ELVIS

The Strokes - "Is This It" (2001)

"Provavelmente o mais importante álbum de rock dos últimos 10 anos.”

Jornal The Guardian, em 2007

O The Strokes na verdade não tem nada de muito especial.
É uma bandinha bem comunzinha pra ser bem sincero.
Eles não fizeram nada demais. Não botaram um ovo em pé, não inventaram o fogo, nem inventaram a roda. No entanto se eles tem algum mérito na história da humanidade foi o de nos trazer de volta o bom e velho rock’n roll. Foi o de dar um sopro de esperança a quem já estava puxando os cabelos com eletrônicos repetitivos, pops sem qualidade, pseudo-punks, emos, rockzinho juvenil e outras coisas que predominavam na cena pop naquele momento. E então com a fórmula mais simples possível: guitarra-baixo-bateria, vocal dosando entre a sensualidade, o relaxamanto e a agressividade, com um som bem cru, bem puro e soando como as antigas bandas de garagem, os caras fizeram um dos discos mais legais, gostosos e significativos dos últimos tempos.
“Is This It”, de 2001 é por definição um disco de rock. Rock básico, rock cheio de vitalidade, cheio de influências de punk rock, de Television, de Velvet, de Stooges e por incrível que possa parecer, dentro da sua simplicidade, também altamente influenciador no cenário alternativo a partir do seu lançamento.
Destaques, é claro, para a faixa-título e de abertura, a graciosa “Is This It”para a embalada "Barely Legal"; para os clássicos imediatos “Someday” e “Last Nite”; para a ótima “Hard to Explain”, para a polêmica  “New York City Cops”, um punk-rock bem pegado; e para a belíssima e melódica “Trying Your Luck”.
Discaço!
Era o rock de volta.
Mas… bom…na verdade ele nunca foi embora.
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FAIXAS:

1. "Is This It" - 2:35
2. "The Modern Age" - 3:32
3. "Soma" - 2:38
4. "Barely Legal" - 3:58
5. "Someday" - 3:07
6. "Alone, Together" - 3:12
7. "Last Nite" - 3:18
8. "Hard to Explain" - 3:48
9. "New York City Cops" - 3:36
10. "Trying Your Luck" - 3:28
11. "Take It or Leave It" - 3:16

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Ouça:
The Strokes Is This It

Cly Reis

O Bode Espiatório

O Frango Atirador

Bauhaus - "Burning From the Inside" (1983)

“...nós nunca fomos góticos, fizemos uma música de brincadeira ["Bela Lugosi is Dead"], uma ironia e um monte de idiotas no mundo começou a nos chamar de góticos."

Peter Murphy

Bauhaus é uma banda frequentemente substimada pelo seu aspecto dark, excessivamente teatral, mas atrás do que se escondiam, contudo, boas qualidades, boas referências musicais e literárias, um vocalista com bons recursos, instrumentistas criativos e nada desprezíveis. A verdade é que ao entrar na década de 80, o punk do final da década passada, ganhava outras características e com bandas como Sisters of Mercy, The Cure, Siouxsie and the Banshees, desacelerava aquele som, preenchia mais o ambiente com bases de teclados e sintetizadores, abordava temáticas mais pessimistas e soturnas e dava uma estética a este estado de espírito, tão densa e angustiante quanto suas letras e atmosferas. É verdade que o visual somado à proposta meio expressionista, tirava um pouco da credibilidade sonora do novo movimento que se ensaiava, ainda mais sucedendo exatamente ao punk que era extremamente ativo, engajado, revoltado, o que fazia aquele pessoal de preto parecer meramente um bando de fantasiados pro dia das bruxas sem nenhum valor musical. Mas isso não era verdade. O chamado rock gótico produziu muitos bons discos e alguns, diria, muito bons, como é o caso de “Burning From the Inside” do Bauhaus, de 1983, que se destaca na curta e interessante discografia da banda pela ousadia e experimentação, se afastando um pouco das próprias características. Diferencia-se também por prescindir em alguns momentos de gravação e produção, da presença do vocalista Peter Murphy, doente naquele período, fato que, por um lado dava mais liberdade e autonomia aos outros integrantes, mas por outro, prenunciava o possível fim da banda, que se confirmou logo em seguida.
Mas “Burning From the Inside” mostra uma banda mais madura em relação à própria obra e por isso mesmo arriscando mais. É um disco daqueles com ‘cara’ de grande álbum, sabem? Estrutura de grande disco: grande abertura, faixas de ligação, vinhetas importantes, faixa monumental e um final depois do final.
A abertura na qual se destaca uma envolvente linha de baixo e uma guitarra corrosiva traz a excelente “She’s in Parties” interpretada de forma magistral por Murphy; canção que depois de ‘terminar’, praticamente recomeça só instrumental com o baixo de David J. ainda mais marcante e mais recheada de efeitos, ecos e sintetizadores. Traz na seqüência um punk com roupagem preta na anárquica, “Antonin Artaud”, que por sua vez já emenda na vinheta”‘Wasp”, uma curta introdução de rabeca que leva à mística “King Volcano”, uma espécie festa cigana com inserção gradual de instrumentos acústicos cantada num coro ritualístico assustador.
Depois daí, aparecem dois momentos curiosos no disco pela ausência de Peter Murphy, e é onde os outros integrantes, Ash, Hawkins e David, tomam conta e já dão um ar meio Love & Rockets, futura banda dos três, para o som do disco. “Who Killed Mr. Moonlight” é uma balada soturna pontuada por um piano e cantada por Daniel Ash,; e “Slice of Life”, cantada por ele com o baixista David J., aparece com uma abertura de guitarras ‘luminosas’ que parecem nos permitir uma breve saída do claustro. Na seqüência vem “Honeymoon Croon” que também tem um som mais aberto e apresenta um teclado que remete a The Doors; seguida de “Kingdom Coming” que mostra uma beleza sombria que alterna luz e trevas quase ao mesmo tempo. Mas é a faixa que dá nome ao disco que faz arrepiar todos os pelos do braço: “Burning From the Inside”, uma longa viagem tormentosa com uma guitarra pesada, alta e quase monocórdia servindo de base para a voz de Peter Murphy soar mais horripilante do que nunca, durante mais de nove minutos, ao longo dos quais a música é entremeada por uma espécie de funk das trevas com uma linha de baixo pesada e agressiva. Simplesmente destruidora. Depois de algo assim não precisava vir mais nada, mas até para nos permitir dar uma respirada, ainda vem ‘Hope” que é como se fosse a luz do dia depois de tanta escuridão, numa canção entoada em coro lembrando cânticos camponeses, mas aí já é apenas uma despedida. E a propósito de adeus, o disco, por conta da excessiva participação de Ash e David J., na ausência de Murphy, que não aprovou tamanha autonomia, acabou sendo o estopim da separação da banda que até voltou em 2008 porém já sem o mesmo ímpeto criativo nem anímico. Mas já não valia a pena. Sua contribuição já tinha sido dada e era hora de assumir que, assim como Bela Lugosi, no nome de sua mais famosa canção, o Bauhaus também estava morto.
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FAIXAS:
1. "She's in Parties" – 5:43
2. "Antonin Artaud" – 4:04
3. "Wasp" – 0:20
4. "King Volcano" – 3:29
5. "Who Killed Mr Moonlight?" – 4:54
6. "Slice of Life" – 3:43
7. "Honeymoon Croon" – 2:52
8. "Kingdom's Coming" – 2:25
9. "Burning from the Inside" – 9:19
10. "Hope" – 3:16

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Ouça:
Bauhaus Burning From The Inside

Cly Reis

Foo Fighters - "Foo Fighters" (1995)

"Foi necessário trazer tudo isso à tona para conseguir fazer esse disco. Não estaria fazendo o que estou fazendo se não fosse pelo Nirvana".

Dave Grohl

Uns dizem que Dave Grohl, medíocre ex-baterista do Nirvana, teria contado com a ajuda do falecido vocalista Kurt Cobain (ainda em vida) para compor as músicas do primeiro álbum do que viria a ser sua futura banda; outros afirmam que o próprio Kurt teria composto quase todas, senão todas, as faixas para Grohl; outros ainda que, na verdade,  o material era de sobras da famosa banda de Seattle; ou ainda, e o mais provável, até que se prove o contrário, que Grohl, oficialmente compositor de todas as faixas, além de co-produtor e executor de praticamente todas, estivesse altamente inspirado. Mas independentemente do que tenha acontecido, o fato é que o Foo Fighters, embora tenha alcançado e mantido o sucesso comercial ao longo de sua carreira, nunca mais produziu um disco como seu primeiro, "Foo Fighters" de 1995 que, senhores, é um discaço!
A comparação com Nirvana é inevitável no início do Foo Fighters. Muito ainda enquadrada na sonoridade que consagrou o legendário grupo do qual Grohl fez parte, as canções soavam ainda muito 'grunge', por assim dizer, e mantinham uma estrutura muito similar ao que fizeram principalmente em "Nevermind".
Contudo, ainda que mostrasse peso, energia, influências de punk-rock e metal, o disco já soava mais pop e acessível que seus contemporâneos, representando neste sentido, um passo à frente no que dizia respeito à aproximação com o grande público, o que viria a se confirmar, sobremaneira com os trabalhos posteriores da banda.
Mas, "Foo Fighters", o álbum, sem analisarmos o que a banda acabaria fazendo futuramente, é um ótimo trabalho. Tem pegada, tem força, tem melodia e se constitui num dos melhores e mais importantes discos dos anos 90.
O início do disco é de tirar o fôlego com três tiros certeiros: "This is a Call" começa o álbum em grande estilo, transitando entre o melodioso e o enérgico com uma levada, ao mesmo tempo doce e forte; já traz na colada, praticamente emendando "I'll Stick Around" que entra com tudo com uma bateria furiosa introduzindo para um riff vibrante e empolgante; "Big Me" baixa a rotação mas não a qualidade e nos apresenta uma balada graciosa com levada mais lenta e pendendo pro acústico.
Aí o caldo engrossa com o peso de "Alone+Easy Target" e com o hardcore furioso de "Good Grief". "Oh, George" volta a dar uma cadenciada e é igualmente um dos destaques do disco; "Weenie Beenie" detona tudo; "For all the Cows" outra das grandes é uma espécie de jazz de cabaré com rompantes ocasionais; "Wattershed" volta a atacar furiosamente num hardcore pesado e distorcido; e o disco fecha espetacularmente com a majestosa "Exhausted" com suas guitarras belas e rascantes de arrepiar, num grand-finale digno de um álbum fundamental.
Não sei o que é verdade ou o que é lenda a respeito deste disco, a respeito de Grohl e do Foo Fighters, o que me interessa é o som, o que fazem, o que produzem e o que ouvi da banda depois deste disco não me agrada muito, aliás muito pouco. Porém, o que se escuta neste álbum de estreia da banda é um avanço técnico e compositivo em relação à própria fonte de inspiração, o Nirvana, com uma sonoridade mais limpa, mais uniforme e que, aqui, ainda não perdia a autenticidade do som e sua a agressividade natural.
Agora, independente do quanto Dave Grohl tenha de parcela de composição, genialidade, de inspiração, mesmo que só o tivesse tocado as músicas, pode-se dizer que o fez muito bem. E se as canções eram de Kurt, do Corgan, da Courtney ou fosse lá de quem, não teria havido demérito algum em, a partir delas ter constituído uma obra de grande qualidade. Quantos artistas não compõe uma nota e consagraram-se, assumidamente, interpretando ou tocando composições de outros?
Agora, o que eu acho? Particularmente acho que algum dedo do falecido Cobain tem por aí. Não me parece por acaso que a inspiração nunca mais tenha batido à porta do sr. Dave Grohl. Mas o que importa?
Se o disco é do Foo Fighters, então vamos curtir um Foo Fighters.
Então... Aperte o play.
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FAIXAS:
1. "This Is a Call" 3:53
2. "I'll Stick Around" 3:52
3. "Big Me" 2:12
4. "Alone+Easy Target" 4:05
5. "Good Grief" 4:01
6. "Floaty" 4:30
7. "Weenie Beenie" 2:45
8. "Oh, George" 3:00
9. "For All the Cows" 3:30
10. "X-Static" 4:13
11. "Wattershed" 2:15
12. "Exhausted"

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Ouça:
Foo Fighters 1995

Cly Reis

cotidianas #79 - Cidade Lagoa

 Já havia publicado uma vez a letra de "Cidade Lagoa" aqui no blog quando falei sobre o disco "O Q Faço é Música" de Jards Macalé, mas dada a contínua reincidência de alagamentos aqui no Rio, a ver-se este último acontecido no Rio nesta última madrugada, aí vai ela de novo... cada vez mais cotidiana
O que é impressionante é a atualidade da letra, os mesmos problemas, os mesmos locais; e digo impressionante, porque incrivelmente, este gostoso samba de breque data dos anos 50. Mas o mais curioso, se forem notar, é que os autores reclamam que o problema já viria de longe.
E a situação continua igualzinha.
Unf! Acho que nunca vai melhorar...

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foto da enchente de 1966 no Rio de Janeiro.

Essa cidade que ainda é maravilhosa
Tão cantada em verso e prosa
Desde o tempo da vovó
Tem um problema vitalício e renitente
Qualquer chuva causa enchente
Não precisa ser toró

Basta que chova mais ou menos meia hora
É batata, não demora
Enche tudo por aí
Toda cidade é uma enorme cachoeira
Que da praça da Bandeira
Vou de lancha a Catumbi

Que maravilha nossa linda Guanabara
Tudo enguiça, tudo para
Todo trânsito engarrafa
Quem tiver pressa seja velho ou seja moço
Entre n'água até o pescoço
E peça a deus pra ser girafa

Por isso agora já comprei minha canoa
Pra remar nessa lagoa
Cada vez que a chuva cai
E se uma boa me pedir uma carona
Com prazer eu levo a dona
Na canoa do papai


(breque)
Ai meu Deus,. Mas que toró...
Vou meter uma roupa de escafandro
pra atravessar essa lagoa.

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"Cidade Lagoa"
(Sebastião Fonseca e Cícero Nunes)

Ouça:
Moreira da Silva - "Cidade Lagoa"

Memória curta, mas uma diva eterna

"Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá, Zis" - Neyde Zis

Quando se fala que o brasileiro tem memória curta, essa é uma grande verdade. Principalmente, quando se refere aos importantes artistas da música. Talentos da black music como Cassiano, Noriel Vilela, entre outros, caíram numa espécie de amnésia. Infelizmente (e surpreendentemente) também é o caso de Neyde Zis - uma das maiores cantoras do País do gênero, considerada por alguns especialistas a melhor.

Conhecida como “A Musa”, “Diva da Black”, “A menina mulher”, Neyde era sinônimo de sucesso no final dos anos 1960. Não é a toa que tinha como parceiros Tim Maia e Jorge Ben (que depois colocou o "Jor"). Lamentavelmente, após uma meteórica e estrondosa carreira, caiu no ostracismo musical e no desconhecimento popular.

No entanto, canções de qualidade são eternizadas e basta uma audição para relembrar (para alguns) ou descobrir (para outros), o quão é incrível a sonoridade e a inconfundível voz de Neyde Zis. O disco “Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá, Zis” mostra essa riqueza de sons.

Neste registro, a cantora encerra sua "trilogia" musical. Tentou retomar a carreira nos anos 1980, com um disco honômino, mas não teve a mesma criatividade e sucesso de anos anteriores. Em “Dó, Ré, Mi”, que pode ser percebido pela capa, mostra o quanto de experimentalismo e de psicodelia (típicos da época) estão contidos no disco.

A obra - que tem Neyde nos vocais, no violão e nas composições - conta com grandes participações, como dos seus velhos e eternos parceiros: Tim Maia, Tony Tornado e Jorge Ben. Além das contribuições de Erasmo Carlos, Arnaldo Baptista (dos Mutantes) e do Trio Mocotó.



Neyde Zis no programa
do apresentador
Sílvio Santos em 1968

Na faixa "Machado de Assis era negão, sim", a letra é uma crítica ácida que, por ironia do destino, aborda a falta da memória do povo brasileiro. Além disso, valoriza tanto a literatura como da negritude no País. O Trio Mocotó contribui nesta música com um excepcional ritmo, incorporando muito swing do samba rock. Já em “Mãe preta”, Neyde mais uma vez faz um show à parte. Além da voz principal, gravou os três backing vocals, mostrando a sua facilidade de alcançar notas agudas até as mais graves.

Em “Meu nego” (tendo relatos que essa música foi dedicada ao Jorge Ben), tem o mesmo nos vocais e no violão. Já em “The black is on the table” é a vez de Tim Maia aparecer em cena, com seu inglês e voz impecáveis. Tim toca bateria nesta canção, um dos raros registros da carreira do “Sindico” neste instrumento. Aliás, esta música também faz uma crítica social, expondo-a literalmente na “mesa” para todos ouvirem.

Na “Barato total”, Arnaldo Baptista empresta suas “veias psicodélicas” no piano. Também foi responsável por samplers, com ruídos difíceis de detectar do que se tratam.

A “Ogulabuiê” é uma espécie de “revival” de Neyde no período em que cantava junto com Tony Tornado na BR3. A “Diva da black” fez questão que esta música soasse como nos tempos que participava do grupo, quando era uma mera coadjuvante. Nesta, ela divide os vocais com o próprio Tony. Na “Uh, Uh” tem Erasmo Carlos tocando guitarra. O Tremendão colaborou para que esta faixa fosse a mais rock de todas.

A “Ezistência/rezistência” é a canção que abre o disco, com início melancólico e finaliza com um samba de raiz tradicional do Rio de Janeiro. Já a “Zumbi” fecha esta preciosidade brasileira. Curiosamente, na letra, Neyde parece ter tido um pressentimento do seu declínio, cantando: “minha liberdade já se foi, sou uma escrava da dor. Meu quilombo parece longe, seja lá meu destino para aonde for”.

O esquecimento pode perdurar anos, mas não é eterno. O que é permanente é o talento de Neyde Zis, a grande musa da black music do Brasil. Recordar é viver, principalmente para apreciar a boa música.

por Eduardo Wolff

Os Causo de Dois Morro - O Casamento Rear

Tão falando muito desse casório desse prince das Inglaterra com essa moça aí, mas festança bonita foi a que teve nas núpcia do filho do Coroné Durvalgino de Freitas com uma moça lá das grota. Foi cousa mui linda de se vê!
No início os pai do moço num querío sabê de junção com aquela rapariga porcaus’ que ela num era de família respeitada, de família enriquecida, num tinha um torrão de terra, e de mais a mais o Coroné Durvalgino fazia gosto que o filho se casasse com a Maricotinha, filha do Coroné Tertuliano da Silveira, da cidadezinha vizinha, dali do lado, chamada Cidade Vizinha.
Mas o guri, o Duílio, teimoso que era, cabeça-dura, insistiu que queria pra marida a prenda da roça, a tar de Kátia e começou a passeá com ela pela praça, levá na egreja, levá pra montá de acavalo, até que o pessoar da cidade foi se costumando, começo a gostá da moça e logo, logo todo mundo, até os pai dele, já tavo gostando da guria e tinho aprovado o matrimoniamento.
Antonce que começaro os preparativo: Seu Durvalgino queria que fosse um casório de marcá época, de fazê inveja a quarqué casamento das Corôa Britânia; até porque ele por mais que vivesse com a Dona Das Dor há 38 ano, na verdade nunca tinha se casado assim, de verdade mesmo, de paper passado, véu-e-grinarda. É que porque quando os dois era mais novo e resorvero fazê a vida junto, à revelia do pai da moça, Seu Durvalgino tiro ela de casa, lá em Riozinho Estreito, onde a Das Dor morava. Aí que fugiro pra Dois Morro e ali ele se estabeleceu-se, criô profiteróle, planto presunto e encheu as burra de dinhêro; mas sempre ficô com esse desgosto na vida de nunca tê casado, entonce queria que o filho tivesse a melhor festa de casório daquelas plagas e de quarqué redondeza que se tivesse notícia.
Aí, como todos sabío que o Seu Durvalgino e Dona Das Dor, só erro ajuntado, o casamento do menino Duílio e da moça Kátia ficô conhecido como o casamento rear, porque esse sim era de verdade, já que o do pai dele não tinha sido bem um casamento legalizado, jurisdicado e catolificado. Esse sim era um Casamento Rear!
Mas a cerimônica foi mui linda! Aconteceu na catedrar de Dois Morro, que é mais ou menos do tamanho da Brasílica de São Pedro, aquela dos Vaticano. O guri Duílio entrô de bombacha e lenço colorado no pescoço, a chinoca, pra seu lado, com um vestido de chita branco com umas renda bonitaça que dava gosto de vê. A cousa foi ligêra porque o Seu Durvalgino mandô o Padre apressá aquela ladainha pramodequê os peão já tavo preparando o churrasco e os convidado já tavo azur de fome; então foi que Sua Reverendíssima foi direto pros sim, pros não e pros aceito e foi-se todo o povo da cidade pra churrascada na fazenda do Coroné.
Sei que o Coroné mandou matá 508 boi pro churrasco. Mais 3200 galinha, 220 porco e um milhão e duzentos profiteróle, que, não sei se cês sabe, tem uma carne mui da saborosa.
As gente se empanturraro tanto, tanto que dispôs o esgoto de Dois Morro mal dava conta de tanta bosta, mas isso não tem desimportância, o que vale é que a festança foi daquelas de guardar nas memória: muito chopeidança, muito risada, muita briga de facão e muito emocionamento. Lindo foi vê o Duílio e a Kátia dançando uma ranchera de casamento ao som da cordeona do Vicente Bagual. (Me vem água nozóio só de alembrá).
O casório foi às maravilha, a festança mui linda, mas as coisa não ficaro lá muito bem dispois não. Pois bem que o pai do Duílio tinha implicância com a guria, que não demorô pra botá as asinha de fora e se mostrá uma baita duma sirigaita, sempre de assanhamento pros peão e pros gaudério da região. Não tardô pra cidade inteira ficá sabendo que o Coroné tinha então mais uma cabeça de gado pra criação dele: a do próprio filho.
O Duílio não agüento o humilhamento e uma noite bebeu, bebeu e se afogo na sanga. Como o casamento era de divisão de bem, a china ficou com todas as propriedade que tavo no nome do rapaz e ainda deu um gorpe e tirou o que era do véio Durvalgino que saiu da cidade e hoje vive ali pertinho em Gloriópolis, sempre bêbedo, atirado pelos canto que nem um mindingo. Quando ele conta ninguém acredita que ele já foi muito rico e dono de terra. Nem dão confiança quando ele conta do casamento que deu pro filho e que não foi casório de mentirinha que nem que o dele. Foi um Casamento Rear! Rear!

postado por Chico Lorotta

ELVIS

O Bode Espiatório

Parque Nacional da Tijuca - RJ (17/04/2011)

Passeio gostoso de fim de semana. Piquenique com a família, natureza, beleza e tranquilidade. Aí algumas imagens do passeio pela floresta da Tijuca:

A Cascata Taunay, logo na entrada do parque



Uma das muitas fontes que se encontram ao longo do parque

E outra das bicas, esta com belíssimo painel
de azulejos ao fundo



A Capela Mayrink

Amplas áreas de vegetação e estar com bancos,
mesas e churrasqueiras



A fauna local: cotia transitando tranquilamente

à nossa volta

E aqui o simpático quati, sendo inclusive
alimentado por um visitante



E outro quati prestes a subir numa árvore

Cly Reis

Roberto Carlos - "Roberto Carlos" (1971)

"Meu irmão, vem pra cá porque pintou uma música que eu acho que não poderemos deixar pra depois".

Roberto ligando para o parceiro Erasmo depois de ter feitos os primeiros versos de "Detalhes"

Hoje completando 70 anos, pode-se dizer que o Rei voltou à moda. não que em algum momento tenha deixado de estar. Não! Pelo contrário. Roberto Carlos é provavelmente um dos casos raros de inabalável longevidade e permanência de notoriedade e carinho público. Mas digo que está em voga de novo por causa dessa coisa toda de homenagem de escola de samba, CD gravado por divas da MPB, de show épico no Maracanã, show pra milhões de pessoas na praia, suposta namoradinha bem mais nova..., etc. Embora nunca esquecido, é verdade, pode-se afirmar contudo que poucas vezes nos últimos tempos foi  tão badalado. Mas todo este reconhecimento de sua obra e carreira, que parece ter sido despertado, efetivamente, com a presente exposição, não é sem justiça. Ainda que, claramente, tenha apresentado um decréscimo na qualidade de sua obra nos últimos anos, com um apelo excessivamente popular e mirando grupos específicos como baixinhas, gordinhas,mulheres de óculos, etc., o conjunto de seu trabalho é inegavelmente valoroso e importantíssimo para a música popular brasileira. Mesmo com estas variações de nuances e ênfases na carreira, conseguiu atingir com a mesma intensidade diferentes gerações e diferenciados públicos, passando pelo romântico, pelo rock, pelo religioso, pelo soul, pelo brega, sem nunca perder a majestade.
Numa carreira tão vasta e com uma discografia tão ampla, coisas pra destacar é que não faltam em qualquer uma das fases, mas escolho aqui, "Roberto Carlos" de 1971, por ser um dos discos que, além de apresentar uma boa variação dos elementos que compõe a obra de RC, o romântico, o soul, o brega, o cancioneiro, o gospel, o rythm'n blues; é até hoje um dos seus trabalhos de maior sucesso.
O disco é um daqueles definitivos onde praticamente todas as músicas são clássicos e várias foram pras paradas de sucesso.
Abre com uma das mais marcantes do Rei e uma de suas mais populares: a apaixonada e triste "Detalhes", que transformou-se praticamente em sinônimo de canção romântica na música brasileira. Traz a ótima "Como Dois e Dois", com sua levada meio blues, de autoria de Caetano Veloso a quem, a propósito, é dedicada outra das grandes do disco, "Debaixo dos Caracóis dos Seus Cabelos", feita por conta do exílio do cantor baiano fora do país. "Todos estão Surdos", mesmo com tema religioso, que poderia fazê-la tornar-se enfadonha, é uma das melhores da carreira de Roberto Carlos, num soul ousado, meio gospel, cantado (falado) meio à moda rap antecipando alguma coisa do estilo em nível de música brasileira. Tem ainda a interessante "I Love You", na qual Roberto arrisca uma voz diferente, num ritmo mais alegre e descontraído e fecha com "Amada Amante", meio brega, é verdade, mas inegavelmente outro dos marcos da música romântica nacional e da carreira do Rei, onde o cara solta todo seu mel numa letra sensual e provocante.
Infelizmente, ainda que valorosas, músicas como "Detalhes" e "Amada Amante"começaram a abrir caminho para o rumo que Roberto viria a tomar mais ou menos daquele momento em diante até chegar a álbuns repetitivos e especiais chatos de fim de ano da Globo, mas não há como negar que este, nesta fase de transição, ainda é um baita de um disco e sobretudo não há como refutar a importância do Rei para a música brasileira. Eternamente Majestade.
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FAIXAS:
1.Detalhes
2.Como Dois E Dois
3.A Namorada
4.Você Não Sabe o Que Vai Perder
5.Traumas
6.Eu Só Tenho Um Caminho
7.Todos Estão Surdos
8.Debaixo dos Caracóis dos seus Cabelos
9.Se Eu Partir
10.I Love You
11.De Tanto Amor
12.Amada, Amante
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Ouça:
Roberto Carlos 1971

Cly Reis

Berinjela Beligerante

De volta ao escritório...

cotidianas #78 - Adeus, Maria Fulô

Adeus, vou me embora meu bem
Chorar não ajuda ninguém
Enxugue seu pranto de dor
Que a seca mal começou


Adeus, vou me embora Maria
Fulô do meu coração
Eu voltarei qualquer dia
E só chover no sertão
E os dias da minha volta
Eu conto na minha mão
Adeus Maria Fulô
Marmeleiro amarelou
Adeus Maria Fulô
Olho d'água estorricou

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"Adeus Maria Fulô"
de Humberto Teixeira e Sivuca

Ouça:
Mutantes - "Adeus, Maria Fulô"

O Frango Atirador

Pearl Jam, Clapton e Aerosmith no Brasil no segundo semestre

Pearl Jam de volta ao Brasil em setembro:
Garantia de showzaço!

O ano de eventos de rock está bombando mesmo. Além do retorno do Beatle Paul, do mega-festival Rock in Rio e mais alguns nomes interessantes que desembarcaram recentemente por aqui como Iron Maiden, U2 e Ozzy, o segundo semestre ainda nos trará as presenças de Pearl Jam, Eric Clapton e Aerosmith.
Datas, locais, valores ou tipo de apresentações (festival, shows solo, etc.), nada foi divulgado ainda mas ao que parece a informação é quente mesmo uma vez que o papo foi dado por um dos diretores da produtora que trará os artistas.
Bom, pra mim, particularmente, interessa mesmo o Pearl Jam, banda cujo show que fui em Porto Alegre foi simplesmente um dos melhores da minha vida; o Deus da Guitarra Eric Clapton por toda a lenda que representa também pode ser uma boa, dependendo muito do preço do ingresso; e o Aerosmith, sinceramente, não me interessa nem um pouco.
Agora é aguardar maiores informações e enquanto isso ir curtindo o que vem antes. Afinal, ainda tenho a noite do metal do rock in Rio para ir.

C.R.

cotidianas #77 - A melhor coisa do mundo

Na escola, o tema do dia era: "qual a melhor coisa do mundo?"
A professora então começa a perguntar para os aluninhos:
- Mariazinha, qual é a melhor coisa do mundo?
E a menina responde:
- A família, professora.
- Ah, muito bonito, Mariazinha. E para você, Pedrinho, qual é a melhor coisa do mundo?
- As flores, professora.
A professora achou meio 'suspeito' aquele negócio de flores mas mesmo assim, saudou a resposta do garoto e prosseguiu:
- Joãozinho, qual é a melhor coisa do mundo?
- Buceta, professora!
- Como é que é?
- Buceta!
- Já pra secretaria, descarado. Quero ver você repetir isso na frente da diretora.
E levou o moleque à presença da diretora:
- Quero ver agora. Repete o que você falou quando eu lhe perguntei qual era a melhor coisa do mundo, repete...
- Buceta, ué!
- Oh! - reagiu horrorizada - Menino malcriado! Isso não pode ficar assim! Vou chamar o seu pai aqui na escola.
Uma hora depois chega o pai muito sério, bem vestido e pergunta o que aconteceu, ao que a professora se antecipa à diretora e responde:
- Perguntei ao filho o que seria a melhor coisa do mundo e ele respondeu em plena sala de aula, "BUCETA".
O pai, como que tranquilizado pela falta de gravidade do fato, prontamente responde:
- Liga não, professora, é guri novo. Nunca comeu um cuzinho.

The Jesus and Mary Chain - "Automatic" (1989)

Vim ouvindo hoje, pro trabalho, o "Automatic" do The Jesus and Mary Chain, que mesmo não sendo a obra-prima da banda é um disco bem legal. É o primeiro desde a dissolução da banda de apoio, que contava como futuro-Primal Scream, Bobby Gillespie, permanecendo apenas os irmãos Jim e William Reid à frente de suas barulhentas e distorcidas guitarras, apoiados apenas, na maior parte das músicas por ritmadores eletrônicos e programações de bateria.
O fato de ter que recorrer a estes recursos não fez com que o disco soasse eletrônico ou artificial. Pelo contrário: "Automatic" é rock'n roll puro. É cheio daquelas influências de rockabilly, como em "Coast to Coast"; de Beach Boys, como em "Beetween Planets", e de punk rock em praticamente todas; tudo isso sem abandonar as tradicionais tempestades sonoras que já eram marca registrada da banda desde sua aparição, como na barulhenta "Gimme Hell" e de alguma forma sempre presente em várias outras dos disco."Take It", por exemplo, lá pela metade, parece estar fora de controle como se os ruídos, distorções e microfonias tivessem vontade própria, num exemplo clássico de como o bom e velho rock'n roll se transforma nas mãos dos irmãos Reid.
Mas o grande destaque do disco, e provavelmente o maior sucesso comercial da banda, é "Head On", uma gostosa canção com generosas pinceladas surf-music, que viria a ser gravada depois pelos Pixies e aqui no Brasil, pela Legião Urbana no seu acústico. Clássico!
Como eu disse, não é nenhum disco fora do comum, ainda mais se comparado ao fantástico "Psycho Candy", mas não deixa de ser um disco muito gostoso de ouvir.
E vou então me deliciando com ele hoje no carro.
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FAIXAS:
1."Here Comes Alice" – 3:52
2."Coast to Coast" – 4:13
3."Blues from a Gun" – 4:44
4."Between Planets" – 3:27
5."UV Ray" – 4:04
6."Her Way of Praying" – 3:46
7."Head On" – 4:11
8."Take It" – 4:34
9."Halfway to Crazy" – 3:41
10."Gimme Hell" – 3:18

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Ouça:
The Jesus and Mary Chain Automatic

C.R.

"O Cachorro que Jogava na Ponta Esquerda", de Luís Fernando Veríssimo - Coleção Gol de Letras - Ed. Rocco (2010)

Acabo de ler o delicioso livro “O Cachorro que Jogava na Ponta Esquerda” de Luís Fernando Veríssimo, escritor que como já, de hábito, cativa pela sua inteligência e bom humor, neste então, amante de futebol como é, chega a emocionar quem, pelo menos uma vez na vida já correu atrás de uma bola num campo de pelada.
Num livro como este, por mais que a gente saiba, parece que reforça o quanto cada campinho, cada joguinho de pelada, cada timezinho , cada meninada é praticamente igual.
Muda uma coisa aqui, um detalhe acolá, mas a essência do negócio é a mesma. As situações são, por exemplo, muito parecidas com diversas que aconteciam com meu time de bairro trazendo à lembrança com nostalgia e bom humor cada momento, situações engraçadas e dramáticas que passamos. O dono da bola, o craque do time, o pereba, os jogos importantes, os grandes momentos e claro, os tipos estranhos que aqui ficam incrivelmente representados na figura de um cachorro.
Muito legal. Divertidíssimo. Ri muito sozinho lendo no pátio da empresa e olhando pros lados para ver se não estava sendo observado por alguém que pudesse estar pensando, “que que aquele maluco tá rindo sozinho, ali embaixo daquela árvore?”. Bom, se alguém viu, azar! O fato é que estava muito bom e eu tava curtindo pra caramba.
Não é só recomendável mas indispensável para que já bateu uma bolinha quando criança. Traz de volta tudo aquilo de gostoso e puro que nossas infâncias deixaram pra trás. Aquilo era rico em experiências, lealdade, amizade, objetivos e formação de caráter, e de certa forma, com um conto singelo e de narrativa simples, Luís Fernando Veríssimo consegue nos fazer lembrar destes valores e curtir de novo aqueles momentos. Afinal de contas, tinha coisa mais legal do que ir jogar bola no campinho com os amigos?

Cly Reis

Dead Kennedy's - "Fresh Fruit for Rotting Vegetables" (1980)

"Eu quero uma festa com o s Kennedy's,

Eles é que sabem o que é hardcore..."

verso da música "Festa Punk

da banda Os Replicantes

Foi meu primo Luciano, hoje DJ Lúcio Agacê, que me apresentou o som dos Dead Kennedy’s. Ele era na época voltado de forma mais direta para este tipo de som, estava descobrindo coisas e volta e meia me trazia alguma novidade. Tenho que admitir que não foi assim de primeira que saí gostando daquilo. Aquele som acelerado, meio barulhento demais pra mim, sem falar naquela voz aguda, estridente de boneco descontrolado que não me desceu bem logo de cara.
Naquele momento eu estava numas de curtir o som dark, os chamados góticos, mas não tinha cultura musical nem percepção o suficiente notar que tudo o que eu ouvia, de certa forma, provinha do punk dos anos 70, que era exatamente ao que os Kennedy’s davam continuidade na virada da década com seu hardocore politizado e renovado.
Mas a minha resistência não pôde durar muito e logo, mesmo eu ‘darkzinho’ dos anos 80, me rendia ao som dos DK e já tinha gravada minha fitinha K7 do “Fresh Fruit for Rotting Vegetables”, ábum de estreia da banda de 1979. Um clássico do rock! Um clássico do punk-hardocore! Uma pedrada! Um manifesto musical inconcessivo e brutal! Tudo: som, letras, postura, agressividade é incontido, desmedido. Atitude pura! Som com inteligência, sarcasmo, politização e posicionamento. Biafra, ao contrário de muitos artistas que falam, falam, mas não agem, não se restringiu sua atitude apenas ao microfone, ao palco ou aos estúdios e chegou, anos depois, a ser candidato a prefeito de San Francisco, com uma plataforma política um tanto radical mas extremamente coerente com tudo o que apregoava enquanto músico, conseguindo surpreendentemente cerca de 6 mil votos.
Quanto ao álbum, quando a voz singular de Biafra surge anunciando “Kill the Poor”, tem início um dos discos mais expressivos da história do rock, e esta que abre o disco já é uma mostra da ironia fina e inteligente de Biafra, sugerindo que com o extermínio dos desempregados pelo menos teremos mais espaço para brincar. “Let’s Lynch the Lanlord”, é outra fantástica, com sua levada mais cadenciada (boa pra poguear); “Drug Me”, ao contrário, é tão rápida que a voz chega a parecer estar em uma rotação mais acelerada e suas guitarras soam repetitivas e atordoantes no refrão; e “Chemical Warfare” que brinca no final com o “Tema de Lara” do filme Dr. Jivago”, é outra das grandiosas do disco.
Mas o grande clássico dos Kennedy’s, a mais polêmica e provavelmente a melhor do álbum é “California Über Alles”: uma introdução forte de bateria num ritmo tribal desemboca numa base de guitarra bem flamenca com claras influências de surf-music dos anos 60, o que servirá de lastro para Biafra despejar sua irônica e genial letra, interpretada na pessoa do então governador da Califórnia Jerry Brown revelando-se fascista, nazista, assassino, etc., com o ritmo subindo num crescendo ao longo da música até tomar uma sonoridade mais pesada e acelerada num final extático e arrebatador. "Eu sou o governador Jerry Brown/ Minha aura sorri e nunca faz caretas/ Logo eu serei presidente". A canção gerou alvoroços, desconfortos, restrições mas no fim das contas só serviu para consolidar a condição dos Kennedy’s como uma das bandas mais provocativas e de Biafra como um dos mais cabeças e engajados artistas da cena musical.
O discaço ainda traz as ótimas “Holiday in Cambodia”, igualmente forte, intensa e pesada; e encerra com a irônica, “Viva Las Vegas”, um hardcore agitado com jeito de rodeio.
Um verdadeiro barril de pólvora. Um coquetel-molotov em forma de disco. Conteúdo perigoso e inflamável. E é inevitável; é só colocar pra tocar que pega fogo.
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FAIXAS:
1. "Kill the Poor" – 3:07 (East Bay Ray, Jello Biafra)
2. "Forward to Death" – 1:23 (6025)
3. "When Ya Get Drafted" – 1:23
4. "Let's Lynch the Landlord" – 2:13
5. "Drug Me" – 1:56
6. "Your Emotions" – 1:20 (East Bay Ray)
7. "Chemical Warfare" – 2:58
8. "California Über Alles" – 3:03 (Jello Biafra, John Greenway)
9. "I Kill Children" – 2:04
10. "Stealing Peoples' Mail" – 1:34
11. "Funland at the Beach" – 1:49
12. "Ill in the Head" – 2:46 (6025, Jello Biafra)
13. "Holiday in Cambodia" – 4:37 (Jello Biafra, John Greenway)
14. "Viva Las Vegas" – 2:42 (Doc Pomus, Mort Shuman)

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Ouça;
Dead Kennedy's Fresh Fruit For Rotting Vegetables

Cly Reis

cotidianas #76 - "Sugar Water"

Acordar, tomar um banho, pegar a correspondência, presenciar um acidente na rua, um dia de azar... (ou tudo isso ao contrário?). O que pode ser mais cotidiano?
Com vocês, "Sugar Water" do Cibo Matto.

"O Time que Nunca Perdeu", de Paulo Roberto Falcão - Ed. AGE (2009)

Aproveitando a deixa do retorno de Paulo Roberto Falcão ao Internacional, para comandá-lo como técnico pela segunda vez, depois de uma exitosíssima carreira como jogador do clube, aproveito aqui então para recomendar, especialmente aos colorados, é claro, mas também, - excetuando os tricolores gaúchos - a qualquer torcedor apaixonado por futebol, o livro do próprio Rei de Roma sobre a conquista invicta do Campeonato Brasileiro de 1979 pelo Sport Club Internacional: "O Time que Nunca Perdeu".
Com uma série de relatos sobre cada um dos 22 jogadores que fizeram parte daquele grupo e daquela inigualável conquista, Falcão montou o perfil de um grupo unido, sério, maduro, sem vaidades e sobretudo extremamente qualificado, que contava com os conceitos táticos privilegiados de Ênio Andrade no comando e com a rigidez e disciplina de Gilberto Tim na preparação física.
O livro revela episódios curiosos, interessantes, dramáticos e engraçados, como o pavor de Chico Spina ao ter que substituir o ídolo colorado Valdomiro exatamente no primeiro jogo da final, no qual incrivelmente (mesmo apavorado) acabaria marcando dois gols; as frequentes multas por atraso do volante Batista cobradas pelo disciplinador líder Valdomiro; a resistência da direção em contratar o encrenqueiro Mário Sérgio e o aval de Falcão para levá-lo ao Beira-Rio; as indicações do próprio Falcão para as ascenção de Mauro Galvão dos juniores e para a contratação de Batista ainda garoto do Cruzeiro de Porto Alegre; e toda a liderança do "Bola-Bola", como também é conhecido o craque, dentro e fora do campo.
A edição ainda traz toda a campanha com detalhes e informações como locais dos jogos, públicos, renda, arbitragens, gols, etc., além de reproduções das súmulas dos principais jogos.
Um documento precioso de um episódio único na história do futebol brasileiro. Sei que atualmente com a elevação dos títulos de Taça Brasil, Robertão e coisa e tal, à condição de Campeonato Brasileiro, surgiram mais uns dois ou três 'campeões invictos', mas com todo o respeito, entraram nas semifinais e jogaram dasou quatro partidas se tanto. Campeão Brasileiro Invicto, jogando um campeonato, com fases, classificação, ida e volta, só tem um, e o único Campeão Brasileiro Invicto é, e sempre será, apenas o Sport Club Internacional.
Eu, na condição de colorado, só espero que na casamata, este grande ídolo da nossa história consiga repetir o êxito que teve com a bola nos pés e nos traga glórias do tamanho que ele merece e que o Interncional merece.
Boa sorte, Falcão!

Cly Reis

Chemical Brothers cancelado

Acabo de ver, infelizmente, na página do Chemical Music Festival do Facebook, que as datas brasileiras do duo britânico Chemical Brothers estão canceladas, tanto a do festival em Itu do dia 30 de abril, como a de BH, que seria no dia 29. Em uma nota publicada nas redes sociais e no blog oficial da dupla, não explicam exatamente os motivos mas se desculpam e garantem que voltarão ao Brasil o mais breve possível.
Uma pena. Eu que estava tão mobilizado vou deixar de vê-los pela terceira vez. O lado bom da história, pra mim, é só o fato de que ainda não tinha comprado ingresso e para as demais atrações não vale a pena eu me mexer daqui pra Itu.
Fica pra próxima.


A nota publicada no site oficial da banda:
http://www.thechemicalbrothers.com/blog/

U2 - "The Joshua Tree" (1987)

"Eu adoro estar lá, eu amo a América, eu adoro a sensação de espaços abertos, eu amo os desertos, eu amo as montanhas, eu ainda amo as cidades."

Bono

Depois de um início terrível com seus dois primeiros álbuns, “Boy” e “October”, muito ruins, ainda influenciados pelo punk, e de um considerável ganho em qualidade com seu terceiro, “War”, ainda um tanto tosco e mal-resolvido mas através do qual já obtinham grande sucesso com “Sunday Bloody Sunday” e “New Years Day”, o U2, finalmente conseguia com “The Unforgettable Fire” e com o hit “Pride (In the Name of Love)”, uma condição de megaestrelato, liderando festivais pelo mundo com seu carismático vocalista, Bono Vox, como porta voz do que quer que fosse que necessitasse de boas ações.

Já empossado embaixador das causas nobres do mundo e dono de uma popularidade estrondosa, o U2 tinha agora que ganhar definitivamente o mercado americano, mas não bastava vender bem, serem reconhecidos lá e tal: teria que ser uma espécie de dominação.

Bom, para isso então, nada melhor que fazer um disquinho bem à americana: cheio de blues, country, gospel, falando sobre paisagens desérticas, orgulho yankee, bombardeios, invasões e tudo mais. Ajudados por um visual bem apropriado com chapéus de cowboy, roupas de caipira e uma presença mais constante em solo norte-americano, alcançaram vendagens astronômicas, ganharam inúmeros Grammy’s, e lotaram turnês por todos os EUA. A América estava conquistada.

O interessante é que o tal do disco ‘estratégico’ era realmente muito bom! Era o que de melhor os caras tinham feito até então na sua carreira e, nessa história toda, acabaram por produzir um dos melhores álbuns de todos os tempos.

Toda a influência americana na concepção de “The Joshua Tree” de 1987 (corrigido) acabara por dar-lhe talvez a riqueza que o som do U2 não tinha conseguido alcançar, até então, soando por vezes excessivamente irlandês, católico, pós-punk ou cru, agora agregando elementos e os distribuindo melhor do que nunca.

A ótima “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” é cheia de gospel, ‘Trip Through the Wires” cheia de blues; e “Red Hill Mining Town”, “In God’s Country”, “One Tree Hill’ e “Running to Stand Still” trazem consigo, cada uma, um pouco da sonoridade country americana. Nas que o dedo do Tio Sam não aparece tão evidentemente, o que se nota mesmo é a qualidade de um disco pop bem produzido pelo mestre Brian Eno em parceria com Daniel Lanois. “Where the Streets Have no Name”, a primeira do disco é um bom exemplo disso, num pop-rock impecável e cheio de ímpeto vocal. “With or Without You” é uma balada apaixonada com grande mérito para a produção caprichadísima de Brian Eno; “Bullet the Blue Sky” é forte, distorcida, vibrante, poderosa e uma das melhores do disco; “One Tree Hill”, já citada é outra das grandes, com mais uma interpretação inspirada de Bono; e “Exit” mostra de novo todo a qualidade de Eno na mesa de produção, levando a música de um semi-silêncio a um rompante furioso explodindo em peso e agressividade sonora. A grande obra fecha com a excelente “Mothers of the Disappeared”, uma balada triste, emocionada e sombria sobre os desaparecidos nas ditaduras latino-americanas.

Ainda viriam a repetir a dose de americanismo com “Rattle and Hum”, um disco/filme, meio ao vivo, meio de estúdio, onde exageravam ainda mais no conceito, porém depois disso, em nome de um ‘rompimento’ com tudo aquilo resolveram, como o próprio Bono mesmo dissera, ‘derrubar Joshua Tree a machadadas’ e para isso fizeram o superestimado “Achtung Baby”, gravado em Berlin e curiosamente muito bem recebido tanto por crítica quanto por público, provavelmente pela proposta, pela roupagem, experimentação, mas cujo resultado, na minha opinião foi bastante confuso e pífio.

Colocando as coisas desta forma pode parecer que não gosto do U2, mas não é verdade. Exceção feita aos primeiros que, como eu disse são fraquíssimos, e os últimos, depois do "Zooropa", tenho todos os discos dos caras. Acho sim uma banda supervalorizada cuja discografia é um tanto irregular e que não é o timaço de craques como às vezes se faz supor. Ao passo que Bono, efetivamente é um grande vocalista, a outra 'estrela' da constelação, pouco reconhecida, é na verdade o baixista Adam Clayton que segura com extrema competência as pontas para o apenas mediano, mas muito marketeiro, The Edge fazer sempre o mesmo solo (ainda mais depois do "Achtung Baby" quando os pedais de efeitos fazem quase tudo por ele) e Larry Mullen Jr., o bateirista, até que criativo, trabalhar bem ali na cozinha.

Fato é que depois da fase americana, tirando o ótimo “Zooropa” de 1993, onde aperfeiçoam o conceito mal desenvolvido em "Achtung Baby", o U2 nunca mais seria o mesmo, tentando ser pop demais, errando a mão quase sempre, se perdendo entre a ação e o discurso, exagerando nas demagogias, sempre emplacando seus hitzinhos, é verdade, mas nunca mais tendo conseguido produzir um disco tão bom quanto “The Joshua Tree”.

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FAIXAS:

1. "Where the Streets Have No Name" 5:38
2. "I Still Haven't Found What I'm Looking For" 4:38
3. "With or Without You" 4:56
4. "Bullet the Blue Sky" 4:32
5. "Running to Stand Still" 4:18
6. "Red Hill Mining Town" 4:54
7. "In God's Country" 2:57
8. "Trip Through Your Wires" 3:33
9. "One Tree Hill" 5:23
10. "Exit" 4:13
11. "Mothers of the Disappeared"

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Ouça:
U2 The Joshua Tree

Cly Reis