"Se Eu Fosse Minha Mãe", de Gary Nelson (1976) vs. "Sexta-Feira Muito Louca", de Mark Waters (2003)

 

Sabe quando um time não tá funcionando bem, pinta aquela crise no vestiário e um setor começa a reclamar do outro? O pessoal do ataque cobra da defesa por tomar tantos gols, mas aí o pessoal da zaga argumenta que os atacantes não tem a menos noção da dificuldade que é marcar porque nunca se preocupam com isso e não ajudam nem na saída de bola. Os dianteiros, por sua vez, se defendem alegando que o meio deveria colaborar mais, que jogam muito espaçados e que o volante deveria proteger a área. Aí é a meiúca que acusa os laterais de avançarem muito e deixarem a parte defensiva muito exposta. Os homens dos flancos, por seu turno, ofendidos, alegam que tem que ir e voltar o tempo todo e que ninguém trabalha como eles no time... "Queria ver se fossem vocês!", dizem. Enfim, ninguém se entende!

No nosso duelo cinefutebolístico da vez, pegamos dois filmes em que, exatamente, uma personagem não tem a exata noção das dificuldades da outra e acaba precisando viver na pele os problemas do outro lado para perceber que perrengues não são exclusividade sua.

"Se eu Fosse Minha Mãe" e "Sexta-Feira Muito Louca" têm basicamente a mesma história. Mãe e filha, intolerantes às questões da outra, depois de uma discussão (mais uma!!!) acabam por um incidente metafísico trocando de lugar, mudando de corpo. A mãe no corpo da filha e a filha no corpo da mãe, mas com a mesma cabeça, os mesmos conceitos, os mesmos pensamentos e preocupações. Em nome de manter as aparências e tentar deixar as coisas sob controle até que, de alguma forma, tudo volte ao normal, elas concordam em assumir seus papéis durante aquele dia e cumprir as tarefas uma da outra. Aí é passar um dia encarando os desafios cotidianos do outro lado tão subestimados por cada uma delas.

No original de 1976, a mãe, Ellen, vivida por Barbara Harris, é meramente uma dona de casa e suas particularidades basicamente se limitam à rotina do lar, como preparar a comida, lavar a roupa, cuidar do marido, solicitar manutenções, etc., retrato da época e do padrão desejado para uma mulher na sociedade dos anos 70. O universo da filha Annabelle, vivida por uma jovem Jodie Foster ainda em seus tenros 14 anos, além da escola, do convívio das amigas, inclui atividades esportivas nas quais, por sinal, ela se destaca, como hóquei e esqui aquático, o que representará dificuldades adicionais a quem assuma sua identidade.

Não precisaria nem dizer que a filha, no corpo da mãe, em casa tendo que atender o fogão, máquina de lavar, serviços de entrega, relações sociais e tudo mais, fica perdidinha e só toma decisões erradas. E a mãe, na escola, no corpo da filha, além de perceber que o universo escolar é mais complexo do que imaginava, nas atividades extraescolares não terá a menor destreza com tacos de hóquei, esquis e coisas do tipo.

Na refilmagem de 2003, a atualização é preciosa e rende muitos ganhos à nova versão. Tess, a mãe, interpretada por Jamie Lee Curtis, é uma mulher independente, de sucesso, trabalha fora, é viúva mas tenta dar uma nova chance à sua vida com um novo parceiro que, por sinal, é muito mal recebido pela filha adolescente Anna, ainda muito sentida pela perda recente do pai. Anna tem preguiça pra acordar pra ir pra escola, briga com o endiabrado irmãozinho menor, não é má aluna mas tem suas dificuldades na escola, seja com outras meninas, seja com professores implicantes. Tem uma quedinha por um gatinho da escola, tem personalidade forte, discute com a mãe por quase tudo e tem uma banda de rock que além de seu lazer, seu prazer, é quase seu escape para todo os estresses do dia a dia. O problema é que a mami não vê  bem assim. Acha que é só uma barulheira, é só mania, brincadeira de adolescente, que não tem importância alguma e no dia que pode ser o mais importante para o futuro musical da filha, ela quer pôr seu interesse à frente obrigando a garota a ir em sua festa do noivado com o futuro padrasto. Aí não, né! É claro que vai dar treta! Tá certo que Anna tem que entender que a mãe precisa de uma nova chance na vida, passado o luto, e que aquele é um momento especial, mas Tess também podia ter um pouquinho de noção que uma batalha de bandas, uma chance de mostrar seu talento, exibir aquilo que você curte e faz bem, de se autoafirmar como pessoa, é algo que não se pode deixar passar.

Só esse recorte já demonstra o quanto "Sexta-Feira Muito Louca" é mais bem estruturado, mais bem costurado, bem construído, ao passo que o outro tem questões pontuais, dilemas mais isolados e o problema final que é o de Ellen no corpo da filha tendo que participar de uma demonstração de esqui, enquanto Annabelle no corpo da mãe, com uma licença de adulto mas sem nenhuma prática na direção, tem que dirigir até o local do evento aquático para impedir que algo de pior aconteça à filha..., digo à mãe..., a mãe que na verdade é filha... Ah, sei lá! Até já me confundi.

Fato é que o remake é muito superior. A própria troca de papéis tem uma "lógica" mais justificável na segunda versão, com os biscoitos da sorte no restaurante chinês, do que no primeiro filme quando se dá simplesmente durante mais uma discussão na qual ambas acabam falando ao mesmo tempo. Sem falar na rotina escolar de Anna, no cotidiano mais complexo da mãe, na relação mais engraçada da garota com o irmão, a situação do namoradinho que se encanta com a mulher mais velha, que no primeiro é meramente um bocó da vizinhança enquanto na refilmagem é um gatão de moto e que tem participação relevante em um elemento importante da trama.  Ou seja, "Sexta-Feira Muito Louca" tem tudo para passar por cima de "Se Eu Fosse Minha Mãe".

Mas futebol e cinema se decide dentro das quatro linhas e, apesar das aparências, o filme de 1976 não é nenhuma galinha-morta. Dois times com boas duplas de ataque! De um lado, "Se eu fosse minha mãe" tem a belíssima Barbara Harris num papel até bem competente dadas as limitações do personagem, e a jovem Jodie Foster que viria a ter dois prêmios The Best FIFA na estante (ou seja, dois Oscar da Academia) mas que até aquele instante era apenas mais uma boa promessa do sub-15. Mas se não era possível prever que no futuro aquela adolescente sardentinha seria uma oscarizada, quem apostaria que um dia a final-girl de Halloween, Jamie Lee Curtis também teria um Oscar pra chamar de seu? Pois é, alguns anos depois, uma das primeiras rainhas do grito, também viria a levar seu 'premio FIFA' por "Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo". Ou seja, se o negócio é prêmio grande, TEMOS.  E pros dois lados.

Já a mãe da versão original e a filha da versão nova, nunca chegaram a ter essa projeção toda, embora Harris tenha recebido uma indicação ao Oscar e Lindsay Lohan tenha sido um ícone de sua geração especialmente nas comédias juvenis. O problema com LL é que foi tipo aquele jogador porra-louca que teve bom desempenho em duas ou três temporadas depois de subir pro profissional mas estragou tudo e jogou a carreira fora.

Mas, pasmem, aqui, no estágio da carreira de cada uma, a Lindsay 'Lôca', supera a bi-oscarizada Jodie Foster. O retrato de adolescente, as particularidades da sua época, as atualizações do roteiro, a parte musical, favorecem enormemente a maluquete dos anos 2000 e ela desequilibra a favor do seu time.

"Se Eu Fosse Minha Mãe" - Abertura

Apesar de tudo indicar uma vitória fácil do remake, para surpresa geral, o original é quem abre o placar nos primeiros segundos de jogo. A abertura em animação, graciosa e cativante é um diferencial do time de 1976. Muito bonitinha! Gol relâmpago! SEFMM 1x0.

Mas parece que era tudo que o time setentista tinha para dar. A dinâmica do remake, os contextos familiar e escolar, a atualização do olhar sobre a mulher, a introdução do elemento do padrasto, a existência da banda, tudo isso representa um ganho considerável para o novo filme. Jogada coletiva, toca daqui toca de lá e SFML empata rapidamente. 1x1.

Numa tabelinha espetacular de Jamie Lee Curtis com Lindsey Lohan, SFML faz o segundo. As situações em que elas contracenam logo após a troca, quando compreendem que mudaram de corpo e teriam que encarar pelo menos um dia daquele jeito, são de se mijar de rir. Cada uma pegando as falas, as manias, os trejeitos da outra é algo absolutamente hilário! Experiência aliada à juventude e SFML vira o jogo: 1x2.

Por falar em experiência e juventude, a cena em que o crush de Anna, Jake, um rapaz da escola que ajuda na detenção, dá carona de moto para a mãe, achando que está caidinho por ela (mas é pela filha), além de saborosa e engraçada, é embalada por uma versão matadora de Joey Ramone para o clássico "What a Wonderfull World". Aí não tem como, né? É gol do time de 2003. 1x3 no placar.

"Sexta-Feira Muito Louca" - cena da moto

"What a Wonderfull World", Joey Ramone

A relação com o irmão menor é mais engraçada na segunda versão mas não faz tanta diferença para representar um gol; a origem da "maldição", com o restaurante chinês, o biscoito da sorte e tudo mais é apenas mais bem resolvida na refilmagem que o do original, mas não chega a ser nada genial e não  representa, um diferencial considerável. O que faz a diferença, sim, é a sequência final que, enquanto no primeiro filme se resume a uma desastrada demonstração de esqui aquático e uma perseguição automobilística totalmente pastelão, na nova versão tem o clímax dividido entre a festa de noivado da mãe e a batalha de bandas da filha, colocando frente a frente os interesses de cada uma e a capacidade de compreender a necessidade da outra. A sequência toda culmina em nada menos do que um show de rock com um solo de guitarra de Anna, no corpo da mãe Tess, salvando a própria pele, uma vez que a quem está ali no palco, pelo menos em corpo, é ela mesmo. Literalmente..., show!1x4.

Num jogo realizado numa sexta-feira e em que tudo parecia fora do lugar - o volante jogando de ponta esquerda, o zagueiro de centroavante, o lateral na meia - "Sexta-Feira Muito Louca" mostra mais qualidades, mais variações de jogo, troca de posições, e atropela seu original dos anos '70. Se eu fosse a Jodie Foster, eu chamava minha mãe porque a surra foi feia.

Pois é, futebol moderno exige que os jogadores atuem em mais de uma função.
Tem que aprender a jogar na posição da outra.
(À esquerda, Annabelle e Ellen, na primeira versão,
e à direita, Anna e Tess, na refilmagem)

A defesa do time de 1976 foi uma mãe e

 facilitou a vitória do time de 2003.

por Cly Reis

"O Corvo", de Alex Proyas (1994) vs. "O Corvo", de Rupert Sanders (2024)

 

Enfrentar um original consagrado já é difícil, encarar uma lenda, então, é uma tarefa ainda mais inglória. "O Corvo", 1994, como se não bastasse ser um filme cultuado entre os góticos, darks, o pessoal que curtia a cena alternativa dos anos 80, praticamente o representante cinematográfico dessas tribos, marca a morte trágica,  dentro do set de filmagens, do ator Brandon Lee, o protagonista da história que interpreta nada menos que um homem que volta do mundo dos mortos. Era como se fosse o próprio personagem, ninguém mais poderia ter feito aquele filme senão ele. Brandon Lee em tela, na pele do personagem Eric Draven era por si só uma espécie de lenda em movimento.

Por si só o desafio de refilmar "O Corvo" era algo pouco recomendável. Teria que conquistar o fiel público que praticamente endeusa o original, e ainda conseguir algo parecido com o carisma e a aura de Brandon Lee.

Assim, a tarefa mais viável seria uma aproximação com a nova geração de modo a conquistar o público atual. Uma linguagem mais adequada ao século XXI, comportamento, costumes, anseios, etc. O visual, a música, a dinâmica, os hábitos, tudo isso teria que ser repensado. Mas a nova versão de "O Corvo" não atende praticamente nada. Não dialoga com os antigos fãs e nem fica marcante para os novos interessados. Se afasta do original exatamente em pontos que poderia tirar proveito, não consegue imprimir uma estética, uma identidade visual, não empolga, e não consegue personificar em Bill Skarsgard um protagonista carismático.

Em ambos os filmes Eric Draven e sua namorada Shelly Webster são assassinados mas uma entidade sobrenatural permite que aqueles que foram mortos injustamente retornem para realizar sua vingança. Eric então retorna ao mundo dos vivos, incólume fisicamente, imortal, e vai à caça daqueles que os mataram a fim de encontrar e ficar com Shelly no mundo dos mortos.

Basicamente isso mas com algumas diferenças: no primeiro, o casal é  assassinado na chamada Noite do Demônio, uma data em que todos os crimes e atrocidades acontecem, sem controle, pelas ruas. O apartamento deles é invadido por uma gangue, ela é brutalmente violentada por todos eles e ele é morto com um tiro. Um ano depois, um pássaro negro misterioso, um corvo, aparece em sua sepultura, o desperta da morte, o guia até o antigo apartamento e, lá, diante das memórias do casal que vão aparecendo para ele em flashes, fica claro que sua alma só descansará mesmo ao lado da namorada quando se vingar daqueles que os mataram. Ele então vai atrás de cada um da gangue.

O cenário é sombrio, a Noite do Demônio é lindamente caótica, a angústia de Eric ao se descobrir morto, ao recuperar as imagens de Shelly é comovente, sua iniciativa de se disfarçar como uma figura assustadora é instintiva e inspirada, e sua maquiagem de arlequim das trevas é simplesmente icônica. Em uma cidade constantemente chuvosa, decadente e sem lei, uma trilha sonora empolgante embala a saga de vingança de Draven dando a morte adequada a cada um que lhes fizeram mal. Imortal, imune à dor, inatingível a balas ele elimina todos os capangas até chegar até o chefão, Top Dollar, um excêntrico figurão que descobre que a força vital do vingador das trevas está no pássaro que o acompanha. Em uma tocaia Top Dollar fere o pássaro e então fica praticamente condições de igualdade para encarar o palhaço imortal num duelo decisivo.

"O Corvo" (1994) - trailer

"O Corvo" (2024) - trailer

Na nova versão, a relação do casal é um pouco mais explorada. Os acompanhamos desde quando se conheceram em uma clínica de reabilitação para dependentes químicos onde se apaixonam e de onde fogem quando Shelley se diz perseguida por alguém. Ao saírem do sanatório, se refugiam na casa de um antigo amigo dela, onde são assassinados por homens que procuravam algo que estaria em poder da moça. Eric, interpretado por Bill Skarsgård, então acorda numa espécie de limbo onde uma entidade permite que ele retorne à vida para vingá-la desde que nunca duvide de seu amor por ela. Ele concorda mas ao retornar e entender os envolvimentos dela e do que os bandidos estavam atrás, ele fraqueza quanto a seu sentimento e morre novamente. Desesperado ela tenta um último acordo com o guia do além, de matar Roeg, o líder de uma seita satanista que estava atrás de segredos que Shelly escondia, de modo a trocar sua alma pela dela no inferno.

Aí, sim, Draven volta, empoderado, imortal, impenetrável a tiros, regenerado a ferimentos, e vai buscar o homem que prende a alma da namorada morta no inferno. Na trilha de sangue e vingança que Eric deixa, Roeg descobre os poderes sobrenaturais do jovem e resolve então roubá-los de modo a aumentar ainda mais seu poder demoníaco. Eles terão então um confronto final que definirá se Roeg conseguirá seus objetivos malignos ou se Eric conseguirá salvar a alma de sua amada.

A trama até tem mais complexidades, o casal, sua origem, a natureza de sua relação são mais explorados desde o início, a motivação inicial do vilão é menos simplória, mas nada disso garante maior qualidade. As nuances da história, personagens secundários dispensáveis, elementos pouco relevantes, afastam a trama de um ponto central; a introdução à relação de Eric e Shelly fica longa, maçante e ocupa uma parte significativa do filme sem que alguma coisa realmente avance; sem falar que a natureza do vilão, Roeg, tipo um 'demonista' ambicioso, seu envolvimento com a garota, o segredo que ela guarda é tudo simplesmente estapafúrdio.

Pra completar, cenários CGI tipo Marvel, personagens caricatos, atuações constrangedoras... "O Corvo" de 2024 dói de ruim.

De positivo, temos o bom confronto final com Roeg e as cenas de luta com muita violência gráfica e inventividade. No mais, é só buscar a bola no fundo da rede.

Um pelo visual, a ambientação, a cidade escura, decadente, chuvosa, em chamas. As vistas aéreas, as perseguições nos telhados a visão distorcida pelo olho do pássaro. Tudo demais! 1x0 .

Dois pelo figurino e maquiagem do protagonista, aquela cara branca de palhaço sorridente numa alma triste, sombria e torturada, aquele cabelo escorrido, desgrenhado, a roupa de couro preto. Uma figura sinistramente cativante que, como se não bastasse, toca guitarra pelos telhados da cidade. Muito rock'n  roll, muito dark: 2x0 .

Três pela trilha sonora eletrizante e muito bem escolhida com nomes como Jesus and Mary Chain, Nine Inch Nails, Helmet, Violent Femmes e The Cure, talvez os grandes representantes e inspiradores de todo o visual do personagem. 3x0 .

E por falar na banda de Robert Smith, o quarto gol vai por conta da cena do 'surgimento' do Corvo, o momento em que, ao som da espetacular "Burn" do The Cure, no loft do casal, as memórias chegam torturando o jovem Eric, ele repassa angustiantemente o roteiro da noite de terror, entende seu destino de vingança, pinta o rosto inspirado numa máscara teatral de arlequim e, decidido, sob a luz de relâmpagos, olha do alto de sua janela redonda, a cidade onde começará sua caçada. 4x0 .

"O Corvo" (1994) -

A "transformação" de Eric Draven

O quinto vai pela importância do corvo, do pássaro em si, no original, enquanto que no remake ele é subutilizado, meramente alegórico e quase sem importância. É ele quem vai à cova de Draven trazê-lo de volta dos mortos, é nele que está a força vital do personagem vingador, e é ele quem guia nosso herói pelas cidade, e as cenas sobrevoando do alto, com a visão do pássaro, são simplesmente incríveis. Não tem Pato, Ganso, Falcão? Por que que não pode ter gol do corvo também! É gol do Corvo! 5x0 .

O sexto é dele, Brandon Lee. Além de ser filho de craque, do mítico Bruce Lee, Brandon era carismático e perfeito para o papel. Só que acabou infelizmente tornando-se legendário pelo pior motivo possível: uma arma disparada por acidente nas filmagens que veio a tirar sua vida. Mesmo incompleto, com cenas de dublês e remendos digitais, o mero fato de ter sido concluído depois de sua morte, fez do filme, sombrio sobre morte e ressurreição, algo ainda maior e só aumentou seu culto. Brandon é o nome do gol! 6x0 Corvo '94.

Como já  mencionado, o gol de honra da nova versão fica por conta das ótimas cenas de luta, especialmente na da sequência da ópera em que nosso herói vai com uma espada katana atrás de seus inimigos. Ótimas coreografias de luta, mortes criativas, muito sangue e muita brutalidade. 6x1 para o original.

E é fim de papo. O time de '94 manda seu desafiante de 2024 para a cova sem direito a ressurreição.

À esquerda, o original e à direita o remake:
1.Brandon Lee e Bill Skarsgård como o vingador morto-vivo;
2. As duas Shelly Webster, a do primeiro, bem mais sombria;
3. A trilha de vingança do Corvo, no original mais estética,
praticamente uma obra de arte para cada morte,
no remake o que temos são boas cenas de luta;
4. O elegante e excêntrico Top Dollar, da primeira versão,
e o caricato satanista Roeg da segunda;
5. No original, Eric Draven com sua guitarra pelos telhados da cidade decadente e chuvosa,
na refilmagem, o único instrumento que ele empunha é uma espada samurai mesmo;
6. O 'surgimento' do corvo nas duas versões,
apoteótico no primeiro e artificial no segundo.

Jogo com chuva o tempo inteiro, gramado molhado.

Mas quem tem craque desequilibra.

Brandon Lee faz a diferença e joga uma pá de cal 

na nova versão.

Descanse em paz!

por Cly Reis

"Helraiser - Renascido do Inferno", de Clive Barker (1987) vs. "Hellraiser - Renascido do Inferno", de David Bruckner (2022)

 

Tem remakes que nunca deveriam ter sido feitos porque, simplesmente, não tem nada a acrescentar em relação ao original. Mas tem alguns que, pela precariedade de produção do original, orçamento, limitações técnicas da época, etc., teriam tudo para se justificar como refeitura de um clássico. Pois não é que a maioria desses se complica? Se perde sozinho, erra no básico, tem escolhas erradas...

É o caso da refilmagem de "Hellraiser", de 2022, que tinha a faca e o queijo na mão para fazer um filme, se não melhor, tão bom quanto o primeiro de 1987. O original é um clássico, um cult, amplamente idolatrado pelos fãs de horror e invariavelmente presente em listas de melhores do gênero, mas não há como negar que tem lá suas deficiências. Era o primeiro longa do diretor Clive Barker que era um tanto inexperiente e, mesmo atingindo um resultado bastante bom, mostrava-se ainda pouco preparado para um projeto daquele porte; por mais que a história tenha sido escrita por ele mesmo, até então mais notório como escritor, a trama é incompleta e vaga em alguns pontos, carecendo um pouco de alguma orientação, um norte, em determinados momentos; embora a maquiagem seja um ponto marcante pela caracterização dos Cenobitas, especialmente o icônico Pinhead, a parte técnica era limitada e alguns efeitos visuais são bastante fracos e até constrangedores; sem falar que, com exceção de Ashley Lawrence, no papel da filha, Kirsty, e de Doug Bradley, como Pinhead, o time de atores era bem ruinzinho, especialmente o elenco de apoio.

Ou seja, com um comandante um pouco mais rodado, com mais filmes na bagagem; alguns complementos e acréscimos na trama só para enriquecer e amarrar pontas soltas; os recursos técnicos mais avançados que os tempos atuais proporcionam; um orçamento um pouco mais confortável; e alguns atores um pouco mais competentes que os do filme original, o remake de "Hellraiser - Renscido do Inferno" seria algo realmente válido e elogiável. 

Mas não...

Os caras resolveram errar em tudo e fizeram uma porcaria de filme!

Uma uma tentativa de inserir elementos dramáticos, familiares, comoventes; elementos ainda mais vagos que no anterior, alguma intenção de explicar alguma coisa mas sem muita coerência, personagens inconsistentes, outros sem propósito, e como se não bastasse, uma mudança fatal em relação ao primeiro: Pinhead mulher. 

Não, ó... tem limite essa coisa de mudar o gênero ou cor de alguns personagens clássicos do cinema só em nome da inclusão, diversidade, barreiras, etc. Alguns são o que são e foram pensados daquela maneira por um contexto, um conceito, um propósito. E é o caso do líder do cenobitas, o Pinhead, que simbolizava exatamente os 'demônios' do próprio diretor, sua manifestação das dúvidas sobre limites, prazeres e desejos sexuais. Embora, inegavelmente, qualquer mulher possa carregar essas questões, alimentar fetiches, ter prazer na dor, no caso específico, a manutenção do gênero do personagem era algo muito relevante para um melhor diálogo com a obra original e com o que era proposto a partir dela.

Dito isso, a nova versão não tem nada a acrescentar. 

"Hellraiser (2022) - trailer

Nela, uma ex-viciada em drogas, Rilley, tenta resgatar seu irmão Matt capturado pela Configuração do Lamentos, a caixa que abre portas para os infernos de dor e prazer. No esforço de encontrá-lo, Rilley chega ao nome do possível dono da caixa quebra-cabeça que ela encontrara por acaso num armazém abandonado e que possivelmente seria a causa do desaparecimento do irmão. Ela vai então com o namorado e outros dois amigos à antiga casa de Voight, o homem que possuíra o artefato há tempos atrás, e lá se vê presa em um labirinto todo projetado em função das faces da Configuração dos Lamentos, que dependendo da disposição das aberturas da casa, podem protegê-los mas também permitir a entrada dos demônios e levá-los aos portões da dor e sofrimento.

"Hellraiser" (1987) - trailer

No antigo, um homem, Larry, resolve se mudar com a noiva Julia para a antiga casa de sua família sem saber que lá, anos antes, no sótão, o irmão, Frank, um depravado, pervertido e mau-elemento, havia aberto uma caixa quebra-cabeça misteriosa e sido lacerado por demônios. No entanto, um acidente doméstico causa um ferimento em Larry e o sangue que pinga no chão fazendo com que Frank começa a voltar das trevas onde se encontrava. Ajudado por Julia, sua ex-amante, Frank absorvendo os corpos de homens que ela levara para que ele devorasse, vai recompondo aos poucos seu corpo. Representando uma ameaça para o pai, uma vez que Frank pretende cobrir-se com a pele do irmão, a filha de Larry, Kirsty que abrira a caixa acidentalmente promete aos Cenobitas entregar o tio, o homem que os enganou e voltou do inferno, em troca de que a deixem em paz. Mas... fazer acordo com seres como estes pode ser algo muito arriscado.

O renascimento de Frank - "Hellraiser (1987)

Não sabemos muito sobre a tal caixa, sua origem, a origem de seus poderes, algumas amarrações são bem deficientes, outras coisinhas são meio incoerentes, Claire Higgins como Julia é atriz fraquíssima, Sean Chapman, o Frank, não está à altura da importância de seu papel, o personagem Steve que ajuda Kirsty no final é irrelevante e caricato, os efeitos de 'raiozinhos' amarelos quando a garota aprisiona os Cenobitas é ridículo, mas mesmo assim "Hellraiser" (1987) é muito melhor que sua refilmagem e é, sim, com todos seus pequenos defeitos, um clássico absoluto do terror.

A Pinhead mulher dentro do contexto da criação do personagem é gol contra e Hellraiser '87 faz 1x0. Agora, por mérito próprio, imponente, ameaçador, amedrontador, aterrorizante, Doug Bradley, o verdadeiro Pinhead, eternizado como um dos mais marcantes personagens do terror, faz o dele: 2x0. A ambientação numa casa velha e um sótão todo vazado de madeira e não numa mansão tecnológica garante o 3x0. Mesmo com a precariedade de recursos técnicos em alguns momentos, a cena da recomposição do corpo de Frank, no chão do sótão, vale mais um. 4x0 para o time de Clive Barker. E, pra fechar, as correntes, os ganchos, pele rasgada, esticada... E pensar que o remake mal usou esse recurso... Azar é deles! O original se aproveita e lança ganchos de tudo quanto é parede, rasga a pele do remake e faz mais um: 5x0. Os novos Cenobitas até que são legais, mas os antigos também eram,aA nova Configuração dos Lamentos, a caixa mágica que abre o portal do outro lado, até tem uma movimentação mais interessante, mais natural que a antiga que era muito mecanizada, e se os efeitos especiais novos serviram para alguma coisa foi pra isso, mas nada disso é o suficiente pra dar um golzinho para o remake, e desta forma, o placar fica assim mesmo.

Dor e sofrimento merecidos para um desafiante tão medíocre.

Hellraiser '87 se deliciou de prazer.

Aqui um pouquinho de cada um:
no alto, à esquerda Kirsty do primeiro filme, e à direita, Rilley, do segundo;
na segunda linha, Pinhead e seus amiguinhos no sótão acabadão da casa,
e à direita, a Pinhead com seus companheiros no saguão central da mansão;
na terceira linha, as correntes e ganchos provocando dor e sofrimento ao traidor Frank, no original,
e o mesmo recurso subutilizado, excessivamente discreto no segundo filme, à direita;
e por último os líderes Cenobitas, Pinhead:
à esquerda o clássico Doug Bradley e à direita, a nova, Jamie Clayton. 

Uma corrente, duas correntes, três, quatro, cinco...

O time de 2022 nem viu de onde saiu tanto gancho e sentiu na pele a superioridade do adversário.

Foi sofrimento e dor até o final.

Um verdadeiro inferno!

por Cly Reis 

"A Compadecida ", de George Jonas (1969) vs. "O Auto da Compadecida ", de Guel Arraes (2000)

No embalo do primeiro Oscar do cinema brasileiro e do sucesso de "O Auto da Compadecida 2", produção nacional que vem levando milhares de pessoas aos cinemas, o Clássico é Clássico (e vice-versa) traz aqui um confronto entre "O Auto da Compadecida ", de 2000, que impulsionou sua sequência de 2024 a ser esse novo fenômeno de bilheteria, e sua primeira versão cinematográfica, pouco conhecida, de 1969, "A Compadecida". Pois é, esta obra de Ariano Suassuna tem uma adaptação cinematográfica anterior à conhecidíssima e consagrada de 2000, e que quase ninguém sabe que existe.
Diante da popularidade de "O Auto da Compadecida", de 2000, a maioria das pessoas não teria dúvidas em afirmar, mesmo sem ver o antigo, que não tem nem graça um duelo de um grande sucesso como esse contra um esquecido, empoeirado e desconhecido filme lá dos idos de não sei quando.
Tipo um time multicampeão, cheio de grandes jogadores contra um outro pouco badalado de um centro menos valorizado.
Barbada? 
Não é bem assim...
"A Compadecida" tem méritos inequívocos e consegue fazer frente ao novo em diversos quesitos.
Produzido com grande orçamento para a época, "A Compadecida" traz ecos ainda da estética da segunda fase do Cinema Novo, ainda que, curiosamente, para um projeto tão brasileiro contasse com um diretor húngaro, George Jonas, atrás das câmeras. A onda de treinadores estrangeiros já estava na moda, hein!
Além disso, time por time, o de 1969 não ficava devendo muito: tinha nada menos que feras como Antônio Fagundes, Armando Bógus, Regina Duarte e outros bons nomes como Felipe Carone, Jorge Cherques e Ari Toledo .
Como se não bastasse, a comissão técnica trazia nomes de peso como o artista plástico Francisco Brennand nos figurinos, a arquiteta Lina Bo Bardi na direção de arte, música a cargo de Sérgio Ricardo, e o próprio autor da peça, Ariano Suassuna, fazendo uma de auxiliar técnico, como responsável pelo roteiro.
Isso é só pra mostrar com quem estão lidando!
Com um jogo um pouco arrastado na primeira parte, "A Compadecida" cresce de produção e aos poucos vai mostrando a boa estrutura do time.
O aproveitamento da estética do sertão como pano de fundo natural, a exploração das tradições culturais, a teatralidade, a alegoria religiosa, tudo colabora para o bom desempenho em campo do time do técnico europeu George Jonas.
Do outro lado temos uma adaptação feita originalmente para minissérie de TV e que posteriormente foi editada e distribuída nos cinemas. A boa produção, recursos e aparato da maior rede de televisão do país, garantiam um produto final com qualidade e pronto para ser consumido com júbilo pelo público em geral. Produção padrão Globo! Ainda que a adaptação para o formato longa metragem comprometesse um pouco a montagem e tornasse abruptas algumas transições, a transposição para o cinema foi um sucesso e o então filme, não mais minissérie, tornou-se uma das maiores bilheterias do cinema nacional.
Para tal êxito, o diretor Guel Arraes, responsável pelo núcleo mais criativo e interessante da emissora, sempre com boas propostas de programas, séries, especiais, teve à sua disposição nada menos que toda a vitrine disponível da maior produtora de novelas da TV brasileira e por isso mesmo, um vasto e qualificado elenco para sua escolha. É  como um grande clube, com os melhores jogadores do mundo em seu elenco, que contrata um técnico e diz pra ele, " Tá aí. Escala quem você quiser". Guel optou pelo entrosamento, mesclou com a experiência e botou dois caras diferenciados para decidir. Chamou boa parte do elenco da antiga TV Pirata, Marco Nanini, Diogo Vilela e Denise Fraga, outros com quem já  trabalhara em seu núcleo na emissora, como Bruno Mazzeo e Virgínia Cavendish, deixou os medalhões Rogério Cardoso e Lima Duarte ali no meio só distribuindo o jogo, e deixou sua talentosíssima dupla de ataque, Selton Melo e Matheus Natchergale, à vontade pra enlouquecer a defesa adversária.
Na boa, Antônio Fagundes e Armamdo Bógus são talentosíssimos, mas o Chico e o João Grilo da nova versão são muito melhores! Mais carismáticos, mais protagonistas, mais engraçados. O humor da nova versão é mais convidativo, a proposição da obra é fazer rir e ela se sai muito bem no que pretende. O corpo de elenco é mais envolvido nessa tarefa do que no antigo que se propunha a ser um filme sobre sertanejos, com situações engraçadas.

"A Compadecida" (1969) - filme completo

"O Auto da Compadecida" (2000) - trailer

A vitória da nova versão passa por aí. Tem tantos méritos quanto o anterior mas é mais gostoso, mais cativante.
Cada um a seu modo transmite sua estética de sertão e aí é um gol para cada um. Se a Globo proporciona cenários bem acabados, locações bem escolhidas, materiais de qualidade, uma iluminação de primeira (1x0), a craque Lina Bo Bardi, encarregada da concepção artística do original, com sua noção diferenciada de espaço, desequilibra e deixa tudo igual nesse quesito. 1x1.
Nem a retaguarda da produção para a TV que pôs à disposição da equipe os melhores profissionais, estilistas e o guarda-roupa da maior emissora do país, impediu o gol de outro gênio, Francisco Brenant que com muita cor, alternâncias de tons, contrastes, elementos folclóricos, criou figurinos criativos e diferenciados desempatando a partida. 2x1 para A Compadecida.
O autor, Ariano Suassuna, jogava para o time de 1969, do qual fora roteirista e colaborara com as mais preciosas informações e impressões para o diretor George Jonas, mas, consultado pelo diretor da nova versão, Guel Arraes, sobre a inclusão de trechos de dois outros contos seus no roteiro da nova versão e concordando com a ideia, acabou jogando de bandido e fazendo gol contra. O acréscimo da parte da disputa pela filha do Coronel (de "Torturas de um Coração e a Pena da Lei") e da herança da avó da noiva com o cofrinho cheio de dinheiro (de "O Santo e a Porca), enriquecem a trama do remake e lhe garantem o gol de empate. 2x2. Ô, Seu Suassuna, o que é  isso? Jogando contra o próprio patrimônio...
A cena do ataque dos cangaceiros no original é pura poesia visual. Uma fascinante coreografia com contornos circenses que põe o time de '69 em vantagem. 3x2.
O julgamento dos pecadores pelo diabo tem méritos nos dois. Se no anterior a sequência é crua, externa, no meio do sertão, explorando a paisagem agreste local, e com uma edição espetacular, no recente tem um belíssimo cenário estilizado de uma capela de romeiros com efeitos digitais primários mas que comunicam bem e dialogam com a estética do cordel nordestino. 4x3. O antigo continua em vantagem.
No entanto, ainda nesta sequência, a craque Fernanda Montenegro desequilibra. Embora encarando uma boa adversária, a então jovem Regina Duarte, com sua interpretação serena e altiva, ela eterniza uma Nossa Senhora doce e maternal para o cinema brasileiro. Golaço pra empatar de novo a peleia!!! 4x4.
Cabe à dupla de ataque, João Grilo e Chicó, decidir o jogo. Num perfeito entrosamento e tabelinhas perfeitas, a dupla da nova versão, Selton e Natchergale, é hilária e tem passagens memoráveis. A da trama da bexiga de sangue, a do plano para o duelo com os valentões, a trapaça ao cangaceiro Severino, o pedido de casamento da filha do Coronel, a da ressurreição de João Grilo, todas cenas de chorar de rir. Tabela perfeita, desde a própria área até o outro lado do campo, sem deixar a bola cair, enganando todos os adversários, o padeiro, o padre, o cabo, o valentão, os cangaceiros, driblando até o diabo, dando um chapéu no coronel, até João Grilo deixar limpinha pra Chicó só completar praticamente em cima da linha, com o bumbum. 4x5. Dizem que o gol foi tão bonito que Chicó levou a bola, a bandeirinha de escanteio, o apito do juiz e até a rede pra casa. Dizem que pendurou a rede na varanda e dorme nela toda noite. "Como é que só dois enganaram toda essa gente? Padre, bispo, padeiro, polícia, cangaceiro, coronel e até o diabo?" Bom... Não sei. Só sei que foi assim.

(Sempre à esquerda o original)
No alto, as duplas Chicó e João Grilo;
na segunda linha João Grilo engambelando o cangaceiro Severino com a gaita mágica;
na terceira, o cenário natural do julgamento dos pecadores do filme de 1969,
e à direita o cenário da capela de romeiros do filme de 2000;
logo abaixo, o diabo diante de Jesus e Nossa Senhora, nas duas versões;
e por último a Compadecida, Regina Duarte no primeiro filme,
e Fernanda Montenegro na varsão nova.

É, muita gente achou que era barbada, páreo corrido,

 mas futebol (e cinema) não é assim.

Não tem jogo jogado.

Não é porque foi sucesso de público que a vitória tá garantida.

Foi suado, hein.

por Cly Reis

Tabelão Clássico é Clássico (e vice-versa)

Os remakes estão batendo uma bola tão redondinha, 
que já estão ficando praticamente iguais aos originais.
(imagem do filme "Ela é o Cara") 

"Ah, mas original é sempre melhor do que a refilmagem...".
Olha, os remakes estão tentando provar que isso não é uma verdade absoluta.
No nosso Clássico é Clássico (e vice-versa), nos últimos 3 anos os remakes não perdem para os originais. É  bem verdade que, no geral, desde que criamos esses desafios cinefutebolísticos, as primeiras versões continuam na liderança, mas não há  como negar que as novas versões vem diminuindo essa vantagem que já  foi bem maior.
Não foi o caso deste último ano uma vez que, com um empate entre originais e remakes, a diferença apenas se manteve, mas como questão de honra para as versões mais recentes, serve pra bater no peito e dizer, "nós não perdemos mais pra vocês!".
E aí, será  que em 2025 a coisa vai continuar assim? Os remakes fazendo frente e se recusando a perder?
Bem, antes de começar a nova temporada do nosso C É C, vamos recapitular um ouço do placar geral do ano passado.
Que venham novos grandes confrontos em 2025.

🎥🎥🎥🎥🎥🎥🎥

Se antes os remakes só ganhavam apertado, agora até já estão
se dando o luxo de aplicar algumas goleadas.

Em 2024 a diferença apenas se manteve mas os remakes
confirmam que não estão aí pra brincadeira.

C.R.

"Meninas Malvadas", de Mark Waters (2004) vs. "Meninas Malvadas", de Samantha Jayne, Arturo Perez Jr. (2024)

 

É como se, tipo, o diretor executivo de um clube que teve sucesso, depois de algum tempo, resolvesse ir para outro montar outro projeto, com um elenco renovado, com outras características e apostasse numa nova proposta de jogo. A atriz Tina Fey, roteirista e idealizadora do clássico juvenil "Meninas Malvadas", 20 anos depois resolve escrever o roteiro uma refilmagem musical de seu sucesso cinematográfico. Ok... Nós do ClyBlog então tratamos de colocar os dois em campo. Frente a frente. Os dois times de rosa porque, afinal, nas quartas, as meninas usam rosa. Sei que vai dar confusão pro juiz, pra torcida, e sei que não é quarta, mas Regina George, certamente não daria a possibilidade do adversário usar sua cor favorita. Seja ela a Regina nova ou antiga.

Em "Meninas Malvadas", Cady Heron, uma adolescente que sempre vivera na África com os pais pesquisadores e fora educada em casa, ao retornar para os Estados Unidos, finalmente entra para uma escola. Lá, num primeiro momento, consegue fazer apenas alguns poucos amigos, dois míseros na verdade, e estes lhe apresentam as "tribos" do território, e a alertam em especial para um grupo de 'patricinhas' pretenciosas, conhecidas como "As Poderosas". Um pouco por curiosidade, um pouco por competitividade, outro tanto por crueldade, Regina George, a 'abelha-rainha' convida a novata Cady para fazer parte do grupo. Uma vez dentro, ela conhece toda a perversidade das riquinhas que desprezam e difamam as demais garotas da escola e ainda mantém um livro de comentários maldosos, fofocas, mentiras, e bullying, com fotos e ofensas contra muitas das outras alunas, com o qual se deliciam dando risadas. 

Nesse meio-tempo, Cady cai de amores por um garoto da escola, só que o gatinho fora namorado exatamente de Regina, que sabendo do interesse da caloura, reata com o rapaz somente para comprovar força e magoar a outra. Indignada com o fato e solidária à única amiga de verdade, a esquisitona Janis, que sofrera humilhações nas mãos de Regina no passado, Cady resolve aproveitar sua situação dentro do grupo para desmoralizar a abelha-rainha, ganhar o garoto e tomar seu lugar na liderança das Poderosas.

As coisas dão certo... mas nem tanto... os objetivos são alcançados mas acabam gerando efeitos colaterais e, digamos, todas têm as lições que merecem e que precisam. Todas, TODAS mesmo! Inclusive as outras garotas da escola que aprendem e entendem a grande lição que meninas, garotas, mulheres devem se apoiar ao invés de ficaram se desvalorizando e se difamando. 

Com pequeníssimas mudanças, a história é a mesma, até mesmo as falas são as mesmas e estão nos mesmos lugares no filme. O que muda é que o remake troca a narração da protagonista por uma condução musical para as explicações, elucidações, impressões e passagens de tempo. Criativo... Ousado... Interessante.

Mas o fato é que, praticamente tudo que a refilmagem se propõe a (re)fazer, é melhor no primeiro. 

A apresentação às Poderosas no refeitório; a famosa cena em que Aaron fala com Cady pela primeira vez e que consagrou o dia 3 de outubro como o Dia Mundial das Meninas Malvadas; a fantasia de Halloween de Cady; a surpresa, o choque, a incredulidade pelo inusitado do atropelamento de Regina; a reunião de grupo de todas as garotas da escola no auditório para analisarem suas atitudes em relação às outras; a competição de matemática; e, é claro a icônica apresentação de Natal, que o remake até muda um pouco a situação excessivamente 'pastelão' do original, mas mesmo assim  não chega perto da do Jingle Bell Rock com Lindsay Lohan salvando a apresentação e botando tudo abaixo numa performance inesquecível.

A propósito, as atualizações de mídias, temas, discussões, atmosfera, o comportamento, são alguns dos méritos da nova versão, mas ao contrário do que eu, que não gosto de musicais, imaginava, os números musicais que conferem ao longa um ar de um grande videoclipão, e as performances vocais de Reneé Rapp, a nova Regina George, são o grande trunfo para o novo filme e fazem com que ele realmente valha a pena. 

Winter Talent Show - "Jingle Bell Rock"

"Meninas Malvadas" 2004

Winter Talent Show - "Rock Around the Pole"

"Meninas Malvadas" (2024)

Mas fica nisso...

Do outro lado temos um dos maiores clássicos teen desde os filmes de John Hughes e não tem como ganhar desse time. Quem pode segurar um ataque com Rachel McAdams, Amanda Seyfried e Lindsay Lohan? Impossível! (E ainda tem a boa Lacey Chabert fazendo função tática no meio). O trio de estrelas trama várias vezes pelo meio da defesa adversária totalmente desguarnecida e marca o primeiro. 1x0 

As cenas clássicas já mencionadas: "Às quartas usamos rosa"; "No dia 3 de outubro ele me perguntou que dia era"; os 'atropelamentos'; a coreografia de Natal... Tudo isso garante o segundo gol para as malvadas de 2004. 2x0 

O terceiro é dela, Lindsay "Loca" . Atleta difícil, daquelas que poderia ter construído um carreira mais exitosa se tivesse mais comprometimento, disciplina e outros detalhezinhos mais... mas que inegavelmente, em sua boa época, em jogos como esse desequilibrava. E foi o que aconteceu: atuação perfeita. Discreta quando tem que ser tímida, verdadeiramente divertida nos momentos engraçados, convincente na parte dramática, arrasadora quando tem que ser poderosa, e irresistível quando tem que fazer a gostosona. Lindsay Malvadeza se infiltra no campo do adversário (o covil da Poderosas), faz a leitura perfeita da jogada (o Livro do Arraso), dá um chega pra lá na rival (dizem que ela empurrou Regina na frente do ônibus...), cai, levanta, marca com categoria (dividindo a coroa do baile) e corre para o abraço com os verdadeiros amigos (Janis e Damian). 3x0 

O remake faz o seu por conta das já destacadas partes musicais, os pequenos videoclipes de transições, pensamentos e devaneios com ótimas adaptações, bem pop e revitalizadas, das canções da peça da Broadway para o filme, além das excelentes performances vocais da cantora Reneé Rapp, cujas canções para sua personagem são especialmente legais. Legais mesmo! 3x1  para MM2004.

O novo filme até surpreende, joga bem, usa seus recursos, até tenta uma cartada de mestre usando a própria craque do time adversário, Lindsay Lohan, que aparece em uma cena como a mediadora da olimpíada de matemática, mas já veterana e sem o mesmo brilho de outros tempos não tem capacidade de mudar o resultado do jogo. Vitória das Poderosas de 2004.

No alto, os dois times, ambos de rosa em campo (as originais à esquerda);
na segunda linha as duas Regina George, e o gatinho em disputa, os dois Aaron;
na terceira, as amigas sonsas, as Karen à esquerda, e as Gretchen, à direita;
e por último, a nossa protagonista em dois momentos,
logo ao entrar na escola e já deslumbrante depois de tomar conta do território.

Não tem jeito: as Malvadonas de 2004 atropelam aquelas que 

cruzaram seu caminho e ousaram desafiá-las.

por Cly Reis

  

"Fanfare d'Amour", de Richard Pottier (1935) vs. "Quanto Mais Quente Melhor", de Billy Wilder (1959)

 

Eis aqui um caso em que o remake, simplesmente, atropela o original. É quando uma comédia despretensiosa, sem grande desenvolvimento, produzida por um país ainda não tão significativo, na época, é repensado com maiores ambições, ganha uma melhor elaboração, tem o aporte de um grande estúdio norte-americano e é entregue nas mãos de um dos grandes mestres do cinema. Aí não tinha como dar rúim.

O francês "Fanfarras do Amor" é legal, é  simpatiquinho, sua premissa cômica é interessante é promissora, mas é exatamente nisso que o diretor e roteirista norte-americano Billy Wilder tem seu grande trunfo. O mote inicial é bom: dois músicos com dificuldade financeira que tem que ingressar, travestidos, em uma banda feminina para dar um jeito na miséria, mas que, inevitavelmente acabam se envolvendo com as garotas e tem que alternar as identidades para, ora tocar no conjunto, ora tentar conquistar as integrantes desejadas.

Wilder pegou esse bom prato e acrescentou alguns temperos. Pensou então, "e se eles, além da dureza de grana, tivessem forçosamente que se disfarçar para salvar a própria pele?", "...se eles estivessem, tipo..., sendo perseguidos por criminosos?", "se apenas um dos músicos se interessasse por uma instrumentista do grupo e o outro mesmo relutante servisse como seu escudeiro?", "e se esse cúmplice tivesse que se submeter a situações quase absurdas para ajudar o romance do amigo?". A incrementada de Billy Wilder fez toda a diferença e favorece diversas dinâmicas. Enquanto o longa francês morre cedo, se esgota rápido numa repetição de vira homem vira mulher, vai e toca na banda e corre pro o quarto do hotel; o norte-americano, mesmo repetindo esse frenesi de "põe o disfarce e tira o disfarce", é mais criativo, diversifica ambientes, insere personagens, cria novas complicações para a dupla de protagonistas. 

Se em "Fanfarras do Amor" a viagem com a banda feminina para a Riviera Francesa é meramente circunstancial, em "Quanto mais Quente Melhor", o afastamento para um lugar mais quente, a Flórida, é fundamental no enredo, uma vez que a dupla de músicos, tendo sido testemunha de um crime numa garagem em Chicago, vê na oportunidade de viajar para beeeem longe, a melhor, e talvez única, alternativa para escapar dos mafiosos que passam a os perseguir. 

No filme francês, pode-se dizer que grande parte do envolvimento do músico bonitão, Jean, com uma das cantoras do grupo se passa no trem, enquanto que no norte-americano, embora o interesse do saxofonista, Joe, pela tocadora de ukelele seja revelado também na viagem sobre os trilhos, e as confusões deles com as garotas rendam boas risadas, o ápice da ação e dos encontros e desencontros se dá no hotel em Miami. Na versão francesa, no entanto, o hotel é palco, além dos números musicais, de uma série de repetições de troca de figurinos, sobe e desce de escadas, e tentativas do mais cômico mas menos atraente da dupla, Pierre (Jean Carrete), em revelar a identidade do companheiro, Jean (Fernand Gravey), de modo a conquistar a desejada Gaby. É! Sim! Em "Fanfarras do Amor" há uma competição pela garota da banda e a todo momento um fica tentando desmascarar o outro, só que Jean leva uma certa vantagem por fazer o tipo galã e por se passar por produtor musical, o que acalenta o sonho de Gaby de se tornar uma cantora conhecida e se projetar no cenário artístico.

Em "Quanto Mais Quente Melhor" a resistência de Jerry ao assédio às garotas da banda, o contrabaixista vivido por Jack Lemmon, se dá somente pelo temor de revelarem o disfarce e serem expulsos do grupo. Embora tentado pelas formas femininas, Jerry não tem nenhuma pretensão nesse sentido. Já seu colega de fuga, o saxofonista Joe (Tony Curtis), mulherengo e galanteador, logo se encanta por Sugar Kane, a garota mais rebelde da banda, interpretada por Marilyn Monroe, e, sabendo da ambição da loura por conhecer um milionário, além do disfarce feminino, ainda se faz passar por um magnata dono de uma das maiores petrolíferas do mundo. Mas para tal farsa terá que contar com a retaguarda de Jerry, agindo sob a identidade de Daphne para distrair um ricaço (esse, sim, de verdade) e usufruir de suas vantagens para impressionar Sugar.

A propósito, o trio de ataque do técnico Wilder é de enlouquecer qualquer adversário. Lemmon simplesmente hilário a cada mudança de Jerry para Daphne e vice-versa; Curtis, malandro, conquistador, ardiloso, se desdobrando em três papéis (Joe, Josephine e Junior), e Marilyn, mesmo indisciplinada, acima do peso, chegando atrasada nos treinos e brigando com o treinador (tinha discussões com Wilder), entregava em campo e fazia um dos papéis mais marcantes de sua carreira.

"Fanfare d'Amour" - Jean (Fernando Gravey)

em número musical no hotel

"Quanto Mais Quente Melhor" - Sugar Kane (Marilyn Monroe)

em número musical no hotel

Não tem jeito: "Quanto Mais Quente Melhor" goleia.

Um gol pelo enriquecimento do enredo com elementos como a máfia, o testemunho do assassinato, o motivo adicional de aceitarem entrar para um grupo feminino e da fuga para um lugar o mais distante possível, a farsa do milionário, o verdadeiro ricaço e seu "envolvimento" quase compulsório com o baixista...  Tudo! A história simplória de "Fanfarres d'Amour" vira outra coisa!!! QMQM 1x0.

A propósito da quedinha do milionário Osgood pela 'delicada' Daphne, na verdade o relutante baixista Joe, a situação toda, absurdamente cômica, e a atuação de Jack Lemmon tendo que ceder à pressão do amigo e se fazer convincente como mulher para conseguir as benesses de luxo do esbanjador pretendente, vale mais uma bola na rede para o time de 1961. A sequência toda em que eles se encontram no bar do hotel e dançam tango a noite inteira é de morrer de rir. 2x0 para o time do Tio Billy.

Por falar em gargalhadas, a sucessão situações hilárias garante o terceiro para o time de Billy Wilder. A "festinha" no trem, Joe enfiado na banheira de roupa e tudo para não ser desmascarado, os dois embaixo da mesa dos criminosos no reencontro com a máfia no hotel em Miami, a própria caracterização dos dois como mulheres... 3x0 no placar.

Mas aí, com o placar favorável, jogo tranquilo, o time de 1961 relaxa e acaba metendo um gol contra. Na ânsia de explorar a sensualidade da loura sem ser apelativo, Wilder erra a mão na sequência do iate com uma situação longa e cansativa do que seria uma "recuperação" das capacidades masculinas do (falso)milionário Shell Junior. Ah, é um beija, rebeija, insiste, desiste, aposta, embaça os óculos de tanta "pressão" da loira, e aquilo não acaba nunca. Cansativo. O time francês faz o seu primeiro numa falha do treinador adversário. 3x1.

Será sinal de uma reação? 

Que nada!

Marilyn, que teve culpa no gol do adversário, se redime em grande estilo com o número musical de "I Wanna Be Loved By You", que é das coisas mais graciosas que já se viu na história do cinema. Ela fazendo aquele "Boop-boop-a-doop" é algo simplesmente sensacional. Jogada individual. Gol de uma das craques do time. Pode até não ser um exemplo de atleta mas lá dentro resolve. 4x1! Marilyn Monroe!!!

Já pelo lados da Riviera Francesa, de um modo geral, a maioria dos números musicais são chatos e maçantes, com uma espécie de coreografia bávara exibida no hotel, no entanto, o primeiro momento em que Jean se passa por produtor, ainda no trem, mostra sua canção a Gaby e ambos a cantam juntos no trem, é um momento bonito, bem captado e garante o segundo para Fd'A. 4x2.

Mas não havia muito mais para tirar do time do técnico Richard Pottier e o placar estava definido. 

Ôpa!!!

...

...

Quando parecia que nada mais ia acontecer, no apagar das luzes, na cena final de "Quanto Mais Quente Melhor", numa tabelinha de Jack Lemmon com o ator Joe E. Brown, o milionário Osgood Fielding, o diálogo final entre os dois garante o quinto para QMQM. Golaço de Jack (ou Jerry... ou Daphne...). Ora, não importa! O importante é que o remake faz 5x2 e liquida com qualquer chance do filme original. O árbitro aponta o centro de campo e está encerrada a partida.

Prevalece o time com mais criatividade, qualidade técnica e talento individual.

O time francês tem virtudes mas contra o trio de ataque dos
comandado do técnico Wilder, não tem como competir.

Não tem como culpar "Fanfare d'Amour" por tentar encarar "Quanto Mais Quente Melhor".

Viu que tinha bons jogadores, achou que teria chance, ok, ok...

Como diria o apaixonado velhote Osgood, "Ninguém é perfeito".

por Cly Reis

"Matador de Aluguel", de Rowdy Herrington (1989) vs. "Matador de Aluguel", de Doug Liman (2024)

 

Pra começo de conversa, vamos deixar uma coisa bem clara: o título em português de ambas as versões é uma gloriosa enganação. Nenhum dos dois protagonistas, Dalton, é, efetivamente, um MATADOR e, se tem alguma coisa que eles alugam, em ambos os casos é apenas sua capacidade de manter estabelecimentos em ordem, sem confusões, sem bagunça. E nisso, o primeiro dá de dez na nova versão. O personagem de Patrick Swayze é  aquele cara que você olha pra ele e vê que ele sabe o que está fazendo, sabe a atitude a tomar, a próxima providência, está de olhos bem abertos mesmo quando parece desligado. Um personagem que a gente lembra e admira. O de Jake Gyllenhaal é mais intuitivo, menos compenetrado, menos profissional. Daqueles brutamontes descartáveis como tantos que o cinema americano já fez.

Mas do que estamos falando afinal? Bem, tanto na versão original quanto no remake de "Matador de Aluguel", um cara durão é procurado para pôr ordem numa casa noturna, no primeiro filme, num bar interiorano, no segundo, na praia, na Flórida. O cara topa a parada, vai lá, dá jeito, arruma a casa, afasta as frutas podres, põe pra correr os maus elementos, mas vê o estabelecimento, a garota com quem se envolve e outras pessoas por quem zela, constantemente ameaçados por um ricaço do local. Com contextos diferentes, mas em ambos os casos, é  muito interessante para o magnata do pedaço que o bar deixe de existir naquele lugar... Nosso herói vai evitando conflitos, vai protelando, mas quando mexem com os que ele realmente preza, ele vai pro pau.

"Matador de Aluguel" (1989) - trailer

"Matador de Aluguel" (2024) - trailer

A diferença entre os dois filmes é que o remake cai na pancadaria muito antes, muito facilmente e se vale muito disso para se manter interessante. Tenho que admitir que as cenas de luta, em pequenos planos sequência, com câmera on-board, são impressionantes e intensas, especialmente quando entra em cena o ex-lutador de MMA Conor McGreggor que, nesse sentido, até dá  alguma contribuição, mas, no mais, a nova versão não tem nenhuma vantagem sobre o original.

O bar de praia é uma mudança estúpida pra agradar público jovem, a 'namoradinha' é totalmente superficial e tem toda uma rede de relações complexa e mal amarrada com os bandidos e com a polícia, o vilãozinho, que na verdade é apenas filho do verdadeiro manda-chuva, é um personagem caricato e insignificante, seus capangas são ridículos e risíveis, sem falar no matador (esse sim um matador) convocado para dar fim no nosso herói, o inqualificável Conor McGregor, que chega a ser engraçado de tão ruim.

O original não é nenhuma obra-prima. Não! Muito pelo contrário. É daqueles filmes de ação bem banais dos anos 80. Mas pelo menos nos apresenta um protagonista mais cativante, personagens mais naturais, uma contextualização mais coerente e uma trama um pouco mais consistente. De quebra, ainda, já que o negócio era um bar musical e tinha que preencher o roteiro vazio com alguma coisa pra aumentar a duração, pelo menos no primeiro essas "encheções de linguiça" eram com o sensacional Jeff Healey e sua banda desfilando vários clássicos do blues. Já na nova versão, embora o repertório até não seja desprezível, as atrações da taberna praieira são os ilustres... ninguém.

Vitória fácil do primeiro Matador.

1x0 pelo protagonista e toda a composição do personagem; 2x0 pela ambientação interiorana da casa noturna e todo seu contexto de funcionários, frequentadores, práticas, música, etc.; e já que falamos de som, 3x0 por conta da participação da Jeff Healey Band. E ficamos por aí. O argumento fraco, o roteiro sem rumo, os vilões desinteressantes mal construídos, o desfecho forçado, nada disso representa uma margem maior para o original. Por outro lado, o remake não consegue se valer dessas deficiências para equilibrar o jogo, uma vez que tem os mesmos problemas e só consegue fazer um golzinho de honra, mesmo, por conta das empolgantes sequências de luta.

O presidente do clube pensou bem na contratação: foi buscar o cara certo pra função que precisava.
 James Dalton, sereno, cerebral, só bate quando necessário.
O verdadeiro xerife da grande área. 
O outro? Mais um jogador tosco e cheio de deficiências técnicas.

Num jogo fraco tecnicamente, jogo de dois times de segunda divisão

o Matador de 1997, sem pressa, só esperando a hora certa de contra-atacar,

faz 3x1, fácil fácil, no afobado e agressivo Matador de 2024.

por Cly Reis