Horas antes de ter o privilégio de assistir os gênios da raça Herbie Hancock e Wayne Shorter juntos, é normal a qualquer fã começar a se perguntar: “o que será que eles vão tocar?” “Será que vai rolar alguma de "Speak No Evil"? “Ou de ‘Adam’s Apple’”, trabalhos em que tocaram juntos. Como quando vou ao cinema assistir a algum filme que ainda não vi, gosto de não me informar muito a respeito. Sou movido pela expectativa e por alguma informação genérica a respeito. O resto é a emoção da surpresa. Assim é com os grandes shows que irei ver: não quero saber nada do set list antes: o barato mesmo é ouvi-las no momento mágico da hora. Em se tratando de Shorter e Hancock, compositores, instrumentistas e, acima de tudo referências da música moderna em vários níveis, a expectativa do que será visto é imensa neste show que apresentarão durante o Brasil Jazz Fest, cuja edição carioca os receberá no dia 1° de abril.
Ouvi por cima de que eles tocam algo da fase em que compuseram o segundo quinteto de Miles Davis, nos anos 60. Igualmente, creio que selecionem clássicos de um e de outro para tocarem juntos, que isso ambos têm aos montes, até porque há como norteador o disco que gravaram neste mesmo formato de duo em 1997, chamado exatamente “1 + 1”.
Não importa. O que importa mesmo é que, assim como outros shows históricos que já vi, este será mais um deles. E a considerar que, assim como João Donato, que vi pela primeira vez em 2014 quando este tinha 80 anos, com Shorter e Hancock, aliado ao fato de ainda serem estrangeiros, a ocasião é semelhante, visto que o primeiro tem já 82 e o segundo faltam apenas cinco anos para chegar nas oito décadas. Ou seja: oportunidade rara e, provavelmente, única enquanto esses dois gênios ainda pisam sobre o planeta azul. Se a emoção não me congelar, volto aqui para contar a todos como foi depois do show.
“’Adam’s Apple’, a faixa-título, representa à sua maneira uma espécie de jazz contemporâneo universal e o ímpeto da dance music combinados, uma atualização do blues mais familiar e um veículo para as divertidas jornadas às paradas de sucesso”.
Don Heckeman, do texto da contracapa original do disco
Parecia interminável a inspiração de Wayne Shorter naqueles
idos de anos 60. Não que o lendário saxofonista e compositor norte-americano
não tivesse também representativa produção já nos anos 50, principalmente na
The Jazz Massangers de Art Blakey na qual foi revelado, ou nas décadas que se
seguiram dos anos 70 em diante. Ocorre que, principalmente no intervalo entre
1964 e 1970, anos em que esteve sob o selo Blue Note rodeado do que de melhor
havia em capital humano e técnico, a obra do jovem Shorter, então na faixa dos 30
anos, dá a impressão de ter entrado num looping criativo. Foram vários discos
dignos de perfeição, que pareciam encadear-se e lançados em curtos espaços de
tempo entre um e outro -- não raro, num mesmo ano como “Night Dreamer”, “JuJu”
e “Speak No Evil”, os três de 1964, ou “The Soothsayer”, “Et Cetera” e “The All
Seeing Eye”, todos de um ano depois. Mudavam os integrantes, adicionavam-se
elementos sonoros, experimentavam-se formatos, e a qualidade mantinha-se, como
se fosse tudo a continuidade de uma mesma coisa.
E era. Devidamente selada pelo estilo marcante de tocar de
Shorter – capaz de ir do mais feroz grito dissonante à absoluta leveza lírica
–, esta sequência mágica de obras resulta, em 1966, em “Adam’s Apple”, seu 10º
álbum solo e o 7º pela Blue Note. Nesta obra, o band leader está acompanhado de
um trio afiadíssimo e com o qual tinha total entrosamento: Reggie Workman,
na bateria; Joe Chambers, ao baixo; e o fiel escudeiro Herbie Hancock, ao
piano. Experimentando aqui, reiterando características ali, “Adam’s...” é
indubitavelmente mais um dos discos clássicos de Shorter desta fase áurea, o
qual, inclusive, traz alguns de seus temas mais conhecidos.
Começando pela faixa-título, a primeira investida incisiva
de Shorter no estilo jazz-soul. Lee Morgan, Donald Byrd, Blue Mitchell e o próprio Hancock já
haviam aderido ao groove popular de James Brown, Otis Redding e Aretha Franklin,
mas Shorter, be-boper de formação, não havia se entregado completamente ainda.
“Adam’s Apple”, no entanto, é puro R&B, é o funk nas escalas jazzísticas
que tanto o próprio Shorter se valeria anos mais tarde com a sua Weather Report, banda sinônimo do fusion. São quase 6 min de pura sonoridade pop: riff que
gruda nos ouvidos; sax soando inteiro nas modulações de intensidade; piano martelando
um ritmo que faz mexer os quadris; baixo dançante; e a bateria - um detalhe à
parte - numa aula de marcação rítmica, tanto no chipô quanto na variação
caixa/tom-tom. Shorter não resistia à tentação do pop e dava uma mordiscada
graúda na maçã de Adão.
Como todo bom Shorter, não podem faltar as baladas, aquelas
as quais ele se esbalda em elegância. Em “Adam’s...”, o músico faz isso em dois
momentos: a versão de “502 Blues (Drinkin' And Drivin')”, um blues inebriado de
paixão em que dá para se sentir, literalmente, dirigindo pela noite de Nova
York enchendo a cara por um amor não correspondido; e na linda “Teru”, que retraz
propositalmente acordes de outro de seus temas românticos, a clássica “Virgo”,
de “Night Dreamer”.
Elemento fundamental para a estética de Shorter nesta e em
várias outras épocas de sua longa carreira, o piano do amigo Hancock carrega
toda uma atmosfera mágica que une classe, sensibilidade e arrojo. Essa
característica, que perpasse toda a fase da Blue Note, quase como uma
coassinatura, está fortemente presente em “El Gaucho”, uma bossa nova em que,
mais uma vez, Workman se destaca executando com muito estilo e variabilidade
timbrística o sincopado ritmo latino. Temas como este já davam a entender,
aliás, porque Shorter e Hancock, em especial entre os quatro, se entrosariam tão
bem com a música brasileira pouco tempo dali.
“Footsprint”, embora menos “pop” que a música que dá nome ao
álbum, é um dos temas mais conhecidos do vasto repertório autoral de Shorter,
compositor gravado desde muito cedo por outros jazzistas, inclusive. Talvez
seja justamente isso que tenha feito este belo tema bluesy cair nas graças de
um outro artista: Miles Davis. E quando este ícone do jazz gostava de algo, sabia-se
o destino: adquiria-se outro status. Adotada por Miles, que a gravou em seu
“Smiles”, de 1967, “Footsprint” entrou no set-list do trompetista e foi
largamente executada em turnê pela Europa e Estados Unidos naquela metade dos
anos 60 contando, inclusive, com o próprio Shorter na banda. Não podia dar em
outra coisa que não se tornar um clássico do jazz, aqui gravada pela primeira
vez.
No continuum shortesiano, não pode faltar também aquela
música que desassossega o ouvinte, como são “Night Dreamer”, do disco ao qual
dá nome, ou a enigmática “Dance Cadaverous”, de “Speak No Evil”. Aqui, é o caso
de “Chief Crazy Horse”, com sua construção harmônica modal (num show à parte de
todos, aliás) e variações de escala e compasso. Certamente a mais desafiadora
para a banda, o que, dados o entrosamento e perícia do quarteto, não foi nenhum
problema.
Como disse o crítico e editor da American Record Guide Don
Heckeman, Shorter tem o talento e a técnica para fazer tudo o que deseja, mas o
que mais o impressionava no então jovem músico era a capacidade de compor obras
coesas a partir desta plasticidade e versatilidade. Para ele, “Adam’s...” é exatamente isso: “uma conquista ainda melhor em sua totalidade, uma vez que nos fornece um
corte transversal revelador daquela que é a mais rara das qualidades: a
maturidade artística”.
*********** FAIXAS:
1. "Adam's Apple" – 6:49
2. "502 Blues (Drinkin' and Drivin')" (Jimmy Rowles) – 6:34
3. "El Gaucho" – 6:30
4. "Footprints" – 7:29
5. "Teru" – 6:12
6. "Chief Crazy Horse" – 7:34
7. "The Collector"* (Herbie Hancock) – 6:54
Todas as composições de autoria de Wayne Shorter, exceto indicadas
“CHAPELEIRO: Se você conhecesse o Tempo tão
bem quanto eu conheço você não falaria em gastá-lo, como uma coisa.
Ele é
alguém.
ALICE: Não sei o que você quer dizer.
CHAPELEIRO: É claro que você não sabe!
Eu
diria até mesmo que você nunca falou com o Tempo!
ALICE: Talvez não, mas sei que devo marcar
o tempo
quando aprendo música.”
trecho de “Alice no País das
Maravilhas”,
de Lewis Carroll
Depois de “Blow By Blow” do Jeff Beck, meu preferido, apresento pra
vocês mais um favoritíssimo da casa: “The Mad Hatter”, do pianista e tecladista
norte-americano Chick Corea. Como sempre, um pouquinho de história: em 1978,
aos 37 anos, Armando Anthony Corea já tinha uma longa estrada na música. Tocou
com os percussionistas Mongo Santamaria e Willie Bobo, com o flautista Herbie
Mann e com o sax tenor Stan Getz. Gravou seus primeiros discos solo na metade
dos anos 60 e mergulhou de cabeça na sonoridade free daqueles tempos.
Em 1968, foi convidado por Miles Davis a substituir Herbie Hancock em
sua banda. Participou dos seminais discos "In a Silent Way"e “Bitches Brew”.
Paralelamente, tinha os grupos Circle – com e sem o multiinstrumentista Anrhony
Braxton – e a primeira encarnação do Return to Forever, da qual participavam os
brasileiros Airto Moreira e Flora Purim, além de Joe Farrell e Stanley Clarke.
Após dois discos com esta formação, Corea foi com tudo pro fusion, trazendo para a banda, primeiro o guitarrista Bill Connors,
e depois descobrindo um jovem de 19 anos, Al Di Meola.
Neste tempo todo, Corea fazia projetos especiais para a gravadora ECM,
como discos de piano solo, duetos com o vibrafonista Gary Burton e trios com
Dave Holland e Barry Altschul. Em 1976, sentindo a necessidade de misturar a
linguagem acústica de seus discos da ECM com o fusion, muito em moda na época,
Corea fez uma trilogia de discos temáticos onde estas preocupações tomam a
forma de música: “The Leprechaun”, baseado nas histórias de duendes, e “My
Spanish Heart”, onde ele se debruça sobre a Espanha e seus sons, ambos de 76, e
“The Mad Hatter”, de 78. Na minha opinião, este terceiro é provavelmente o
trabalho em que Corea consegue mesclar as duas linguagens – e o acento erudito
com quinteto de cordas – com sucesso total, musicalmente falando.
Baseado no clássico livro de Lewis Carroll, "Alice no País das Maravilhas", a chave para entender o disco está na capa com Corea vestido de
Chapeleiro Maluco. A viagem inicia aí. Em termos musicais, "The Mad
Hatter" começa com Corea pilotando seus teclados em “The Woods”. Com moogs, mini-moogs, sintetizadores,
pianos elétricos e outros bichos, ele consegue reproduzir os sons de uma
floresta, com sapos, grilos e insetos, dando uma prévia do que virá pela
frente, a mistura de clássico com moderno. “Tweedle Dee” segue na mesma trilha,
fazendo uso das cordas e dos sopros (três trompetes e um trombone), pode-se
verificar com clareza a influência de Bela Bártok em sua música. Na música
seguinte, “The Trial”, temos a primeira aparição da exímia cantora e
tecladista, além de mulher de Corea, Gayle Moran (que havia participado da
segunda formação da Mahavishnu Orchestra, ao lado de John McLaughlin e Jean-Luc
Ponty). No julgamento do Rei de Copas, retirado diretamente do livro de
Carroll, Gayle canta com acento lírico: “Who’ll
stole the tarts / Was it the king of Hearts?”.
O principal momento jazzístico do disco acontece com “Humpty Dumpty”,
uma preferida dos músicos de Porto Alegre. Com um quarteto básico de jazz,
Corea consegue performances extraordinárias de seus colegas Joe Farrell no sax
tenor, Eddie Gomez no baixo acústico e Steve Gadd na bateria. Em meio a todos
aqueles teclados, cordas e sopros, é interessante ouvir o contraste de um grupo
acústico tocando um hard-bop
clássico. Cada músico dá seu showzinho particular, mas preste atenção no som de
baixo de Gomez. Madeira pura!
O lado 1 do LP termina com “Prelude to Falling Alice”, onde o tema é
tocado ao piano e “Falling Alice”, quando o pianista e compositor usa de todo o
arsenal sonoro para contar a queda de Alice. Gayle Moran canta o tema
principal, acompanhada pelas cordas e pelos sopros. Nesta música, temos a
primeira aparição de Herbie Hancock no piano elétrico, fazendo a harmonia para
o solo de mini-moog de Corea. Neste
período, ele e Corea começam a gravar duos de pianos. Destaque também para o
sax tenor de Farrell, um talento subestimado do jazz. Como estamos no tempo do
LP, há um fechamento musical da história pra que as coisas comecem de novo no
lado 2.
Ao virar o disco, “Tweedle Dum” reprisa o tema de “Tweedle Dee” numa
espécie de introdução da melhor faixa do disco, “Dear Alice”. Com 13 min e 7
seg, a música é uma espécie de tour de
force de todos os envolvidos. Pra começar com Eddie Gomez fazendo a melodia
no baixo acústico e Corea fazendo pequenos comentários ao piano acústico.
Durante 2min e 46seg, o baixista conduz a música com seu solo, à medida que
Gadd vai entrando aos poucos com acentos rítmicos na bateria. Moran entra para
cantar o tema principal e aí temos Farrell brilhando no solo de flauta,
secondado pelo quinteto de cordas e pelos sopros. Depois, Chick mostra toda sua
destreza e musicalidade ao piano. Tudo isso com Gadd dando seu show à parte e
mostrando porque é um dos bateristas mais cultuados do mundo. Na época, ele deu
uma entrevista dizendo que pedia as partituras de piano de Corea e estudava em
casa antes de gravar. Esta preocupação deu resultado: em algumas passagens de
"Dear Alice", os dois instrumentos parecem uma coisa só. Esta música
sozinha valeria o disco inteiro, tamanha a musicalidade que Corea e seus
músicos atingem, sem falar no arranjo perfeito que contrapõe as cordas e os
sopros.
Para encerrar o disco, "The Mad Hatter Rhapsody" com Corea no
mini-moog e Hancock em sua segunda
aparição no piano elétrico. O encontro destas duas feras é sensacional.
Enquanto Corea sola, Hancock faz harmonias diferenciadas no Fender Rhodes.
Nesta faixa, Hancock consegue tirar Gadd da bateria e coloca seu fiel escudeiro
Harvey Mason, que dá um suingue todo especial à faixa. Depois que os dois
tecladistas demonstram toda a sua qualidade, vem um interlúdio com o tema
principal tocado pela flauta e pelos sopros. Claro que a latinidade não poderia
ficar de fora e uma passagem de uma salsa estilizada com teclados e Gadd no cowbell fazem a cama para o tema final
onde volta Gayle Moran para apoteose final. Um disco maravilhoso. Quem não tem,
procure nas lojas ou na internet.
Entre as gravadoras, o nome Blue Note é certamente
o mais mencionado entre todos aqui no blog quando falamos de música. Mais do que qualquer outro selo do
jazz, como Atlantic, Impulse!, Columbia ou ECM, ou mesmo da música pop, como Motown,
Chess, Factory e DefJam, a Blue Note Records já foi destacada em nossas postagens em pelo menos um cem número de vezes, aparecendo em diversos de nossos ÁLBUNS FUNDAMENTAIS como informação essencial para, inclusive, a essencialidade das próprias obras. Não à toa. O selo nova-iorquino, que completou
83 anos de fundação esta semana, feito encabeçado pelos produtores musicais
Alfred Lion e Max Margulis nos idos de 1939, transformou-se, no transcorrer das
décadas, num sinônimo de jazz moderno de alta qualidade e bom gosto.
O conceito, aliás, já está impregnado nas caprichadas e conceituais artes dos
discos, como nas capas emblemáticas de Reid Miles, as fotos de Francis Wolff e,
por vezes, a participação de designers convidados, como Burt Goldblatt, Jerome Kuhl e, nos anos
50, um então jovem artista visual de Pittsburgh chamado Andy Wahrol. Tudo encapsulado
pela mais fina qualidade sonora e técnica, geralmente gerenciada pelas hábeis
mãos do engenheiro de som Rudy Van Gelder em seus mágicos estúdios Englewood
Cliffs, em New Jersey, outro emblema de qualidade associado à marca Blue Noite.
Mas, claro, o principal é a música em si. Musicalmente falando, a gravadora em diferentes épocas
reuniu em seu elenco nomes como Horace Silver, Herbie Nichols, Lou Donaldson,
Clifford Brown, Jimmy Smith, Kenny Burrell, Jackie McLean, Freddie Hubbard,
Donald Byrd, Wynton Marsalis, Andrew Hill, Eric Dolphy, Cecil Taylor, Hank Mobley, Lee Morgan,
Sonny Clark, Kenny Dorham, Sonny Rollins e tantos outros. Há, inclusive, os que lhe tiveram passagem rápida, mas que, mesmo assim, não passaram despercebidos, como Miles Davis, nos primeiros anos de vida do selo, ou
Cannonball Adderley e John Coltrane, que em seus únicos exemplares Blue Note, no final dos anos 50, deixaram marcas indeléveis na história do jazz.
Pode-se dizer sem medo que pela Blue Note passaram bem dizer
todos os maiores músicos do jazz. Se escapou um que outro – Charles Mingus,
Chet Baker, Albert Ayler, Ahmad Jamal – é muito. Outros, mesmo que tenham andando
por outras editoras musicais, tiveram, inegavelmente, alguns de seus melhores
anos sob essa assinatura, tal Wayne Shorter, Dexter Gordon e McCoyTyner.
Tanta riqueza que a gente não poderia deixar passar a data
sem, ao menos, destacar alguma lista como gostamos de fazer aqui. Melhor, então: destacamos cinco delas! Para isso, chamamos nossos amigos jornalistas – e profundos conhecedores de jazz – Márcio Pinheiro e Paulo Moreira, contumazes colaboradores do blog, para darem, juntamente conosco, Cly e eu, suas listagens de 10 discos preferidos da Blue Note Records.
Ainda, para completar, puxamos uma seleção feita pelo site de música britânico JazzFuel,
em matéria escrita pelo jornalista especializado em jazz Charles Waring no ano passado. A recomendação, então, é a seguinte:
não compare uma lista com outra e, sim, aproveite para ouvir ou reouvir o máximo
possível de tudo que cada uma traz. Garantia de que as mais harmoniosas notas azuis
vão entrar em sua cabeça.
"Toda personalidade musical, quando atinge a maturidade, é capaz de se dividir em muitas direções. Compare a complexidade rítmica e melódica de 'Playground', a faixa final, com o rhitym-and-blues-quase-objetivo de 'Tom Thumb', a de abertura. Não muito tempo atrás na história do jazz, teria sido difícil encontrar um compositor capaz de produzir duas obras de natureza tão díspares."
Leonard Feather,no texto original da contracapa do disco
Wayne Shorter nunca foi homem de pouco trabalho. Se hoje, aos 86 anos, ainda se mantém ativo, com disco lançado recentemente e não raro fazendo shows pelo mundo, nos anos 60, na flor da idade, seu ânimo era irrefreável. Além de compor as bandas de Herbie Hancock, Lee Morgan, Miles Davis, Grachan Moncur III, Art Blakey, Tony Williams, Lou Donaldson e outros, tinha gás e criatividade suficientes para tocar mais de um projeto solo ao mesmo tempo. Entre 1964 e 65, por exemplo, ele lançava nada menos que seis discos: "JuJu", "Night Dreamer", "The All Seeing Eye", “The Collector”, "Et Cetera" e "The Soothsayer". Em 1966, outros dois: "Adam's Apple", "Speak No Evil". Todos marcos do jazz. Na esteira desta fase abençoada, Shorter trouxe “Schizophrenia”, que se não é tão celebrado quanto alguns de seus antecessores, guarda igualmente as mesmas qualidades: o jazz vigoroso, a melodia penetrante e um punhado de sutilezas muito peculiares de seu autor, certamente uma das mais lendárias figuras da música moderna.
O deleite começa com “Tom Thumb”, um rhytm & blues cheio de latinidade e clara homenagem a Tom Jobim e à bossa nova em que dois acordes dissonantes, tal qual o mais famoso gênero musical brasileiro legou à música moderna, se entrecruzam para formar a melodia central. Tudo começa na elegante base de baixo de Ron Carter, mestre do instrumento e sabedor como poucos do fraseado do samba. Já Shorter e James Spaulding estão arrepiantes cada um com seu saxofone, tenor e alto, respectivamente. Ainda, um Joe Chambers incrível no gingado da bateria e o parceiro Hancock, outro manifesto admirador da música brasileira, fazendo os teclados batucarem. Das melhores faixas de abertura de um disco de Shorter – e olha que têm várias de alto gabarito.
Toda a luminosidade colorida do ritmo latino se converte na enigmática e nebulosa “Go”. Shorter e Spalding soltam literalmente os primeiros sopros, dando a entender que a canção irá se direcionar para determinado lado. Ledo engano, pois os ventos levam a melodia, propositalmente complexa e fugidia, para outras paragens. Primeiro, sobe, depois forma chorus, entra em consonância, desce novamente e nunca estabelece um verdadeiro ritmo, um compasso que a defina. O band-leader e autor da música a domina com altivez e abstratismo, enquanto Spaulding, audaz, amplia essa atmosfera ao atacar agora com a flauta. Mas é mesmo Hancock que se esbalda. Para quem escreveu temas oníricos como “Maiden Voyage”, esse é o tipo de situação para deitar e rolar. Além da base sabiamente modal, que solo brilhante de piano ele extrai!
Dá a se entender que a turma resolveu manter o clima fantástico de “Go”, mas após uma rápida intro de chorus dos sopros, a bateria surge em um crescendo para que todos entrem de vez no hard-bop pulsante da faixa-título em que ninguém deixa por menos em intensidade. A flauta de Spaulding rouba a cena em “Kryptonite”, faixa escrita por ele. Entretanto, não menos engenhosa é a concepção dada por Shorter, que aplica glissandos e variações de volume a seu sax. A bateria potente nas baquetas de Chambers segura, igualmente, um Hancock inventivo tanto na base da mão direita quanto na fluência da esquerda. Carter não fica para trás, tirando do grave do baixo a densidade certa.
Sabe aquele olhar peculiar que Shorter lança sobre sua música a que se referiu anteriormente? Dois deles estão em “Miyako”: a melodiosidade romântica e o toque do Oriente. Budista, o músico era casado à época com a musa inspiradora que dá título à canção, a qual ele já havia dedicado, um ano antes, em “Speak no Evil”, a música “Infant Eyes” e a própria capa daquele mesmo álbum. Resultado: uma balada linda, sensível, algo exótica, com destaque para os saxofones, que se completam mesmo em solos simultâneos. Como era de praxe à sequência de discos da época, o último número trazia uma harmonia mais complexa, o que acontece com “Playground” que, como se supõe, é um parque de diversões para os músicos soltarem a imaginação e destreza.
A se imaginar o trabalhão que deu fazer discos tão incríveis como “Schizophrenia” em tão pouco tempo renderia, ao menos, umas férias, certo? Errado em se tratando de Wayne Shorter, que logo em seguida emendaria mais discos solo, a fundação da banda referência do jazz fusion, a Weather Report, a parceria com Milton Nascimento e por aí vai. Até hoje não tem como parar esse fenômeno da natureza chamado Wayne Shorter. E nem há por que.
***************** FAIXAS 1. Tom Thumb - 6:15 2. Go - 4:52 3. Schizophrenia - 6:59 4. Kryptonite (James Spaulding) - 6:25 5. Miyako - 5:55 6. Playground - 6:20 Todas as composições de autoria de Wayne Shorter, exceto indicada
"Em fevereiro de 1954, pela primeira vez em um tempo, eu me sentia bem de verdade. Minha embocadura estava firme porque eu vinha tocando todas as noites e tinha finalmente me livrado da heroína. Eu me sentia forte, física e musicalmente. Me sentia pronto para tudo."
Miles Davis
Era incrível a capacidade de Miles Davis para compor grandes bandas. O músico, que completaria 95 anos no último mês de maio e cuja prematura morte completará três décadas em setembro, desde que se tornara um jovem band leader, aos 22, no final dos anos 40, estabelecera tal protagonismo. Após alguns anos de “escola” aprendendo teoria musical na Julliard School mas, principalmente, tocando na banda de Charlie Parker, o grande revolucionário do jazz, o homem que pôs o gênero de ponta-cabeça diversas vezes ao longo de meio século, em menos de 10 anos de carreira solo e menos de 30 de idade já era considerado uma lenda no meio jazz nova-iorquino. Além de lançar discos referenciais, como “Birth of the Cool” (1949/50), cujo nome fala por si, e a trilogia hard-bop “Cookin’/ Relaxin’/ Steamin’” (1956), o trompetista tinha um tino especial também para agregar a si outros talentos, formando grupos às vezes tão inesquecíveis quanto seus álbuns. Tanto veteranos, como Charles Mingus, Art Blakey e Max Roach quanto então novatos, como Gerry Mulligan, John Coltrane, Herbie Hancock e Tony Williams, eram recrutados por Miles, um líder natural.
Era tanto prestígio de Miles já à época, que ele mantinha contrato com duas gravadoras, Blue Note e Prestige, e estava em vias de assinar com outra: a Columbia. Toda essa autoridade permitiu que, em “Bags Groove”, de 1957, ele pudesse contar não com uma, mas duas bandas. E, diga-se: bandas de dar inveja a qualquer front man. O disco reúne duas sessões de gravação ocorridas em 1954 no famoso estúdio Van Gelder, em Nova York: a 29 de junho e a 24 de dezembro. Para cada uma, Miles teve escalações estelares. Acompanhando-o na segunda delas estão, além dos velhos parceiros Percy Heath, ao baixo, e Kenny Clarke, na bateria, ninguém menos que Milt 'Bags' Jackson, nos vibrafones, membro da inesquecível Modern Jazz Quartet e a maior referência deste instrumento na história do jazz, e Thelonious Monk ao piano, considerado um dos maiores gênios da música do século XX. Duas referências do jazz bebop e ambos tocando pela primeira vez com o trompetista.
O disco começa com outra característica de Miles fazendo-se presente, que é a de não apenas estar ao lado de músicos de primeira linha como, principalmente, saber tirar o melhor proveito disso. As duas versões da faixa-título, de autoria do próprio Milt, são tão solares que fazem esquentar o frio nova-iorquino daquela véspera de Natal. O estilo solístico de Miles e sua liderança no comando da banda, atributos totalmente recuperados por ele naquele 1954 depois de um longo e tortuoso período de vício em heroína, ficam evidentes em seus improvisos inteligentes, econômicos e altamente expressivos.
Mas não é apenas Miles que brilha, visto que tudo na música “Bags...” abre espaço para diálogos. A elegância característica do estilo de Miles se reflete no soar classudo do vibrafone de Milt. Poder-se-ia dizer tranquilamente que a faixa, por motivos óbvios, além da autoria e da autorreferência, é dele, não fosse estar dividindo os estúdios com Miles e Monk. Este último, por sua vez, conversa tanto com a elegância peculiar dos dois colegas quanto, principalmente, no uso inteligente e econômico das frases sonoras. No caso do pianista, mais que isso: precisão – e uma precisão singular, pois capaz de expressar sentimento.
Capa do disco com Rollins, que corresponde ao lado B de "Bags Groove"
O repertório do álbum se completaria com outra gravação ocorrida meses antes, só que num clima totalmente contrário: em pleno calor do verão junino da Big Apple, Miles entra em estúdio amparado por Clarke novamente, mas agora tendo ao piano outro craque das teclas, Horace Silver. Mas ao invés do vibrafone percussivo de Milt, agora a sonoridade complementar muda para outro sopro: o vigoroso saxofone tenor de Sonny Rollins. Substituições feitas, qualidade mantida. Como um time que não se afeta com a intempéries e sabe mudar as peças mantendo o mesmo esquema vitorioso,
Os quatro números restantes são fruto da sessão feita para “Miles Davis With Sonny Rollins”, de 1954 (este, lançado naquele ano mesmo), quando Miles, que já havia trabalhado rapidamente com o saxofonista três anos antes, apresentava-o, então com 24 anos, como jovem promessa do jazz. E se o lado A de “Bags...” tinha como autor não Miles, mas seu parceiro Milt, a segunda parte também era praticamente toda assinada por Rollins. “Airegin”, um bop clássico, é o resultado do entrosamento dos dois. Miles gostou tanto do tema, que o regravaria no já referido “Cookin’” com Coltrane, no sax, Red Garland, ao piano, Paul Chambers, baixo, e Philly Joe Jones, na bateria. O mesmo acontece com “Oleo”, um gostoso jazz bluesy, que Miles aproveitaria no repertório de outro disco memorável daquela época, “Relaxin’”, e com o qual contou com a mesma “cozinha” de “Cookin’”.
“Bags...” tem ainda outra de Rollins, a inspiradíssima “Doxy” e sua levada balançante, que não muito tempo dali se tornaria um clássico do cancioneiro jazz, interpretada por monstros como Coltrane, Dexter Gordon e Herb Ellis. Completam o repertório dois takes do standart “But Not For Me”, de Gershwin. Classe pouca é bobagem.
Isso tudo, acredite-se, antes de Miles ter lançado aquele que é considerado sua obra-prima, “Kind of Blue”, de 1959, a criação do jazz modal e com o qual contou com Coltrane, Bill Evans, Cannoball Adderley, Jimmy Cobb e Wynton Kelly. Antes de ter tocado com o infalível quarteto Williams, Hancock, Wayne Shorter e Ron Carter, noutro passo fundamental para o jazz. Muito antes de ter feito “In a Silent Way” e “Bitches Brew”, as revoluções do jazz fusion em que teve, além de Hancock, Shorter e Williams, outros coadjuvantes ilustres como Chick Corea, Joe Zawinul e John McLauglin. Como talvez nenhum outro músico do jazz, Miles tinha a capacidade de reunir os diferentes e saber extrair disso o melhor. De unir verão e inverno e torná-los a mesma estação. “Bags...” é uma pontinha de tudo isso que Miles fez e representou para o jazz e a música moderna. E haja bagagem para conter tanta história e tantos talentos orbitando ao redor do planeta Miles Davis!
************ FAIXAS:
1. "Bags' Groove" (Take 1) (Milt Jackson) - 11:16
2. "Bags' Groove" (Take 2) - 9:24
3. "Airegin" (Sonny Rollins) - 5:01
4. "Oleo" (Rollins) - 5:14
5. "But Not for Me" (Take 2) (George Gershwin/ Ira Gershwin) - 4:36
"Entrançados pelas revoluções musicais no jardim de Deee-Lite, os três groov-nicks estavam destinados a esbarrar um no outro. Três culturas diferentes unificadas na era da comunicação."
Trechos do texto do HQ do encarte do disco
"Como se diz delicioso?
Como se diz adorável?
Como se diz deliciosa?
Como se diz divina?
Como se diz de-groovy?
"De" com isso?
Como se diz Deee-Lite?"
Bordão da banda
Em 9 de novembro de 1989, afora a multidão presente in loco para presenciar aquele acontecimento histórico para a humanidade, o mundo todo parava para assistir pela TV a queda do Muro de Berlim. Mais do que apenas concreto, quebravam-se, naquele momento, diferenças. Tudo que a Guerra Fria alimentava com as sobras mal mastigadas da Segunda Guerra se dissolvia, tornando possível que, não apenas a Alemanha se reunificasse, como novas e saudáveis conexões e comunicações entre culturas acontecessem. Ocidente e Oriente não restavam mais apartados. Sua queda não apenas reidentificava uma dualidade ideológica, mas também simbolizava a quebra de preconceitos maiores, como de raça, gênero, cor, cultura e nacionalidade, fosse alemão, soviético, japonês ou norte-americano. Vislumbrava-se, ali, um renovado olhar para o respeito ao outro.
A música não demorou em captar estes ventos de liberdade e comunhão. Precisou, na verdade, precisamente de apenas 268 dias, bem pouco para quem suportou 9.490 deles dos 26 anos desde que o muro foi erguido, em 1963. Artista rapidamente tocada pela reconfiguração planetária de então foi Lady Miss Kier Kirby. A norte-americana, cantora, DJ, modelo e designer de moda aproveitou a passagem aberta pelo muro derrubado para, saída de seu país, passar por sobre seus escombros em direção a até bem pouco tempo inimiga Rússia e recrutar o talentoso Super DJ Dimitry. Sem guardas na fronteira, ela andou ainda mais e foi parar no Japão, desta vez para capturar outro “às” nas manipulações sonoro-digitais: Jungle DJ Towa Towa. Juntos, fizeram de QG, claro, a universal Nova York. Pronto: estava composta a primeira banda de música pop fruto da nova configuração mundial: a Deee-Lite.
O som dançante, alegre e altamente melodioso do trio fazia reverências retrô à música negra norte-americana, mas também a modernizava ao valer-se de elementos peculiares da experiência nativa de seus integrantes, do som das pistas noturnas e das novidades tecno que aquele início da última década do século XX passava a oferecer. Estavam ali a efervescente acid house mas também o hip-hop, o funk, a soul, o eletro-pop, a disco, o jazz, o AOR e o synth. Essa misturança criativa e libertária se materializava no primeiro e disparado melhor disco do grupo: “World Clique”, que completa 30 anos de lançamento neste dia 7 de agosto.
Japão (Towa), Rússia (Dimitry) e Estados Unidos (Kier) juntos para fazer o som da nova era
E como representar aquele novo momento mundial? Com festa, é claro! Sintonizados com o clima de diversão regada à música eletrônica da era clubber, a balada da Deee-Lite começa em altas vibes com “Good Beat”. Samples, beats, grooves e o canto de Miss Kier, que lembra o das grandes divas da era disco. Está aberta a pista, que lota de pronto! Pra não baixar a empolgação, outro arraso: “Power of Love”. Um acorde de piano muito jazzy chama as batidas secas da acid house, que reverberam fortes e fazem impactar o plexo solar. Mas não só: o vocal entra juntamente, formando uma dance tomada de soul anos 70, resumo daquela sonoridade nova que a Deee-Lite trazia em seu balaio cosmopolita. Impossível ficar parado!
Além do som, era importantíssima a Deee-Lite também a parte visual. Eles sintetizavam a “montação” da indumentária clubber, com suas saias e calças coloridas, leggings, tênis sneaker e esportivos, pulseiras, colares, tic-tacs, piranhas e anéis, além de vernizes, maquiagens brilhantes, piercings, tatuagens tribais, cabelos em cortes à frente da moda ou em tons berrantes como o verde-limão e a rosa-choque. Em elementos siderais divertidos e coloridos como os de um cartoon da Hanna-Barbera e tipografia retrô anos 50, a capa de “World...” traz os três integrantes em roupas não menos avivadas e extravagantes mas, principalmente, destaca seus traços antropomórficos típicos: Miss Kier, uma vistosa mulher com os ares latinos da América miscigenada; Dimitry, cujo tipo eslavo em roupas fashion prenunciava a aderência russa ao capitalismo a partir de então; e Towa Towa, de estatura baixa e cabelos pretos lisos típicos de um oriental, o qual trazia para aquela arquitetura estética a cultura pop dos animes japoneses. Todos prontos para a balada!
Mas não se pense que se trata de qualquer festinha! Na “delicious party” da Deee-Lite, além da importância do traje (quanto mais espalhafatoso, melhor), havia também convidados ilustres. O lendário Bootsy Collins é um deles. Baixista de grupos icônicos da black music, como a banda de James Brown e o combo de George Clinton, a Parliament/Funkadelic – a quem Towa Towa faz referência em seu boné na capa do disco – Bootsy empresta não apenas seu estilo único de tocar e o visual de “cartum ambulante” (o qual inclui, fora os óculos esquisitões e não raro uma cartola idem, um sorrisão irresistível) como, tanto quanto, a presença de alguém da “velha guarda” naquele projeto. Como uma chancela para a nova geração. É ele quem comanda baixo e guitarra do funkão pra lá de suingado “Try me On... I’m Very You”, onde Miss Kier, aliás, dá um show de vocal.
Bootsy: velha guarda da black music dando aval para a nova geração
Bootsy volta a aparecer na pista em outro funk, a gostosa “Smile On”, mas desta vez acompanhado de outros convidados de pulseirinha vip com ele: os craques Maceo Parker, no sax, e Fred Wesley, além das cantoras Sahira e Sheila Slappy. Estas duas, aliás, não arredam pé do “queijão” em nenhum momento, sacolejando-se o tempo todo e fazendo o backing do disco inteiro, dando uma trégua apenas na brilhante “What is Love?” em que os DJ’s Dimitry e Towa homenageiam com muita propriedade a Kraftwerk, fazendo lembrar temas dos alemães como “Sex Object”, por causa da voz grave e sensual de Mike Rogers, mas também a sonoridade de coisas de “Computer World” e “The Man-Machine”.
A faixa título e “E.S.P.” mostram porque a Deee-Lite, principalmente na figura de Miss Kier, se tornou um ícone para a comunidade LGBTQ+. Uma ode ao hedonismo, à estética e ao amor. E o que dizer, então, de “Groove Is In The Heart”? Hit do disco, tornou-se um sucesso mundial, que estourou com clipe na MTV à época e fez com que a Deee-Lite tivesse seu maior reconhecimento, colocando o disco no 20º posto entre os mais vendidos. A música ficou entre as cinco primeiras no Hot 100 da Billboard dos EUA e do Reino Unido, bem como ocupou o 1º lugar na parada Hot Dance Club Play dos EUA. Não à toa. Resumo da proposta do trio, “Groove...” é ainda hoje uma referência quando se pensa em música alegre ou pra se dançar, tanto quanto uma “Stay in the Light” ou “YMCA”. Como não, aliás, entrar nessa com eles?! Pura energia boa. Sampler com a base de “Bring Down the Birds", de Herbie Hancock, o baixo saltitante de Bootsy, os metais de Maceo e Fred, o rap de Q-Trip e toda aquela galera ao fundo curtindo a balada.
Fecham “World...” as também ótimas "Who Was That?", um funk suingado cheio de “sampladelics relics” engendradas pelos DJ’s e um refrão pegajoso; e “Deep Ending”, acid house clássica que lembra, pelos acordes de teclados, Depeche Mode e New Order em seu uso menos convencional dos elementos eletrônicos, ora até num tom soturno herdado do gothic punk.
O HQ do encarte de "World Clique"
Porém, como toda balada animada, assim como começou, logo que raiou o dia, a rave da Deee-Lite se encerrou. O grande sucesso do disco de estreia da banda lhes renderia, inclusive, uma vinda ao Brasil para o Rock in Rio 1991. Mas ficou basicamente por aí. Soltariam apenas mais dois álbuns: o longo e inconstante "Infinity Within" (1992) e o derradeiro ”Dewdrops In The Garden” (1994), este último, praticamente já sem a principal cabeça compositiva da banda, o DJ Towa Towa, o qual começava a se aprumar para uma carreira solo deslumbrante agora rebatizado com o nome artístico pelo qual passaria a ser conhecido: Towa Tei. Diferenças e rusgas afastaram o trio cada um para seu canto. Dmitry, baseado atualmente na Berlim sem muros, segue trabalhando como DJ, compositor e produtor, remixando, inclusive, vários artistas, como Sinead O'Connor, Ziggy Marley, Nina Hagen e Ultra Naté. Além disso, seu conturbado relacionamento com Miss Kier inviabilizava totalmente a continuidade de qualquer projeto em comum. Ela, por seu turno, segue trabalhando agora em Londres como cantora e DJ, além de cumprir o importante papel de ativista da causa LGBTQ+, a qual ocupa posto de porta-voz. Uma perfeita drag queen em pele de mulher.
As portas da boate daquele improvável trio, que unia gente da América, a Europa e o Oriente, fechavam-se para receber outras e novas festas anos 90 afora. Se hoje é normal ver grupos como Black Eyed Peas e Fugees com integrantes de várias nacionalidades ou artistas identificados com a cultura queer, como RuPaul, Army of Lovers, Right Said Fred e Lady Gaga, isso não era comum naquele mundo pré-globalização da Deee-Lite. Eles, com alto astral e muita musicalidade, representaram o começo de uma era e transformaram para sempre a música pop, derrubando muros simbólicos e abrindo portas – e armários – para toda uma geração prestes a entrar no tão aguardado século XXI. Bastou darem um “clique”, para o “mundo” nunca mais ser o mesmo.
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O formato CD traz duas faixas não inclusas na edição original: a fantástica “Deee-Lite Theme”, parceria com Herbie Hancock, que prenuncia o que, principalmente, temas que Towa Tei faria em carreira-solo, como “Sound Museum”, de 1997. Além desta, “Build the Bridge”, cantada por Bill Coleman.
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Deee-Lite -"Groove Is In The Heart"
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FAIXAS: 1; “Good Beat” - 4:40 2. “Power Of Love” - 4:40 3. “Try Me On ... I'm Very You” - 5:14 4. “Smile On” - 3:55 5. “What Is Love?” - 3:38 6. ”World Clique” - 3:20 7. ”E.S.P.” - 3:43 8. “Groove Is In The Heart” (Deee-Lite/Herbie Hancock/Jonathan Davis) - 3:51 9. “Who Was That?” - 4:35 10. “Deep Ending” - 3:47 + Bônus (versão CD): - “Deee-Lite Theme” ((Deee-Lite/Hancock) - 2:08 - “Build The Bridge” - 4:32 Todas as composições de autoria de Deee-Lite, exceto indicadas
“Quando a melodia de ‘The Sidewinder’ me veio à mente,
não estava pensando naquele tipo de cobra,
mas sim num cara mau”.
Lee Morgan
O trompetista
norte-americano Lee Morgan é um dos maiores nomes da história
do jazz, inegavelmente. Porém, seu caminho poderia ter sido ainda
mais frutífero não fossem essas coisas inexoráveis da vida. No
caso dele, a morte. Porém, durante os 36 anos em que esteve no
planeta Terra iluminando-o com sua música, o período entre 1963 e
1964 lhe é especialmente relevante. Foi quando ele produziu algumas
de suas mais significativas obras. Poderia muito bem falar aqui do
hard bop “The Gigolo”, com sua explosão soul de “Yes I
Can, No You Can't”, que lançou, em 1965, com uma afinadíssima
banda (Harold Mabern, piano; Bob Cranshaw, baixo; Billy Higgins,
bateria; e o mestre Wayne Shorter, no sax tenor). Podia, igualmente,
voltando dois anos no tempo, exaltar o brilhante “Search for the
New Land”, cuja faixa-título é dos colossos do jazz mundial mas
que, para além disso, é inteiramente radioso, contando com os
mesmos Higgins e Shorter e mais as luxuosas adições de Reggie
Workman, no baixo, e os dedos mágicos de Grant Green na guitarra e
de Herbie Hancock ao piano. Ainda caberia trazer o obscuro bop
modal “Tom Cat”, em que Morgan se juntara, logo depois, às feras
Jackie McLean (sax alto), Curtis Fuller (trombone), McCoy Tyner
(piano), Cranshaw (baixo) e seu “padrinho” Art Blakey (bateria).
Porém, a fase era
tão produtiva que Morgan não ficou apenas nesses grandes feitos.
Outro deles pode ser considerado ainda mais revolucionário e
esplendoroso: “The Sidewinder”. Juntamente com o já
resenhado aqui nos ÁLBUNS FUNDAMENTAIS"Empyrean Isles",
de Hancock, compõe o duo de discos que lançaram, há exatos 50
anos, as bases do jazz-funk, inspirando toda uma geração de
jazzistas (Vince Guaraldi, Miles Davis, Green, Henri Mancini, João Donato, Don Salvador) além da soul music e do pop-rock. Foram
os discos que fizeram o jazz sair do chão. A beleza formal dos
acordes complexos ganha aqui ainda mais malícia, gingado, groove.
Nascido na
Filadélfia, o prodígio Edward Lee Morgan começou pré-adolescente
a soprar seu instrumento inspirado em Miles, Clifford Brown – seu
ídolo – e Dizzy Gillespie, com quem tocara no início da carreira.
Em 1956, aos 19 anos, tem a chance de integrar a The Jazz Massangers
de Blakey, mesmo ano em que assina pela primeira vez com o selo Blue
Note, do qual saiu quatro anos e sete discos depois. Nessa época já
se via o virtuosismo, a fluência e o vigor de seu toque, destacando
os poderosos registros agudos, estilo que foi aperfeiçoando ao longo
dos anos (inclusive, na célebre participação como sideman
em “Blue Train”, memorável álbum de John Coltrane de 1957). Até
que, após passagens por gravadoras menores, em 1963 retorna à
“casa” e, com a mão Rudy Van Gelder na mesa de som e produção
de Alfred Lion (além da sempre linda arte de Reid Miles na capa),
leva ao estúdio da Blue Note, em Nova York, os camaradas Cranshaw e
Higgins juntamente com as feras Joe Henderson, no sax alto, e a Barry
Harris, no piano, para registrar “The Sidewinder”.
Como todo bom
jazzista, Morgan é altamente ligado ao blues. Entretanto, ele injeta
ao rhythm’n’blues uma carga ainda inédita do funk oriundo
das ruas dos guetos urbanos, que tinham, desde os anos 50, na figura
de James Brown, Otis Redding, Solomon Burke e Aretha Franklin seus principais representantes. A química foi infalível. A faixa-título
faz as honras de abertura, mostrando como se faz jazz com
inteligência, apuro técnico e alma soul. Cranshaw dedilha um
acorde de quatro notas que desencadeia uma explosão de groove,
com Higgns, brilhante, metendo swing na caixa e no prato;
Harris, segurando tudo num gostoso tempo 2 x 2; e os sopros, que
mandam ver no chorus. Impossível não balançar o esqueleto!
Tão lindos quanto o improviso de Morgan, de Harris e de Henderson –
músico experiente como Morgan que de cara já diz a que veio –, o
de Cranshaw, atrevido, fecha a sequência de solos, quando a banda
retoma inteira para concluir o número. Para coroar o feito de
Morgan, ninguém menos que uma de suas principais inspirações,
James Brown, regravou a faixa menos de um ano depois. O Godfather of
Soul gostou tanto da homenagem que pôs a The James Brown Band a
executar uma mais acelerada versão de “The Sidewinder” em “James
Brown Plays James Brown: Yesterday and Today”, com nada menos que
um naipe de cinco metais à frente.
“Totem Pole”,
com base de acordes circulares do baixo, traz uma estrutura mais
tradicional do hard bop. Porém, os solos são de uma
malemolência inquestionável. Morgan arranja o seu numa combinação
orgânica com o piano de Harris, que dialoga com o trompete durante
todo o improviso. Nesta, Handerson, que já havia soltado as garras
na anterior, realiza um de seus mais memoráveis solos. Capaz de unir
a bossa-nova e o be-bop a um virtuosismo de cores parkerianas,
ele incrementa a música com seu estilo particular.
“Gary's Notebook”
traz ainda mais embalo e um riff complexo, tocado com simetria
pelos sopros. De encher os olhos. Morgan mais uma vez se dá o
direito de iniciar os improvisos, ditando um toque fluente e variante
que Henderson e Harris seguem com desenvoltura. Na mesma linha e
ritmo, "Boy, What A Night" é mais uma de impressionar pela
sincronia de toda a banda, seja no chorus ou nos momentos de
realce dos instrumentos. Desta vez, é o sax de Henderson que inicia
os trabalhos, num conceito interessante em que ele estende as notas,
criando intervalos diferenciados e elásticos. Que Morgan é sempre
um espetáculo é sabido; mas nesta Harris não fica para trás, seja
na marcação swingada da base, seja no solo, certamente o destaque
da faixa. Tomada de blues, a improvisação do piano bem poderia
figurar em qualquer rock de Little Richard ou Jerry Lee Lewis.
Colorida, “Hocus
Pocus” fecha o álbum em alto astral. Morgan eleva a escala, num
tocar radiante. Van Gelder inteligentemente deixa o microfone captar
ao fundo a empolgação de algum dos músicos, que acompanha com a
voz algumas frases dos instrumentos (provavelmente o próprio band
leader) – o que faz lembrar Charles Mingus em sua ode ao blues
“Oh Yeah”, de 1962. Henderson e Harris mantêm o clima e a
qualidade indiscutível. Perto do final, Higgns, dos principais
responsáveis pelo conceito do álbum, uma vez que o amarra de ponta
a ponta com um ritmo gingado e bluesy, ganha seus momentos de
improviso também, conversando com o trompete de Morgan. Este, por
sua vez, também não deixa terminar a gravação sem emitir suas
peculiares notas agudas, que surpreendem o ouvido e o deliciam ao
mesmo tempo.
“The Sidewinder”
entrou para a história como o maior sucesso de Lee Morgan, atingindo
o 10º lugar na categoria R&B da Billboard. Os anos subsequentes
iriam alçar o músico cada vez mais ao posto de um dos grandes do
jazz universal, ao lado de craques da sua geração como Sonny
Rollins, Hancock, Shorter, Henderson, Cannonball Adderley, Ornette
Coleman e Coltrane. Porém, como havia ocorrido com este último em
1967, vitimado por um câncer, os céus tinham outros planos para Lee
Morgan. Todo aquele talento foi bruscamente ceifado por um brutal
assassinato pelas mãos da própria esposa, de quem recebeu um tiro
no coração quando tocava num clube em Nova York em 1972. O motivo? Não se
sabe. O crime ainda hoje é mal explicado. O que a levou a cometer
tal ato? Será que, domesticamente, Morgan encarnava o tal “cara
mau” a quem o próprio se referiu? Não se sabe – e nem importa.
Resta, sim, sua obra, que somente um cara com uma boa dose de
“maldade” podia ter criado. Uma maldade no sentido de “malícia”.
Afinal, não há males que vêm para bem?
