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domingo, 17 de abril de 2022

"Os Dez Mandamentos", de Cecil B. DeMille (1923) vs. "Os Dez Mandamentos", de Cecil B. DeMille (1956)




É o caso daquele técnico que tem moral no clube, já montou bons times e, anos depois, tendo vindo de bons trabalhos por aí, ganha uma infraestrutura ainda melhor do que já tinha e ainda mais investimento. Cecil B. DeMille havia feito para a Paramount, em 1923, uma adaptação da história bíblica de Moisés, projeto audacioso para a época pela grandiosidade e pelas inovações, mas naquele momento, ainda sem som e sem cor, recursos técnicos então indisponíveis. O resultado até foi bom, bastante elogiado e manteve a reputação de DeMille de ser um excelente adaptador cinematográfico para temas bíblicos. Mas aí, anos depois, com o colorido e o som à sua disposição, no cinema, o cineasta resolveu aperfeiçoar o projeto da maneira como realmente gostaria de fazer. 

E fez toda a diferença!!! As cores e o som são dois pontos de enorme acréscimo ao anterior! A cor porque, uma vez tendo a seu dispor o recurso, DeMille as explorou de maneira muito competente, com paletas vívidas, vibrantes, que impressionam o espectador e salientam as características dos ambientes, intensificando, por exemplo, a sensação de riqueza do palácio do faraó com suas roupas e adereços extravagantes, ou ressaltam a aridez do deserto, no amarelado angustiante da areia. Do som ele fez um trunfo, uma vez que seus personagens FALAM e por sinal, falam muito bem. Os diálogos são muito bons, bem elaborados, são oportunos, têm força, têm impacto e, mesmo as falas discursivas de Moisés ou a própria voz de Deus, por mais exageradas e pomposas que possam parecer, são intensas e importantes dentro do contexto do filme e de sua época. O texto ganha muito, também, por ser interpretado por um time de primeira. O diretor ganhava para essa sua segunda versão uma elenco estelar com nomes como Yul Brynner, Anne Bexter, Vincent Price e, principalmente, Charlton Heston, como Moisés, ator talhado para esse tipo de papel, já tendo aparecido com características semelhantes em filmes como "Ben-Hur", "El Cid" e "Agonia e Êxtase". Não que o antigo não tivesse grandes estrelas, Theodore Roberts, o primeiro Moisés, Julie Faye, Rod La Roque gozavam de renome e prestígio na época do cinema mudo, e Richard Dix, inclusive, seguiu com sucesso já nos filmes sonoros. Mas não tem comparação! Até porque os astros da segunda versão marcam exatamente um era de adoração e mitologia das grandes estrelas de cinema, além de entregarem atuações à altura de seus nomes.

O primeiro filme é bem mais curto em relação a seu sucessor, uma vez que, limita suas ações ao desafio de Moisés ao faraó Ramsés II para que liberasse o povo escravizado, à partida dos hebreus para o deserto perseguidos pelos soldados egípcios e, por fim, à revelação das tábuas das leis. Já o remake parte desde o resgate do bebê Moisés, numa cesta, no Rio Nilo, sua ascensão a príncipe do Egito e sua posterior renúncia à realeza ao descobrir suas origens hebraicas, sua condenação a vagar pelo deserto até a morte, a incumbência dada a ele por Deus e, aí sim, encontrando o início do primeiro filme, quando retorna ao Cairo e exige de Ramsés a libertação de seu povo sob pena de, não o atendendo, liberar terríveis pragas sobre os egípcios. 

No entanto, a primeira versão poderia ter abrangido uma parte maior da história, não fosse o fato de, na sua segunda parte, mudar bruscamente o rumo do filme. Logo após a revelação das Leis Sagradas a Moisés e seu anúncio para o povo, descobrimos que tudo aquilo que se passara, até então, no filme, fora narrado por uma mãe para seus dois filhos, nos tempos atuais (de 1923) lendo a Bíblia. Então começa outra história na segunda metade do filme: uma novelinha dramática cheia de ensinamentos morais baseados diretamente pelos Mandamentos. Legalzinho, bem feito, boa direção, a parte do desabamento da igreja, em especial, é bem impressionante, mas... o filme perde muito. 

"Os Dez Mandamentos", de 1923, até é um bom filme. Competente no que se propõe, o que não era uma tarefa fácil. Tem bons cenários, bons figurinos, um bom trabalho de câmera de DeMille e efeitos visuais muito engenhosos dadas as condições técnicas da época, mas essa mudança a partir da metade compromete bastante do produto final. É uma quebra de expectativa que frustra um pouco o espectador que fica esperando por um novo encaixe na trama bíblica, o que não acontece. Sem falar que, no geral, fica parecendo uma tentativa de reproduzir um "Intolerância" (D.W. Griffith - 1916), sem a mesma genialidade, grandiosidade de cenários e qualidade de roteiro.

Mas DeMille parece ter aprendido a lição e, se o antigão se perde na segunda parte, sua nova versão vem com o que tem de melhor depois do intervalo. Tem ciúme, vingança, intriga, tragédia, perseguição, orgia, tem cajado virando cobra, tem chuva virando fogo, água virando sangue e, é claro, tem a clássica cena de Moisés abrindo o Mar Vermelho. Um segundo-tempo de luxo do time de Charlton Heston!


"Os Dez Mandamentos" (1923) -
abertura do Mar Vermelho

"Os Dez Mandamentos" (1956) -
abertura do Mar Vermelho



Enfim, no mano a mano, o time de 1956 ganha sem maior dificuldade. 

A direção do primeiro é muito boa para sua época, mas o próprio DeMille se supera na refilmagem; a cenografia do original é excelente, mas a refeita é deslumbrante; o elenco original tinha alguns bambambans da era do cinema mudo, mas o timaço do remake é covardia; os efeitos especiais do primeiro eram impressionantes para o início do século passado, mas os do filme de 1956 levaram um Oscar. O que dizer?

A fotografia e a opção por uma paleta vibrante são um gol para o mais novo; o ganho sonoro e a composição dos diálogos valem outro; os cenários suntuosos e roupas luxuosas garantem mais um. O ataque desequilibra com a dupla de ataque Brynner e Heston. O craque dos filmes épicos passa pela defesa egípcia como se atravessasse o Mar Vermelho e faz um golaço; e, a propósito, a cena em questão, da abertura do mar, uma das mais clássicas da história do cinema, joga um banho de água fria e afunda o time de 1923. Como se não bastasse, nos acréscimos, as inscrições de Deus nas Tábuas Sagradas, apesar do foguinho meio tosco até para a época, é um verdadeiro gol de placa. 

Ao time de 1923, fica o gol de honra pela ousadia, boa intenção, competente direção, cenas difíceis bem executadas e efeitos, até, bem complexos, quando sequer eles eram bem desenvolvidos. A opção pela mudança de esquema, no segundo-tempo, no entanto, colocou qualquer pretensão do original, por água abaixo.

Moisés dá o sangue em campo, faz chover, une o grupo e garante o título de Libertadores da Judeia.

Aqui alguns pontos de comparação visual:
(à esquerda, sempre, o original)
Os cenários, já suntuosos no primeiro e ainda mais impressionantes, no segundo;
Moisés liberando as pragas diante de Ramsés II, no palácio;
a rebeldia do povo e a adoração ao bezerro de ouro;
e, por fim, Moisés, com as Leis Sagradas, nas duas versões.


O time de 1956 segue à risca os mandamentos do técnico DeMille,
que reviu seus conceitos, mudou o esquema e levou seu time à Terra Prometida.
Não levou o Mundial, que seria o Oscar de melhor filme, 
mas, como a Seleção Brasileira de 1982,
ficou eternizado pelo seu jogo bonito.




por Cly Reis

quinta-feira, 29 de agosto de 2019

"A Mosca da Cabeça Branca", de Kurt Neumann (1958) vs. "A Mosca", de David Cronenberg (1986)




Com mais recursos, maior investimento, mais qualidade técnica, um treinador destemido e agressivo e com um futebol mais moderno, mais atualizado, "A Mosca", de David Cronenberg, de 1986, se impõe com autoridade diante de "A Mosca da Cabeça Branca", de Kurt Neumann, de 1958. Futebol não é uma ciência exata mas nesse caso, todos os fatores mencionados pesam para a vitória do remake. E não é que o original seja ruim! É um bom filme, instigante, surpreendente, ousado para a sua época, bem realizado dentro de suas limitações técnicas. O problema é que sua versão posterior é uma referência entre as refilmagens. É daquelas definitivas.
"A Mosca", de 1986 é um marco na ficção científica, no terror, na maquiagem, nos efeitos especiais, na história do cinema. Aí não tem como competir. O antigo até se esforça, tem suas qualidades, seus méritos e deve ter sido algo bem impactante na época de seu lançamento, mas é bem o caso de um estilo de jogo superado. Filmes, nos anos 50 e 60, tinham que lidar com muitas limitações impostas pela indústria do cinema quanto ao que podia-se ou não mostrar, códigos de moral, parâmetros de violência, e mesmo assim "A Mosca da Cabeça Branca" contrariava algumas dessas normas e causava algum desconforto no espectador, como na chocante cena da prensa industrial, ou na grotesca cena da criatura do título, meio homem meio inseto, presa numa teia prestes a ser devorada por uma aranha.
Mas estamos falando de bizarrice? Ah, aí poucas coisas se comparam à Mosca de Cronenberg. A aparência do cientista Seth Brundle à medida que a fusão avança, a orelha caindo, a coleção de órgãos no armarinho do banheiro, o vômito digestivo, o aspecto de como as coisas saem da cápsula quando a experiência fracassa... Meu Deus! Quem assistiu "A Mosca", de 86, não esquece jamais!
Os argumentos são praticamente iguais com a diferença interessante que o antigo é contado em flashback a partir do trauma da esposa do cientista Andre Delambre que então passa a nos revelar o que acontecera e pelo fato de que, na original, os elementos, homem e mosca, trocam características e não apenas o ser-humano as adquire, como na refilmagem. Mas de um modo geral a história é a mesma. Um cientista que, desenvolvendo um teletransportador, depois de tentar com algum sucesso com objetos inanimados e não com a mesma sorte em pequenos animais, resolve recalibrar o equipamento e testar em si mesmo. Só que, em ambas as versões, nosso herói não contava com um pequeno intruso: uma mosca que se aloja, junto com ele, dentro de uma das cápsulas, o que faz com que seu código genético seja modificado, associado ao do inseto.

"A Mosca da Cabeça Branca" (1958) - principais cenas 


"A Mosca" (1986) - trailer

A cápsula de teletransporte é interessante e até legal na versão original; a câmera simulando uma visão múltipla de mosca, embora hoje seja trivial, foi um inteligente recurso visual do diretor Kurt Neumann; a revelação para a esposa da cabeça de mosca, que deve ter sido algo bem impressionante para a época; e o próprio efeito visual da face humana na mosca presa na teia, embora o som que emitido pelo inseto-humano seja algo grotesco, também é um ponto a favor do filme de 1958, mas nada disso é o suficiente. "A Mosca" de Cronenberg goleia com facilidade. O time de Kurt Neumann é bravo, tem um craque no time, Vincent Price, luta com o que tem e até consegue fazer dois golzinhos, um por conta da ousadia e toda a criatividade, e mais um pela caracterização de mosca que eu já havia mencionado. Mas A Mosca'86 mete um pela escolha de Jeff Goldblum para protagonista com aqueles seus olhões de mosca; mete dois pela maquiagem; três pela direção de arte, a estética das cápsulas e tudo mais; quatro pelo horror; e cinco pela nojeira, porque Cronenberg sem causar náuseas não é Cronenberg. O remake tira o pé do acelerador no final por respeito ao adversário que, afinal de contas, é um time... digo, um filme de respeito e não merece ser esmagado como uma mosca. E ninguém mais mexe no placar: 5x2 O time de Cronenberg, respeitosamente, faz questão de cumprimentar o adversário e pede o reconhecimento da torcida que aplaude de pé.

A aparência da Mosca original, que deve ter causado pavor em seu tempo,
e a da segunda versão, gosmenta e aterrorizante.

O original de 1958 é bom time mas fica preso na teia tática do remake de 1986
e é amassado como se tivesse sido colocado uma prensa hidráulica.
Entra por uma cápsula, valente e confiante, e sai pela outra, moído e triturado.
Definitivamente esse enfrentamento não foi uma boa experiência...


 





Cly Reis


sexta-feira, 19 de junho de 2015

A Hollywood que não pode sair do armário



Cary Grant e Randolph Scott
"Quase todos os nossos grandes astros eram gays.
 Mesmo assim o machismo imperava nos estúdios e sufocava carreiras,
salvo alguns como Clift, que assumiu
e sofreu na carne o preço.
Eles tentaram esconder Burt,
 Scott e muitos outros, nos todos sabíamos,
mas os chefões nunca se renderam,
e eu poucas vezes”.
John Ford



Dos quatro deuses rebeldes do método Lee Strasberg – Marlon Brando, James Dean, Montgomery Clift e Paul Newman –, apenas Paul era heterossexual. Clift era gay assumido e sofreu enormes rejeições, ainda que tenha enfrentado todas elas. Depois de aconselhado por Liz Taylor, virou um arrogante de primeira; era sua defesa pessoal. James Dean não fazia esforço para esconder a homossexualidade: frequentava bares gays onde adorava queimar o corpo com cigarro em trips sexuais. Marlon Brando, esse sim: traçou de Vivian Leigh a Jean Cocteau. E mais, muito mais. Mas estes grandes atores não seriam os pioneiros. Tyrone Power, sir Laurence Olivier, George Cukor, Vincent Price, Errol Flynn e o músico Cole Porter, por exemplo, sempre tiveram preferências homossexuais. Errol desfilava com muitas namoradas e lançava cantadinhas não correspondidas à sua partner, Olivia de Havilland. Além disso, adorava desfrutar de orgias com homens e mulheres. Seu grande parceiro de festinhas foi Willian Holden, que não era gay, mas topava a mulherada.

Os estúdios criaram vários casamentos de fachada para seus atores de ponta. Queriam sempre abafar os comentários da imprensa sobre suas sexualidades. Um deles era Burt Lancaster, que foi proibido de “sair do armário”. Acabou casando forçadamente e tendo filhos. Mesmo assim, manteve relacionamentos com Rock Hudson e Cary Grant. E, por fim, foi um grande ativista do movimento gay. O charmoso Cary Grant e Randolph Scott, um dos reis do western da "era dos estúdios", segundo seus amigos pessoais, eram casados e mantinham famílias para despistar os estúdios e a imprensa. Chegaram a morar juntos e foram fotografados em momentos picantes na piscina. As fotos geraram revolta dos chefões de "Oliú", que ameaçaram suspender trabalhos de ambos os atores que foram obrigados a se separar. Após isso, Cary tentaria suicídio com pílulas para dormir. Já Gary Cooper, bonito e másculo, o protótipo do herói americano, foi aconselhado por seus agentes a abandonar seu parceiro sexual sob pena de ter sua próxima produção cancelada – que se chamaria nada menos que "Matar ou Morrer", um dos maiores westerns da história.

Mas o caso mais polêmico foi o do ator e galã Rock Hudson. Em 1955, ele levava uma carreira ascendente no cinema, mas a tranquilidade logo ia dar lugar a um escândalo: uma revista especializada em fofocas publicaria uma matéria com fontes seguras sobre a homossexualidade de Hudson. Seus agentes não perderam tempo e casaram o ator com sua secretária – o mesmo que aconteceu com Anthony Perkins. O casamento "falso" durou poucos anos e logo o galã entraria para uma vida de promiscuidade sexual sem limites. Hudson recorria às ruas todas as noites e levava para a cama até vagabundos e jovens de toda a cidade. Era um sexo mecânico e sem erotismo. A regra de Hudson era “quanto mais, melhor”, não importando a “qualidade”.

O resultado de tudo isso acabou vindo anos mais tarde. Em 1984, o ator foi a primeira grande celebridade do cinema americano a ser diagnosticada com HIV. Rock Hudson faleceu em 1985 em decorrência da doença e o fato teve uma enorme proporção. Tanto que chamou a atenção de celebridades e do governo dos EUA, quando muitos doaram quantias milionárias para as pesquisas da cura da AIDS, tendo Hudson como símbolo póstumo da campanha. Em 1992 e com menos estardalhaço da imprensa, o astro tímido de “Psicose”, Tony Perkins, sucumbiria ao HIV. Elogiado por Hitchcock e por muitos diretores, e criticado por sua opção sexual pela MGM, ele partiria discretamente em sua casa em Hollywood, mas não sem antes dizer em uma entrevista: "Que possamos ser livres em nossas escolhas, mesmo pagando um preço eu prefiro ser livre." Que assim seja.



sábado, 26 de junho de 2010

Michael Jackson - "Thriller" (1982)


"Pois nenhum mero mortal pode resistir
À malevolência do terror."
trecho do texto narrado por Vincent Price
na música "Thriller"



Na Semana de aniversário de um ano da morte de Michael Jackson, mesmo não sendo fãzaço, não posso ignorar um dos discos que mudaram a história da música, e não apenas dela como do comportamento, dos costumes, da moda, da mídia e etc.
Como não destacar um álbum que até hoje é o mais vendido de todos os tempos, que fez do artista nada mais nada menos que o rei do pop e que teve a música que revolucionou a linguagem do videoclipe e da exposição de artistas em TV para sempre? É lógico que os méritos não ficam limitados a isso. Sonoramente a obra acaba sendo uma das que melhor aproxima toda a musicalidade de cultura negra tentada, experimentada, inventada até então do grande púbico. Funde-se funk, soul, jazz, disco, R&B de uma maneira tal que acabou por se consolidar como a fórmula certa do pop (digo "certa" no sentido de alcançar-se grandes vendagens, popularidade e público; porque em qualidade, na minha opinião Prince, por exemplo, já havia atingido isso antes e continuou com maior qualidade ainda depois, mas isso, lá, é outra história). Mas criar-se uma "fórmula" para algo tão popular infelizmente tem seu preço, e as as gerações seguintes acabaram vendo então este monte de ccantores de hip-hop, meninas rebolando com vozinhas sensuais, múscas ruins sustentadas apenas por mega-videoclipes e artistas que se baseiam mais em performances coreográficas do que na música.
Sou um daqueles que acham que Quincy Jones inventou Michael Jackson e que o dito Rei do Pop sem ele seria somente mais um na cena, mas não posso deixar de valorizar o resultado da acolhida deste brilhante produtor a um, até então, potencial "menino-prodígio". E se o que se deu desta adoção foi "Thriller" há de se reconhecer que acabou sendo uma das uniões mais felizes da história da música.

********************
Recentemente saiu uma versão comemorativa dos 25 anos do álbum com as faixas originais, vídeos, inclusive com o clássico clipe da faixa-titulo, e remixes com versões com alguns desse pessoalzinho aí que eu disse que formam o "legado" do Jacko: Kanye West, Fergie, Akon e will.i.am. Ou seja, as faixas Bônus, são ônus na verdade.

FAIXAS ORIGINAIS 1982:
1. "Wanna Be Startin' Somethin'" M.Jackson 6:03
2. "Baby Be Mine" R.Temperton 4:20
3. "The Girl is Mine" (com Paul McCartney) M.Jackson 3:42
4. "Thriller" R.Temperton 5:58
5. "Beat It" M.Jackson 4:18
6. "Billie Jean" M.Jackson 4:54
7. "Human Nature" J.Bettis, S.Pocaro 4:06
8. "P.Y.T (Pretty Young Thing)" J.Ingram, Q.Jones 3:59
9. "The Lady In My Life" R.Temperton 4:59

*a edição especial de 2008 conta com uma faixa com a locução de Vincent Price, a mesma da música "Thriller"

EXTRAS EDIÇÃO 25 ANOS:
1. "The Girl is Mine" com will.i.am
2. "P.Y.T (Pretty Young Thing)2008" com will.i.am
3. "Wanna Be Startin' Somethin'" com Akon
4. "Billie Jean" com Fergie
5. "Human Nature" com Kanye West
9. "For all Time" unreleased track from original sessions

DVD DA EDIÇÃO DE 25 ANOS:
1. "Billie Jean" (videoclipe)
2. "Beat It" (videoclipe)
3. "Thriller" (videoclipe)
4. "Billie Jean" (apresentação na festa de 25 anos da Motown na qual imortalizou o passo conhecido como "Moonwalk"

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Aí o clipe de "Thriller" o video que revolucionou o gênero. Praticamente um curta-metragem dirigido por John Landis ("Os Irmãos Car-de-Pau" e "Um Lobisomem Americano em Londres"). Este pequeno filme além virar referência e objeto de imitação, consolidou a linguagem do videoclipe e elevou definitivamente os lançamentos de músicas e álbuns a outro patamar.


Michael Jackson - "Thriller"


Ouça o disco:
Michael Jackson - Thriller 25th. Anniversary Edition


Cly Reis