Titãs - "Cabeça Dinossauro" (1986)

O MELHOR DISCO NACIONAL DE TODOS OS TEMPOS

"Oncinha pintada,

zebrinha listrada,

coelhinho peludo,

Vão se foder!"

letra de "Bichos Escrotos"

"Cabeça Dinossauro". Assim mesmo, sem a preposição. O nome já dava mostra do que estava contido ali dentro daquela capa genial e incomum que ao mesmo que impactava pelo grotesco, completava o conceito geral da obra: a cabeça dinossauro era uma transfiguração, uma metamorfose em monstro, um retorno ao primitivo, era uma digressão à língua, um não aos padrões. A própria canção homônima que abria o disco com sua batida tribal e letra 'primitiva' era retrato fiel e confirmação da proposta.
Letras simples, versos curtos, mínimos e minimalistas, aliterações, repetições e discursos diretos. Assim os Titãs deram uma reviravolta na própria carreira, até então sem uma personalidade musical definida, e construíram um dos discos mais notáveis e criativos do rock nacional. Aquilo era butal, era violento na essência, era agressivo como nunca a música popular ousara ser a tal ponto, disparando contra religião, autoridades, estado, família e capitalismo com doses variadas de desprezo, ira e ironia. Quer mais que afirmar que não gostavam de Cristo; mandar dar porrada em quem não desse nenhuma contribuição ao mundo; ou mandar os bichinhos fofinhos se foderem? Aliás, "Bichos Escrotos", que trazia este xingamento, ainda que não fosse a mais brilhante do disco, não pode deixar de ser mencionada sobremaneira por uma quebra definitiva de paradigmas na mídia por conta do "FODER" de sua letra que era cantado incessantemente pela garotada, independente da proibição de execução pública expressa na contracapa. Num país com a democracia recém instaurada e uma liberdade de expressão ainda combalida, o resultado foi que sua popularidade foi tanta, a música era tão conhecida e entoada por todos que mesmo sem ser revogada, sua proibição caiu por terra naturalmente e a faixa passou a tocar sem corte em muitos segmentos dos meios de comunicação. E, ao contrário do que soava aos pais e moralistas de plantão naquele momento, "Bichos Escrotos" não se limitava a um palavrão gratuito: aquele grito era um não à beleza artificial, ao padrão estético, uma convocação à atitude, sendo um dos mais significativos símbolos da virada que os Titãs davaam com aquela obra.
Outro momento marcante da obra é a descontrolada "A Face do Destruidor", um hardcore extremamente agressivo e veloz na execução e na duração (apenas 34 segundos) que de certa forma justificava que nada se cria e tudo se transforma mas que às vezes é importante botar tudo abaixo para construir novamente. E era o que eles estavam fazendo.
"Cabeça..." ainda traz um dos maiores clássicos do rock brasileiro de todos os tempos que ganhou inúmeras regravações, homenagens, referências, performances de todo o tipo e qualidade de artistas, de Sepultura a Marisa Monte: "Polícia"; um punk rock implacável que incrivelmente venceu no mundo pop sem fazer concessões de letra nem estilo, gravando na memória do Brasil dos refrões mais conhecidos e populares da música nacional.
Fruto da multiplicidade de estilos de um time de oito cabeças com origens, inspirações e gostos musicais distintos e da mão certeira do produtor e parceiro Liminha, "Cabeça Dinossauro" era punk na maior parte das vezes mas era tão fora dos padrões que podia trazer um raggae como "Família", um ska como "Homem Primata" ou "O Quê?", um funk estraçalhador com uma linha de baixo toda quebrada, cheio de teclados e uma interessantíssima mescla de bateria acústica com eletrônica, delineando um inquietante jogo de palavras que não cansava de perguntar e ao mesmo tempo responder "o que é que não pode ser?". E o que é que não poderia ser depois daquilo? Podia-se tudo e aquela obra ajudava a afirmar isso.
Até mesmo como resultado de experiências como a de "O Quê?", os Titãs chegariam a resultados, talvez, melhores tecnicamente com seus dois álbuns de estúdio seguintes, "Jesus Não Tem Dentes no País dos Banguleas" e "Õ Blésq Blom", mas "Cabeça Dinossauro" já tinha metido o pé na porta e por este rompimento, por sua profusão de ideias e estilos, pela sua reconceituação num dos momentos mais importantes da retomada do rock brasileiro, seu impacto e reflexos, este é, minha opinião, simplesmente o maior disco do rock brasileiro de todosos tempos.

FAIXAS:
1. "Cabeça Dinossauro" (Arnaldo Antunes, Branco Mello, Paulo Miklos) – 2:20
2. "AA UU" (Marcelo Fromer, Sérgio Britto) – 3:01
3. "Igreja" (Nando Reis) – 2:48
4. "Polícia" (Tony Bellotto) – 2:06
5. "Estado Violência" (Charles Gavin) – 3:10
6. "A Face do Destruidor" (Arnaldo Antunes, Paulo Miklos) – 0:34
7. "Porrada" (Arnaldo Antunes, Sérgio Britto) – 2:51
8. "Tô Cansado" (Arnaldo Antunes, Branco Mello) – 2:18
9. "Bichos Escrotos" (Arnaldo Antunes, Sérgio Britto, Nando Reis) – 3:13
10. "Família" (Arnaldo Antunes, Tony Bellotto) – 3:32
11. "Homem Primata" (Ciro Pessoa, Marcelo Fromer, Nando Reis, Sérgio Britto) – 3:27
12. "Dívidas" (Arnaldo Antunes, Branco Mello) – 3:08
13. "O Quê" (Arnaldo Antunes) – 5:40

FORMAÇÃO (em 1986)
Arnaldo Antunes: vocal
Branco Mello: vocal
Charles Gavin: bateria e percussão
Marcelo Fromer: guitarra
Nando Reis: baixo e vocal
Paulo Miklos: baixo (em "Igreja") e vocal
Sérgio Britto: teclado e vocal
Tony Bellotto: guitarra

PRODUZIDO POR LIMINHA

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cotidianas #47 -"Lamento Sertanejo"

Lamento Sertanejo
(Gilberto Gil)

Por ser de lá
Do sertão, lá do cerrado

"Menino com carneiro" - Cândido Portinari

Lá do interior do mato

Da caatinga do roçado.

Eu quase não saio

Eu quase não tenho amigos

Eu quase que não consigo

Ficar na cidade sem viver contrariado.

Por ser de lá

Na certa por isso mesmo
Não gosto de cama mole
Não sei comer sem torresmo.
Eu quase não falo
Eu quase não sei de nada
Sou como rês desgarrada
Nessa multidão boiada caminhando a esmo.


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Alien Sex Fiend - "Acid Bath" (1984)

Comprei no último sábado, substituindo meu piratinha gravado, o 'Acid Bath' do Alien Sex Fiend.
Cara, Alien Sex Fiend não é nada demais mas é legal pra caramba! Som daquela cena dark do início dos 80 mas com mais elementos de eletrônica, uma  tendência ao industrial, influências de rockabilly e lógico um pé ainda no punk, que naquele momento já se esvaía mas deixava um pouquinho em quem quer que fosse montar uma banda. Tudo isso com um visual entre o Cure, os Pistols, o Cooper e os Cramps: cabelos espetados, roupas pretas esfarrapadas ou calças de couro, maquiagens zumbis e performances extremamente teatrais e terrificantes.
Em "Acid Bath" a sonzeira tem bases eletrônicas, sintetizadores, programações de bateria e guitarras pesadas e barulhentas corroendo tudo, compondo toda uma atmosfera sombria, com vocais cadavéricos e berrados, temas aterrorizantes e violentos, mas com muito bom humor e escrachamento.
O caos dos mortos-vivos!
Loucura total!
Meus destaques neste disco são a ótima abertura "In God We Trust (In Cars We Rust)"; "Dead and Re-Burried" com sua base bem eletrônica e guitarras despejadas como lava quente; a excelente "E.S.T. - Trip to the Moon", uma verdadeira viagem à lua com seus 9 minutos lisérgicos; e o doido rockabilly-eletro-gótico-techno-industrial "Boneshaker Baby", uma das 3 faixas extras da versão em CD.
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FAIXAS:
1. In God We Trust (In Cars We Rost?)
2. Dead and Re-Buried
3. She's a Killer
4. Hee-Haw (Here Come the Bone People)
5. Smoke My Bones
6. Breakdown and Cry (Lay Down and Die - Goodbye)
7. E. S. T. (Trip to the Moon)
8. Attack !!!!!! #2

extras do formato CD (não constavam no LP original)
9. Boneshaker Baby
10. I Am a Product
11. 30 Second Coma

Ouça:
Alien Sex Fiend Acid Bath
.
Pra quem quiser conhecer mais, ver discografia, curiosidades, informações, vale uma visita aos site dos caras:
Site Oficial ASF - 13th. Moon Demon

cotidianas #46 - Música do Diabo

- Oi!
- Bom dia... – e um pequeno silêncio interrogativo com um “em que posso ajudar?” suspenso, no ar.
- Oi, ah, é que... Bom, desculpa lhe incomodar mas eu sou seu vizinho daqui do lado e...
- É, eu sei. Já te vi com tua mãe no elevador – interrompendo o menino que já parecia bem constrangido - Tudo bem?
- Tudo bem. É que, eu queria lhe falar. É o seguinte: eu queria saber qual era aquele som que o senhor tava ouvindo ontem de noite, alto?
- Por quê? Tava incomodando?
- Não, não. A minha mãe não gosta mas eu curto. Bom pra caralho!
- Ontem de noite? Ah, era...Evil Corpse. Quer emprestado?
- Não. Não dá. A nossa religião não permite. A minha mãe diz que é coisa do demônio e tudo mais. Mas se o senhor puder ouvir sempre meio alto, assim, eu consigo ouvir dali de casa. Na área de serviço o som fica até bem claro.
- Tá bom. Eu gosto de ouvir alto mesmo. Que pena que tu não pode ouvir. Ia ser legal te mostrar umas paradas dessas.
- É – disse meio conformado.
- Mas então ta. Valeu. Prazer te conhecer.
- O prazer foi meu. Obrigado, viu.
- Que nada!
Dias depois embarcam juntos no elevador o garoto, sua mãe e o tal vizinho. A mãe olha de soslaio com aquele ar de reprovação para o rapaz de jeans rasgado, bracelete de couro, cabelo comprido e uma camiseta preta com uma enorme caveira cuspindo fogo, e dispara:
- É o senhor que mora no 606?
- Sou eu mesmo.
- O senhor poderia ouvir suas músicas um pouco mais baixo, por favor? – pronuciando este músicas com ênfase e ironia - Incomodam a mim e incomodam ao meu filho. O pobrezinho chega a se esconder na área de serviço pra não ouvir aquele barulho infernal, não é meu filho?
O garoto não responde. Só lança um breve e quase imperceptível olhar de desculpas para o vizinho que apenas lhe responde com uma piscadela de cumplicidade.

Cly Reis

O Bode Espiatório

Miles Davis - "Kind of Blue" (1959)

"Quem é tocado por essa música [de Kind of Blue] muda para sempre. E se torna melhor do que é."

 Herbie Hancock

Fui convidado pelo autor deste blog a escrever a resenha sobre “Kind of Blue”, de Miles Davis, de 1959, simplesmente o disco de jazz de maior sucesso e vendagem de todos os tempos, tendo ultrapassado tranquilamente, mais de meio século depois de seu lançamento, a marca de 6 milhões de cópias vendidas em todo o mundo. Volume este que continuará crescendo certamente, tendo em vista que diariamente exemplares de “Kind of Blue” são adquiridos por novos e antigos fãs. Eu mesmo sou mais um dentre esta multidão de admiradores.

 Então, diante de tal missão, perguntei-me: o que dizer deste fenômeno, uma obra que perdura a tanto tempo e da qual, principalmente, gosto tanto? Como dimensionar sua evidente inspiração a toda uma geração de artistas? Ou, ainda, explicar de que forma a gama de aspectos musicais e não musicais que “Kind of Blue” abarca, trazendo de vez para a música moderna as influências de culturas folclóricas, como os sons orientais, africanas ou hispânicos, e misturando tudo isso ao groove latino, à música erudita e a tradição negra americana? Como jornalista, uma das regras básicas da minha profissão é a de manter imparcialidade sobre o que se está analisando. O que fazer, então, quando se está na posição de crítico e amante ao mesmo tempo?

 A solução que achei foi a de me entregar à genialidade deste disco, perceptível a cada faixa, a cada solo, a cada fraseado de trompete, a cada base de piano, a cada vibração de corda do baixo, a cada ataque do saxofone. “Kind of Blue” já impressiona de cara pela “cozinha”. O quinteto formado por Miles tinha nada mais nada menos que o baixo seguro de Paul Chambers, a bateria swingada e elegante de Jimmy Cobb, o sax alto cheio de sentimento e alma gospel de Cannonball Adderley, o piano “branco” e mezzo-erudito de Bill Evans, o trompete genial e inteligentemente comedido do próprio Miles e o sax tenor do talentosíssimo John Coltrane, que, talvez, comporte todos esses elementos e mais um pouco. Trata-se da melhor banda de Miles, comparada somente a seu supertime de 1969, que contava com feras como Chick Corea, Herbie Hancock, Wayne Shorter e Ron Carter. O fato é que os quatro músicos que acompanharam Miles em “Kind of Blue” tornaram-se ou se solidificaram depois do álbum como alguns dos grandes nomes da história do jazz (incluindo aí Red Garland, que tocou piano em uma das faixas), mas principalmente Coltrane, que revolucionou o estilo, disco a disco, até a sua morte, em 1967.

 Mas e o disco? Bem, “Kind of Blue” começa com a célebre “So What”, um blues cadenciado e cheio de swing onde aparece pela primeira vez na história da música um negócio que Miles Davis vinha desenvolvendo (parte conscientemente e outra não) há mais ou menos uma década: o jazz modal. Embora se trate de uma invenção técnica, facilmente distinguida por músicos, para leigos como eu também não é difícil de reconhecer. Ou, pelo menos, “sentir” a diferença. O jazz modal – diferentemente da loucura criativa do be-bop, que aproveitava todas as escalas musicais ao extremo, ou do free-jazz, livre em concepção, como o título sugere – propunha uma, digamos, “simplificação programada” do jazz. Assim, as melodias eram compostas em escalas (por módulos = modal), o que gera uma base em que há poucas mudanças de notas mas, ao mesmo tempo, dá uma vasta liberdade aos solistas, que não precisam improvisar somente dentro do tradicional tempo 1-2-3-4. Um pequeno detalhe, mas uma verdadeira revolução que influenciou todo o jazz, soul, pop e rock que viria a seguir – isso, para ficar só nas contribuições à música, sem falar do cinema, artes plásticas, cênicas, etc.

 “So What”, com sua memorável abertura do diálogo entre baixo e piano, é, assim, um marco do jazz modal, formato que Miles e seu quinteto empregaram em todas as cinco faixas do álbum. E “So What” guarda ainda uma outra curiosidade. Nela, a visão pop do caleidoscópico Miles se evidencia: ouvindo com atenção, dá para perceber que sua base de sopros no chorus é idêntica a de “Cold Sweat” (veja o vídeo), de James Brown (a quem o jazzista admirava), considerado o primeiro funk da história. Porém, exceto por um detalhe: as notas estão na ordem inversa.

 O disco segue com outro jazz “blueseado”: “Freddie Freeloader”, tema que contém o talvez mais impressionante solo já tocado por Coltrane. Depois do número elegante de Miles, Trane entra literalmente rachando com toda emoção e potência, vazando o som do seu sax para todos os microfones do estúdio e obrigando o operador da mesa a reduzir o volume manualmente na hora. O que seria uma falha na gravação para um artista comum, fazendo com que se repetisse a sessão, por causa da sensibilidade de Miles ficou assim mesmo e assim se eternizou.

 A lindíssima balada “Blue in Green” vem na sequência, uma provável parceria de Miles com o Evans onde o pianista conduz a melodia. Bem, “melodia” não é bem o termo certo. Criada sob a linha modal de notas cool que variam em poucas escalas, e com claras influências eruditas emanadas do piano quase clássico de Evans, “Blue in Green” não tem uma melodia propriamente dita. Não fica evidente um acorde básico ou um riff. Mesmo assim, sua aura é tão palpável que quem a escuta jamais se esquece de como ela é.

 Outra pérola inesquecível de “Kind of Blue” é a hipnótica e sensual “All Blues”, na qual se veem nuanças hispânicas, afro e da vanguarda erudita. Nela, o piano mantém constantemente um trinado que parece com marimbas espanholas tremulando, enquanto os sopros executam o chorus lentamente, em longos e lânguidos riffs fraseados que definem a base do tema. Para matar a pau, o Miles inicia uma segunda frase melódica com um longa nota, que se estende, parecendo dar asas à canção. Ajudado pelo som de escovinhas raspando no tarol, o famoso som repetido do piano gera uma sensação mágica de circularidade, muito bem traduzida para o audiovisual pelas lentes de Spike Lee, no filme "Mais e Melhores Blues" de 1990.

 A obra-prima finaliza com outra de ares ibéricos: “Flamenco Sketches”, tão rica e densa musical e conceitualmente que serviu de inspiração não para mais uma música, mas para um disco inteiro de Miles Davis chamado “Sketches of Spain”, de 1960. É mole ou quer mais?

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 Antes e depois de “Kind of Blue”, Miles Davis revolucionou a música moderna uma porção de vezes. Por isso, vale destacar pelo menos duas obras que se incluem nesta lista e que foram importantes na formação do jazz modal que desembocaria em “Kind of Blue”: “Walkin’” e “The Birth of the Cool”, ambos de 1954.

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 Como todo grande disco, um “The Dark Side of the Moon”, do Pink Floyd, ou “Exile on Main Street”, dos Rolling Stones, “Kind of Blue” carrega lendas. Uma delas – e que se constatou ser verdade quase 40 anos depois – é a de que a gravação impressa em milhões de exemplares e que se popularizou no mundo todo por décadas estava milésimos de segundo mais lenta que o normal, pois se tratava da cópia extraída de uma master com um leve defeito. Hoje, é possível adquirir a versão corrigida, mas muitos veem nesta falha um toque divino, mantendo-se fiéis ao registro “original”.

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O livro sobre a história da obra-máxima
de Davis

O autógrafo do mestre Hermeto
no livro do 'parceiro' Miles

 Para finalizar, dia desses encontrei no Aeroporto de Porto Alegre o compositor e multi-instrumentista brasileiro Hermeto Pascoal. Pedi-lhe um autógrafo no primeiro papel que vi, meu livro, o que ele prontamente atendeu. Para não lhe dar a impressão de que gastaria tinta em qualquer papel, eu, na minha ignorância, comentei que estava lhe dando para assinar uma obra que abordava o tema música: era “Kind of Blue: A História da Obra-prima de Miles Davis”, do jornalista americano Ashley Kahn. Afinal, jazz e Hermeto Pascoal é quase a mesma coisa, né? O “albino Hermeto” (que de fato não enxerga muito bem, como disse Caetano Veloso), comentou-me, então, com toda simplicidade que conhecera Miles Davis no final dos anos 60, e que tocara junto com ele. (!) Não só: que justo o para mim tão mitológico Miles havia gravado duas canções dele, Hermeto, em um disco que ele não lembrava ao certo o título e de quando datava (vejam só!). Enfim, estupefato pelo desapego do genial Hermeto busquei no Google e encontrei o tal disco: chama-se “Live Evil”, de 1967, considerado por alguns como um álbum “demoníaco”. Quem quiser conhecer, benza-se antes de ouvir. Cruz-credo!

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Ouça:

Miles Davis Kind Of Blue

por Daniel Rodrigues

Daniel Rodrigues é jornalista formado pela PUC/RS, curioso e pesquisador de música, é aberto a todos os estilos demonstrando, contudo, especial interesse e conhecimento pelo jazz. Também, por incrível que possa parecer, direciona grande parte de suas atenções ao punk-rock, suas origens e vertentes, estilo sobre o qual inclusive baseou o tema de sua tese de diplomação relacionando-o com a evolução da moda.

Daniel além de tudo isso é meu irmão e foi integrante comigo da banda 'punk-putaria-core', HímenElástico.

O Frango Atirador

Museu do Inter - Porto Alegre

Aproveitei minha visita a minha cidade natal na final da Libertadores para visitar o MUSEU DO INTERNACIONAL, do qual tinha boas referências. Afirmava-se no site, na revista do clube, nos meios de comunicação ser um dos melhores e mais modernos museus de clube do mundo, baseado nos conceitos e modelos empregados em espaços históricos como o do Arsenal, o do Barcelona e outros clubes europeus; ou, simplesmente, como ouvia o presidente Vitório Píffero afirmar,“um museu de primeiro-mundo”.

Imaginava que tivesse lá sua qualidade, fosse legal e tal, mas sinceramente não achava que fosse tudo isso. E não é que é espetacular mesmo! E não digo isso por ser colorado, pois eu mesmo duvidava da magnitude deste projeto. Depois de muito tempo apenas com uma saleta escondida atrás do departamento amador, o Sport Club Internacional tem verdadeiramente um museu de verdade e por sinal, um belíssimo museu.

A tocha: escultura de monitores com imagens históricas

Logo na entrada, ao se subir a escadaria que leva ao espaço, um enorme escudo do clube, estampado na parede com a frase do hino "é teu passado alvi-rubro motivo de festa em nossos corações”, já nos inflama o orgulho, e logo à frente já se vê a incrível tocha, uma espécie de escultura de monitores com ininterruptas imagens variadas em composições e seqüências diferentes. Começa-se o passeio por uma linha de tempo na parede com fotos, projeções de imagens, relíquias; vê-se vitrinas com camisetas históricas, objetos de jogadores, documentos; adiante encontra-se uma pequena arquibancada da qual se vê um telão que mostra imagens histórias e por todo o espaço somos rodeados por esculturas das figuras marcantes do Colorado – Tesourinha está ali arrancando pro gol, o goleador Carlitos engatilhado pro chute, Manga dando uma mão-trocada espetacular e Figueroa cabeceando para o gol iluminado.

Figueroa e o gol iluminado

Mas lá não apenas se vê e se sente, pode-se tocar nas telas e pesquisar em estações interativas moderníssimas e pode-se também ouvir de passagem por algum corredor, fatos, depoimentos, gols, pois em diversos pontos da sala há alto-falantes suspensos, apropriadamente isolados de modo a garantir uma audição quase que individual sem espalhar o som pelo ambiente, narrando momentos importantes da história do Internacional. O trecho final do percurso traz os símbolos máximos das conquistas importantes: uma grande vitrina com os troféus dos Brasileiros, da Copa do Brasil, da Sul-americana, da Recopa, da Libertadores e do Mundial.

As grandes glórias do Campeão de Tudo

Recomendaria a qualquer pessoa que visitasse o Museu do Internacional, mas é lógico que os tricolores da Azenha não gostarão muito da idéia. Em todo caso recomendo sim a qualquer um que vá a Porto Alegre, goste de futebol ou que aprecie uma boa sala de exposições e principalmente aos colorados que sentirão, como eu senti, entre os corredores, vendo os gols, ouvindo os cantos da torcida, em frente às taças, relembrando os ídolos, todas as emoções que já sentiram um dia dentro do estádio.

Demais! É mais um ponto turístico obrigatório na cidade de Porto Alegre.

OUTRAS IMAGENS DO MUSEU COLORADO:

Manga fenômeno

Arrancada de Tesourinha

A linha do tempo, logo na entrada 

A arquibancada dentro do museu

Vista da passarela superior

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"A Montanha dos Sete Abutres", de Billy Wilder (1951)

Esse negócio todo que está acontecendo no Chile de mineiros presos em uma mina, perfuração da rocha, longo tempo para o resgate e tudo que envolve a situação, inevitavelmente me traz à cabeça um ótimo filme e boa dica pra quem quiser conferir, chamado "A Montanha dos Sete Abutres", do genial Billy Wilder. Diretor consagrado por comédias como "Quanto mais Quente Melhor" e "Se Meu Apartamento Falasse", de vez em quando atacava no drama e igualmente acertava em cheio como no ótimo e premiadíssimo "Farrapo Humano", por exemplo. A "Montanha dos Sete Abutres" que não foi sucesso de público na época de seu lançamento, mostra o drama de um mineiro preso numa mina tida como amaldiçoada pelos índios, numa cidadezinha no Novo Mexico. Seu  resgate até seria trabalhoso porém simples, mas é dificultado pelo interesse de um jornalista recém chegado ao lugarejo, que vê naquilo a oportunidade para uma  grande matéria, um grande furo e um reimpulso na sua carreira já abalada por seu comportamento antiprofissional. Por meio de acordos, conchavos, subornos e ameaças convence interessados e autoridades a irem atrasando o processo de remoção de modo que o fato vá se tornando cada vez mais comovente para o público e Leo, o mineiro preso, uma espécie de mártir. Porém dentro da mina, sob pedras, Leo, vai sofrendo com as condições adversas, com o pó, a umidade e vê sua saúde prejudicada pela longa permanência lá, mas como mantém contato com Tatum, o jornalista inescrupuloso vivido maravilhosamente por Kirk Douglas, e o julga seu amigo, supõe que todos os esforços estejam sendo feitos para tirá-lo dali o mais rápido possível mas vai vendo o tempo passar esua situação ficar cada vez mais crítica, enquanto lá fora há acampamentos, vigílias e aglomerações em solidariedade a ele.

O jornalista Tatum com o mineiro
Leo preso entre as pedras

Uma aula de direção e um estímulo à reflexão sobre a ética humana e principalmente jornalística.

Imperdível!


FICHA TÉCNICA:
Direção: Billy Wilder
Roteiro: Walter Newman / Lesser Samuels / Billy Wilder
Preto e Branco
Duração: 111
País: USA
ELENCO:
Kirk Douglas: Charles "Chuck" Tatum
Jan Sterling: Lorraine Minosa
Robert Arthur: Herbie Cook
Porter Hall: Jacob Q. Boot
Frank Cady: sr. Federber
Richard Benedict: Leo Minosa
Ray Teal: xerife
Lewis Martin: McCardle
John Berkes: pai Minosa
Frances Dominguez: mãe Minosa

Cly Reis

cotidianas #45 - Favela

Numa vasta extensão
Onde não há plantação
Nem ninguém morando lá

Cada um pobre que passa por ali

Só pensa em construir ser lar

E quando o primeiro começa

Os outros, depressa, procuram marcar
Seu pedacinho de terra pra morar


E assim a região sofre modificação
Fica sendo chamada de nova aquarela
E aí que o lugar então passa a se chamar
Favela.

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Favela
(Padeirinho da Mangueira e Jorginho Pessanha)

Ouça:
Jards Macalé Favela

O Frango Atirador

"Johnny Cash - Uma Biografia", de Reinhard Kleist - Ed. 8Inverso (2010)

Comprei ontem a biografia em quadrinhos de Johnny Cash. Obviamente, dada a recência da compra, não li ainda mas já guardo grande expectativa.
Mesmo tendo visto (o chato, óbvio  e previsível) "Johnny & June", e de já estar cansado de saber dos fatos mais significativos da vida do "Homem de Preto", é um grande barato ver agora uma biografia dessas, de um dos maiores nomes da história do rock e country, no formato de HQ.
Lembro ainda quando conheci o som do cara: meu irmão tinha referências sobre Cash de listas de melhores de todos os tempos, discos considerados clássicos, críticas exultantes e tudo mais, mas não havíamos ouvido nada dele ainda. Eu tinha um amigo que curtia muito o som daquela época; tinha tudo de Gene Vincent, Elvis, Jerry Lee e aquele pessoal todo; e foi que pedi a ele que gravasse pra mim, ainda em cassete, o que tivesse do cara. Disse-me que eu tivesse uma base inicial, ia gravar uma coletânea, mas que achava que eu não iria gostar muito porque, segundo ele, era 'muito repetitivo'. Fui então ouvir "Johnny Cash & the Tenesse Two - 55/58 Recordings-  The Sun Years" com aquele temor acerca do REPETITIVO e era simplesmente fantástico! O que ele chamava de repetição era, sim, ua marca forte e inconfundível, como só os grandes artistas conseguem imprimir. Não à toa representa tudo isso na história do rock.

A propósito ainda de Johnny Cash, a circunstância na qual substituí aquela fita cassete gravada pelo meu amigo pelo CD foi bem interessante e agradável: Fui à casa de uma mulher, passamos a noite juntos e 'tudo mais' e pela manhã, dando uma olhada nos CD's dela, vendo se havia alguma coisa interessante ali, topo, surpreendenetemente com Johnny Cash. Tiro da fileira, fico impressionado, exclamo e ela diz que nem curtia muito e que eu podia ficar com o CD pra mim. Uau! Noitada completa: vou pra casa dum mulheraço daquele, transamos a noite toda e ainda ganho de bônus um CD do Johnny Cash. Não podia ser melhor.

"Leite Derramado" de Chico Buarque - Companhia das Letras (2009)

Definitivamente a carreira literária de Chico Buarque está consolidada com êxito e qualidade. Mesmo já tendo sido lançado há quase um ano, somente agora tirei da estante para ler seu último livro, “Leite Derramado”, e este é ainda melhor que o ótimo “Budapeste”. Naquele anterior, Chico ainda tratava de brincar com as palavras, com o tempo, com o espaço, num jogo quase musical, mas neste, constitui verdadeiramente um romance de escritor, deixando um pouco de lado o compositor, sem, contudo, perder sua poesia.
“Leite Derramado” é uma saga de uma tradicional família da aristocracia brasileira contada através das memórias de um velho moribundo, mas de uma maneira muito breve e sucinta ao contrário da maior parte das obras do gênero que se estendem em épocas, personagens e contextualizações. Não que um “O Tempo e o Vento”, por exemplo, seja chato por conta disso, mas dentro da proposta, do ritmo pretendido, das características dos personagens, acaba sendo meritória esta objetividade. O barato é que como tratam-se de lembranças de um ancião, sua trajetória e de sua família vão sendo montadas com uma proposital desordem, conduzidas pela ausência de linearidade das memórias do velho; remontando momentos do Brasil e contextualizando as situações no tempo, sem uma ordem cronológica correta.
Com este recurso, de contar a história em primeira pessoa pela voz de um centenário supostamente semi-senil, Chico ao mesmo tempo que nos dá, nos tira informações. Por conta da memória fraca, do estado físico, da fraqueza, do sono ou dos remédios, o velho Eulálio Assumpção, enquanto relata ora a enfermeiras, ora à filha que o visita, ou a talvez ninguém; acaba ou se repetindo cansativamente, ou omitindo detalhes ou mesmo mentindo em seus longos monólogos. Nisso magicamente, um fato que é contado num capítulo é desmentido em outro como se o velho tentasse enganar a si mesmo ou inventar uma outra realidade; fatos são minimizados mas logo acabam-se revelando extremamente relevantes adiante; idéias são repetidas como se fossem apenas esclerose de velho, mas pela reafirmação mostram-se marcas profundas naquela vida; e personagens vão ganhando força e expressão aos poucos, a ponto de se tornarem quase míticos como a esposa Matilde, um espécie de Capitu-Lucíola-Gabriela, que desde já inscreve-se entre as grandes personagens femininas da literatura brasileira.
Sinceramente, eu ainda tinha minhas reservas quanto ao Chico escritor. Não por não ter gostado do que já tinha feito – muito antes pelo contrário - mas por achar que estava acertando, sim, porém sem se arriscar muito e que seus maiores méritos como romancista vinham muito dos recursos dos quais já se utilizava freqüentemente como letrista. Mas não. Eu estava errado. O processo evolutivo era gradual mas evidente e depois de uma roda-viva como a de “Budapeste”, é num livro sem ação, passado num leito de hospital, num romance sólido e seguro, sem grandes arroubos criativos, mas com uma admirável estrutura, que Chico Buarque se inscreve decididamente, na minha opinião, entre os grandes escritores da literatura brasileira contemporânea.

Cly Reis

Zeróis - Ziraldo na Tela Grande - CCBB - Rio de Janeiro

Dei um pulo no CCBB hoje à tarde e dei uma olhada nas exposições que estão rolando por lá. Uma da pintora Anita Malfati, outra do pesquisador Langsdorf, mas a que eu curti mesmo foi a do cartunista Ziraldo. Nela, em grandes painéis pintados em acrílico, o artista faz referências de arte, do mundo pop, faz suas habituais ironias e crítica sociais e contextualiza momentos históricos através das figuras dos super-heróis clássicos, utilizando-se de imagens que já estamos acostuamados a ver, mas ali, com outra roupagem. Bacana, principalmente a adaptação da "Maja" de Goya, como Mulher-Maravilha. Uma interessante recriação artística.
Um grande barato. Vale a pena ver.

Alguma semelhança com 'La Maja'?

E aí, Wahol?

  

Heróis americanos (?)

E aqui, o "nosso herói" compondo o painel.

Cly Reis

cotidianas #44

Era só o que me faltava. E esse engarrafamento agora? Como se não bastasse ter acordado atrasado porque a droga do despertador parou sem motivo, a pasta de dente acabou eu não tinha visto e não tinha outra em casa, tô tomando café e derramo na camisa, vou trocar a droga da camisa e a outra que eu queria estava manchada e antes de sair de casa ainda descubro aquela escultura de barro que o imbecil do cachorro fez no tapete, e aí perco só mais meia-horinha limpando aquilo. Ah, e a mudança do 402? Chamo, chamo o elevador e ele parado porque o de serviço tá enguiçado e tão usando o social pra levar as coisas do novo vizinho. Putaquepariu! E ainda quando finalmente pego o elvador, resolve todo mundo subir; um em cada andar. E ainda consegui a façanha de deixar a chave do carro e ter que subir de novo.

Quê mais? Fora o fato de encontrar 90% dos sinais fechados na minha frente, de provavelmente ter levado uma multa por excesso de velocidade e ter perdido a reunião que tinha hoje... acho que é so. Que diazinho, hem! Devem estar de sacanagem comigo. Só pode ser.

Enquanto isso, numa sala, no Olimpo, Deus, Zeus, Alá, Oxalá, Júpiter, Odin e Tupã, se divertem decidindo qual a próxima que vão aprontar para aquele cidadão. Alguém então sugere:
- Que tal um pneu furado?

The Beatles - "Revolver" (1966)

"Nós, Beatles, somos mais populares que Jesus Cristo neste momento."

John Lennon em 1966

Na eterna “briga” entre Rolling Stones e Beatles, devo admitir que sou um stoniano de carteirinha. Nem ao menos sou tão fã dos garotos de Liverpool quanto a maioria dos músicos, roqueiros, críticos, etc., mas não há como se negar que, se não se trata da melhor, trata-se induscutivelmente da maior banda de rock de todos os tempos e por certo a mais influente da história do gênero. Em qualquer coisa que se ouça de pop e rock depois do seu surgimento, há um dedinho dos caras e isto por certo não é pouca coisa. Um destes discos que pelo seu experimentalismo, tentativa, ousadia, importância e técnica é daqueles que mudaram o rumo das coisas é o ótimo “Revolver”, certamente o meu preferido. Nele temos o rock pegado de “Taxman” que abre o disco, uma das três composições de George Harrisson que desta vez ganha mais espaço colaborando muito com o grau de experimentação e psicodelismo da obra e na minha opinião com a qualidade do mesmo; outra música sua é a viagem hindu “Love You To”, que é bem legal também; temos também a bela “Eleonor Rigby” com seu precioso arranjo de cordas; a clássica “Yellow Submarine” cantada por Ringo e com uma série de recursos de estúdio, ruídos e participações especiais escondidos sob uma atmosfera infantil; e a incrível e audaciosa “Tomorrow Never Knows”, uma viagem psicodélica com uma bateria alucinante e vocais modificados, trabalhada em estúdio em todos os graus possíveis gerando um resultado extremamente inovador e com uma sonoridade ainda hoje atualíssima. Este é o clima do disco. É na minha opinião a obra mais ousada, doida, inovadora e completa dos caras.
Mesmo pra quem, como eu, não é fãzaço, é álbum fundamental.

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Como curiosidade, a propósito de “Tomorrow Never Knows”, ela foi a tal ponto inovadora e atual que serviu de inspiração e base para "Setting Sun" do duo eletrônico Chemical Brothers. A inspiração, e semelhança eram tamanhas que agentes dos Beatles chegaram a alegar plágio, porém a gravadora da dupla inglesa, convocou um especialista que conseguiu provar que a semelhança não chegava a caracterizar a irregularidade.

FAIXAS:
1. "Taxman" (Harrison) 2:39
2. "Eleanor Rigby" 2:07
3. "I'm Only Sleeping" 3:01
4. "Love You To" (Harrison) 3:01
5. "Here, There and Everywhere" 2:25
6. "Yellow Submarine" 2:40
7. "She Said She Said" 2:37
8. "Good Day Sunshine" 2:09
9. "And Your Bird Can Sing" 2:01
10. "For No One" 2:01
11. "Doctor Robert" 2:15
12. "I Want to Tell You" (Harrison) 2:29
13. "Got to Get You into My Life" 2:30
14. "Tomorrow Never Knows"


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O Frango Atirador

cotidianas #43 - A Menina do Bolo de Cenoura

Não dava tempo de almoçar então pegou alguns pedaços do bolo de cenoura que estava na geladeira, botou num pote qualquer e levou, pelo menos, para não morrer de fome no trabalho. A mãe fizera no dia anterior, na tarde de domingo, mas não tinha conseguido provar. Correira, sabe? (Mas adorava aquele bolo de cenoura da mãe).
Desde que chegara na loja naquele início de tarde a coisa foi pegada; loucura total. Clientes, gerente, experimenta aqui, compra ali, crédito ou débito?, quanto a senhora calça?, 35?, 38?, o 37 fica melhor, volte sempre. Ufa!
Quatro da tarde: hora do lanche. Estava azul de fome. Aquele bolo de cenoura ia salvar a vida. Um pedaço na boca: hummm!!! Caiu na asneira de oferecer à amiga que lanchava junto e esta, curiosa, por tamanho orgasmo gustativo, aceitou provar " só um pedacinho". Hummm!!!
-Nossa! Quem foi que fez?
-Minha mãe.
-Caraca, muito bom!
-Só peguei uns pedaços que tinham sobrado de ontem na geladeira. Da próxima vez que a minha mãe fizer eu trago mais - mas nisso já a supervisora já estava apressando as duas por causa da demora e tiveram que retomar todo aquele experimenta aqui, compra ali, crédito ou débito?, quanto você calça?, 35?, 38?, o 37 fica melhor, volte sempre...
Dias depois a mãe fez outro bolo de cenoura, desta vez a pedido, para que a filha pudesse dividir com a amiga. Levou para o lanche da tarde mas desta vez uma outra, nova na loja, foi junto. Tudo bem, tinha levado um pedaço maior e daria para ceder um pedacinho à nova colega, que até mesmo tinha levado um sanduíche natural e por certo não iria comer muito.
-Hummm!!!
-Hummmmm!!!
-Já provou o bolo de cenoura que a mãe dela faz?
-Não.
-Prova.
...
-Hummm!!! Muito bom!  Hum! Bom, bom! - disse com a boca cheia abandonando de vez o sanduíche. Não sobrou nada e a própria dona do bolo, no fim das contas, não pôde, lá, desfrutar muito do próprio lanche.
Passara então a ser hábito comerem bolo de cenoura nos intervalos sempre que a mãe fazia. Quando sentiam falta, quando espaçava muito d'a mãe fazer, chegavam mesmo a cobrar: "não vai trazer mais bolo, é?". Havia já encomendas das amigas, "pede pra tua mãe fazer um só pra mim. eu pago pra ela".
E o tal do bolo de cenoura virou lenda.
Vendedoras da pequena galeria comercial onde trabalhavam comentavam entre si, espalhavam a notícia que a menina daquela loja do 3° levava um bolo de cenoura para o lanche da tarde, hummm, maravilhoso! E a mãe dela que fazia.
Chegavam a ir perguntar pelo bolo na loja, "é aqui que trabalha a menina do bolo de cenoura?". Abordavam-na no elevador, "você que é a garota do bolo de cenoura? Como é que eu faço pra sua mãe fazer um pra mim? Ouvi dizer que é muito bom." E a mãe que fazia o bolinho despretensiosamente, para os filhos, para as tardes de domingo, se divertia, ao mesmo tempo que se surpreendia e se orgulhava um pouco do tamanho da fama da guloseima.
Um dia chegou uma moça na loja e perguntou pela menina do bolo de cenoura e responderam-lhe que não trabalhava mais lá. A loja tinha cortado funcionários, coisa e tal e os mais novos tinham sido mandados embora. Agradeceu a informação e saiu da loja com cara de decepcionada.
O desemprego não foi problema por muito tempo. Ela e a mãe acharam de fazer o bolo pra vender por aí. Primeiro foi em lojas nos horários de intervalo dos funcionários, depois na praia, depois já tinham uma banca, depois alugaram um espaço na Tijuca, e dali partiram pra ter a sua própria loja na Zona Sul. Hoje a "Menina-Cenoura" é uma rede de confeitarias espalhada pelo Rio de Janeiro inteiro. Tem até propaganda na TV. O bordão da moça do comercial é bem assim: "Hummm!!! Bom! Muito Bom! Todo mundo repete por aí.

* baseado em fatos reais;

mais precisamente no bolo de cenoura que a minha mãe faz

e que as colegas da minha irmã adoram.

Cly Reis

cotidianas #42 - "Ditirambo"

Meu amor me ensinou a ser simples

como um largo de igreja

Onde não há nem um sino

Nem um lápis

Nem uma sensualidade

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Ditirambo

Oswald de Andrade