 3:34
7. "Taking My Baby Up Town" - 3:25
8. "What Do You Want" - 3:44
9. "Wishing"- 4:48
10. "Let it Last" - 4:57
Todas as composições de Joan Armatrading

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OUÇA O DISCO:
Joan Armatrading - “To the Limit”

por Paulo Moreira

João Bosco - Teatro do Bourbon Country - Porto Alegre/RS (05/04/2018)

João Bosco se reinventou. Cantor e compositor egresso de um dos períodos mais férteis da MPB - os anos 70 -, João vem modificando seu estilo, sua maneira de cantar e suas composições. Isso ficou muito evidente na noite de quinta-feira no Teatro do Bourbon Country onde um público pequeno pode testemunhar esta transformação. A metamorfose do artista vem acontecendo ao longo dos anos mas se cristalizou com esta formação de guitarra (Ricardo Silveira), baixo e bateria (os gaúchos Guto Wirtii e Kiko Freitas respectivamente). Passeando pelo repertório do novo disco “Mano Que Zuera”, João foi enxertando trechos de clássicos de sua carreira como “Tiro de Misericórdia” e “O Ronco da Cuíca”, brincando com a música de Milton Nascimento (“Clube da Esquina Nº2” e “Lilia”) e de Tom Jobim (“Fotografia”) e apresentando novas parcerias com o filho Francisco Bosco (“Quantos Rios”) e Arnaldo Antunes (“Ultra Leve”).

O interessante é que a mudança está na interpretação. João é um caso único na MPB de hoje. Um artista com faixa própria e que não tem medo de rearranjar suas próprias músicas e de dar espaço generoso aos seus asseclas musicais. Ricardo Silveira é uma fábrica de timbres e climas. Já Guto Wirtii – que teve a primazia de abrir o show com um solo de baixo elétrico – segura a onda do violão magnífico de João e da bateria exuberante de Kiko Freitas. Este merece uma menção especial. Poucas vezes se viu um músico tão completo nos palcos gaúchos. Kiko faz o acompanhamento, sola e emula uma escola de samba num kit de bateria simples. Seus 20 anos de parceria com João se fazem sentir no espetáculo. A simbiose é completa. Meu amigo Norberto Flach – de quem “roubei” a foto que ilustra esta resenha – disse que se sentiu vendo um show de jazz. Eu diria mais: um espetáculo de MPBL, Música Popular Brasileira Livre. Pena que pouca gente viu.

por Paulo Moreira