O Frango Atirador

cotidianas #158 - Lua Cheia Nova

Lua lua

Inteira na esfera

Enevoa mas clareia

A noite escura

Lua lua

Astro-irmã do meio

Mancha o preto com a luz

que não é sua

de Daniel Rodrigues

The Cure- "Pornography" (1982)

"As críticas foram muito divididas,
não ia muita gente aos shows,
mas eu sentia que finalmente
havíamos feito um grande disco."

Robert Smith

Durante muito tempo este foi o disco da minha vida. Hoje em dia tenho que admitir que não é mais "O" disco da minha vida, conheci muitos outros, descobri coisas interessantíssimas de alta qualidade, alto valor técnico, histórico, referencial, etc., mas posso afirmar tranquilamente que ainda é "UM DOS" grandes álbuns da minha discoteca. Naquela época, metade dos anos 80 quando descobri o The Cure, auge da minha fase darkzinha, se tinha um disco traduzia precisamente todo aquele clima e atmosfera era certamente o "Pornography" do The Cure. Um disco denso, pesado, de letras mórbidas, sofridas, sombrias e negativas, muito centralizado nos trabalhos de bateria e com arranjos de guitarra marcantes e bem desenhados.
A pessimista "One Hundred Years" ("It doesn't matter if we all die") que abre o disco exemplifica bem isso: uma programação de bateria contínua muito bem desenvolvida com uma guitarra estridente e angustiante como que solando o tempo todo e teclados preenchendo os espaços sufocantemente. "One Hundred Yeras" parece sangrar.
Com uma batida tribal lenta e cansada, a bizarra, surreal e inquietante "Siamese Twins" traz outro trabalho de guitarra notável de Robert Smith em uma interpretação dolorida e agonizante.
'The Figurehead", outra das grandes do álbum tem por sua vez destaque para o baixo de Simon Gallup, numa condução firme, com uma melodia dura, acompanhando uma batida de tons militares de Tolhurst, numa canção que aborda o tema das drogas, tão presente no grupo naquele momento, e os efeitos de estar preso a elas ("I will never be clean again").
"Strange Day", talvez a mais leve do disco também traz outra performance legal de Gallup no baixo, com uma base que lembra muito a de "Charlotte Sometimes"; "A Short Term Effect" vem com uma 'confusão' de guitarras zunindo, dando rastantes, cortando o ar, quase sufocadas pelo som da beteria que parece querer estourar; a gélida "Cold" depois de iniciar com um violoncelo aterrador, explodir numa batida alta e poderosa, se transforma numa suplicante e sombria canção de amor ("Your name like ice into my heart"); e "Hanging Garden", o single do álbum, mostra o perfeito conjunto na proposta do projeto, desde a programação de bateria em rolos contínuos de Tolhurst, ao baixo seguro e preciso de Gallup, e na guitarra aguda e perturbadora de Robert Smith, completada por sua interpretação amedrontadora.
O Cure que sempre deu bons desfechos para seus discos, neste não fez diferente e, se não trata-se de uma grande canção, esta que é o título do álbum, "Pornography", sem dúvida alguma, no mínimo faz com que fiquemos com as sensações de inquietude e angústia vivas mesmo depois que a música barulhenta e claustrofóbica, cheia de ruídos e de diálogos de filmes incompletos e indecifráveis, é interrompida quase que abrupatamente terminando a audição. De deixar sem fôlego.
Certamente até hoje, um dos grandes discos da minha vida.

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FAIXAS:

1. One Hundred Years
2. A Short Term Effect
3. The Hanging Garden
4. Siamese Twins
5. The Figurehead
6. A Strange Day
7. Cold
8. Pornography

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Ouça:
The Cure Pornography

Cly Reis

Aniversário de 30 anos do Club de Jazz Take Five - Porto Alegre - RS (18/04/2012)

Dona Ivone Pacheco solo ao piano

Deve haver algum mistério divinal guardado no nome Ivone que faz com que algumas delas, Ivones, sejam iluminadas. Só pode! Pois se não bastasse dona Ivone Lara, a sambista bachiana da MPB, eis que tenho a honra de conhecer e ver tocando a também dona Ivone, esta de sobrenome Pacheco, intitulada como a Diva do Jazz de Porto Alegre. As semelhanças entre as duas não se encerram aí: longevas (ambas ultrapassam as 80 primaveras), ainda são mestres na música e, acima de tudo, verdadeiras entidades, pessoas que ao se olhar se percebe que excedem este plano aqui, de nós mortais. Há uma espiritualidade que as eleva e que, justamente, conseguem transpor em arte.

Foi um pouco disso que vi durante o encontro do Club de Jazz Take Five no último dia 18 de abril, data em que o clube completou 30 anos. Promovido por d. Ivone, o Take Five teve início quando ela se juntou ao músico Marcos Ungareti (que, claro, estava lá na comemoração). Na época, as performances musicais de d. Ivone se restringiam às festas da família. Só depois de criar os filhos, cursar a faculdade de música e lecionar, Lady Ivone teve a ideia de fazer as jams sessions no porão de sua casa. Foi então que tudo começou.

Grupo tocando Hancock, um dos

pontos altos da noite

O ambiente é totalmente mágico, misto de clube de jazz nova-iorquino ou parisiense com loja de antiguidades. Um espetáculo. Diversos quadros, espelhos, capas de disco, móveis antigos, objetos, tecidos, pôsters que vão de Charlie Parker ao de Humphrey Bogart e, claro, o piano. Pouca luz; suficiente. Cheiro de magia no ar. Pessoas felizes que te sorriem sem saber quem tu és: o fazem só pela simples alegria de estar compartilhando aquilo ali seja com quem for. Tomado por essa atmosfera, escutei números de jazz tocados com muita emoção. Teve “Summertime”, “Hello, Dolly” e uma versão de “Ins’t She Lovely” do Stevie Wonder com a mesma banda que tocou uma outra que me tirou do chão: “Cantaloupe Island”, do Hancock. Uau!





"Summertime"

O pessoal do

rockabilly

Como funciona em rodízio de bandas/artistas, cada um vai lá ao palco e manda ver algumas músicas. Numa dessas trocas, um simpático trio de rockabilly se apresentou, tocando coisas bem legais, como “Summertime Blues” (Eddie Cochran) e “Can´t Help Falling In Love”, clássico imortalizado por Elvis Presley, em que todo mundo entoou o refrão.

D. Ivone e Ramiro Kersting tocando

"As Time Goes By"

Mas o melhor desta noite onírica não podia vir de uma pessoa: d. Ivone. Ao piano, ela, numa concentração astral, emanou com extrema delicadeza e sensibilidade peças emocionantes. Lembrava a fineza dos dedilhados de Paul Bley, Toshiko Akyioshi, Bill Evans, Sonny Clark. Mas antes de qualquer coisa era Ivone Pacheco. Como se não bastasse, juntou-se a ela o trompetista Ramiro Kersting, e ali se deu algo realmente mágico. Sem trocar uma palavra, mas em total sincronia, presentearam o público com pérolas como “As Time Goes By” e “When The Saints Go Marchin' In”, para ficar em dois ótimos exemplos.

Amante de jazz como sou, confesso que não sabia da existência de um grupo tão antigo na minha própria cidade e em plena atividade e, principalmente, do quão secreto é o evento. Entre as regras que regem o clube, como o caráter não-comercial e o fato de todos levarem sua própria bebida, o endereço é mantido em sigilo: só vai quem sabe ou se conhece alguém que já foi – situação na qual me enquadro. Um critério seletivo que todos respeitam e que só faz valorizar o clube, além de lhe dar ainda um charme especial.

Foi um momento de se respirar jazz, de se inalar a “música da alma”. De se sentir música. Saí de lá com uma certeza: na próxima encarnação, quererei vir Ivone.

Dona Ivone ao piano - comemoração dos 30 anos do Take Five

Um pouco mais sobre o Take Five

Take Five: casa que completa 

30 anos

Sexto Take: Eu, totalmente intergrado
na atmosfera do clube

Depois de pôr em funcionamento o Take Five, em 1982, Ivone Pacheco começou a se apresentar em bares e fazer shows em Porto Alegre, interior gaúcho e até em outros estados e fora do Brasil, tocando em ruas, metrôs e pubs. No início, as reuniões do Club de Jazz eram semanais. Nos anos 90, auge do Take Five, os encontros passaram a ser mensais, pois o local começou a lotar e perder um pouco sua essência. Ivone Pacheco sempre incentivou novos e conhecidos artistas a se apresentarem naquele espaço.Muitas bandas se formaram lá durante os encontros, que avançavam até as altas horas da madrugada. Já passaram pelo palco bandas como a Tradicional Jazz Band que, quando vinham se apresentar em Porto Alegre, faziam questão de tocar no "porão da Ivone". Hoje, as reuniões do Take Five são realizadas apenas em datas especiais quatro vezes por ano: o aniversário do clube, a noite de São João, a chegada da primavera e a festa de encerramento com o Natal.

texto: Daniel Rodrigues

fotos: Leocádia Costa

"Cópia Fiel", de Abbas Kiarostami (2010)

Será que só eu não gostei do “Cópia Fiel” do iraniano Abbas Kiarostami?

Não, não é querer ser do contra, estar na contramão das opiniões, ser polêmico, mas volta e meio me deparo com umas ‘unanimidades’ que, assim, ó... vou te falar: acho que o pessoal aplaude por decreto. Porque é do fulaninho, porque é cult, porque é referência.

Descasquei aqui no blog a porcaria do Tarantino, "À Prova de Morte"

 , fiz montes assim para o elogiadissimo "A Rede Social", bati de frente com os defensores do badaladíssimo "O Cisne Negro", isso só para falar de alguns, sendo que, em especial no caso destes três, Tarantino e Fincher são dos meus diretores preferidos dos últimos tempos. Ou seja, não trata-se de implicância, de preconceito, ignorância (acho que não). Só não tem babação para diretores que, temos que admitir, por mais valorosos e competentes que sejam também erram a mão.E não é que sou obrigado a avacalhar outro dos meus favoritos? Mesmo sendo diretor de algumas das melhores obras dos últimos 20 anos como “Gosto de Cereja” e “Vida e Nada Mais”, não posso me furtar a criticar o último filme de Abbas Kiarostami, que só tive a oportunidade de assistir agora, ‘Cópia Fiel”, sua primeira produção fora de seu país de origem. E olha que fui com grande expectativa.

Lamento, Abbas, lamento. Sei que isso não fará nenhuma diferença na sua vida, ainda mais considerando que crítica e público continuam a seu lado incondicionalmente, ao que parece independentemente do que faça, mas eu não quero ficar indiferente.

“Cópia Fiel” parte de um princípio interessantíssimo enquanto argumento: de que uma cópia pode ter tanto valor quanto um original. OK! Esse é o tema do livro do personagem James Miller que começa o filme defendendo a idéia diante de uma pequena platéia no lançamento do livro homônimo ao filme numa cidadezinha interiorana na Toscana. O desenvolvimento do conceito é bem sustentado em princípio pelo personagem do escritor porém mal conduzido numa discussão extremamente forçada e estereotipada, sobretudo no que diz respeito à personagem de Juliete Binoche, uma comerciante de antiquário. A conversa no carro embora notavelmente bem ambientada, com o reflexo da paisagem no vidro do carro ‘participando’ da ação, por exemplo, parece um esforço do diretor em nos apresentar dois lados sobre o assunto, porém sem paciência de que cheguemos às conclusões sobre os dois interlocutores. Por um lado está o escritor defendendo suas teorias, com simplicidade e sinceridade, é verdade, mas sendo excessivamente didático às vezes; e por outro uma mulher confusa, cética, infeliz. O papo tem algumas tiradas boas, perspicazes, engraçadas até, como a piada da Coca-Cola, mas mostra-se no fim das contas um grande exercício de apresentação de personalidades ao melhor estilo cinema francês, recheado de análises filosóficas pretensiosas.

Essa caracterização excessiva não seria o suficiente para derrubar o filme se não fosse a virada que ele dá a partir do momento em que o casal passa a encenar uma antiga relação marido e mulher, que em determinado momento chega a causar dúvida no expectador quanto à sua pré-existência ou não, mas que, com a devida atenção a alguns fatos anteriores do próprio filme, percebemos que nunca existiu. Pois é... o tal do faz-de-conta é inverossímil, é abrupto, é ‘grande’ demais no próprio contexto, ultrapassa o limite da própria tolerância humana de aceitar se desgastar em nome de um personagem, de defender um conceito, de abrir a mente, etc., ainda mais diante de um estranho. É certo que o envolvimento que começa a aparecer entre os dois estimula a farsa. Sim, é verdade, mas em havendo um interesse mútuo como foi acontecendo, tamanha exposição pessoal não justificariam as alterações de humor, o exercício de infelicidade, fraquezas e tantas outras fragilidades.

Devem pensar, “mas o cara ta pensando na trama de uma maneira muito rígida, muito linear, muito real“. É porque o universo ao qual somos levados pelo diretor é real. Ele e não tem nada de surreal, de fantástico, e no entanto, de repente, nos propõe a tal ponto abandonarmos a plausibilidade do seu filme e entregar-mo-nos à mesma ficção de seus personagens, fixando-nos apenas à frieza dos fatos, estes sim, inegavelmente crus e fortes.

Não! Posso estar sendo muito fechado, pragmático, realista mas não me caiu bem definitivamente o modelo de cinema adotado por Kiarostami desta vez. Pode ter acertado na locação, nos personagens, na idéia, no tema, mas na minha visão peca no produto final.

A seu favor, contudo, tenho a sinalizar a integração ambiente-personagens, sempre precisa, desde um porão de antiquário cheio de cópias de objetos de arte, passando por uma colunata de ciprestes, por becos estreitos, e chegando a um quarto de hotel, tudo dialogando de alguma forma com as naturezas pessoais ou com estados psicológicos correspondentes à cena ou à situação. Também o tema, sobre os relacionamentos, o casamento, as escolhas, que salvo o fato de propostos equivocadamente dentro do objeto filme, mostram-se na maior parte das vezes pertinentes e bem colocados. Não se pode deixar de elogiar a atuação de Juliette Binoche que com uma ótima interpretação supera até mesmo a primeira parte do próprio texto que faz questão de lhe autocarimbar na testa as alcunhas de ‘chata’, ‘estressada’, ‘intolerante’, ‘ciumenta’.

Li por aí que é obra-prima, melhor filme do diretor, melhor dos últimos tempos... Posso estar errado, nada invalida isso, mas sinceramente não compartilho dessas opiniões.

Kiarostami parece ter ocidentalizado rápido demais e seu filme tem muito de cinema francês logo na primeira incursão internacional do diretor. Chega a lembrar um pouco os Resnais, “Hiroshima, Meu Amor” com suas discussões e reminiscências e “Ano Passado em Marienbad” com seu desencontro amoroso de toques surreais, ambos com longas caminhadas acompanhadas de longas conversas existencialistas. Talvez tenha servido de inspiração. Talvez a intenção tenha sido mesmo copiar Resnais, copiar o cinema francês, o que só reforçaria o conceito do livro do personagem Miller e do próprio filme. Se fez parte da intenção do diretor, a meu juízo, terá sido o principal ponto a favor do seu filme, ainda que não possa-se usar a máxima defendida por ele neste caso de que a cópia supera o original.

Cly Reis