"Drácula", de Tod Browning (1931) vs. "O Vampiro da Noite", de, Terence Fisher (1958)

Dois incríveis filmes! Verdadeiras obras de arte que carregam a essência da palavra CLÁSSICO, com todas as letras maiúsculas. Duas atuações que imortalizaram o maior vampiro de todos os tempos, o temível Conde Drácula. Os melhores Dráculas até hoje (com Gary Oldman, chegando perto), Bela Lugosi, em 1931, e Christopher Lee, em 1958. Ambas obras marcaram época, deram início a coisas grandiosas como o universo de monstros na Universal e da Hammer, e são referências quando o assunto é Conde Drácula para eternidade...
Mas que tal irmos então ao jogo?
A partida vai acontecer à noite, é claro e, na verdade, teremos duas partidas (por essa você, esperava não é?). O primeiro jogo na Transilvânia, estádio charmoso, arquitetura clássica, apenas a torcida que é meio morta. "Drácula" de '31 começa tímido, demora para pôr as garras de fora (literalmente) mas a brincadeira com luz e sombra ajuda o futebol desse filme. Bela Lugosi, individualmente, faz jogadas gêniais com suas caretas e isso sem duvida é gol para o time de 1931: 1 x 0 para Drácula antigão. O time de '58 já é mais direto: logo no inicio já vai com sede e o trio de armadoras, “As noivas de Drácula”, já partem para o ataque. Christopher Lee, com sangue nos olhos, não fica atrás e vai pra dentro do adversário. Ele é imponente, amedronta a defesa, joga sua capa, esconde a bola e GOOOOOL! 1 x 1, partida empatada.
O confronto na Transilvânia é resolvido nos detalhes. O Drácula de '31 tem um futebol mais vistoso, um castelo muito elegante e assustador e um cenário que faz a diferença. Eis que a bola é erguida na área, Reinfeld come mosca e, Bela, voando, como um morcego marca para o time de '31. GOOOOL!!! E é fim de papo na primeira partida: Drácula de '31 (2) x (1) Drácula de '58.

"Drácula" (1931) - trailer

Mas calma, temos o jogo da volta...

"O Vampiro da Noite" (1958) - trailer

Após uma longa viagem de barco, chegamos a Londres para o segundo confronto entre as duas equipes. Mesmo fora de casa, o time de '31 tem muito do brilho de Bela Lugosi que continua se destacando. Ele desfila pela cidade e sua chegada na Terra da Rainha é fantástica. Bela morde a bola como um lobo. Ele é jogador elegante, daquele tipo que costume-se dizer no “futebolês” que "joga de terno" e não demora a abrir o placar. Parece que o time joga por música, como se jogasse ao som de uma ópera. 1 x 0 para Drácula de '31.
Mas chega a segunda etapa do jogo de Londres e parece que o time de '58 começa a mostrar que tem mais elenco que seu adversário. E aí que outro craque resolve mostrar todo seu talento: Peter Cushing como Doctor Van Helsing começa aparecer mais, pede mais a bola, distribui o jogo (e o alho), pelo campo. Faz umas boas tabelas com Lee, mas é claro, é Lee quem empata o jogo numa fantástica entrada pela janela de Lucy. Hipnotizando a zaga o craque do horror marca o gol: 1 x 1.
Mostrando que um grande elenco faz a diferença, Peter Cushing, vai ao ataque, dá uma enfiada de estaca entre a defesa do adversário, direto no peito de Lee, que mata e, mesmo cansando, já se arrastando em campo, quase virado só em pó, marca mais uma para fechar a tampa do caixão. De virada, vitória do time de '58. Drácula '31(1) X (2) Drácula '58.
Que clássico, senhoras e senhores! Ou, melhor, que clássicos!

Bela e Lee, dois estilos de jogo diferentes,
o primeiro mais refinado e o segundo mais sanguíneo.

Como não era mata-mata (até porque é muito difícil matar um vampiro)
ficamos assim mesmo, num bom e justo empate.
Afinal de contas, os placares espelhados refletem bem o equilíbrio do confronto
(se bem imagem de vampiro não reflete no espelho). 

por Vagner Rodrigues

Jazz em Veneza - Bàccaro Jazz (28/052009)

Sei que a minha viagem já aconteceu faz tempo e já comentei um bocado por aqui, mas é assunto que rende pela variedade de situações, lugares, acontecimentos e tem coisas que, realmente, a minha intenção era a de ir trazendo para o blog aos poucos.
Conforme já mencionei, as duas paradas mais interessantes da viagem foram Londres e Veneza. Por motivos diferentes: Londres é aquela cidade que tem tudo, é cosmopolita, é cheia de alternativas, uma beleza urbana, um lugar rock’n roll. Veneza pela mágica do lugar, seu romantismo e caráter singular.
Pois bem, queria falar exatamente sobre um aspecto interessante de Veneza, para mim um tanto inusitado, mas que me fez gostar ainda mais da cidade. Curiosamente, Veneza tem uma surpreendente vocação para o jazz. Não sei se eu sou mal informado mas efetivamente não sabia disso. Notei isso desde que chegamos ao hotel e naquelas prateleiras de publicidade com cartões de restaurantes, flyers de festas e folders em geral, apareciam, se não me engano, duas especificamente sobre bares e restaurantes de jazz. Já achei legal mas como ainda não havia me instalado e não sabia exatamente se iria conseguir encontrar aquele endereço ali indicado, deixei pra lá. Mas logo na nossa saída, após deixarmos as bagagens, quando procurávamos um lugar para almoçar (às 3 da tarde) paramos numa pizzaria qualquer e ali além do jazz e do blues do som ambiente, as paredes cobertas por posters de mitos destes gêneros: Parker, Miles, Bo, Duke. Começamos bem. Um almoço em Veneza muito bem servido de música. Bom, aí se confirmou que não era apenas coincidência o folder do hotel. E nos dias que se seguiram notamos mais alguns bares com esta característica. Passávamos nas vielas e ouvíamos lá dentro o jazz rolando.

Tocando um piano
(e reparem no sutiãs ao fundo)

Até que no nosso último dia lá, percorrendo, passamos por um muito simpático e resolvemos voltar ali para o happy-hour, até porque queríamos fazer tempo para irmos à Piazza San Marco à noite. Voltamos no final de tarde, início da noite. O lugar, o Bàccaro Jazz, acabou por ser um programa agradabilíssimo. A música de primeira, um atendimento muito gentil e o ambiente bem acolhedor. A curiosidade ficou por conta dos sutiãs pendurados que decoravam o teto da casa.
Nas paredes além dos posters das lendas do jazz, desenhos de clientes com elogios, dedicatórias, homenagens ao bar, emoldurados em pequenos quadros de acrílico. Desenhos assim de improviso, de quem pegou um pedaço do guarda-napo e fez uma coisa qualquer na hora e deixou para o bar.
Deixei o meu também. Pedi a caneta ao garçon, peguei um pedaço daquela toalha de mesa de papel e fiz um desenho estilizado de um saxofonista e escrevemos ao lado em inglês elogios ao estabelecimento, à musica e ao atendimento. O garçom adorou, pelo jeito. Ficou empolgado e queria botar na parede naquela hora mesmo. Como teria que desmoldurar outro para botar o meu, prometeu que o colocaria na parede mais tarde. Acho que o fez.
Depois, saímos dali e fomos curtir a noite na Piazza San Marco.





Como diria Bukowski
"é divertido mas verdadeiro saber que as pessoas não são muito, que tudo não passa de um JAZZ a foder e a gente já sabe que esse é o lema mas é legal ouvir isso ser dito sentado à beira de um canal de Veneza..."

Faith No More - Live at Brixton Academy (1990)

 

"What is it? 

What is it? 

WHAT THE FUCK IS IT???"

introdução, no show, 

 ao refrão de "Epic"

Tem gente que prefere discos ao vivo aos originais de estúdio, por conta da energia, da naturalidade, da espontaneidade ou da execução . Particularmente, prefiro as gravações de estúdio nas quais um álbum é pensado e elaborado como uma obra de arte, do início ao fim. Mas há exceções e, em alguns casos, o registro ao vivo acaba agregando elementos tão significativos ao que foi inicialmente proposto em estúdio, que se impõe, de modo a ser até mais marcante que a gravação que deu origem ao repertório executado no show. É o caso, para mim, do álbum "Live at Brixton Academy", do Faith No More, de 1990. Reproduzindo grande parte do conteúdo do disco "The Real Thing", trabalho responsável pelo estouro de popularidade e vendas da banda, a performance gravada ao vivo em Londres, originalmente para vídeo, potencializa ainda mais as virtudes já apresentadas no ótimo disco de estúdio. O ambiente do palco, a acústica de um espaço amplo com público, a espontaneidade da banda os favoreceram em tudo e seu som e "Live at Braxton Academy" acaba entregando mais do que já se tinha recebido em "The Real Thing". As virtudes dos instrumentistas e a qualidade compositiva acabam ficando mais evidenciadas sem a mixagem excessivamente limpa e cuidadosa de estúdio que, naquele momento visava atingir e conquistar um público que começava a se interessar pela mistura de peso com embalo que o Faith No More e algumas outras bandas começavam a explorar. Ali, mais cru, mais raiz, a percepção da fundição não somente do metal com o funk, mas das linhas de metal melódico, das influências de música clássica, do pop oitentista, ganhava em leitura mais clara, além, é claro, da qualidade e versatilidade vocal de Mike Patton, que, totalmente à vontade no palco, dominando o território e com um musicalidade absurda, proporcionava inúmeras possibilidades e variantes ao show. A pouco conhecida "Zombie Eaters", uma pequena sinfonia metal com ricas variações rítmicas e de intensidade, talvez seja o melhor exemplo desse ganho ao vivo. Sua composição primorosa, que consegue ir de uma linha melódica quase bachiana, às caracteristicas guitarras galopantes do metal, fica ainda mais poderosa e impressionante nessa situação. E Patton, afinadíssimo, vai do requinte à fúria, com incrível naturalidade. Aliás, o vocalista é um show à parte. Em "Edge of The world", por exemplo, ele comanda a balada, uma espécie de jazz de cabaré, com uma condução leve e descontraída que confere todo um ar bem-humorado ao número; e na badalada "Epic", Patton, depois de praticamente recriar partes do vocal da música, fazer sustenidos, baixos e chegar quase a um soprano, de quebra, no final, ainda emenda com uma improvável inserção do hit dance "Pump up the jam", do Technotronic, dando a ela toda uma leitura melancólica, no epílogo de piano.
Patton, ainda, toma conta de "We Care a Lot", faixa superdiversificada, com baixo funkeado, levada rap, transição metal e refrão pop, que já era do repertório da banda antes de seu ingresso; e, com uma performance enlouquecida, só joga mais gasolina em cima da já incendiária "From Out of Nowhere", uma espécie de synth-punk alucinante, que dá vontade de sair pulando cada vez que eu ouço.
"Falling to Pieces" é intensa e contagiante, "The Real Thing" lembra muito Black Sabbath e, propósito, a cover de "War Pigs", muito competente (mas talvez um pouco descontraída demais) confirma inspirações e referências. As duas faixas "extra" por assim dizer, uma vez que não apareciam no material original do vídeo, "The Grade", um country acelerado instrumental, e a nada mais que interessante "The Cowboy Song", são meio que dispensáveis, se bem que, sem elas a duração já curta do álbum ficaria ainda mais prejudicada.
De certa forma, dá pra dizer que essa questão, a da duração, seja, possivelmente, o único grande defeito do álbum, muito curto para um registro ao vivo. Mas, por outro lado, também dá pra dizer que o tempo utilizado é muito bem aproveitado e que, de minha parte, o tempo pelo qual se estende é curtido com entusiasmo do início ao fim, neste que é um dos meus discos ao vivo preferidos.
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FAIXAS:

1. "Falling to Pieces" – 4:47
2. "The Real Thing" – 7:53
3. "Epic" – 4:55
4. "War Pigs" – 6:58
5. "From out of Nowhere" – 3:24
6. "We Care a Lot" – 3:50
7. "Zombie Eaters" – 6:05
8. "Edge of the World" – 5:50
9. "The Grade" (Instrumental) – 2:05
10. "The Cowboy Song" – 5:12

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Ouça:

Faith No More - Live at Brixton Acdemy - Londres (1990)

https://www.youtube.com/watch?v=YYxA1TGgLt4&list=PLU1rrsc1fMcMqIxUvVDFQdSgZDAKFNnGd

Cly Reis

Mott the Hoople - "Mott" (1973)

acima, a capa da edição americana e
abaixo, a distribuída no Reino Unido

"O melhor disco
da melhor banda
do início dos anos 70."

Revista Rolling Stone

Esse livro ainda vai me levar à falência.

Ou à loucura!

(Ou os dois)

Ou, no melhor das hipóteses, me deixar sem espaço na prateleira de CD’s.

Mas fazer o quê?

Eu reclamo mas, inegavelmente, é sempre legal descobrir coisas novas e a minha ‘bíblia’ de cabeceira, o "1001 Discos Para Ouvir Antes de Morrer" volta e meia me proporciona o descobrimento de algum som bacana que eu nunca tinha ouvido antes.

Li nele sobre um tal de Mott the Hoople e fui à cata. Não baixei. Aproveitei que estava indo a Londres e comprei lá mesmo o álbum “Mott”, que até não tem o maior sucesso da banda “All the Young Duddes” que fez parte inclusive da trilha do filme “Juno”, mas que era o recomendado pela publicação.

E de novo a dica do "1001 Discos..." foi na mosca!

Muito bom disco!

Produzidos que foram no primeiro trabalho por David Bowie, os rapazes aprenderam direitinho o negócio e fizeram um disco exemplar de glam-rock, bem ao estilo do mestre Camaleão.

Num disco que versa fundamentalmente sobre a vida no mundo da música, seus prós e contras, seus altos e baixos, venturas e desventuras destacam-se a primeira do álbum, “All the Way from Memphys”,um rock’n roll gostoso carregado no piano e no sax; a pegada “Whizz Kid”, um hard-rock com peso e distorção; e a excelente “Ballad of Mott the Hoople” que aborda exatamente essa vida mainstream de forma honesta e realista.

Também valem destaque “Hymn for the Duddes” balada que soa quase como uma oração, verdadeiramente um hino com seus solos longos e tons monumentais; “Honaloochie Booggie” um hard-rock charmoso e cheio de vitalidade; “Violence”, um proto-punk com uma interpretação entre o agressivo e o sarcástico do vocalista Ian Hunter; e “I’m a Cadillac / El Camino Dolo Roso”, um excepcional épico em duas partes, a primeira um mais rock’n roll e a segunda mais lenta, mais acústica, com contornos de latinidade e ares mexicanos. 

Grande disco, mais uma grande descoberta!

Mais um pra conta do livro.

Ai, ai, ai... Onde é que eu vou guardar tantos CD’s?

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FAIXAS:

1. "All the Way from Memphis" – 5:02
2. "Whizz Kid" – 3:25
3. "Hymn for the Dudes" (Verden Allen, Hunter) – 5:24
4. "Honaloochie Boogie" – 2:43
5. "Violence" (Hunter, Ralphs) – 4:48
6. "Drivin’ Sister" (Hunter, Ralphs) – 3:53
7. "Ballad of Mott the Hoople (26th March 1972, Zürich)" (Hunter, Dale "Buffin" Griffin, Peter Watts, Ralphs, Allen) – 5:24
8. "I’m a Cadillac / El Camino Dolo Roso" (Ralphs) – 9:41
9. "I Wish I Was Yur Mother" (Hunter) - 4:52

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Ouça:

Mott The Hoople - "Mott"

Cly Reis

DJ Marky - "Audio Architecture" (2000)

 

"Acho que as pessoas gostam do nosso jeito de tocar. 

Estamos sempre fazendo palhaçada, sorrindo, dançando. 

A gente faz o que gosta (...)

Nossa entrada mudou o comportamento de alguns DJs de lá: 

tem cara que começou a dançar mais 

e a conversar com o público depois que chegamos. 

A gente solta a franga mesmo."

Dj Patife

sobre o trabalho dele 

e do DJ Marky na Inglaterra

DJ Marky é, sem dúvida alguma, um dos DJ's brasileiros mais prestigiados e respeitados pelo mundo afora. Figurinha confirmada nos grandes círculos da dance-music e nas principais casas londrinas, o paulistano é uma da grandes referências do drum'n bass e um dos inovadores do estilo.

 Tive a oportunidade de vê-lo discotecar num evento especial de comemoração pelo aniversário de uma festa tradicional de música eletrônica que acontecia em Porto Alegre, a Fulltronic. Ao contrário dos shows tradicionais do festival que costumavam ocorrer em pavilhões  ou ao ar livre, daquela vez a apresentação das atrações se deu no Bar Ocidente, uma casa clássica da noite portoalegrense, para um número bem reduzido de pessoas e com ingresso caríssimo, até pelo tamanho do convidado e pelo espaço reduzido. Mas valeu cada centavo! Marky, com toda sua habilidade, sonoridade e criatividade não  deisou ninguém  parado naquela grande noite no bairro Bonfim.

Destacamos aqui o disco "Audio Architecture", de 2000, trabalho em que o DJ coloca suas batidas e dá seu toque pessoal com suas mixagens, em algumas das músicas que mais executava  e qu faziam sucesso  nas nas mais badaladas casas noturnas de Londres. "Hide U", da Kosheen, com sua levada misteriosa e cativante; as frenéticas "The Specialist", do Future Cut e "Champion Sound", do Q Project; a envolvente "Atlantis"; e a veloz e furiosa "Nitrous", do Bad Company, que não  deve ser ouvida num automóvel sob pena do sujeito dar direto com a cara num poste, são somente alguns dos destaques de um disco que, a bem da verdade, é todo tão bom que poderia ter qualquer uma mencionada e recomendada aqui.

"Audio Architecture" de, certa forma, representa a qualidade da música eletrônica brasileira e justifica o respeito que ela adquiriu pelo mundo, especialmente por conta do talento de nomes como o de DJ Marky que dapois viria a inovar ainda mais o estilo, abrasileirando cada vez mais a sua drum'n bass, mas aí já é história para uma próxima vez.

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FAIXAS:

1.	"Hide U" (Kosheen; Decoder & Substance remix)	4:40
2.	"The Specialist" (Future Cut)	4:41
3.	"Reflections" (Ram Trilogy)	5:46
4.	"Champion Sound" (Q Project; Total Science remix)	5:06
5.	"Just A Vision" (Solid State; Marcus Intalex & ST Files remix)	5:25
6.	"RS 2000" (EZ Rollers)	4:47
7.	"Brand Nu Day" (60 Minute Man)	5:13
8.	"30 Hz" (Dillinja)	3:58
9.	"Atlantis" (Moving Fusion Atlantis)	3:36
10.	"Thin Air" (Bad Company & Fierce)	4:19
11.	"Detroit Blues" (DJ Reality)	5:02
12.	"Aí Maluco!" (Drumagick; DJ Marky remix)	5:03
13.	"Remote Control" (Phantom Audio)	4:32
14.	"Nitrous" (Bad Company & Trace)	5:19

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Ouça:

DJ Marky - Audio Architecture

por Cly Reis

“Crash - Estranhos Prazeres”, de David Cronenberg (1996)

Em 1996, David Cronenberg adaptou para o cinema o livro “Crash”, escrito por James G. Ballard, em 1973. O filme chegou a ser proibido em Londres, despertando uma larga discussão, na época, sobre a erotização da era tecnológica e sobre o automóvel como máquina fantasmática, mortífera e libidinal. No filme, o gozo e o prazer sexual são obtidos através de desastres e acidentes de carro. Os personagens se aventuram no trânsito caótico de uma grande cidade, atrás de sensações e prazeres intensos. Como se estivessem buscando “matar o desejo”. Nestas buscas, chegam a reproduzir acidentes automobilísticos fatais, que vitimizaram astros de Hollywood e outras pessoas famosas.

Um automóvel coloca em jogo, de fato, uma explosiva combinação de liberdade, desejo, voyeurismo, anonimato e direito à privacidade. Nesse processo, os próprios hábitos sexuais acabam mesmo reconfigurados. O escritor John Steinbeck chegou a dizer, certa vez, que “a maioria das crianças da América foi concebida em Fords Modelo T...”. Ou seja: para ele, a vertigem da velocidade corresponderia à vertigem do amor.

Noutro livro, Guillermo Giucci desenvolveu uma história cultural do automóvel, como um romance de curiosidades em torno do veículo. É interessante, por exemplo, a expressão “modernidade cinética”, que foi ali formulada. O termo servia para nos referirmos ao período que vai de 1900 até 1940, aproximadamente, quando começam a amadurecer aquelas que seriam algumas das principais características da vida moderna: a velocidade e a mobilidade. No centro desta revolução científica, tecnológica e social estava o automóvel, obviamente. Outro ponto importante do texto de Giucci: haveria uma sexualidade associada ao carro, aos objetos industriais e às substâncias inorgânicas.

Cena final "Crash - Estranhos Prazeres"

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Assista ao filme:

"Crash - Estranhos Prazeres"

por Fabrício Silveira

ÁLBUNS FUNDAMENTAIS ESPECIAL 10 ANOS DO CLYBLOG - Os Replicantes - "O Futuro é Vortex" (1986)

"Enfio a ficha no buraco

e dou um chute só para incomodar"

da letra de "One Player"

Meu amigo Cly Reis me pediu para escrever sobre um disco que eu considere muito bom, importante e marcante, uma obra-prima. Pensando bem ele não disse nada disso, apenas pediu que eu escrevesse alguma coisa sobre algum disco. Eu é que fiquei tentando, escolher um puta disco, um disco super-cabeça, algo que mostrasse como é vasto o meu conhecimento musical e como eu tenho bom gosto. Como um músico vaidoso que insiste em enfiar demonstrações de habilidade técnica em canções que ficariam bem melhores com algo mais simples eu tentei usar o disco como pretexto para escrever sobre mim mesmo e pelo jeito foi o que eu acabei fazendo. Passei meses rejeitando os candidatos. Nenhum disco era bom o suficiente. Sempre tinha algum defeito. Um era mal produzido, outro tinha letras bobas, outro tinha solos demais, outro tinha solos de menos, e assim vai. Em nome de impressionar o Cly e os leitores do ClyBlog eu percorri em vão catálogos e prateleiras. Como Diógenes com uma lamparina na mão em busca de um homem honesto. Honesto! Aí estava minha resposta. Diógenes não procurava o homem mais inteligente, o mais bonito ou bem sucedido, ele queria encontrar um homem honesto. A resposta atingiu minha cabeça como uma jaca madura, o disco mais honesto que eu mais gosto é, sem a menor dúvida, o primeiro disco d'Os Replicantes, "O Futuro é Vortex". É um disco punk de verdade, nu e cru. O fato dos músicos não usarem coturnos, moicanos, pregos ou tachinhas o faz ainda mais autêntico. Naquele tempo não faltavam almofadinhas fantasiados de punk. Numa década de cocôs lustrados e lapidados, de obras sem o menor conteúdo mas de acabamento e produção impecáveis Os Replicantes eram uma grata surpresa. "O Futuro é Vortex" não tem frescuras, não faz prisioneiros e ao mesmo tempo não tem ofensas gratuitas. Não é uma tentativa de chocar ou insultar ninguém, é o trabalho de uma banda botando para fora as angústias, a revolta e as frustrações de muitos jovens que viviam na Porto Alegre dos anos oitenta. A Guerra Fria e a sombra da possibilidade de um holocausto nuclear ainda pairava sobre hippies, punks, surfistas, boys do subterrâneo, rajneeshs, motéis de esquina, censores e mulheres enrustidas. O mundo era dos yuppies, do overnight, da cocaína e só nos cabia assistir e torcer pelo plano cruzado que tinha que dar certo e obviamente não deu. "Enfio a ficha no buraco e dou um chute só para incomodar" resume bem a minha adolescência ou até talvez toda a minha existência. Totalmente submisso ao sistema e gastando a mesada em uma máquina de aventuras ilusórias O chute não é mais que uma simbólica e inútil revolta. Se o disco tivesse sido tocado, gravado e produzido de uma forma mais cuidadosa perderia todo seu sentido. Punk tem que ser podre, com cheiro de sarjeta e cola de sapateiro.

por Rodrigo Lemos

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FAIXAS:

1. "Boy do Subterrâneo" (Carlos Gerbase, Heron Heinz) – 2:22
2. "Surfista Calhorda" (Carlos, Heron) – 3:30
3. "Hippie-Punk-Rajneesh" (Carlos, Heron) – 2:43
4. "One Player" (Carlos, Cláudio Heinz) – 2:43
5. "A Verdadeira Corrida Espacial" (Carlos, Cláudio) – 2:24
6. "O Futuro é Vortex" (Carlos, Heron) – 2:17
7. "Choque" (Carlos, Heron) – 3:03
8. "Ele Quer Ser Punk" (Carlos, Cláudio) – 2:06
9. "Motel da Esquina" (Cláudio) – 2:24
10. "Mulher Enrustida" (Cláudio, Heron) – 0:52
11. "Hardcore" (Carlos, Heron) – 2:20
12. "O Banco" (Heron, Luciana Tomasi) – 2:19
13. "Censor" (Carlos, Heron) – 2:01
14. "Porque Não" (Carlos, Cláudio, Heron) – 1:14

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Ouça:

Os Replicantes- O Futuro é Vortex

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Rodrigo Lemos é músico nascido em Porto Alegre e residindo atualmente em Londres, na Inglaterra, onde é professor de música.

Siouxsie & the Banshees "Nocturne" (1983)

"Siouxsie and the Banshees 

é uma das poucas bandas 

que se pode recomendar

 toda a discografia."

Kid Vinil

Vim ouvindo no carro entusiasmadamente o "Nocturne", álbum ao vivo da Siouxsie & the Banshees.

Cara, o que é aquele álbum?

Gravado no Royal Albert Hall em Londres, é outro dos que certamente figuram entre os melhores discos ao vivo da hist´ria do rock.

A "doida" introdução de Stravinsky - fantástica-, abre "Israel" que já entra com o baixo marcante e seguro de Steve Severin, no primeiro momento do disco e já dos pontos altos.

"Paradise Place" é uma pedrada agressiva e certeira. "Melt" mesmo sem os bandolins da original mantém o clima sombrio e sensual, muito graças à habilidade e técnica de Robert Smith do Cure, que participa dese álbum e curiosamente toca como jamais tocou antes mesmo na própria banda.

"Slowdive" por exemplo que tinha violino na sua versão original, nem sente falta desse elemento, uma vez que a guitarra de Smith dá conta do recado e confere mais "pegada" à canção.

Em "Cascade" o show fica por conta de Budgie que destrói com sua batida complexa e elaborada que invariavelmente aparece com grande qualidade em quase todas as faixas.

"Helter Skelter" é outro grande momento, "Nightshift" também é destaque, e "Eve White, Eve Black" introduzindo para a longa "Voodoo Dolly" é verdadeiramente sinistra e estas fecham o show e o álbum em grande estilo.

O show também resultou num filme da banda no qual se pode notar a presença de Robert Smith que, estranhamente, apesar da grande performance musical, quase não se mexe no palco. Mas ele não é dançarino, mesmo...

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FAIXAS:

1. Intro - The Rite Of Spring
2. Israel
3. Dear Prudence
4. Paradise Place
5. Melt!
6. Cascade
7. Pulled To Bits
8. Nightshift
9. Sin In My Heart
10. Slowdive
11. Painted Bird
12. Happy House
13. Switch
14. Spellbound
15. Helter Skelter
16. Eve White / Eve Black
17. Voodoo Dolly

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Ouça:

Siouxsie and The Banshees - Nocturne

Cly Reis

Maria Bethânia – Show “Abraçar e Agradecer” – Teatro do SESI – Porto Alegre/RS (16/04/2015)

O encanto e a graça de Bethânia no Teatro do SESI
foto: Amanda Costa

Não sou um expectador de shows tão rodado, bem como sei que já perdi muitos deles que nunca mais assistirei, pois os artistas já se foram para outro plano. Mas sei também que já vi muita coisa boa pelos palcos da vida, e dificilmente algo se comparará ao megaespetáculo de Paul McCartney no Estádio Beira-Rio ou, noutra ponta, ao “concerto caseiro” que Paulinho da Viola proporcionou aos porto-alegrenses num belo domingo matinal na Redenção. Mas o que estou falando não tem nada a ver com isso. Tem a ver com a talvez maior cantora, maior performer, maior intérprete viva deste esférico e redundante planeta: Maria Bethânia. E em se tratando de Bethânia não há comparação.

O espetáculo “Abraçar e Agradecer”, apresentado por ela no Teatro do Sesi, em Porto Alegre, comemorando irrepreensíveis 50 anos de sua carreira, deixa muito claro todas essas acepções: vê-se uma artista plena no palco, ciente e aproveitadora de sua trajetória, carregada pelo alto profissionalismo e por suas próprias individualidade, apaixonada pelo o que faz. Como muitos gostam de dizer – mas que a ela se atribui de fato –: uma diva. Foram cerca de 1 hora e 45 minutos que percorrem vários momentos de sua trajetória como uma das mais importantes artistas da história da música brasileira.

Sob luzes intensas de um cenário magnificamente montado por Bia Lessa apenas por estas, Bethânia entra no palco. E é ai que tudo se ilumina de fato. A abertura é tão grandiosa quanto autorreferencial: “Eterno em Mim”, de autoria do mano Caetano Veloso, compositor preferido dela (junto com Chico Buarque) e de maior presença no repertório do show, com seis canções ao total. Tão lindo e completo que minha sensação era de que, logo que terminou o primeiro número, a apresentação poderia terminar ali. Exagero meu, pois tinha muito mais. Mais uma, “Dona do Dom” (de Chico César, de quem também Bethânia cantara outra marcante do show, o fado milongado “Xavante”), e vem um belíssimo poema da própria Bethânia, misto de agradecimento ao público, aos orixás, à natureza, aos amigos, à vida e a si mesma. Tão bonito que não deixa em nada a dever aos outros textos que, como de costume, ela entremeia às canções nos seus shows. Neste espetáculo, obviamente, não poderia ser diferente: tem Clarice Lispector (com três passagens), Waly Salomão, Carmen Oliveira e Fernando Pessoa.

Mas voltando às músicas, o repertório celebra sua história na música brasileira, mas, exceto o hit “Gostoso Demais” (Dominguinhos e Nando Cordel), evita obviedades como “Fera Ferida”, “Reconvexo”, “Álibi” ou “Um Índio”. Mas clássicos há, e vários deles. Tanto que Bethânia arrasa numa versão vibrante e comovente de “Gita”, de Raul Seixas e Paulo Coelho. Todas as músicas se emendam umas nas outras, o que faz com que intensifique ainda mais a montanha-russa emocional que ela impõe ao público, pois além da carga gerada pelas próprias músicas, ainda não dá tempo de respirar entre estas. No caso, “Gita” se liga com outra de Caê: a lírico-romântica “A Tua Presença Morena”, joia que o genial irmão compôs-lhe para o álbum “A Tua Presença”, de 1971, ainda no exílio em Londres. De arrebatar. Aí vem outra dele para ela: “Nossos Momentos” (“Quem pode compartilhar dos meus sentimentos/ Na hora que o refletor bater/ Momentos de luz e de nós/ Momentos de voz e de sonho/ Momentos de amor que nos fazem felizes/ E às vezes nos fazem chorar”), num diálogo tanto com o que veio antes quanto com o trecho de Lispector lido na sequência, que diz: “Antes de julgar a minha vida, calce os meus sapatos, percorra o caminho que percorri, viva as minhas tristezas, minhas dúvidas, viva as minhas alegrias. Tropece aonde eu tropecei, e levante-se assim como eu fiz.”

Gonzaguinha, outro importante parceiro, amigo e compositor da carreira de Bethânia, retoma a seção musical metalinguisticamente: “Começaria Tudo Outra Vez”. No palco de LED em que Bethânia pisa se projetam de diversas formas: flores, estrelas, letras, desenhos, geométricos. E as luzes sobre ela ajudam a marcar a incrível performance de uma artista que dança e interpreta com alegria e jovialidade, apesar dos cabelos tomados de branco e os quase 70 anos. “Alegria”, aliás, é o que ela traz em seguida no lindo samba de Arnaldo Antunes, que ganha batuques de axé. Logo após, “Voz de Mágoa” (Dori Caymmi e Paulo César Pinheiro), uma tocante interpretação do clássico bossa-novista “Dindi” e uma ainda mais emocionante execução de “Você Não Sabe”, de Roberto e Erasmo, compositores “incultos” para a dita intelligentsia que Bethânia fora uma das primeiras a demonstrar a beleza de suas construções melódicas. Quando se pensa que vai se respirar um pouco, ela vem com “Tatuagem”, de Chico e Ruy Guerra, e aí os olhos marejam inevitavelmente.

Depois de novo texto de Lispector, Chico retorna noutra marcante na carreira de Bethânia: a apoteótica “Rosa dos Ventos”, título do memorável show da cantora de 1971 quando ela consolida este formato de apresentação altamente íntima e com composições de diversas vertentes. Um pout-pourri com a ótima banda comandada por Jorge Helder preenche o interlúdio, quando Bethânia sai para trocar de figurino e voltar para o segundo ato. “Tudo de Novo“, mais uma de Caetano, faz a montanha-russa, que havia estacionado por alguns minutos, voltar com toda a velocidade.

As referências aos orixás, principalmente Iansã e Oxum, e aos elementos “água” e “vento” aparecem do início ao fim, e bastantemente nesta segunda parte. “Doce”, de Roque Ferreira (“A lagoa escura que a Bahia tem/ Que a areia branca rodeou/ São as águas de Oxum que Caymmi batizou...”), ”Oração de Mãe Menininha”, de Caymmi (“E a Oxum mais bonita, hein? Tá no Gantois...”), “Eu e Água”, outra de Caetano (“O mar total e eu dentro do eterno ventre/ E a voz de meu pai/ voz de muitas águas”) dialogam entre si e mostram claramente isso. A música que dá título ao show, de Gerônimo e Vevé Calazans (porém na ordem inversa: “Agradecer e Abraçar”), mantém a mesma linha: “Abracei o mar na lua cheia...”. Igualmente as três de Roque Ferreira que vêm em sequência: “Vento de Lá” (“Foi o vento de lá, foi de lá que chegou/ Foi o vento de Iansã dominador que dormia...”), “Imbelezô Eu” (“Alecrim beira d'água/ Que me beijou percebeu/ Alguma coisa em mim aconteceu/ A mão que me tocou imbelezô eu...”) e a bela “Folia de Reis”.

Um samba antigo, “Mãe Maria”, de Custódio Mesquita e David Nasser, precede outra maravilhosa declamação de Bethânia – como talvez no Brasil ela seja a que melhor o saiba fazer –, agora com poesia do conterrâneo Waly: “Cresci sob um teto sossegado, meu sonho era um pequenino sonho meu. Na ciência dos cuidados fui treinado/ Agora, entre meu ser e o ser alheio, a linha de fronteira se rompeu.”. Neste momento, Bethânia, dona do repertório, faz um singular paralelo entre a música rural (“Eu, a Viola e Deus”, “Criação”, “Casa de Caboclo”, “Viver na Fazenda”) com a raiz indígena brasileira (“Povos do Brasil”, o canto tupi “Maracanandé” e a já citada “Xavante”) com o autorreconhecimento da voz (“Alguma voz”, outra de PC Pinheiro e Dori, e “Motriz”, última de Caetano no show), seleção de músicas cujo simbolismo, entremeada pelo pungente e feminino texto “Candeeiro”, de Carmen Oliveira, representa a sua própria existência como pessoa e cantora.

“Eu Te Desejo Amor”, canção francesa de Charles Trenet e Léo Chauliac, de 1942, vertida para o português por Nelson Motta, arrebatou o público, que a essas alturas já a aplaudia de pé. Ao final desta, por sinal, dois minutos de aplausos diante de uma Bethânia visivelmente emocionada que dizia: “Que plateia é essa?!”. Mas o deslumbre não terminaria ali, pois, depois de ler um de seus poetas preferidos, Pessoa, Bethânia inunda de emoção o teatro com uma interpretação, esta em francês de fato, do clássico de Edith Piaf “Non, Je ne Regrette Rien”, enquanto uma projeção no chão de uma faixa de estrada parece cruzar-lhe o peito em alta velocidade.

“Silêncio” fecha o show em versos que traduzem a despedida e a delicadeza daquele momento tão especial, tanto para a artista quanto para o público: “Silêncio, eu quero ouvir o que me diz a imensidão/ Saber se minha alma tem razão/ Quando acredita que essas coisas vão durar”. A banda encerra ao som de outro marco da trajetória de Bethânia: “Carcará”, de João do Vale. Sob um mar de aplausos ela sai do palco, mas logo retorna para entoar dois sucessos: `”É o Amor”, de Zezé di Camargo e Luciano, que ela, em 1999, recolocou num outro patamar interpretativo, e “O que é o que é”, o grande sucesso de Gonzaguinha. É quando a plateia, já de pé e dançando, entoou junto com ela os inesquecíveis versos: “Viver/ E não ter a vergonha de ser feliz/ Cantar e cantar e cantar/ A beleza de ser/ Um eterno aprendiz...”.

Pra mim, admirador de sua obra e colecionador de vários de seus discos, a sensação que saí foi, além do deslumbre, de que Bethânia, ainda por cima, é ótima de estúdio. Pois a maior certeza que se tem é que ela é inteiramente do palco. Como disse no início, dificilmente verei apresentações melhores de algumas que já vi, pois estas estão guardadas no coração do diletante. Mas como este show de Maria Bethânia, a quem vi pela primeira vez, acho que nunca mais presenciarei. Ao fim, as cortinas se cerram e não se vê mais Bethânia, mas, como dizem os versos de Chico: “Sei que além das cortinas/ São palcos azuis/ E infinitas cortinas/ Com palcos atrás.” Bethânia está sempre lá, atrás das cortinas, além das cortinhas. Ela é luz, ela é azul, ela é o palco.

por Daniel Rodrigues

Copa do Mundo Gilberto Gil - classificados da segunda fase

Eis os classificados na segunda fase, que avançam no nosso pequeno certame futebolístico-musical.

Rapai..., a coisa foi braba nessa segunda fase! Nossos julgadores tiveram enorme dificuldade e alguns nomes grandes, potenciais candidatos, ficaram pelo caminho: "A Paz", "Se eu quiser falar com Deus", "Barracos", Ê, povo, ê", "Parabolicamará", "Extra", foram algumas das "camisetas pesadas" que deram tchau para a competição.  

E quer saber? 

Vai piorar. 

Ou melhorar, dependendo do ponto de vista. 

A partir de agora, a coisa afunila mesmo, e só as fortes sobreviverão. 

Aguardemos para ver. Aguardemos.

Confere aí, abaixo, quem avança na competição:

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resultados de Leocádia Costa

La Renaissence Africane 2x3 Ilê Ayê
O jogo virou e favoreceu esse hino que ecoa ancestralidade por todos os poros. Vitória justa!


Copo Vazio 1x3 Marginália 2
A poesia profética e cortante de Torquato Neto arrasou a canção cheia de lirismo. Sem chance de reação.


O Som da Pessoa 3x2 O Eterno Deus Mu Dança!
A disputa foi acirrada, mas “O Som da Pessoa” é pura poesia. E esse violão, minha gente!!! Agitou a galera!


Filhos de Gandhi 4x0 Ê, Povo, Ê
A canção que arrasta milhares de pessoas quando esse bloco sai em Salvador emociona demais. Essa música é “Filhos de Gandhi”. Clássico é clássico!


Three Little Birds 3x0 Ela
Bob Marley na voz de Gil é mágico. É como Garrincha jogando com Pelé, sabe? Essa canção é uma das minhas prediletas. Me sinto voando quando a escuto.


Panis et Circenses 3x2 Refavela
Jogo difícil, porque ambas são muito representativas, timaços em campo. Dessa vez fico com a lendária “Panis et Circenses”, que migrou para outros intérpretes e continua intacta, eterna.


Serafim 1x 3 Sítio do Pica-Pau Amarelo
O jogo foi fácil, porque o emocional atingiu a concentração dos competidores. Primeira infância emplacando os corações.


Oriente 3x0 Chuck Berry Fields Forever
A magistral canção que cresce quando executada não deu espaço e ganhou de lavada do adversário.

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resultados de Kaká Reis

Flora 1x0 Joao Sabino

Essa disputa já chegou de forma bem desafiante! Joao Sabino era até então desconhecida por mim, porém de uma enorme genialidade. Mesmo assim, nessa disputa. Flora vence por 1x0.

Esotérico 5x0 Norte da Saudade

Nem bem o juiz apitou e Esotérico meteu 5 bolas na rede! Essa é quase imbatível!

Punk da Periferia 1x3 Domingo no Parque

Complicou o meio de campo! O jogo abre com Domingo No Parque abrindo vantagem. Punk da Periferia consegue emplacar um gol, mas antes do final do 2º templo, Domingo no Parque fecha o Placar em 3x1. É muita música!!!!

Amarra o teu arado a uma estrela 1x0 Cores Vivas

Mais um confronto com uma “inédita” pra mim. Dessa vez, dificílimo julgamento da juiza! Rs. E acreditem se quiser, nessa disputa, conseguiu cravar 1x0 em Cores Vivas, ganhando a disputa.

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resultados de Joana Lessa

Drão 3x2 Barracos
Num clássico como esse, a disputa é apertada. Drão veio metendo 2, até que Barracos encostou. Mas no final deu Drão.


Lamento sertanejo 1x2 Andar com Fé
Placar apertado, mas pode se dizer que Andar Com Fé ganhou com uma certa tranquilidade.


Zumbi 5x2 Batmacumba
Zumbi já chegou goleando, mesmo com uma pequena reação de Batmacumba


Cinema Novo 1x3 Vitrines
Vitrines levou com facilidade. Já era superior antes mesmo de entrar em campo.

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resultados de Rodrigo Dutra

Lugar Comum 0x2 Maracatu Atômico

Ah, eu amo Lugar Comum por ser a cara de Donato, mas “Maracatu Atômico” é de Jorge Mautner e lembro como a versão de Chico Science definiu o Mangue Beat nos anos 90. “Manamaê ô!”

Quilombo, o Eldorado Negro 0x1 Aquele Abraço

“Aquele Abraço” pros quilombos. A música que Gil fez pra se despedir do Brasil é uma das favoritas ao título. Alô, Alô ClyBlog, olha o breque!

Queremos Saber 1x2222 Expresso 2222

Uma pena “Queremos Saber” enfrentar esse verdadeiro trem de ferro que é a magnífica “Expresso 2222”. É o retorno de Gil pro Brasil, é o olhar pro futuro, além do balanço forrozeiro único. Goleada absurda!

Procissão 0x0 Palco (2x3)

“Palco” ganha nos pênaltis, porque “Procissão”, embora seja pura poesia e tenha ouvido tanto na vida, não atinge o grau festeiro, oitentista, sagrado e popular de “Palco”, trilha até de Chiquititas.

Parabolicamará 2x4 Tempo Rei

Sou noveleiro, mas tenho que reverenciar a Coroa. “Tempo Rei” ganha com autoridade oitentista. Clássica!

Back in Bahia 1x0 Geleia Geral

Essa faço chorando, porque “Geleia Geral” é tão legal! Torquato Neto, Tropicália, Pindorama, a mistura regurgitofágica desses anos de ouro. Mas “Back in Bahia” é mais poderosa, em melodia e significado.

A Paz 4x5 Toda Menina Baiana

Outra parada duríssima. Queremos paz para nuestro pueblo, mas as meninas baianas imperfeitas se sobressaem. Foi um placar acirrado que Deus deu.

Kaya N'gan Daya 2x0 Nêga

“Nêga” caiu no ritmo contagiante da tribo fumacê jamaicana e perdeu o jogo. Trench Town ganhou de Londres.

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resultados de Daniel Rodrigues

Pai e Mãe 0x3 Refazenda 

Clássico Regional! Jogo de clubes (músicas) do mesmo lugar (disco). Mas é mais ou menos Inter x São José, Flamengo x Ameriquinha ou Atlético Mineiro x América Mineiro, sabe? Por mais que “Pai e Mãe” tenha bons momentos, emocionantes até, não tem como competir com “Refazenda”, que impõe seu esquema, refazendo tudo. Time que tem paciência de ver amadurecer o gol. Sabes ao que estou me referindo, né? O tempo demora a trazer o gol, mas, sem desistir, “Refazenda” chega ao primeiro e depois a bonança veio ao natural. Com tranquilidade, “Refazenda” fecha com uma quase goleada de 3 x 0.

Extra 0x1 Realce 

Reggae versus disco music. Seriedade versus alegria. Reflexão versus espontaneidade. Quem sai vencedor neste duelo de opostos? “Realce” se vale de seu futebol propositivo, sem medo de ser feliz, enquanto “Extra” tem um esquema bem pensado, que sabe onde quer chegar. Mas “Realce” não desespera, pois quando vai pro ataque fere a tal ponto que nenhum mágico interferirá. Tanto foi que, de repente, brilhou: “Realce” marca ali pela metade do primeiro tempo aquele que seria o gol da vitória. Apertada, mas suficiente para lhe colocar na próxima fase da Copa Gil. E a organizada LGBTQIA+ na arquibancada vai à loucura!

Super-Homem (A Canção) 2x1 Tradição 

Outro clássico de músicas irmãs. Os dois se sentem em casa. Mas “Super-Homem” entra em campo com uma vantagem, pois é ela que antecede justamente “Tradição” no disco e tem a função de lhe “passar a bola”. Só que ela devolve a bola no círculo central, porque conseguiu abrir o placar. Mas não tem jogo perdido! É o tipo da partida que tem emoção até o fim. “Tradição”, como o nome diz, tem uma camiseta pesada e muito recurso de gingado e empata. No segundo tempo, segue a igualdade: a emotividade de “Super-Homem” e a qualidade amadiana de “Tradição”. Até que, mudando como um Deus o curso da história, o super-homem veio restituir sua canção à glória, que marca no finazinho (ali quando Gil dá aquele agudo lindo: “Por causa da mulheeeer...”) e esta grande partida se encerra assim: 2 x 1 para “Super-Homem (a canção)”

Essa é pra tocar no rádio 0x1 São João Xangô Menino 

Jogo disputado, com muitas oportunidades de cada lado, chances de gol, bola na trave, gol anulado e... nada de sair do zero. Times bem parelhos: “São João” com status de Doce Bárbaros e “Essa...”, que já entra em campo desta vez não com a formação de “Refavela”, mas a de “Gil & Jorge”, ou seja, com um futebol mais malandro, ousado, pautado no “dibre”. Mas ninguém resiste àquele refrão móvel de “São João”, ainda mais naquele em que tasca várias referências a discos de Caetano, Gil, Gal e Bethânia (“Viva Refazenda/ Viva Dominguinhos/ Viva qualquer coisa/ Gal canta Caymmi/ Pássaro proibido”). Partida resolvida no detalhe, “São João” marca o seu e solta foguete pra comemorar. 1 x 0, placar final.

Meio de Campo 0x1 Raça Humana 

Outra parada dura. “Meio de Campo” se vale do privilégio de ser das poucas músicas de Gil com referência ao futebol, o que já a põe em vantagem. Outro fator importante: música pra voz de Elis Regina. Ou seja, daquelas de respeito. Só que ela, naquela filosofia “Eu não sou Pelé nem nada, se muito for eu sou um Tostão”, atacava, atacava, e nada de sair do zero. “Fazer um gol nessa partida não é fácil, meu irmão”, falou o técnico já irritado. E como camiseta não ganha jogo e não adianta manter o jogo só no meio de campo, a adversária, com leitura cirúrgica do fator humano, riscou, rabiscou e pintou um golaço na meta defendida pelo goleiro que joga na seleção. “Entrou com bola e tudo!”, disse o narrador. E foi assim que a partida se resolveu: com um belo gol, construído com trabalho de Deus. 1 x 0 “Raça Humana”.

Haiti 1x0 Se eu quiser falar com Deus 

Pedreira num jogo de iguais, mesmo que de épocas diferentes. A diferença de 12 anos a mais não fez com que “Se eu...” se intimidasse com o vigor da adversária e abre o placar. Mas “Haiti” não se assusta com a reza brava da adversária e reage em seguida, empatando. A partir daí o jogo fica encroado, nervoso, com os dois times se respeitando. Foi então que, numa distração de “Se eu...”, a ousada “Haiti” aproveita uma escapada pela ponta, na hora do rap de Gil (“111 presos, mas presos são quase todos pretos...”) e define: 1 x 0. “Haiti”, que não veio pra brincadeira nessa Copa, tira uma das fortes candidatas. Mas futebol é isso, e a torcida canta: “O Haiti é aqui!”

Cálice 2x0 Tenho Sede 

“Tenho Sede” é daquelas músicas tão bonitas que lhe cabe com precisão o termo “terna”. Só que pra jogar um torneio tão disputado tem que estar com a condição física em dia. “Cálice”, agressiva e com time bem posicionado (tendendo, muitas vezes, a fazer suas jogadas pela esquerda, obviamente), vale-se que a adversária cansou um pouco, precisava se hidratar, e aproveita essa queda de rendimento para forçar o jogo. Depois de uma tabelinha entre Gil e aquele atacante contratado do Politheama fã de Canhoteiro, o Chico, mete na rede. Na comemoração, dedinho em riste no lábio mandando recado pra torcida adversária: “Cale-se!”. Com mais um pra decretar o placar final, “Cálice” faz 2 x 0 e fecha a conta.

Só quero um xodó 0x1 Barato Total

Sabe aquele time que tem um futebol bonito, que todos gostam de ver, e que tem carisma junto ao público? “Só quero um xodó” é assim. Parceria Gil e Dominguinhos não poderia dar noutra coisa, né? Mas o problema é que ela pegou pela frente a potente “Barato Total”. Música de muitos recursos (rítmicos, timbrísticos, harmônicos, vocais), que entra em campo com aquela aparente displicência, cantando “lalalá”, mas, no fundo, tá superligada na partida. A aposta é no futebol alegre, afinal, quando a gente 'tá contente, nem pensar que está contente a gente quer: a gente quer, a gente quer, a gente quer é fazer gol, claro! Vitória simples de 1 x 0, que poderia ter sido 2 ou 3 se “Barato...” não se esquecesse de vez em quando do seu compromisso de ganhar a partida.

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CLASSIFICADOS PARA A TERCEIRA FASE:

Drão
Andar com Fé
Zumbi
Vitrines
Barato Total
Cálice
Haiti
Raça Humana
São João Xangô Menino
Super-Homem (A Canção)
Realce
Refazenda
Kaya N'gan Daya
Toda Menina Baiana
Back in Bahia
Tempo Rei
Palco
Expresso 2222
Maracatu Atômico
Aquele Abraço
Flora 
Esotérico
Amarra o teu arado a uma estrela
Domingo no Parque
Oriente
Sítio do Pica-Pau amarelo
Panis et Circences
Ilê Ayê
Marginália 2
O Som da Pessoa
Filhos de Gandhi
Three Little Birds

Agora, tem novo sorteio, e nos próximos dias, 

divulgaremos os confrontos da nova fase da Copa Gil.