Poucos fizeram cinema com tamanha beleza como quem compõe uma ária de Mozart. Ingmar Bergman é um deles. No centenário de nascimento do mestre sueco, o Música da Cabeça pontua a importância de sua obra, mas não deixando, entretanto, de trazer várias outras coisas. Tem bastante rock, dos brasileiros Fausto Fawcett, Legião Urbana e RPM até estrangeiros como The Pogues, Pink Floyd, Depeche Mode e R.E.M. Ainda, um “Palavra, Lê” e um “Sete-List” muito especiais, acreditem. Vai ser como assistir um filme do Bergman: senta no sofá não arreda mais pé! Começa às 21h, na tela da Rádio Elétrica, antes da Hora do Lobo. Produção, apresentação e projeção: Daniel Rodrigues.
Parece estranho, mas à medida que vai se conhecendo mais a música de artistas do mundo pop, mais se conhece não as obras deles, mas sim a de Brian Eno. Profundamente influente sobre uma importante parcela de nomes referenciais do pop-rock nas últimas quase cinco décadas, Eno tem traços visíveis do seu trabalho refletidos nos de ícones como David Bowie, U2, Robert Wyatt, David Byrne, Massive Attack, Björk, Beck, entre outros. Seja na Roxy Music, nos discos solo precursores do pop anos 80 (“Taking Tiger Mountain” e “Here Comes the Warm Jets”) ou nos de ambient music, sua linguagem, que une num só tempo música a artes visuais e cênicas, formando um espectro sonoro-sensorial único, está presente em quase tudo que se ouviu em termos de música pop dos anos 70 em diante por influência direta ou indireta. Eno, mais que um músico, um “cientista”, como se autoclassifica, ditou o que é moderno ou não até hoje. Pois a grande síntese de todas essas pontas – da vanguarda ao folk, passando pelo blues, rock, progressivo, jazz e eletrônica – está em “Before and After Science”, disco que completa 40 anos em 2017.
O álbum, produzido pelo próprio autor em conjunto com Rhett Davies, antecipa e/ou reafirma uma série de conceitos utilizados por ele em produções a outros artistas e trabalhos solo. A concepção dos dois “movimentos” da obra é uma delas. A exemplo do que fizera em “Low” e “Heroes”, de Bowie (naquele mesmo 1977) e, três anos depois, em “Remain in Light”, do Talking Heads, “Before...” tem uma narrativa muito clara: um “lado A” agitado, num tom acima, e um “B” onde desacelera o ritmo e vai gradativamente baixando a tonalidade. Como uma sinfonia iniciada em alegro, o disco começa com o embalo afro-pop da estupenda “No One Receiving”. Eno comanda tudo tocando piano e cantando, além de fazer os efeitos de guitarra e manipular os sintetizadores e a programação de ritmo – as batidas que reverberam de tempos em tempos. Junto com ele está nada mais nada menos que Phil Collins na bateria, marcando o ritmo com maestria, e Paul Rudolph, que se esmera no baixo e na rhythm guitar, ao estilo Nile Rodgers. Para fechar o time, Davies no agogô e o exótico stick. Com seu tradicional canto tribal no refrão, que inspirou diretamente muita gente, é muito parecida em conceito e sonoridade com o que Eno dirigiria pouco tempo depois junto aos Heads (“I Zimbra” e “Born Under Punches”, ambas também faixas de abertura em discos produzidos por ele para a banda). Um começo arrasador.
Como é de sua especialidade, a segunda, “Backwater”, é um rock estilo anos 50 tomado de texturas eletrônicas, o que lhe confere certo precursionismo da new wave. E mais interessante: feita só com sintetizadores da época, todos ainda muito por evoluir, a sonoridade de “Backwater” jamais datou mesmo com a evidente defasagem tecnológica em relação à hoje, em que se pode fazer isso com menor risco de soar artificial. Afora isso, Eno está cantando muito bem, com voz inteira e potente. O próprio repetiria essa fórmula de canção em seu disco duo com John Cale (“Wrong Way Up”, 1989) na faixa “Crime in the Desert” e daria o “caminho das pedras” para o U2 em "The Wanderer”, cantada por Johnny Cash em “Zooropa” (1993).
A veia africana aparece noutro formato agora, mais brasileiro e “sambístico”. Trata-se de "Kurt's Rejoinder", um proto-samba eletrônico que traz novamente a profusão de estilos como essência. O amigo Wyatt aparece para fazer soar o timbal, que se soma, na percussão, com a bateria de Dave Mattacks. Pois este é um dos detalhes de “Kurt’s...”: parece um samba muito percussivo, mas a maior parte de sua timbrística está nos teclados de Eno e no baixo com delay de Percy Jones. Outro fator interessante da faixa são suas incursões de gravações e interferências, as mesmas que Eno exploraria com os Heads em “Remain...” numa das canções precursoras do sample na música pop, “Once in a Lifetime” – expediente, aliás que Eno e David Byrne usariam bastante no álbum dos dois, “My Life in the Bush of Ghosts de 1981, servindo de exemplo para outros vários artistas, como Malcom McLaren em seu aclamado “Duck Rock”.
Quebrando o ritmo quase de carnaval, a linda e introspectiva instrumental "Energy Fools the Magician" traz uma atmosfera de jazz fusion, lembrando bastante Miles Davis de “In a Silent Way” e “Bitches Brew”. Phil Collins está mais uma vez muito bem na bateria, marcando o tempo no prato mas sem deixar de executar viradas inteligentes. "Energy…” funciona como uma breve passagem para outra seção agitada, a que fecha o “1º movimento” do disco. Mas desta vez o ritmo não é de batucada e nem de new wave, mas sim o pop-rock exemplar de "King's Lead Hat". Primorosa em produção e mixagem, é daqueles exemplos de rock escrito na guitarra, ao melhor estilo hard rock. Eno e o craque Phil Manzanera dividem a rhythm guitar, mas é outro mestre do instrumento, Robert Fripp, quem comanda o solo. Com efeitos de teclados e de mesa, “King’s...”, em sua união de eletrônico e pós-punk, afina-se com o que ele e Bowie faziam naquele mesmo fatídico ano em temas referenciais como “Heroes”, “Beauty and the Beast”, “Funtime” e “Be my Wife”, influenciado grupos como Joy Division, The Cure e Bauhaus (estes últimos, que gravariam em 1982 “Third Uncle”, de Eno). Além disso, antecipa outro estilo musical que ganharia o mainstream anos mais tarde com as bandas New Order, Depeche Mode, Eurythmics, Ultarvox e outros: o synthpop.
Se a vigorosa “King’s...” termina a primeira parte de “Before...” lá no alto, o segundo ato já inicia mais leve com a melodiosa "Here He Comes". Com a bela voz de Eno cantando em overdub desde que os acordes da guitarra de Manzanera anunciam a largada, embora a melodia guarde certo embalo, já dá mostras que a rotação foi alterada para menos. O moog e o sintetizador de Eno conferem-lhe o clima espacial que se adensará na sequência em "Julie With...", esta, sim, totalmente ambient. Enquanto canta os belos versos com suavidade (“Estou em mar aberto/ Apenas vagando à medida que as horas andam lentamente/ Julie com sua blusa aberta/ Está olhando para o céu vazio...”), os teclados e sintetizadores desenham uma melodia cristalina como o céu limpo a que se refere na letra. Afora do baixo de Rudolph, Eno toca todos os outros instrumentos, inclusive a guitarra do curto mas belo solo, fazendo lembrar Fripp.
Mais uma especial (e espacial) do disco é "By This River", parceria dele com os krautrocks Moebius e Rodelius, mais conhecidos como a banda Cluster. O trio, que naquele ano havia gravado um trabalho em conjunto, o clássico “Cluster & Eno”, deixou guardada essa outra joia. De riff espiral marcado no piano, é sem dúvida a mais clássica do repertório, remetendo às bagatelas românticas, mas também à síntese formal do minimalismo. Nova instrumental, a ambient "Through Hollow Lands" é uma homenagem ao amigo e parceiro Harold Budd, com quem Eno fez diversos trabalhos desde aquela época. Não à toa, a música traz o clima introspectivo e contemplativo de Budd que tanto confere com este lado da musicalidade de Eno, neoclássico e new age.
Se como numa obra clássica “Before...” inicia com o allegro de “No One...”, prossegue variando allegretto e presto e em "Julie With..."/"By This River"/"Through...” encontra características de lento e de adagietto, "Spider and I", de ares litúrgicos e caráter emotivo, é o finale desta grande peça num andamento adagio. E se “No One...” começa arrasando, “ “Spider...” é um desfecho digno.
O crítico musical da Rolling Stone Joe Fernbacher diz que “Before...” é o álbum perfeito da carreira de Eno. Faz sentido, pois, ativamente participante do que estava sendo produzindo de inovador naquele momento, como “The Idiot”, de Iggy Pop, “Vernal Equinox”, de Jon Hassell, e os já citados “Low” e “Heroes”, de Bowie – todas obras de 1977 e responsáveis por alguma sonoridade que ditaria as mentes musicais nas décadas seguintes –, Eno resumiu a sua contribuição para uma nova cara da música pop em “Before...”. "Apesar do formato pop do álbum”, disse outro crítico, David Ross Smith, “o som deste álbum é único e distante do mainstream". Compreendendo todas as suas vertentes musicais e artísticas, Eno compõe um trabalho que alia o agradável e o denso, o popular e o complexo, a vanguarda e o pop. Ao ouvir o disco, pode-se dizer sem erro que a música pop divide-se, literalmente, em “antes e depois da ciência”, a ciência inventada por este alquimista dos sons chamado Brian Eno.
“Quem
se lembra de Suzanne Vega apenas pelo hit mundial ‘Luka’
está perdendo a chance de conhecer
uma das artistas mais
inteligentes da música do nosso tempo.
Ela vem de um passado folk,
mas a partir do trabalho com o produtor Mitchell Froom
lançou alguns
dos melhores discos da carreira.
Este álbum traz Suzanne Vega num
estado encantado.
Falando de coisas que acontecem à sua volta com um
olhar delicado,
a compositora e violonista nos transporta para perto
dela.
O disco é permeado de sonoridades instigantes.
Doses certeiras
de dúvida existencial,
sensualidade, paixão e alguns mistérios.”
Fernanda Takai
Na
minha adolescência, eu e meus amigos sempre tivemos gostos musicais
parecidos. Éramos praticamente unânimes quanto a The Cure e The Smiths, por exemplo. Mas todos tinham suas paixões, aqueles pelos
quais nutriam um sentimento especial. Não que se deixasse de gostar
também em certa medida do que os outros preferiam; mas aquele era
“queridinho” de cada um. Tinha quem fosse fã de Sting, de Depeche Mode, de New Order, de Genesis. A minha “queridinha” era
Suzanne Vega. Sempre me encantaram a elegância, a limpidez da voz e
o lirismo das músicas dessa compositora, violonista, poeta e cantora
surgida nos anos 80 com seu estilo folk-pop arrojado que
remete a Leonard Cohen, Lou Reed, Bob Dylan e a bossa nova –
especialmente Astrud Gilberto. Percebi que, desde o início, ela
trilhara por um caminho de invariavelmente trabalhos bem elaborados,
que, por consequência, lhe renderam grandes sucessos, como “Tom’s
Diner”, “Book of Dreams”, “Blood Makes Noise” e,
principalmente, o belo e melancólico megahit “Luka”. A
música, um dos melhores exemplos de perfect pop de toda a
história do rock, encheu seus bolsos e a deixou mundialmente
conhecida.
Mesmo
com o estrelato, Suzanne Veja nunca quis ser apenas “a cantora de
Luka”. Com o inseparável violão, ela construiu uma carreira
sólida e em crescente evolução, primando pelas letras literárias,
harmonias e arranjos sofisticados e pungentes, batida do violão
marcante, influências da MPB, dos sons étnicos e até da vanguarda
(haja vista as parcerias com Philip Glass). Depois do aclamado álbum
de estreia (produzido por Lenny Kaye e Steve Addabbo, de 1985), teve
como parceiro e arranjador o competente Anton Sanko, com quem cunhou
“Solitude Standing”, de 1987, e “Days of Open Hand”, de 1990.
Quis o destino, entretanto, que, em 1991, ela conhecesse o também
versátil Mitchell Froom – que trabalhara com Elvis Costello no
passado. Não só trocou de parceiro na música como o assumiu na
vida, casando-se com Froom e tendo como fruto (até se separarem, em
1998) uma filha, Ruby, e dois excelentes discos: o “febril” “99.9
F°”, de 1992; e este, o primoroso “Nine Objetcs of Desire”, de
1996.
Auge
da musicalidade da artista, auge da feminilidade da mulher. Mãe pela
primeira vez e próxima de completar 40 anos, Suzanne realça a sua
beleza alva e doce de bailarina profissional (é graduada em Dança
Moderna desde os 18) e compõem um disco arrasador em que vida
artística e pessoal se homogeneízam. São 12 faixas em que Miss.
Suzanne aborda temas como sexo, maternidade, prazer, orgasmo,
castidade, culpa. Elementos do imaginário feminino e íntimo, do
erotismo à religião, estão expostos, na epiderme. Tudo com uma
sensibilidade ímpar e num invólucro perfeito. Desde a capa, em que
Suzanne aparece com uma maçã, a picardia está presente. Mas do
jeito dela, sob sua ótica (tanto que a maçã não é eroticamente
vermelha, mas exoticamente verde). Na arquitetura sonora, Froom
estabelece um diálogo igualmente inteligente entre sons eletrônicos,
instrumentos de base e timbres, modulados pela mesa de som com
tamanha adequação que somente alguém muito próximo à artista
como ele poderia realizar.
Uma
batida tribal dá os primeiros acordes, quando entra um brilhante
riff de guitarra heavy-country. É “Birth-Day”,
faixa inicial que relata, numa poesia forte, o momento do parto (“Uma
coisa eu sei/ esta dor vai passar/ Atravesso tudo o que me resta
sentir/ Eu espero para conhecer o meu amor se tornando real”).
No refrão, o nascimento; e os sons não se fazem cândidos, mas,
sim, estouram saborosamente ruidosos. Como diria Tom Zé: um rebento
como um “orgasmo invertido”.
Em
“Headshots”, a sensação de sensibilidade à flor da pele é
evidente. Desde a bateria e o baixo retumbantes até à voz e a
respiração de Suzanne, a qual é ouvida no mesmo patamar sonoro que
os enigmáticos samples de cítara, do gongo oriental e do
sensual assovio. Exímia contadora de histórias, na tradição dos
bons trovadores folk-country norte-americanos, Suzanne fala
sobre uma mulher que vê estampado num anúncio de “procura-se” o
rosto de um ex-amor, que agora parece triste e fatalmente distante
dela: “A placa diz ‘Headshots’/ É tudo que eu vejo/ Um
menino torna-se uma imagem/ De culpa e simpatia/ E então eu penso em
você/ Em memória/ Dos dias em que estávamos juntos/ E eu sabia que
você me amava/ Essa era a diferença/ Daquilo que vemos/ Mas isso é
história.../ Ah...”.
Enteada
de um escritor porto-riquenho, Ed Vega (com quem aprendera o gosto
pela poesia e literatura), Suzanne cresceu, por causa dele, na região
latina de Manhattan, Nova York. Por isso, sua veia de música
brasileira não só se justifica como é extremamente presente.
“Caramel”, hit do disco, talvez seja o segundo melhor
exemplo disso em seu cancioneiro: uma linda bossa nova com todos os
elementos característicos da batida de João Gilberto e a
complexidade harmônica de Tom Jobim. A letra, sobre um amor
impossível, carrega em referências sensoriais ao paladar
(“caramelo”, “canela”, “pele”). E ela diz: “Então,
adeus/ doce apetite/ Nem uma única mordida/ Poderia satisfazer...”.
A voz de Suzanne é suave, sugerindo um sussurro de dor e
prazer. O refrão é ainda mais belo com a característica pronúncia
perfeita de seu canto. E o charme do solo de clarinete, então!? Um
show.
Digo
que “Caramel” é a “segunda” grande bossa de Suzanne Vega
porque a melhor é “Thin Man”. Tocado com instrumentos de rock,
mas em um inconfundível ritmo de samba, tem uma das mais belas
melodias de voz criadas pela compositora. O violão, centro harmônico
da melodia, desenha a canção como fazem todos os bons “filhos de
João”. Sensual e cadenciada, põe a personagem no universo de um
homem de modos finos e misterioso. “Ele não é meu amigo, mas
ele está comigo/ E ele me promete uma paz que eu nunca conheci/ Eu
não posso desistir, não, eu tenho que resistir/ Mas eu podia mesmo
ser a única a resistir àquele beijo tão verdadeiro...”
A
capacidade de incutir toques étnicos ao folk (como já
procedera claramente em "Room off the Street", “In the
Eye” e “As a Child”, de discos anteriores) faz com que Suzanne
Vega não restrinja as influências apenas à música brasileira ou
latina, mas também aos sons árabes e orientais. “Stockings”,
sobre uma moça que se atrai pela voluptuosa amiga (“Você sabe
onde a amizade termina e paixão se inicia?/ É entre o que liga suas
meias-calças à sua pele...”), é exatamente isso: uma linha
de violão de natureza country, porém simplificado, direto ao
ponto, quase um riff de guitarra. E acompanhando o canto limpo
dela a percussão de tablas, isso sem falar nas cordas, que Froom
escreve em notas bem próprias das danças arábicas.
“Casual
Match”, pouco variável e mais fraca do disco, nem por isso chega a
desnivelar o repertório, pois na sequência vem a outra “música
de trabalho” de “Nine Objects...”: “No Cheap Thrill”,
pop-rock infalível como Suzanne sabe fazer com o pé nas
costas; e “Lolita”, uma rumba estilizada que, mais uma vez
literária, Suzanne referencia à imagem da clássica ninfeta
nabukoviana, revelando a farsa deste estereótipo (“Ei, garota/
Não seja como um cão toda a sua vida/ Não peça/ Algumas poucos
migalhas de afeto/ Não tente/ Para ser mulher de alguém/ Tão
jovem/ Você precisa de uma palavra de proteção...”).
A
maternidade, em forma de “descobrimento” de si mesma e da nova
vida que entra em seu universo, volta na emocionante “World Before
Columbus”. Mais do que uma declaração de amor à filha (“Se
o seu amor fosse tirado de mim/ Cada cor seria preto e branco/ Seria
tão monótono como o mundo antes de Colombo...”), Suzanne faz
uma crítica ao materialismo do mundo moderno e uma ode ao verdadeiro
afeto, engendrando um deslocamento temporal e simbólico típico de
escritores como ela (“Aqueles homens que têm cobiça por terra/
E por riquezas estranhas e novas/ Quem ama essas bugigangas de
desejo/ Oh, eles nunca vão ter você”).
“Honeymoon
Suite” resgata a Suzanne Vega original, a trovadora de violão em
punho, num country voz-viola tão germinal que parece ter sido
extraído de um filme de faroeste. Enigmática, imaginativa. E para
fechar todo esse clima de volúpia, um... jazz! Sim, um jazz
swing marcado no piano e cheio de simbologias à morte, à
passagem do tempo e ao prazer carnal: “Se você me perguntar
como faz para chegar ao/ meu humilde mapa/ Eu sei por que porta você
pode entrar/ Mostre-me sua fraqueza/E o tempo está
queimando, queimando, queimando/ Queima até o fim”. Um final
digno desse caldeirão de ideias e sentimentos.
(Mas
eu falei “final”? Ops!)
Ainda
não é o fim! Suzanne Vega ainda nos revela, depois de um longo
silêncio após o término da 11ª faixa – como aquele presente
picante escondido meio ao alcance para que possa ser revelado com
surpresa –, “My Favorite Plum”, uma valsa sexy conduzida
na guitarra do craque Tchad Blake em que reveem-se o gozo e o prazer
que entra pela boca, tendo a delicada e saborosa fruta vermelha como
metáfora-chave.
Um
disco que, desde que conheci se tornou um dos favoritos da discoteca.
Já havia me impressionado bastante com “99.9F°”, quando a
parceria com o então marido começou. Mas este representa na
carreira dela uma consolidação de várias coisas: musicalidade,
personalidade e, principalmente, feminilidade. È tão forte e
sincero que o deleite de escutar suas canções é quase carnal:
quando se está numa faixa, já se sabe a delícia que será quando
chegar à seguinte. Deseja-se ouvir cada uma delas. E que cheguem, e
que se aproveite enquanto estão tocando, e quando terminam, e quando
começa outra, e quando virá a próxima, nossa!... Hum, acho melhor
parar por aqui, porque 12 vezes é demais.
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FAIXAS:
1. Birth-Day (Love Made Real) - 3:38
2.
Headshots (Suzanne Vega/Mitchell Froom) - 3:08
3.
Caramel - 2:53
4.
Stockings - 3:30
5.
Casual Match (Vega/Froom) - 3:10
6.
Thin Man - 3:39
7.
No Cheap Thrill - 3:10
8.
World Before Columbus - 3:26
9.
Lolita (Vega/Froom) - 3:33
10.
Honeymoon Suite - 2:56
11.
Tombstone - 3:07
12.
My Favorite Plum - 2:47
todas as composições de Suzanne Vega, exceto indicadas
Diálogo Entre Mim e Eu Mesmo Sobre Como Re-Descobri o Joy Division
“Cansados por dentro, agora nossos corações perdidos para sempre/
Não podemos nos recompor do medo ou da ânsia da perseguição/
Estes rituais nos mostraram a porta para nossas caminhadas sem rumo/
Aberta e fechada, e então batida na nossa cara/
Onde estiveram? Onde estiveram?...”
Ian Curtis,
da letra de “Decades”
- Dã, tu que sempre gostou de Joy Division, desde que os descobriu num programa do saudoso Clube do Ouvinte, da Ipanema FM, no início dos anos 90, já percebeu que eles são superinfluentes num monte de coisa?
- Que eles inspiraram o próprio New Order, embora o som seja majoritariamente diferente (um, deprê; o outro, “pra cima”), disso todo mundo sabe. E que tiveram também um papel importante na formação do pós-punk, ao lado do Public Image Ltd., Gang of Four e Pop Group, e do gothic punk, junto com The Cure, Echo and the Bunnymen, Siouxsie and the Banshees e outros. Mas tem mais alguma coisa que eu não saiba?
- Tem, tem mais coisa aí, sim. Andei percebendo isso reouvindo-os como sempre fiz desde que os conheci junto contigo, mas, sei lá porque, agora que me dei conta de uma série de outras percepções que nunca tinha atinado. A gente sabe que eles são muito mais do que um grupo do hit clássico “Love Will Tear Us Apart” ou aquela banda pré-história do New Order do vocalista que se matou. Mas afora isso tudo e o que tu citaste, noto hoje mais claramente que o Joy abriu as portas para uma série de influências que seriam sentidas dos anos 80 adiante na música pop em geral.
- Tipo o quê?
- Vejamos o “Closer”, de 1980. Embora minha admiração pelo "Unknown Pleasures" (e a idolatria que o mesmo tem mundo afora), é no segundo e último disco que o Joy Division cristaliza essa confluência de referências. Comecemos pelo exemplo da faixa inicial, “Atrocity Exhibitions”. Numa expressão: rock industrial.
- Quê? Tu... quer dizer, eu... enfim: estás louco? Rock industrial é pesado, sujo, ruidoso, cheio de efeitos eletrônicos. Rock industrial é Ministry, Pigface, Foetus, Alien Sex Fiend, essas coisas!
- E tu já prestou atenção em como é “Atrocity Exhibitions” de fato? Por acaso ela não é, justamente, pesada, suja, ruidosa e cheia de efeitos? Mais do que isso, veja a estrutura dela. Comparando com Ministry, banda exemplo máximo de rock industrial: a linha de bateria é intricada, quase específica dentro da harmonia. Em “Atrocity...”, a combinação caixa-tom tom-bumbo parece separada do chipô que, por sua vez, é separada dos toques no tarol, como se fossem três ilhas de percussão distintas. Fora que, além de não usar pratos, por uma questão de conceito harmônico, a percussão é toda sequencial, podendo tranquilamente se passar por uma programação de ritmo eletrônica combinada com bateria. Não é totalmente as melodias do Martin Atkins pro Ministry, Pigface ou PIL?
- É, neste sentido, tens razão.
- E o riff: muito rock industrial. Linha de baixo pesada em constante levada e guitarra distorcidíssima e corrosiva dando corpo, criando um clima caótico de era pós-industrial. A sacada do Joy, que ainda não tinha todo o aparato eletrônico que o mundo pop iria democratizar poucos anos à frente, foi criar um efeito de sequenciador na própria guitarra. A distorção, de uma clareza sonora incomum para as gravações da época (que não conseguiam dá-la por limitações de estúdio, fora num Hansa ou Abbey Road), parece, propositadamente, sair de uma motosserra ou de uma britadeira. Sobrepõe-se ao restante na medida certa, mas sem abafar os outros sons.
- É verdade!... Muito rock industrial isso, né? Lembra a estrutura melódica do Ministry em, por exemplo, “Breathe” e “Faith Collapsing”, até pelo ritmo meio tribal, pra citar apenas duas. Neste sentido, põe “no chinelo” o Pere Übu, que, embora eu goste, é o que chamam de início desse estilo. Que nada!
- E fora o vocal sempre espetacular do Ian Curtis, naquele timbre grave que transmite seriedade e melancolia, além de ser uma voz que não se consegue precisar a idade. Pode ter 24, como ele tinha, ou 70 anos. É bonita e perturbadora ao mesmo tempo.
- Bá, sempre achei o máximo o vocal do Ian.
- Pois então avancemos em nossa análise. “Isolation” não tem nem o que dizer: é MUITO New Order. E, mais do que isso, o pop dançável que tomaria as pistas anos 80 e adiante. The Cure, que é The Cure, só foi descobrir essa fórmula (riff no baixo, teclados cumprindo a função melódica da guitarra e bateria um misto de acústico e eletrônico) três anos depois, com “The Walk”. O Depeche Mode ainda engatinhava em direção à sua sonoridade própria quando o Joy lançou “Closer”.
- Ah, aí eu concordo contigo. Essa é a música que “inventou” o New Order.
- É, aí tu te enganas, mr. Daniel. Não exatamente.
- Ué? Por quê?
- Mais do que “Isolation”, “Heart and Soul”. Esta, sim, menos lembrada, carrega todos os predicados da linha que o New Order escolheria para seguir depois da morte do Ian. É só prestar atenção: primeiro, bateria/programação que reelabora a ritmação da disco, o que viria a dar depois em toda a cena tecno-house de Erasure, Tecnotronic, OMD da vida. É o mesmíssimo estilo de bateria que o PIL criou, principalmente no "Metal Box", de 1980 (“Swan Lake”, “Bad Baby”) e “This Is What You Want... This Is What You Get”, de 1984 (“This Is Not a Love Song”, “Bad Life”). Depois, o baixo marcado, constante, dub, a la Jah Wobble, remetendo a uma sonoridade eletrônica. David Bowie e Brian Eno já haviam feito isso em “Breaking Glass”, do "Low", de três anos antes – afinal, Bowie é quase sempre pioneiro no que se refere a pop-rock. Mas o Joy reelaborou e deu a forma definitiva daquilo que o próprio New Order assumiria. Basta ver os teclados e sintetizadores, que têm papel essencial na melodia e no arranjo. Mas o principal desta música: a voz do Ian. Mais leve e melodiosa que em qualquer outra que ele cantou em toda sua curta trajetória. É exatamente o estilo vocal que o Bernard Summer se sentiu à vontade em usar quando tomou os microfones – claro, tirando as gravações do defasado “Movement” – que é, parafraseando, um “movement ago”! hahahaha Endenteu, “movement”, “ago”! hahahaha
- Entendi, entendi. Meio sem graça, mas tudo bem.
- Com tu é sem graça, Dã... Tá, só complementando a ideia: o “Movement” é um luto do New Order em que eles ainda não conseguiam se desprender do Joy e da figura do Ian, grande poeta e líder. Por isso, New Order mesmo vale a partir do “Power, Corruption and Lies”, de 1982. Não só o Barney Summer pegou esse estilo de cantar do Ian em “Heart and Soul”, mas de toda a geração da acid house. Os caras do Erasure e Pet Shop Boys cantam exatamente assim até hoje!
- Concordo. Mas “Passover” e “24 Hours”, darks e densas, onde ficam?
- Tem que se entender que o Joy Division tinha o seu estilo já formado desde o “Unknown...”, e a banda, por mais que tenha incutido elementos e texturas eletrônicas, nunca deixou de compor suas canções nos instrumentos-base: baixo-guitarra-bateria . E se tu fores ver, eles próprios no New Order, festeiro e alegre muitas vezes, nunca abandonaram a composição à “moda antiga”, o que talvez seja o grande diferencial por eles estarem anos-luz à frente de outros grupos/artistas do eletro-punk dos anos 80, como o próprio Pet Shop Boys, o Ultravox ou o Durutti Culumn. No New Order, o Joy sempre esteve presente, às vezes até suprimindo ou relegando a segundo plano os teclados da Gilliam Gilbert, como em “Leave me Alone”, “Dream Attack” ou “Love Less”.
- Tá, mas voltando ao “Closer”, então, que mais tu me diz?
- Quanto a essas duas que citei, “Passover” é como uma continuação de “Isolation” com aquela “colagem” entre as faixas: o final de uma tem aquele som que parece estar sendo sugado, enquanto que o início da seguinte traz o mesmo som, só que invertido, dando a impressão de trazê-lo de volta, mas em outra abordagem. É isso que “Passover” é: uma “Isolation” obscura. No lugar do ritmo em tom elevado, tom menor de tristeza. Ambas as letras retratam as dificuldades psicológicas de Ian para com sua criação materna. Enquanto a letra de “Isolation” diz: “Mother I tried please believe me/ I'm doing the best that I can/ I'm ashamed of the things I've been put through/ I'm ashamed of the person I am” (“Mãe, eu tentei, por favor, acredite em mim/ Estou fazendo o melhor que posso/ Me envergonha as coisas que tenho feito/ Me envergonha a pessoa que sou”), “Passover” responde: “Is this the role that you wanted to live/ I was foolish to ask for so much/ Without the protection and infancy's guard/ It all falls apart at the first touch” (“É este o papel que você quis viver?/ Eu fui um tolo por pedir tanto/ Sem a proteção e guarda da infância/ Tudo se despedaça ao primeiro toque”). Até a batida, num compasso mais lento em “Passover”, é igual. Pode perceber. Quanto a “24 Hours”, acho das melhores da banda, com aquela intensidade que explode no refrão num ritmo punk junto da inabalavelmente tristonha voz de Ian, que não se altera da parte mais lenta para esta, mais agitada. E a linha de baixo do Peter Hook?! O que é aquilo? Inteligente, executa arpejos crescentes e decrescentes, que imprime um ar sério e contemplativo pra música. A bateria é outro ponto especial. Como no pós-punk e no industrial, não é óbvia. Aliás, o Stephen Morris dá um show à parte em todo o disco, cumprindo com precisão nas baquetas e na programação rítmica sempre que acionado, e olha que tem cifras difíceis de tocar no “Closer”!
- É verdade. “Colony” é um espetáculo a bateria.
- Pois ia falar justamente desta. Classifico-a como um “blues hermético”. É outra muito rock industrial, estilo que, por sua vez, como fica claro em “Heart and Soul”, é filho do pós-punk. Enquanto no “Unknown...” a veia punk desses ex-Warshaw ainda estava latente (basta ver “Interzone” e “Disorder”, punk-rocks secos), no “Closer” Ian & Cia aperfeiçoam isso. A bateria é sequencial e quebrada, como uma "Tomorrow Never Knows" em tempos fin de siècle, a guitarra solta urros como de “um vento cruel que uiva em nossa demência” e o baixo encaixa-se na batida, formando um ritmo marcial-militar, dando a ideia de prisão de uma opressora colônia para doentes mentais (ou seria a sociedade moderna que ele estava falando?). Nesse mesmo compasso rítmico, “A Means To an End” é outra brilhante do disco.
- E, novamente, uma letra e performance incríveis do Ian Curtis. É fantástico quando ele sai do seu tom contidamente tenso pra esbravejar, desiludido: “I put my trust in you” (“Eu depositei minhas esperanças em você”). Demais.
- Pois é. Agora, pensando pela lógica que expus desde o início, tanto “The Eternal” quanto “Decades” são bem a ponte entre o dark do Joy e o avanço técnico e melódico trazido pelo New Order e sua geração tempo depois. O compasso de “The Eternal” vem de uma bateria eletrônica, que lhe dá um clima de funeral, semelhante a de um coração deprimido que pulsa com sofreguidão. Os sintetizadores, também, mais parecem camadas de neblina cobrindo um cemitério. Elementos “artificiais” para um efeito orgânico. E é muito legal ainda a voz quase desfalecida de Ian, que a canta com profundo sentimento. Aí vem o final do disco com “Decades”!
- Esta é das melhores. “Decades” parece-me ser uma paixão especial por parte dos fãs de Joy Division.
- Concordo. Seguindo a linha de raciocínio, como “The Eternal”, em “Decades” a banda avança na ideia de sofisticar sua sonoridade. Ao invés da secura sem maiores efeitos de mesa de uma “New Down Fades” (também excelente, deixe-se registrado), que também fecha um dos lados de "Unknown..." e tem clima igualmente sombrio e construção melódica que cresce para um final épico e carregado, o riff de “Decades” já sai do próprio teclado. Nela, se adensa a atmosfera litúrgica sentida na faixa anterior, principalmente pelo som de órgão de Igreja. A letra, belíssima, não pode ser mais poética e decadentista.
- Total desesperança desse cara, né? Tava na cara que o suicídio dele se anunciava, e foi acontecer justamente dois meses antes do disco ser lançado, o que o tornou ironicamente póstumo. Mas tu me responde uma coisa: o que um ser em sã consciência faria assistindo “Stroszek”, do Werner Herzog, e ouvindo o "The Idiot" do Iggy Pop, ao mesmo tempo? Ambas as obras excelentes, mas, juntas, é piração total, um coquetel molotov pra um suicida!
- É verdade. Além de toda essa lenda em torno da morte do Ian, aumenta ainda mais a carga mitológica do “Closer” o fato de ter sido gravado sob uma abóbada de estuque especialmente construída esse fim de modo a captar a ressonância de uma capela. Era o Ian já preparando seu jazigo.
- Não sabia disso. Mas é fato que a peculiaridade de não ter indicação dos lados, seja no selo, seja no encarte, gera, conceitualmente, uma relação ao mesmo tempo aleatória e concisa entre as faixas, pois todas “dizem a mesma coisa”.
- Ah, mas mais do que isso, a arte da capa (assinada por Peter Saville), com aquela foto pictórica ritualística, mostra a foto de uma lápide tirada no Cemitério Staglieno, em Gênova, foi concebida antes da morte de Ian Curtis. Sabia disso? Uma infeliz coincidência?
- Sabe-se lá, né? De repente, o cara já tava intuindo, queria deixar seu “testamento musical”, como dizem que Coltrane fez em “A Love Supreme” ou Kurt Cobain teria dado a entender ao tocar a debochada e tristemente autosugestiva “Where Did You Sleep Last Night?” (“Onde Você Dormiu a Noite Passada”), com todas aquelas velas fúnebres no palco, como último número do "MTV Unplugged in New York", canto-do-cisne do Nirvana. Enfim: mitos que se criam em torno de um disco clássico como “Closer”.
- Pois é... pós-punk, gothic-punk, rock industrial, acid house, tecno, dub... puxa, são muitas referências que partiram deles!
- É, Dã: clássicos são reveladores a cada audição até mesmo para fãs de Joy Division como nós, que nunca deixaram seus discos esquecidos na prateleira. É o caso do “Closer”, que escutamos e reescutamos seguidamente. Mas grandes artistas têm disso, né: nos surpreendem mesmo depois de acharmos que os conhecemos bem. Eu pelo menos me surpreendi, e tu, Daniel?
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FAIXAS: 1. "Atrocity Exhibition" - 6:06 2. "Isolation" - 2:53 3. "Passover" - 4:46 4. "Colony" - 3:55 5. "A Means to an End" - 4:07 6. "Heart and Soul" - 5:51 7. "Twenty Four Hours" - 4:26 8. "The Eternal" - 6:07 9. "Decades" - 6:10
"A Hard Day's Night" dos Beatles, "The Head on the Door" do The Cure, "Machine Head" do Deep Purple, Electric Café do Kraftwerk, "Violator" do Depeche Mode e outros discos possuem a mesma característica, quero ver se vocês adivinham... Mais um tempinho... Bom, vou dizer hein... Todos estes discos são discos de discografia normal de suas bandas mas de tantas músicas boas e icônicas para suas respectivas bandas parecem um "The Best Of...".
E este é o caso deste disco, "Piece of Mind"(1983), do Iron Maiden, banda que na época eu chamava assim e no final do texto explico como chamo agora. Estava eu na gloriosa Galeria Chaves, aqui em Porto Alegre, quando vi uma camiseta dos Replicantes na Discoteca e pedi dinheiro para minha mãe e ela me deu um pouco mais para comprar a camiseta e dava para mais um disco. Comprei este disco pela capa mesmo e pensei “o que esta múmia (mais tarde viria a saber que é o mascote da banda) com camisa-de-força está fazendo nesta capa ?”. Foi meu primeiro disco comprado com o livre arbítrio (Michael Jackson "Thriller", Ultraje a Rigor e As Aventuras da Blitz ganhei de presente).
Cheguei em casa, abri minha vitrola laranja portátil da Philips e coloquei o disco para tocar. E daí a coisa toda muda de figura. Conhecia através do metal e tinha agora meu primeiro disco de Rock. Li, reli, revirei o encarte e fiquei impressionado com a banda olhando o cérebro na mesa em uma foto. Comecei a comprar todos os discos do Iron Maiden desde então e tive todos os LP´s até o "Seventh Son". Depois veio a era do CD e os discos foram se perdendo.
Clássicos do metal como 'Where Eagles Dare", "Flight of Icarus", "Die With Your Boots On" (com uma risadinha bem sem vergonha do Dickinson pelo meio da música), e a inesquecível e gloriosa "The Trooper" que eles tocam em todo show (seria ela a "Satisfaction" do Iron Maiden ? Pode ser hein...). Foi neste disco que pela primeira vez ouvi uma frase gravada ao contrário em um disco. A bem da verdade o Lado B do disco prenuncia o que viria a ser seu próximo trabalho, o "Powerslave", com músicas não tão mais empurradas no triunvirato formado por 2 guitarras e pelo baixo do dono da banda Steve Harris. Exceção é a maravilhosa "Sun And Steel" que é uma daquelas pérolas que somente os fãs mesmo conhecem e dão o valor.
A propósito disso, cara que conhece as músicas do Iron Maiden aos poucos vai ficando íntimo da banda e vai deixando o “Maiden” de lado, chamado carinhosamente de Iron. E tu, vais te arriscar a escutar este disco? Olha que daqui a pouco tu podes estar chamando os guris de Iron.
Reouvindo uma das músicas que mais gosto do Nirvana,
ocorreu-me: que outras canções de rock da década de 90 competiriam com ela? Já
havia me batido essa curiosidade ao escutar outras obras da mesma época, mas
desta vez a proposição veio com maior clareza de resolução. A música referida é
“Serve the Servants”, que Cobain e cia. gravaram no último disco de estúdio da
banda antes da morte do compositor e vocalista, o memorável “In Utero”, de 1993.
Aí, interessou-me ainda mais quando percebi que o mesmo grupo, referência do
período, encabeçaria a seleção. Pus-me, então, à gostosa prática de inventar
uma lista: quais os 20 maiores sons de rock ‘n’ roll dos anos 90? Como
critério, estabeleci que valem só composições escritas na década mesmo e sem
produções contemporâneas de roqueiros veteranos, como Iggy Pop (“To
Belong” podia tranquilamente vigorar aqui), The Cure (“Fascination
Street”, que desbancaria várias) ou Jesus
and Mary Chain (“Reverance”, como diz a própria letra, matadora). Quanto menos
competir com versões definitivas para músicas mais antigas, como a de Johnny
Cash para “Personal Jesus”, do Depeche
Mode, ou a brilhante “The Man Who Sold the World” de David Bowie pelo
Nirvana, em seu "MTV
Unplugged in New York" .
Esta lista vem se juntar com outras que o clyblog já propôs aqui (inclusive, a uma não de
músicas, mas de álbuns
dos anos 90) e que, como qualquer listagem que lida com gostos e
preferências, é apenas uma janela (aberta!) para que outras elencagens sejam propostas.
Querem saber, então, o meu ‘top twenty’
do rock noventista? Aí vai – e com muita guitarrada e em volume alto, como sempre
será um bom e velho rock ‘n’ roll:
1 – “Smells
Like Teen Spirit” – Nirvana (1991)
2 –
“Lithium” – Nirvana (1991)
3 –
“Unsung” – Helmet (1992)
4 – “Only
Shallow” – My Bloody Valentine (1991)
5 – “Paranoid
Android” – Radiohead (1992)
6 –
“Gratitude” – Beastie Boys (1992)
7 – “All Over the World” – Pixies (1990) 8 – “Enter Sandman” – Metallica (1991) 9 – “Eu Quero Ver o Oco” – Raimundos (1996) 10 – “Wish” – Nine Inch Nails (1991) 11 – “Kinky Afro” – Happy Mondays (1990) 12 – "There Goes the Neighborhood" – Body Count (1992) 13 – “N.W.O.” – Ministry (1992) 14 - "Suck My Kiss" – Red Hot Chilli Peppers (1991) 15 - “Serve the Servants” – Nirvana (1996) 16 – "Jeremy" – Perl Jam (1991) 17 - “Army of Me” – Björk (1995) 18 - “Govinda” – Kula Shaker (1995) 19 - “Da Lama ao Caos” – Chico Scince e Nação Zumbi (1994) 20 - "Dirge" – Death in Vegas (1999)
E chegamos ao ducentésimo Álbum Fundamental aqui no clyblog .
Quem diria, não?
Quando comecei com isso ficava, exatamente, me perguntando
até quantas publicações iria e hoje, pelo que eu vejo, pelos grandes discos que
ainda há por destacar, acredito que essa brincadeira ainda possa ir um tanto
longe.
Nesse intervalo do A.F.
100 até aqui, além, é claro, de todas as obras que foram incluídas na
seção, tivemos o acréscimo de novos colaboradores que só fizeram enriquecer e
abrilhantar nosso blog. Somando-se ao Daniel Rodrigues,
Edu Wollf , Lucio Agacê e José Júnior,
figurinhas carimbadas por essas bandas, passaram a nos brindar com seus
conhecimentos e opiniões meu amigo Christian Ordoque
e a querida Michele
Santos, isso sem falar nas participações especiais de Guilherme Liedke, no número
de Natal e de Roberto Freitas, nosso Morrissey cover no último post, o de número 200.
Fazendo uma pequena retrospectiva, desde a primeira
publicação na seção, os ‘campeões’ de ÁLBUNS
FUNDAMENTAIS agora são 5, todos eles com 3 discos destacados: os Beatles,
os Rolling
Stones, Miles
Davis , Pink
Floyd e David
Bowie , já com 2 resenhas agora aparecem muitos, mas no caso dos
brasileiros especificamente vale destacar que os únicos que tem um bicampeonato
são Legião
Urbana, Titãs,
Caetano
Veloso, Gilberto
Gil, Jorge
Ben, Engenheiros
do Hawaii e João
Gilberto, sendo um deles com o músico americano Stan Getz. A propósito de
parcerias como esta de Getz/Gilberto,
no que diz respeito à nacionalidade, fica às vezes um pouco difícil estabelecer
a origem do disco ou da banda. Não só por essa questão de parceiros mas muitas
vezes também pelo fato do líder da banda ser de um lugar e o resto do time de
outro, de cada um dos integrantes ser de um canto do mundo ou coisas do tipo.
Neste ínterim, nem sempre adotei o mesmo critério para identificar o país de um
disco/artista, como no caso do Jimmi
Hendrix Experience, banda inglesa do guitarrista norte-americano, em que
preferi escolher a importância do membro principal que dá inclusive nome ao
projeto; ou do Talking
Heads, banda americana com vocalista escocês, David Byrne, que por mais que
fosse a cabeça pensante do grupo, não se sobrepunha ao fato da banda ser uma
das mais importantes do cenário nova-iorquino. Assim, analisando desta forma e
fazendo o levantamento, artistas (bandas/cantores) norte-americanos apareceram
por 73 vezes nos ÁLBUNS
FUNDAMENTAIS, os ingleses vem em segundo com 53 aparições e os brasileiros
em, 3º pintaram 36 vezes por aqui.
Como curiosidade, embora aqueles cinco destacados
anteriormente sejam os que têm mais álbuns apontados na lista, o artista que
mais apareceu em álbuns diferentes foi, incrivelmente, Robert Smith do The Cure, por 4 vezes,
pintando nos dois da própria banda ("Disintegration"e "Pornography"),
em um tocando com Siouxsie
and the Bansheese outra vez no seu
projeto paralelo do início dos anos ‘80, o The
Glove. Também aparece pipocando por aqui e por ali John Lydon, duas vezes
com o PILe uma com os Pistols;
Morrissey,
duas vezes com os Smiths e
uma solo; Lou Reed uma vez com o Velvet e outras duas solo; seu parceiro de Velvet underground, John Cale uma com a banda e outra solo; Neil
Young , uma vez solo e uma com Crosby,
Stills e Nash; a turma do New Order em seu "Brotherhood"
e com o 'Unknown
Pleasures" do Joy Division; e Iggy Pop 'solito' com seu "The Idiot" e com os ruidosos Stooges. E é claro, como não poderia deixar de ser,
um dos maiores andarilhos do rock: Eric Clapton, por enquanto aparecendo em 3 oportunidades,
duas com o Cream
e uma com Derek
and the Dominos, mas certamente o encontraremos mais vezes. E outra pequena particularidade, apenas para constar, é que vários artistas tem 2 álbuns fundamentais na lista (Massive Attack, Elvis, Stevie Wonder, Kraftwerk) mas apenas Bob Dylan e Johnny Cash colocaram dois seguidos, na colada.
No tocante à época, os anos ‘70 mandam nos A.F. com 53 álbuns;
seguidos dos discos dos anos ‘80 indicados 49 vezes; dos anos ‘90 com 43 aparições;
40 álbuns dos anos ‘60; 11 dos anos ‘50; 6 já do século XXI; 2 discos destacados dos
anos ‘30; e unzinho apenas dos anos ‘20. Destes, os anos campeões, por assim
dizer são os de 1986, ano
do ápice do rock nacional e 1991, ano do "Nevermind"
do Nirvana, ambos com 10 discos cada; seguidos de 1972, ano do clássico "Ziggy
Stardust" de David Bowie, com 9 aparições incluindo este do Camaleão; e
dos anos do final da década de ‘60 (1968 e 1969) cada um apresentando 8 grandes
álbuns. Chama a atenção a ausência de obras dos anos ‘40, mas o que pode ser,
em parte, explicado por alguns fatores: o período de Segunda Guerra Mundial, o
fato de se destacarem muitos líderes de orquestra e nomes efêmeros, era a época
dos espetáculos musicais que não necessariamente tinham registro fonográfico, o
fato do formato long-play ainda não ter sido lançado na época, e mesmo a
transição de estilos e linguagens que se deu mais fortemente a partir dos anos
50. Mas todos esses motivos não impedem que a qualquer momento algum artista
dos anos ‘40 (Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Cole Porter) apareça por aqui
mesmo em coletânea, como foi o caso, por exemplo, das remasterizações de Robert
Johnson dos anos ‘30 lançadas apenas no início dos anos 90. Por que não?
Também pode causar a indignação aos mais 'tradicionais', por assim chamar, o fato de uma
época tida como pobre como os anos ‘90 terem supremacia numérica sobre os
dourados anos 60, por exemplo. Não explico, mas posso compreender isso por uma
frase que li recentemente de Bob
Dylan dizendo que o melhor de uma década normalmente aparece mesmo, com
maior qualidade, no início para a metade da outra, que é quando o artista está
mais maduro, arrisca mais, já sabe os caminhos e tudo mais. Em ambos os casos,
não deixa de ser verdade, uma vez que vemos a década de 70 com tamanha vantagem
numérica aqui no blog por provável reflexo da qualidade de sessentistas como os
Troggs
ou os Zombies,
por exemplo, ousadia de Sonics, Iron Butterfly,
ou maturação no início da década seguinte ao surgimento como nos caso de Who
e Kinks.
Na outra ponta, percebemos o quanto a geração new-wave/sintetizadores do
início-metade dos anos ‘80 amadureceu e conseguiu fazer grandes discos alguns
anos depois de seu surgimento como no caso do Depeche
Mode, isso sem falar nos ‘filhotes’ daquela geração que souberam assimilar
e filtrar o que havia de melhor e produzir trabalhos interessantíssimos e
originais no início da década seguinte (veja-se Björk,
Beck, Nine
Inch Nails , só para citar alguns).
Bom, o que sei é que não dá pra agradar a todos nem para
atender a todas as expectativas. Nem é essa a intenção. A idéia é ser o mais
diversificado possível, sim, mas sem fugir das convicções musicais que me
norteiam e, tenho certeza que posso falar pelos meus parceiros, que o mesmo
vale para eles. Fazemos esta seção da maneira mais honesta e sincera possível, indicando
os álbuns que gostamos muito, que somos apaixonados, que recomendaríamos a um
amigo, não fazendo concessões meramente para ter mais visitas ao site ou atrair
mais público leitor. Orgulho-me, pessoalmente, de até hoje, no blog, em 200
publicações, de ter falado sempre de discos que tenho e que gosto, à exceção de
2 ou 3 que não tenho em casa mas que tenho coletâneas que abrangem todas as
faixas daquele álbum original, e de 2 que sinceramente nem gostava tanto mas
postei por consideração histórica ao artista. Fora isso, a gente aqui só faz o
que gosta. Mas não se preocupe, meu leitor eventual que tropeçou neste blog e
deu de cara com esta postagem, pois o time é qualificado e nossos gostos
musicais são tão abrangentes que tenho certeza que atenderemos sempre, de
alguma maneira, o maior número de estilos que possa-se imaginar. Afinal, tudo é
música e, acima de tudo, nós adoramos música.
Cly Reis
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PLACAR POR ARTISTA:
The Beatles: 3 álbuns
The Rolling Stones: 3 álbuns
David Bowie: 3 álbuns
Miles Davis: 3 álbuns
Pink Floyd: 3 álbuns
Led Zeppelin; Massive Attack, Elvis Presley, Siouxsie and the Banshees; Nine Inch Nails, The Who; The Kinks; U2; Nirvana; Lou Reed; The Doors; Echo and the Bunnymen; Cream; Muddy Waters; Johnny Cash; Stevie Wonder; Van Morrison; Deep Purple; PIL; Bob Dylan; The Cure; The Smiths; Jorge Ben; Engenheiros do Hawaii; Caetano Veloso; Gilberto Gil; Legião Urbana; Titãs e João Gilberto: 2 álbuns
PLACAR POR DÉCADA:
Anos 20: 1 álbum ("Bolero", Maurice Ravel)
Anos 30: 2 álbuns ("The Complete Recordings", Robert Johnson e "Carmina Burana", de carl Orff)
Anos 50: 11 álbuns
Anos 60: 40 álbuns
Anos 70: 53 álbuns
Anos 80: 49 álbuns
Anos 90: 43 álbuns
Anos 00: 6 álbuns
PLACAR POR ANO:
1986 e 1991: 10 álbuns
1972: 9 álbuns
1968 e 1969: 8 álbuns
1987 e 1969: 7 álbuns
PLACAR POR NACIONALIDADE (ARTISTAS):
EUA: 73
Inglaterra: 53
Brasil: 36
Irlanda: 4
Escócia: 3
Alemanha: 2
Canadá: 2
Suiça; Jamaica; Islândia; França; País de Gales; Itália e Austrállia: 1 cada
