"Como Se Mede Um Ano?", de Jay Rosenblatt (2022)

 

Quem é pai sabe bem como é aquela coisa de ficar relembrando com o próprio filho momentos, hábitos e curiosidades da infância: "Quando você era pequeninho falava tal coisa errado...", "Quando você tinha cinco aninhos disse que queria ser jogador de futebol", "Você era tão tagarela quando tinha sete, oito anos...". Pois é. Muitas coisas a gente tem em foto, outras tem em vídeo e muitas só na memória. Pois um pai resolveu registrar a passagem do tempo com sua filha desde os três anos de idade, numa espécie de ritual de aniversário, até os dezoito anos de idade, verificando a evolução da filha, em todos os sentidos, o físico, o emocional, o intelectual, o humano... 

Em "Como Se Mede Um Ano?", filme que concorre ao Oscar de melhor documentário em curta-metragem, o cineasta Jay Rosenblatt, grava pequenas entrevistas com a filha Ella, fazendo perguntas bastante simples mas extremamente reveladoras e que, com o passar do tempo e o amadurecimento da garota, passam a ser ainda mais significativas. Apesar da simplicidade da proposta cinematográfica, o enfoque intimista, com a câmera quase sempre fechada no rosto da filha, os cortes precisos para cada passagem de ano, com deixas oportuníssimas encaminhando para a etapa seguinte e um próximo ano, fazem de "Como Se Mede Um Ano?", um documentário diferenciado e de enormes virtudes e méritos.

Por mais óbvio que seja que a criança que começa o filme seja diferente da moça do final, é interessantíssimo notar essas mudanças ao longo daquele período na menina. O acréscimo de vocabulário,  a aquisição de conhecimento, a formação de opiniões, a maturidade, a imaturidade, a consolidação de uma personalidade. É curioso, por exemplo, quando aos 4 anos o pai pergunta para a menininha sobre o que ela acha que significa a palavra "poder" e ela diz que não faz a menor ideia, e somente aos 12 consegue, efetivamente dar uma resposta mais clara, equilibrada e ponderada; também quando, ainda pequena, deixa escapar, numa resposta intuitiva, sem pensar, que tem medo dele, do pai (o que o surpreende muito); notar a transformação da queridinha do papai, para a "aborrecente" que admite que o relacionamento entre eles não vai bem por conta das constantes discussões; até chegar à mulher, de dezoito anos, inteligente, amorosa, prestes a ir para a faculdade, com ideias bastante claras sobre quase tudo e ciente de que tudo que passou até ali fez parte de um processo, como acontece com todo mundo. 

Filme lindo para qualquer um, creio eu, mas ainda mais bonito para quem é pai, como  eu e tem uma relação muito próxima com a filha. Não registrei o momentos, como fez o diretor, mas já fico lembrando de algumas coisas e, como revelei para minha filha, mesmo, já tenho saudades do bebezinho que falava errado, que fazia festas de aniversário com os bichinhos de pelúcia, que parava na pracinha para andar de balanço... É, o tempo passa.

A cena final, belíssima e emocionante, quando às vésperas
da ida da filha para a faculdade, eles, de certa forma, se despedem do convívio diário.

Cly Reis 

"Pinóquio" ou "Pinóquio por Guillermo Del Toro", de Guillermo Del Toro e Mark Gustafson (2022)

VENCEDOR DO OSCAR

MELHOR ANIMAÇÃO

O lar da sabedoria

por Cly Reis

Guillermo Del Toro é daqueles diretores que já consolidou de tal forma uma identidade cinematográfica, uma série de marcas registradas, características estéticas, que sua obra é facilmente identificável pelos admiradores de seu trabalho. "Pinóquio", embora seja uma animação com um argumento originalmente infantil, traz consigo o melhor das características de Del Toro. A adaptação do mexicano, vencedor do Oscar com "A Forma da Água (2018), em colaboração com o norte-americano Mark Gustafson, para a consagrada obra do escritor italiano Carlo Collodi, acrescenta seu tradicional tom sombrio e um olhar crítico e engajado, à singeleza do conto infantil.

O diretore se utiliza da magia da história do velho marceneiro que cria um boneco de madeira que ganha vida, para denunciar o fascismo e as sociedades conservadoras, situando sua adaptação entre as duas grandes guerras, especialmente no início da Segunda, quando a Itália encontra-se sob o governo totalitário direitista de Mussolini. Mais uma marca registrada, uma vez que não é a primeira vez que isso acontece na obra de Del Toro: ele já havia contextualizado outros filmes seus em períodos de guerra, pós ou sob regimes fascistas, como em "Labirinto do Fauno" e "A Espinha do Diabo" e mesmo quando não ambienta nessas circunstâncias, aborda situações que se assemelham ao fascismo e cerceamento de liberdade, individualidade e identidade.

No "Pinóquio por Guillermo Del Toro", depois de perder o filho Carlo, de 10 anos, num bombardeio no final da primeira guerra, o marceneiro Gepetto, depressivo e nunca totalmente conformado pela morte do garoto, dez anos depois, embriagado, num acesso de fúria, corta o pinheiro vizinho ao túmulo do filho e resolve dele fazer um boneco para 'substituir' o filho. Compadecida por tamanha dor de um pai, uma Fada da Floresta concede vida ao pedaço de madeira, no qual, por acidente, residia, antes da marcenaria, um grilo escritor e intelectual que, recusando-se a sair, assume o papel de conselheiro do boneco-menino.

E pode crer que ele precisa de um conselheiro! O boneco é  completamente espirocado. É agitado, tagarela, curioso, teimoso e incontrolável... É lógico que nem o grilo, Sebastião, com toda sua sabedoria, nem o pai, com seu zelo, conseguem pôr o guri na linha, o que resulta em inúmeros problemas para o velho. Pinóquio é um daqueles espírito livres, independentes, aquele tipo de 'gente' que não se submete, não aceita um  'não porque não', e isso incomoda a sociedade, incomoda os conservadores, os conformistas, e incomoda o poder. Assim que se apresenta ao mundo, o menino de madeira é considerado uma aberração, algo satânico aos olhos dos católicos, que insistem em não enxergar nada além da Criação Divina. Mais do que sua aparência, sua procedência, o garoto, contestador e crítico, choca por desafiar a ordem e os bons costumes. Na cena da igreja, quando todos da cidadezinha tomam conhecimento de sua existência e suas habilidades humanas, e manifestam seu espanto, desaprovação e condenação a seu convívio com os demais, Pinóquio aponta, no fundo do altar, para uma enorme imagem de Cristo crucificado, esculpido pelo mesmo marceneiro que o criara, e questiona por que gostam tanto daquela imagem da madeira e dele não. "Blasfêmia!"

Rejeitado pela sociedade por não se enquadrar nos padrões, cobiçado pelo exército do Duce por suas propriedades metafísicas, e contestado pelo próprio pai-criador por conta de seu comportamento, o garoto, em busca de aceitação, de encontrar seu lugar no mundo, iludido por um um dono de circo, abandona a escola, a cidade e o pai, e segue com a trupe em turnê, sendo exibido pelo país afora como grande atração. Aí, a partir dessa rebeldia, se desencadeiam uma série de fatos, aventuras e perigos, sendo alguns deles fatais. Sim, fatais! O garoto morre mas descobre, em meio a esse turbilhão de acontecimentos, que sempre voltará a viver, o que poderá vir a representar um fardo em sua vida, uma vez que todos que ele ama, partirão e ele, eterno, terá que lidar com essas perdas. Bom menino, amoroso, bem intencionado mas confuso, talvez tenha nesse ponto seu grande desafio enquanto ser não-humano e imortal: entender o valor da vida e de cada momento.

Obra repleta de sutilezas, questionamentos, mensagens, "Pinóquio, por Guillermo Del Toro" é mais que somente uma animação ou uma adaptação de um clássico infantil. É uma utilização de uma linguagem mais acessível, lúdica, fantástica, para transmitir uma série de pequenos recadinhos, que servem, perfeitamente, tanto para os pequenos como para os crescidinhos.

Há uma série de detalhes importantes como as mudanças na parede do vilarejo, perto da igreja, que no início do filme, enquanto Carlo ainda vivia, tinha um anúncio de produtos da região; depois, quando surge Pinóquio, passa a ter uma convocação para o exercito com a inscrição "Crer-Obedecer-Combater"; e mais tarde, quando o boneco resolve fugir, um anúncio do circo, ou seja, três maneiras de manipulação do indivíduo (capitalismo, poder e entretenimento); o fato do livro que Gepetto dá ao filho (tanto o humano quanto o de madeira), ser de História, sugerindo que quem tem conhecimento, quem sabe o que se passou, torna-se menos suscetível a ser enganado; a própria declaração do boneco, que afirma não gostar de ser chamado de marionete, rebatendo a argumentação do dono do circo, "Adoramos marionetes. São  o melhor que há"; ou mesmo a ordem de Mussolini para queimar o teatro e matar a todos, depois de desacatado pela estrela principal do espetáculo, nosso intrépido Pinóquio, só comprovando que a arte só serve para o fascista se for ao encontro de seus propósitos.

Mesmo com tantas mensagens sérias, tanta carga dramática, "Pinóquio..." é divertido e tem doses de humor na medida certa. A cena de seu "despertar", de quando ganha vida, descobrindo as coisas e perguntando a utilidade de tudo, é hilária, suas idas e retornos do mundo da morte são, ao mesmo tempo soturnas, engraçadas e graciosas; e sua inocência, sua pureza, são absolutamente cativantes.

Além de tudo, o diretor brinda os cinéfilos e amantes de filmes com diversos easter-eggs e referências a outras obras como "Moby Dick", "Nascido Para Matar", "Hellraiser III" e, "Trainspotting", até porque a voz do grilo Sebastião, é de ninguém menos que Ewan McGregor, o eterno Renton do filme de Danny Boyle. E aí, pescou todas?

Quando acabei de assistir o Pinóquio de Guillermo Del Toro já projetei que o filme não somente seria indicado ao Oscar de melhor animação como também para melhor filme na categoria principal. Me enganei... A Academia preferiu indicar coisas como o comum "Nada de Novo no Front" e o blockbuster banal "Top Gun: Maverick". Pior que, diante dos tradicionais bambambans badalados da Disney/Pixar e da DreamWorks, mesmo com todas suas qualidade e méritos, periga sair de mãos vazias. Fazer o quê? Mas certamente, independente do prêmio, seu Pinóquio terá lugar garantido em muitos corações, que, como nos ensina o filme, é onde mora a sabedoria.

O dono do circo engambelando o menino de madeira.
Sempre vai ter algum "esperto', algum explorador, 
pronto para se aproveitar da inocência.

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De peito aberto

por Vagner Rodrigues

Sabe quando você pega uma receita na internet, que é muito boa, e na hora de fazer você altera algo, coloca um tempero que você gosta muito e a receita se transforma e algo fabuloso? Isso é "Pinóquio por Guillermo Del Toro".

Conto de fadas clássico de um boneco de madeira que se transforma em um menino real, situada na Itália dos anos 30, quando o fascismo estava em ascensão e Benito Mussolini estava tomando controle do país.

O longa diferente da nova versão da Disney, até consegue mostrar melhor seus personagens coadjuvantes mas ainda assim, esse foi um ponto que não me agradou muito. O grilo até tem um enredo bem bacana, mas o restante dos personagens são muito rasos e só fazem a história evoluir por conveniências do roteiro.

No entanto, o que essa versão faz com o cenário em que a história se passa é algo fantástico! Todo cenário é incrível e o fato da história se passar na Itália fascista é um detalhe que só faz o longa crescer. Apesar de se tratar de uma fantasia, esse fato histórico conseguiu trazer um peso real para a obra.

Quanto ao protagonista, o que temos é mais uma versão inocente de Pinóquio, só que esta é tão exageradamente inocente que chega a nos fazer perder a paciência com o personagem, em muitos momentos. O que muito bom! Só mostra como estamos imersivos e nos envolvemos com ele e com a história. E essa ingenuidade essa pureza, é muito bem utilizada pelo diretor, deixando patente toda a evolução da aprendizagem do personagem, aumentando a sua forma de relacionar tanto com o mundo quanto com seu pai, Gepetto, cuja profundidade do personagem merece destaque, uma vez que as cenas mais comoventes e emocionantes do longa vem dele.

Essa nova versão de Pinóquio, consegue ser tão mágica e impactante quanto a primeira, preservando a magia, o encanto, mas ganhando em humanização e verdade dos personagens principais. Seus dramas se tornam mais profundos uma vez que acompanhamos com bastante clareza sua evolução emocional, o que é muito bom. 

"Pinóquio" mostra mais uma vez porque e um dos melhores diretores da atualidade consegue andar pelo drama profundo e a pureza da magia infantil, como um mestre.  Apesar de todo o esplendor visual que o longa mostra em um trabalho perfeito de stop-motion, acredito que a maior beleza esteja mesmo na sua narrativa, na mensagem sobre a vida. Como ela é compartilhada e como pegamos um pouquinho de cada pessoa com quem nos relacionamos, para o bem e para o mal, além da importância de saber lidar com tisso, de modo a construímos, a partir dessas experiências e convívios, nossa própria jornada. Recomendo muito! Vá assistir ao filme de peito aberto, assim como faria Pinóquio.

Não é todo mundo que tem o "privilégio" de voltar a viver
várias vezes até aprender algumas lições, né Pinóquio...

"Os Fabelmans", de Steven Spielberg (2022)

 

O Amor pelo cinema como espelho da vida

por Vagner Rodrigues

Você realmente gosta de cinema? Então assista esse filme.

Apesar do ritmo lento em muitos momentos, "Os Fabelmans" consegue construir uma narrativa envolvente. Tenho que admitir que ele demora um pouco engrenar e fazer a história avançar, mas depois que você compra a vibe, só vai.

O filme de Steven Spielberg é baseado nas memórias da infância do próprio cineasta, mais especificamente em um garoto vivendo no Arizona. O jovem Sammy Fabelman se apaixona por filmes depois que seus pais o levam para ver "O Maior Espetáculo da Terra", do lendário diretor Cecil B. DeMille. Armado com uma câmera, Sammy começa a fazer seus próprios filmes em casa, para o deleite de sua mãe solidária.

O filme tem uma mensagem linda de amor ao cinema mas, além disso, quando a história da família começa, e as camadas dos personagens vão sendo tiradas, é que, sem dúvida, acontece o grande momento do filme. Gabriel LaBelle como Sammy Fabelman, o personagem que seria a representação de Steven Spielberg (uma vez que é praticamente uma cinebiografia), carrega boa parte do drama do filme e está muito bem no papel, conseguindo passar verdade tanto nas cenas de drama, quanto nas que demonstra sua paixão pelo cinema. Se você ama alguma coisa, seu trabalho, seu hobby, você entende todo o amor e encanto do garoto pelo cinema e isso fica claro ao longo de todo filme, sendo ainda mais evidente e salientado na cena final.

O longa se desenvolve muito bem, tudo se encaixa na história e ele reduz o ritmo apenas por pouco tempo no início sem, no entanto, deixar o espectador entediado. Temos ótimas atuações, principalmente dos pais de Mitzi Fabelman (Michelle Williams) e Burt Fabelman (Paul Dano), que entregam muito do emocional do filme, frio e quente. 

"Os Fabelmans" é um filme que, sobretudo, mostra a paixão de alguém pelo cinema e como essa pessoa consegue perceber detalhes da vida que são pegos apenas pelas câmeras, para o bem o para o mal. Enquanto assistimos às dificuldades e a paixão de se fazer um filme, vemos também a paixão e a dificuldade de se viver a vida.

O jovem Sammy Fabelman, capturando o mundo em torno de si
com sua câmera.

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Rodar demais sem muito a dizer

por Daniel Rodrigues

“Os Fablemans” não é o melhor Spielberg. Acima de vários filmes da longa e desigual carreira do cineasta norte-americano, mas também inferior a algumas de suas várias importantes contribuições para a história do cinema. Midas de Hollywood e criador de uma escola, Spielberg é o principal reinventor da arte cinematográfica dos últimos 50 anos e edificador de uma nova indústria de entretenimento, que vai muito além das telas. Somente isso, já garante seu trono no Olimpo. Mas ele não se contenta. Seu último filme, embora não supere nem de longe realizações anteriores como “A Lista de Schindler” (1993), “Tubarão” (1975) ou “O Resgate do Soldado Ryan” (1998), tem a qualidade de voltar suas lentes justamente para o fazer cinematográfico, num tom bastante autobiográfico. E como tudo que se refere a Spielberg, tem seu lado bom e outro nem tanto.

Em “Os Fabelmans”, o pequeno Sammy Fabelman (Gabriel LaBelle) cresce no Arizona do pós-Guerra e se apaixona por filmes depois que seus pais o levam para ver "O Maior Espetáculo da Terra", de Cecil B. de Mille (1952). Armado com uma câmera, Sammy começa a fazer seus próprios filmes em casa, para o deleite de sua solidária mãe (vivida por Michelle Williams, ótima no papel da srª Fableman). Porém, quando o jovem descobre um segredo de família devastador, ele encontra no poder dos filmes a chave para desvendar verdades sobre sua realidade e sobre si próprio. 

O fato de Spielberg ter construído uma trajetória um tanto irregular é até um mérito. Mesmo com domínio total das ações da indústria, preferiu não seguir sempre pelo caminho confiável. Ao contrário: se expôs e se arriscou. Isso se deu em vários momentos de sua história, seja como diretor ou produtor. Após o estrondoso sucesso dos dois primeiros “Indiana Jones” (1981-1984), aposta no drama étnico-racial “A Cor Púrpura” (1985); depois do estelar “Guerra dos Mundos” (2005), investe no mesmo ano no denso trhiller político “Munique”; ou ainda ao sair da bilheteria de “Minority Report – A Nova Lei” (2002), não hesita em, logo depois, fazer seu filme mais scorseseano, “Prenda-me se For Capaz” (2002). Isso para ficar em três exemplos destes altos e baixos propositais, que denotam o quanto Spielberg sempre relativizou a condição de mito. 

Isso já o habilita a contar uma história como a de “Os Fablemans” com autoridade e consciência limpa. O encontro inicial dele com o cinema ao qual o filme retrata, por mais que tenha havido desdobramentos talvez impensáveis a um jovem amante da arte nas décadas seguintes, tornando-o um ícone, guarda coerência com tudo que ele desenvolveria, dos projetos mais populares aos mais ambiciosos, das megaproduções às de menor orçamento. O resultado disso é uma inconstância qualitativa justificável e até corajosa. Como Woody Allen e Scorsese, Spielberg já filmou tanto e há tantos anos, tocou dezenas e dezenas de projetos, que é impossível acertar sempre, ainda mais numa arte de complexas equações para que a obra final reste em alto nível. 

Afora isso, no entanto, “Os Fablemans”  deixa uma certa sensação de que o movimento de se autorepresentar seja o velho artifício de não ter muito mais a se dizer. Federico Fellini, talvez mais fluido para com suas inquietações e frustrações, soube explorar o vazio criativo para cunhar “8 ½” (1963), o qual recheou-o também de vazios existenciais. O mesmo fez Agnès Varda em “As Praias de Agnès” (2008) e “Varda por Agnès” (2019), em que olhar feminino prescruta o lugar no mundo. Ou seja: soluções bastante europeias de se achar caminhos poéticos dificilmente sondados. Diante da dureza da grande indústria e talvez da natureza judia bastante destacada no filme, nem mesmo o coração aventureiro de Spielberg é capaz de se desvencilhar.

Um tanto longo – aliás, como a maioria dos filmes atuais, espécie de epidemia fílmica gerada pela concorrência com as séries de streaming – “Os Fablemans” tem lances muito bonitos, ainda mais para admiradores do fazer cinematográfico. Cenas como a do início, em que o personagem vai pela primeira vez a uma sala de cinema, ou quando instintivamente começa a brincar de criar sets de filmagens com suas irmãos e amigos, dão a ideia do porquê da paixão lúdica do cineasta por sua profissão. A mais bonita delas, sem querer dar spoiler, é quando se encontra com seu grande ídolo detrás das câmeras, cena que, inclusive, “resolve” o filme de uma maneira um tanto chapliniana. Nem esta cena, porém, é devidamente construída em toda a narrativa que a antecede. Em certa medida, o fato cai meio de paraquedas mesmo tendo havido chance anterior de se criar tal conexão. É como se o cineasta tivesse perdido a oportunidade de preparar melhor o espectador para a catarse. Isso deixa uma sensação de que se rodou tudo aquilo para não se explorar de fato o que precisava. Como diz o ditado: falar demais por não ter nada (ou pouco) a dizer. Porém, acima de tudo, Spielberg é sincero consigo mesmo, o que o faz acertar mesmo quando erra.

O pequeno Sammy, no centro, descobrindo a magia do cinema.

"Nada de Novo no Front", de Edward Berger (2022)

 

VENCEDOR DO OSCAR

MELHOR FILME INTERNACIONAL

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO

MELHOR FOTOGRAFIA

MELHOR TRILHA SONORA ORIGINAL

Nada de novo...

O título do filme já antecipa o que temos em pouco mais de duas horas. 

"Nada de novo no front", produção da Netflix, com nove indicações ao Oscar, incluindo melhor filme e melhor filme internacional, na minha opinião, é apenas mais um filme de Primeira Guerra Mundial. Bem feitinho, bem acabado, bem desenvolvido, ok, mas sinceramente, já vi coisas melhores acerca do assunto e muito mais impactantes visual e dramaticamente. "Lawrence da Arábia", de David Lean, e todo seu deslumbre cinematográfico; "Glória Feita de Sangue", de Kubrick, com toda sua questão ética e humana; o recente "1917", de Sam Mendes, com sua corajosa proposta de filmagem contínua. Todos, para mim, mais impactantes que o novo "Nada de Novo no Front", refilmagem do clássico de 1930, de Lewis Milestone. 

Não me entendam mal: o filme não é ruim. Boa direção, bela fotografia, tem toda a questão humana do "roubo" da juventude, do desperdício de vidas promissoras, enquanto velhos barrigudos com bigodes retorcidos decidem a vida desses jovens como se fossem peças de um joguinho de tabuleiro, mas parece que não tem nada muito além disso, e isso a gente vê em um monte de filmes de guerra.

Na história, um grupo de jovens idealistas, alista-se no exército alemão com a expectativa de heroísmos, glórias e honras à pátria mas, assim que pisam no campo de batalha percebem que a realidade não seria o jardim de infância que imaginaram. Expostos a inúteis e suicidas missões de ataque, tudo que os garotos encontram pelo caminho é, simplesmente, barbárie, crueldade, mutilações, fome, frio, dor e morte, em meio às trincheiras e os campos gelados no norte da França. Paralelamente aos combates, burocratas e militares, devidamente protegidos e abrigados em suas mansões ou instalações especiais, decidem, sem pressa e com indiferença sobre um possível cessar-fogo, ao redor de suas mesas fartas e bem servidas.

Retrato típico do que representa uma guerra, ainda nos dias de hoje, mas muito mais naquela época em que os combates se davam diretamente, no corpo a corpo e em campo aberto: velhos generais em gabinetes entregando jovens à morte, em nome de soberania, territórios, orgulho, religião, ou seja lá o que for. Enquanto via o filme, e ainda agora, lembro muito da letra de "A Canção do Senhor da Guerra", de Renato Russo muito precisa na descrição dessa situação: "Existe alguém que está contando com você/ pra lutar em seu lugar já que nessa guerra / não é ele quem vai morrer/ E quando longe de casa/ ferido e com frio o inimigo você espera/ ele estará com outros velhos/ inventando novos jogos de guerra". E não é isso mesmo?

"Nada de novo no front" pode sair da cerimônia do Oscar, no dia 12 de março, consagrado e com um caminhão de estatuetas, mas não vai mudar muito minha impressão sobre ele... Um bom filme, legal, terror da guerra, beleza, mas... para mim, deixa aquela impressão de "já vi esse filme antes". Sem nenhuma novidade no Oscar.

No alto, à esquerda, o jovem Paul, entusiasmado por ingressar no exército
 ao lado, a belíssima fotografia numa das cenas de combate;
abaixo, dois dos momentos mais intensos e chocantes do filme:
os tanques avançando sobre as trincheiras e os soldados franceses
usando lança-chamas contra o que os blindados não conseguiram amassar.

Cly Reis

CLAQUETE ESPECIAL 15 ANOS DO CLYBLOG - "Aftersun", de Charlotte Wells (2022)

Tenho duas filhas. Uma delas recém completou 10 anos e os sinais da pré-adolescência estão me esbofeteando sem piedade. Na medida em que vejo o tempo passar numa velocidade 5G, inconscientemente ou não, sempre faço comparações com o modo que fui criado e formado. Meus pais eram conservadores, honestos e tinham ideais erráticos e contraditórios. Essa comparação faço hoje com 42 anos, já adulto e razoavelmente amadurecido. Procuro não cometer os mesmos erros que cometeram comigo. Mas quando eu era menor, não tinha essa percepção. Creio que Malu também não percebe minha angústia com o tempo. Talvez hoje ela me considere uma espécie de super-herói. Ou apenas um pai legal, um pai presente (o que considero uma vitória). Essas reflexões apareceram assistindo a um dos melhores filmes do ano passado: "Aftersun", da diretora estreante Charlotte Wells.

Na história, Sofia (Celia Rowlson-Hall), em torno de 30 anos, revê vídeos em VHS das férias que ela passou com seu pai (Paul Mescal, indicado a melhor ator no Oscar desse ano), quando ela tinha 11 anos, num hotel na Turquia. Seus pais eram separados e essas férias tinham a missão de reconectar pai e filha, distantes na convivência. O começo frio e constrangedor entre ambos vai dando lugar ao convívio, às conexões, aos laços, às identificações, às brigas, às críticas, ao amor que sempre esteve ali, mas que estava desligado.

Não esperem muitas peripécias ou surpresas ao longo do filme. O valor dessa pérola está na singeleza da relação, nas nuances das atuações. Destaco a pequena Frankie Corio, que faz Sofia com 11 anos. Estreia brilhante dessa atriz nas telonas. Ela doa uma maturidade pra personagem, tão necessária para o enredo. A maturidade da visão de Sofia adulta, percebendo a melancolia, uma possível depressão e a humanidade de seu pai através daqueles vídeos. Ao mesmo tempo, essa percepção fica enevoada pelas falhas na memória. A direção de Charlotte nessa questão é perfeita ao nos bombardear com visões estroboscópicas do pai nas festas rave que Sofia adulta frequenta.

Pai e filha numa tocante história de reconhecimentos

A sintonia entre os atores é perfeita. A transformação dos dois personagens no filme é de uma beleza tocante. A rapidez do tempo que convive com todos avassala e nos conforta. Avassala pelo sentimento de arrependimentos e não realizações. Conforta pelo amor daqueles que nos cercam, incondicionalmente. Talvez, daqui a 20 anos, quando Malu estiver revendo vídeos em 4K de nosso convívio, ela sinta saudade e nostalgia, me idealizando de alguma forma, para o bem ou para o mal. Nesse caso, espero estar ao lado dela, dando risadas de nossas conversas, nossas brigas, nossas aventuras e nosso companheirismo. Estamos aqui pra isso.

trailer de "Aftersun", de Charlotte Wells

R O D R I G O   D U T R A

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Rodrigo Dutra é editor do site Rodriflix. Formado em Letras. Amante do audiovisual. Pai de duas.

"Tár", de Todd Field (2022)

É o falso filme chato. Entrevistas, reuniões, almoços, aulas..., o que poderia ser extremamente fastidioso em muitos filmes, mantém-se interessante desde o início em "Tár". Até porque em cada um desses compromissos sociais, Cate Blanchett, impecável no papel da "maestro" Lydia Tár, uma das mais importantes e renomadas concertistas do mundo, nos faz ficar grudados à tela admirando sua atuação impecável, e atentos às opiniões e posicionamentos de sua personagem. Tár é uma mulher bem-sucedida, respeitada, influente, ela lidera a filarmônica de Berlim e toma das decisões administrativas, de pessoal e de repertório da orquestra. Em meio a ensaios para a nova apresentação, Tár se vê às voltas com o suicídio de uma ex-musicista da câmara, com uma decisão sobre um novo assistente para a orquestra, e o ingresso de uma jovem violoncelista por quem passa a se interessar. No entanto, um envolvimento íntimo com a acordeonista que morrera, o interesse de sua assistente pessoal pela vaga aberta da orquestra, e as situações embaraçosas que a presença da nova integrante causam em relação aos outros músicos e à companheira de Lydia, começam a causar complicações que levam a vida prestígio e tranquilidade da maestrina a uma derrocada fulminante.
Terá ela estrutura emocional para superar tudo isso? Apoio profissional, depois de despertar tantos ódios e invejas? Credibilidade, depois dos escândalos e de ver seu nome jogado na lama? Confiança da companheira, depois de reveladas suas mentiras e infidelidades?
Embora a tônica do filme se baseie nas relações de poder, me agrada muito as abordagens sobre arte, sobre a música em si. Nesse sentido, um dos momentos mais marcantes, para mim, é a sequência da aula dos aspirantes à orquestra, na qual Lydia questiona um aluno que alega não gostar de Bach por conta de questões da índole pessoal do compositor. Ela argumenta que o valor de uma obra não deve ser sobrepujado por aspectos exteriores a ela e, enfática, tenta fazer o garoto ver (ouvir) o brilhantismo de Bach. No entanto, diante da insistência do argumento do jovem, ela muito sagaz, colocando toda sua mordacidade em ação nas observações e exemplifições, faz prevalecer sua ideia diante da classe, até mesmo, fazendo com que o rapaz saísse constrangido. Talvez toda sua defesa da obra de Bach já fosse, subconscientemente, uma autodefesa, uma vez que, entre sua índole pessoal e sua competência profissional, dali para frente, na história, haveria muito para ser discutido. Mas naquele momento, mal sabia ela que, mais adiante, estaria colocada diante da inquisição da opinião pública e sob o julgamento dos colegas por conta de suas atitudes pessoais.

"Tár", no fim das contas, também é uma grande reflexão sobre o que realmente há de melhor dentro de cada um. Um convite para que não esqueçamos de quem somos. Quando Lydia Tár esqueceu da sua arte, sua vocação, aquilo que a fizera grande, que a fazia forte, e deixou-se levar pela vaidade, orgulho, pela arrogância, pelo poder, quando voltou seu olhar para outras direções e perdeu sua virtude, seu mundo desmoronou. A música era o que verdadeiramente importava, o tempo todo. Mas no momento mais difícil, ela talvez redescubra isso para fazer da música sua ressurreição.

Cate Blanchett entrega uma atuação de gala em "Tár".

 

Cly Reis

Oscar 2023 - Os Indicados

O fraquissimo "Top Gun" Maverick" foi um

dos destaques nas indicações.

Saíram os indicados ao Oscar 2023.

Tenho que admitir que, por enquanto, não assisti a muitos ainda, mas hoje em dia com a facilidade dos streamings, a oportunidade está dada para quem quiser, a partir de agora, maratonar os filmes até 12 de março, quando serão conhecidos os vencedores.

"Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo", lidera as indicações com 11, seguido por "Os Banshees de Inisherin" e pela produção alemã "Nada de novo no Front", com 9, esta disputando, inclusive, por melhor filme e melhor filme internacional. "Elvis", da brilhante atuação de Austin Butler, aparece com 8, "Os Fabelmans", de Steven Spielberg, com 7, e o badalado "Top Gun: Maverick", com 6, e destaque também para o vencedor da Palma de Ouro do ano passado, "Triângulo da Tristeza", indicado a melhor filme, além de outras duas categorias.

Particularmente, me chamou atenção a indicação de "Top Gun: Maverick", para melhor filme, a meu juízo um gloriosa porcaria; as indicação de "Batman", com 3; e a não indicação da animação "Pinóquio" de Guillermo del Toro para a categoria principal de melhor filme, o que não foi exatamente uma surpresa, mas era uma expectativa tal a qualidade do filme. Quanto ao mais indicado "Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo" , embora já tenha aparecido aqui no ClyBlog, na opinião do nosso parceiro Vagner Rodrigues, de minha parte não posso fazer juízo, por enquanto, mas fico com a impressão positiva pelo que foi descrito na resenha.

Mas chega de papo. Fiquem com a lista dos indicados:

• Melhor Filme

Nada de Novo no Front

Avatar: O Caminho da Água

Os Banshees de Inisherin

Elvis

Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo

Os Fabelmans

Tár

Top Gun: Maverick

Triângulo de Tristeza

Women Talking

• Melhor Ator

Austin Butler (Elvis)

Colin Farrell (Os Banshees de Inisherin)

Brendan Fraser (A Baleia)

Paul Mescal (Aftersun)

Bill Nighy (Living)

• Melhor Atriz

Cate Blanchett (Tár)

Ana de Armas (Blonde)

Andrea Riseborough (To Leslie)

Michelle Williams (Os Fabelmans)

Michelle Yeoh (Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo)

• Melhor Atriz Coadjuvante

Angela Bassett (Pantera Negra: Wakanda Para Sempre)

Hong Chau (A Baleia)

Kerry Condon (Os Banshees de Inisherin)

Jamie Lee Curtis (Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo)

Stephanie Hsu (Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo)

• Melhor Ator Coadjuvante

Brendan Gleeson (Os Banshees de Inisherin)

Brian Tyree Henry (Causeway)

Judd Hirsch (Os Fabelmans)

Barry Keoghan (Os Banshees de Inisherin)

Ke Huy Quan (Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo)

• Melhor Direção

Martin McDonagh (Os Banshees de Inisherin)

Daniel Kwan e Daniel Scheinert (Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo)

Steven Spielberg (Os Fabelmans)

Todd Reid (Tár)

Ruben Ostlund (Triângulo de Tristeza)

• Melhor Animação

Pinóquio por Guillermo del Toro

Marcel the Shell with Shoes On

Gato de Botas 2

A Fera do Mar

Red: Crescer é uma Fera

• Melhor Curta  de Animação

The Boy, The Mole, The Fox and the Horse

The Flying Sailor

Ice Merchants

My Year of Dicks

An Ostrich Told Me The World is Fake and I Think I Believed It

• Melhor Roteiro Original

Os Banshees de Inisherin

Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo

Os Fabelmans

Tár

Triângulo de Tristeza

• Melhor Roteiro Adaptado

Nada de Novo no Front

Glass Onion: Um Mistério Knives Out

Living

Top Gun: Maverick

Women Talking

• Melhor Curta em Live-Action

An Irish Goodbye

Ivalu

Le Pupille

Night Ride

The Red Suitcase

• Melhor Design de Produção

Nada de Novo no Front

Avatar: O Caminho da Água

Babilônia

Elvis

Os Fabelmans

• Melhor Figurino

Babilônia

Pantera Negra: Wakanda Para Sempre

Elvis

Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo

Sra. Harris vai a Paris

• Melhor Documentário

All That Breathes

All the Beauty and the Bloodshed

Fire of Love

A House Made of Splinters

Navalny

• Melhor Documentário em Curta-Metragem

The Elephant Whisperers

Haulout

How Do You Measure a Year?

The Martha Mitchell Effect

Stranger at the Gate

• Melhor Som

Nada de Novo no Front

Avatar: O Caminho da Água

Batman

Elvis

Top Gun: Maverick

• Melhor Direção de Fotografia

Nada de Novo no Front

Bardo

Elvis

Empire of Light

Tár

• Melhor Edição

Os Banshees de Inisherin

Elvis

Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo

Tár

Top Gun: Maverick

• Melhores Efeitos Visuais

Nada de Novo no Front

Avatar: O Caminho da Água

Batman

Pantera Negra: Wakanda Para Sempre

Top Gun: Maverick

• Melhor Maquiagem e Cabelo

Nada de Novo no Front

Batman

Pantera Negra: Wakanda Para Sempre

Elvis

A Baleia

• Melhor Filme Internacional

Nada de Novo no Front (Alemanha)

Argentina, 1985 (Argentina)

Close (Bélgica)

EO (Polônia)

The Quiet Girl (Irlanda)

• Melhor Trilha Sonora Original

Nada de Novo no Front

Babilônia

Os Banshees de Inisherin

Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo

Os Fabelmans

• Melhor Canção Original

Diane Warren – “Applause” (Tell It Like a Woman)

Lady Gaga – “Hold My Hand” (Top Gun: Maverick)

Rihanna – “Lift Me Up” (Pantera Negra: Wakanda Para Sempre)

M.M. Keeravaani e Chadrabose – “Naatu Naatu” (RRR)

Ryan Lott, David Byrne, Mitski – “This Is a Life” (Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo)

Que comece a maratona!

C.R.

"Drive My Car", de Ryusuke Hamaguchi (2021)

 

Não é um filme para qualquer um. Não no sentido seletivo, que estabeleça alguém como melhor que outro ou com maior capacidade. Me refiro à aceitação, à disposição, ao estímulo. Tirando isso, se você entrar em “Drive My Car” e deixar com ele o conduza, vai perceber que se trata de uma obra muito bem trabalhada e que consegue abordar temas extremanete profundos de uma maneira única.

Yusuke Kafuku (Hidetoshi Nishijima) é um ator e diretor de sucesso no teatro, casado com Oto (Reika Kirishima), uma linda roteirista com muitos segredos, e com quem divide sua vida, seu passado e colaboração artística. Quando Oto morre repentinamente, Kafuku é deixado com muitas perguntas sem respostas de seu relacionamento com ela e arrependimento de nunca conseguir compreendê-la. Dois anos depois, ainda sem conseguir sair do luto, ele aceita dirigir uma peça no teatro de Hiroshima e vai com seu precioso carro Saab 900. Lá, ele encontra e tem que lidar com Misaki Watari (Toko Miura), uma mulher e chauffeur com quem tem que deixar o carro.

A forma com que o filme vai desenvolvendo seu roteiro e sua velocidade, de maneira bastante lenta, podem ser fatores que afastem o público por assim dizer geral, mais acostumado com roteiros mais dinâmicos e ágeis. Contudo, particularmente, devo afirmar que, pelo contrário, para mim foi um dos pontos altos, bem como seus momentos de silencio, e que não são poucos, tão necessários, mesmo em um filme de 3 horas de duração.

"Drive My Car" consegue abordar tantos temas polêmicos de forma singular! É verdade que alguns de maneira mais superficial que outros, mas estão todos lá; morte, solidão, relacionamento, perda... Nem todos são aprofundados, contudo são apresentados brilhantemente. Uma das maiores qualidade do longa de Ryusuke Hamaguchi é a capacidade de mostrar a importância do diálogo. A peça  encenada dentro do filme é cheia de atores de diferentes partes da Asia, cada um falando um idioma diferente, mas, claro, temos uma japonesa, mas que, no entanto, ironicamente, só fala na língua dos sinais. Até mesmo nas cenas onde não temos diálogos, como o início da relação de Yusuke e  Misaki, muito é dito mesmo em meio ao silencio.

O longa além de artisticamente muito bom, trabalha bem com as simbologias e serve também como objeto de reflexão sobre como lidamos com nossos problemas, se os enfrentamos, se fugimos deles, se fingimos que não existem, ou se simplesmente os aceitamos e deixamos que nos consumam.

Gosto muito também da forma que o filme aborda o luto, a perda, a sensação de não ter mais aquela pessoa na sua rotina. Tudo funciona e é muito interessante como a peça encenada no longa dialoga com a história do filme. E aqui, dialogar é a palavra certa.

Às vezes um bom diálogo não precisa de muitas palavras ditas.

por Vagner Rodrigues

Oscar 2022 - Os Vencedores

A bifa de Smith em Rock.

Teve de tudo! Dessa vez teve cerimônia completa, casa cheia, números musicais, mestres de cerimônia e até porrada.
Mas vamos começar pela cerimônia e pelos prêmios: pra compensar a premiação chocha do ano passado, bem discreta e quase intimista, por conta da pandemia, a Academia veio logo com três apresentadoras esse ano, Amy Shurmer, Regina Hall e Wanda Sykes que, muito inteligentes e bem-humoradas, conduziram a festa com competência, entregando, é claro, para os convidados apresentadores dos prêmios.
E a propósito, na maior parte dos casos não houve muitas surpresas: "Duna" faturou os prêmio técnicos, Jane Campion confirmou o favoritismo para Direção; "Encanto" levou Animação; "Drive My Car", Filme Internacional, mas também tivemos premiações inéditas, como a do primeiro ator surdo a receber um Oscar, Troy Kotsur, e o próprio filme em questão,  "No Ritmo do Coração", de certa forma surpreendendo ao desbancar "Ataque dos Cães" que levava algum favoritismo.
Mas de uma cerimônia tão marcante por diversos fatores, protagonismo feminino, inclusão, diversidade, ineditismos, o que acabou mais chamando atenção, sem dúvida, foi o tapa na cara dado por Will Smith em Chris Rock por conta de uma piadinha, de mau gosto, envolvendo sua esposa. O que parecia, em princípio, mais uma brincadeira, mais uma encenação ensaiadinha dessas típicas de Hollywood, acabou se revelando uma indignação genuína de Smith quando ele, depois de subir ao palco e agredir o comediante, ao retornar para seu assento, continuou xingando e reafirmando sua ira, "Não mexa com o nome da minha esposa!", dizia furioso. Simplesmente inusitado.
De certa forma, o incidente roubou a cena da festa, ainda que depois disso ainda viessem a ser anunciados vários prêmios importantes, inclusive o Oscar de melhor ator para o próprio Will.
No fim das contas, numa edição que marcou a segunda conquista consecutiva de mulheres na direção, um ator deficiente auditivo sendo premiado, um filme de inclusão batendo um dos  favoritos, vai acabar entrando para a história como aquela em que o Will Smith deu-lhe um sopapo no Chris Rock.
Mas, mesmo sendo "fato secundário", vale a pena, também, a gente saber quem foram os premiados da noite.
Vai aí:

*****************

• Atriz Coadjuvante: Ariana DeBose (Amor, Sublime Amor)
• Ator Coadjuvante: Troy Kotsur (No Ritmo do Coração)
• Ator: Will Smith (King Richard - Criando Campeãs)
• Atriz: Jessica Chestain (Os Olhos de Tammy Faye)
• Som: Duna
• Fotografia: Duna
• Efeitos Visuais: Duna
• Montagem: Duna
• Direção de Arte: Duna
• Figurino: Cruella
• Maquiagem e Cabelo: Os Olhos de Tammy Faye
• Documentário: Summer of Soul (ou... Quando a Revolução Não Pôde Ser Televisionada)
• Documentário Curta-metragem: The Queen of Basketball
• Roteiro Adaptado: No Ritmo do Coração
• Roteiro Original: Belfast
• Trilha Sonora Original: Hans Zimmer (Duna)
• Canção Original: Billie Eilish, (007 - Sem Tempo Para Morrer)
• Animação: Encanto
• Curta de Animação: The Windshield Wiper
• Curta-metragem: The Long Goodbye
• Filme Internacional: Drive My Car
• Direção: Jane Campion, (Ataque dos Cães)
• Filme: No Ritmo do Coração

C.R.

cotidianas #747 - E O Oscar vai para...

 

Sob entusiásticos aplausos, Wayne Aldritch subiu ao palco. O semblante grave, taciturno, não combinava em nada com a honra com a qual era agraciado naquele momento. Aproximou-se do púlpito, recebeu a estatueta das mãos da atriz que apresentara o prêmio e, acalmada a ovação, inclinou-se levemente em direção ao microfone. Seu discurso foi breve. Tinha poucas palavras a dizer:
- Eu quero dedicar esse prêmio à minha mulher que a essa hora deve estar trepando com o seu amante, na minha casa, na minha cama, enquanto eu estou aqui. Esse prêmio é seu. Quando chegar em casa te entrego.
O público explodiu em gargalhadas, supondo se tratar de mais uma das tradicionais piadinhas que mestres de cerimônia, convidados e premiados costumam fazer durante esse tipo de cerimônia. No entanto, a saída do aclamado diretor a passos apressados do palco, fez com que as risadas fossem cessando até se transformarem num silêncio pesado.

*********

Ia, já, quase entrando com o carro, pelo portão de casa, quando ainda viu um carro sumia na esquina adiante. Devia ser o tal.
Entrou em casa. Serviu uma dose de uísque e sentou-se no sofá ainda segurando a estatueta. Não demorou muito para que a esposa aparecesse na sala, descendo as escadas vestindo apenas um baby-doll.
- Não vi a premiação porque estava ocupada, mas soube do seu showzinho. – disse ela, em tom zombeteiro – Parabéns pelo prêmio, senhor diretor – completou.
- Como eu disse, o prêmio é seu. Vim para casa para te entregar.
E avançou, de forma ameaçadora contra ela, com a estatueta dourada erguida acima da cabeça.
- Para, para!!! Eu vou chamar a polícia!
- Não se preocupe com isso: eu já chamei.

********

Aldritch, naturalmente, não resistiu à prisão. Quando a polícia chegou, o encontrou sentado no sofá com as mãos pendentes entre as pernas. No chão, a seus pés, jazia a esposa Meg. Mal se conseguia distinguir que aquilo, acima de seus ombros um dia tivesse sido uma cabeça. Em meio aos pedaços quebrados de crânio e restos de cérebro espalhados, repousava no tapete vermelho da sala, pintada do vermelho do sangue, a estatueta dourada.

Cly Reis

"Licorice Pizza", de Paul Thomas Anderson (2021)

“Licorice Pizza” não irá ganhar o Oscar se Melhor Filme em 2022. Isso é certo. O mais cotado é, de fato, “Ataque dos Cães”, de Jane Campion, mesmo que “O Beco.do Pesadelo”, do já ganhador desta estatueta Guillermo Del Toro, em 2018, com “A Forma da Água”, pareça o mais talhado entre os 10 títulos concorrentes – e embora “Amor Sublime Amor” e “O Ritmo do Coração” corram por fora. O filme de Paul Thomas Anderson, portanto, não figura entre os favoritos. Aliás – e isso não é um demérito – o cineasta norte-americano talvez nunca venha a obter este êxito, visto que o seu cinema, definitivamente, não confere em conceito com a badalada premiação da indústria cinematográfica, e o seu novo longa é mais uma prova disso.

Mas não se enganem: “Licorice...” é, por mais que pareça uma contradição, quiçá o melhor entre os candidatos nesta categoria junto com “Drive my Car” (outro que também não deve levar o Oscar de Melhor Filme, uma vez que, ao que tudo indica, o de Melhor Filme Internacional esteja lhe esperando). O filme de Anderson (cujo estranho título faz uma referência a uma loja de discos que realmente existiu, mas que não aparece em nenhum momento), conta a história de Alana Kane (Alana Haim) e Gary Valentine (Cooper Hoffman), dois jovens que, embora a diferença de 10 anos dela para ele, vivem a adolescência no Vale de San Fernando, no Sul da Califórnia do início dos anos 70, engendrando vários negócios juntos e flertando um com outro, mas também se desencontrando.

Comédia romântica com ares de nouvelle vague e realismo poético, “Licorice...”, que também é escrito por PT Anderson, diferencia-se, por isso, muito do que a Academia costuma prestigiar. Desde seu primeiro longa, “Jogada de Risco", de 1996, passando pelo genial “Boogie Nights” (1997) e pelo retumbante “Magnolia”, Melhor Filme em 1999 (só que em Berlim...), fica claro que o estilo de seu "cinema de autor" carrega singularidades que lhe aproximam bastantemente da escola europeia. Neste sentido, ele é muito mais peculiar do que seus contemporâneos Tarantino, Rodriguez e Nolan, todos também autorais mas com um pé muito mais firme em Hollywood do que ele. Com o forte “Sangue Negro”, de 2007 – para muitos, sua melhor realização –, pode-se dizer que Anderson tenha se esforçado para arrebatar o prêmio máximo do cinema, mas sua mão “pesada” o fez dar tons muito mais trágicos à história que os jurados da Academia estão acostumados. 

trailer de "Licorice Pizza", de Paul Thomas Anderson

A última tentativa de Anderson de levar esse bendito Oscar de Melhor Filme parece ter sido há quatro anos com “Trama Fantasma”, seu até então último longa e no qual repete a parceria com o excelente ator irlandês Daniel Day-Lewis. Porém, mesmo recebendo seis indicações (inclusive a de Filme), novamente sem sucesso. “Licorice...”, assim, dá a impressão de ser saudavelmente aquele filme em que o diretor disse a si mesmo: “Quer saber? Foda-se! Aceitem-me como eu sou!”. E deu muito certo. Descompromissado, o cineasta fez uma obra carregada de sentimentos, daquelas que ao mesmo tempo fazem emocionar terna e alegremente. É de encher o peito em uma gargalhada, mas também de soltar risos surpresos durante o decorrer por conta de seus diálogos e roteiro inteligentes. 

Gary e Alana: feitos um para o outro (mas será que
eles próprios sabem disso?)

Estão preservados elementos clássicos do estilo de Anderson: trilha sonora escolhida com esmero e paixão; ritmo de montagem que intercala agilidade com planos bem demorados, tributo a um de seus mestres, Martin Scorsese; planos-sequência realizados com bastante habilidade; o olhar especial para as musas, as quais invariavelmente dedica belos enquadramentos como faz desta vez com Alana; direção de atores bem encontrada entre o drama e a comédia; aparição de tipos exóticos impagáveis (Bradley Cooper, em uma ponta, arrasa fazendo o tresloucado playboy Jon Peters); mas principalmente, personagens que fascinam o espectador. Por que isso? Porque são, como sensivelmente fizeram Renoir, Carné ou Clair, pais do realismo poético francês ao qual o cinema de Anderson faz tributo, são capazes de construir personagens que refletem o interior humano equilibrando beleza e naturalidade. Os medos, as angústias, as aflições, os desejos, os amores. Alana e Gary, protagonistas a quem se torce para que fiquem juntos e parem com a infantilidade de se brigarem para fugirem do medo de não serem aceitos, são a tradução disso: gentes. Mas, claro: com o “filtro” mágico do cinema: não só o filtro da câmera, mas o do olhar.

Se não é o melhor entre todos da safra 2021/22, “Licorice...”, ao menos, é o que melhor cumpre um dos requisitos dos grandes filmes: o encerramento marcante. O cineasta conduz o espectador até o último segundo para, com sutileza, deixá-lo suspirando na poltrona com um sorriso no rosto – ou uma lágrima. Sabe aquele sabor de terminar de assistir “Nós que nos Amávamos Tanto”, “Pierrot le Fou” ou “Quando Papai Saiu em Viagem de Negócios”? É este o sentimento que fica com "Licorice...". Tudo bem: “Ataque...”, “O Beco...” e “Drive...” também terminam muito bem. Mas é tão mais impactante sentir uma ponta de "cinema de arte", assim, tão espontaneamente numa produção norte-americana, que o valor se duplica. Neste caso, o melhor que PT Anderson pode fazer é não ganhar prêmio nenhum mesmo. Será sinal de que continuará fazendo seu cinema tão original quanto encantador.

Daniel Rodrigues