Admito que não esperava nada de interessante vindo de Francis Lawrence, diretor pelo qual tenho pouco apreço, mas que me pegou de surpresa com "A Longa Marcha: Caminhe ou Morra", essa excelente adaptação de um livro de Stephen King, da época em que ele assinava sob o pseudônimo Richard Bachman. "A Longa Marcha" quase foi adaptado anteriormente por nomes de peso como George Romero e Frank Darabont, mas os projetos acabaram no limbo das produções frustradas.
Com roteiro adaptado por J.T. Mollner (Strange Darling), Lawrence conseguiu entregar um filme tenso, brutal e, de certa forma, de uma tristeza tocante. É como se "A Noite dos Desesperados" encontrasse "Conta Comigo". O carisma do elenco juvenil, encabeçado por Cooper Hoffman e David Johnson, é a espinha dorsal dessa trama distópica, onde num futuro militarista, um grupo de garotos se alista para uma caminhada sem linha de chegada, onde o último a ficar em pé recebe um grande prêmio, enquanto o resto do grupo é executado conforme desacelera o passo. Impossível não se envolver com o drama e o destino cruel dos personagens.
Trailer oficial de "A Longa Marcha: Caminhe ou Morra"
Tanatomorfose é o nome dado ao processo morfológico de alterações que ocorrem nos organismos após a morte, o que se passa com órgãos, tecidos, células, ou seja, a deterioração do corpo.
É o que vemos acontecer em vida com a jovem Laura ao longo do filme que leva o nome deste processo biológico, "Thanatomorphose". No desconfortável e reflexivo longa do diretor canadense Éric Falardeau, Laura, uma artista plástica bloqueada criativamente, começa a sentir que seu corpo está se decompondo aos poucos. Tudo começa depois de uma noite de sexo intenso com o "namorado", um cara egoísta e abusivo com quem tem relações. Manchas e hematomas começam a surgir em seu corpo. Amigos chegam a achar que sejam resultado de agressões do namoradinho machão e ela mesmo tem dúvidas se a intensidade da transa teria causado os primeiros ferimentos. Mas será que fora mesmo a noitada de sexo ou aquele ponto de partida teria sido apenas simbólico quanto ao que já se passava com a garota? Laura se sente vazia, carente, desrespeitada, mal tratada em seu relacionamento, sem inspiração na sua arte, desconfortável em seu próprio lar... Sente que ela mesmo não é nada, que está morta, que está apodrecendo por dentro. E vamos acompanhando essa decomposição progressiva, primeiro uma feridinha, depois as unhas caindo, largas mechas de cabelo, dentes, orelha, pele. Em determinado momento, conformada, chega a parecer estar gostando da deterioração, sentindo mais prazer do que sentia com o namorado, talvez sentindo-se mais sexy do que se sentia antes. Antes sem criatividade para dar continuidade a uma escultura inacabada de argila, agora vai incorporando partes suas à obra, dedos, pele, como que se misturando ou se transferindo para a obra, tentando talvez se completar fora de si, criar uma outra Laura quem sabe melhor do que é.
Bem conduzido, "Thanatomorphose" não é um terror de sustos, de surpresas, é lento, estático, silencioso, mas é assustador pelo que está por vir. Chega a dar medo da próxima parte dela que vai cair e como isto vai acontecer. E nesse sentido, se você não vai virar o rosto ou fechar os olhos para não ver uma morte violenta como em tantos filmes de horror, vai fazê-lo para não ver a podridão avançando num corpo humano. Sem dúvida, um dos filmes mais repugnantes que já se fez.
A tanatomorfose da jovem Laura em pleno andamento...
"Os anos 70 foram, de fato, uma era de ouro, 'a última grande era' [...] Foi a última vez que Hollywood produziu um bloco de filmes arriscados e de alta qualidade - em vez de uma rara e solitária obra-prima -, que eram impulsionados por seus personagens e não pela trama, que desafiavam as convenções tradicionais da narrativa, que desafiavam a tirania da correção técnica, que quebravam os tabus da linguagem e do comportamento, que ousavam ter finais infelizes".
Peter Biskind
Foi o paraíso na Terra. Durante pouco mais de uma década os filmes que saiam de Hollywood surgiam na cabeça dos diretores. Eram eles – e só eles – que tinham direito de levar à tela o que bem entendessem. O início foi com "Bonnie & Clyde", lançado em 1967, e serviu para revelar uma geração que incluía Peter Bogdanovich, Hal Ashby, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, George Lucas e Steven Spielberg. Os anos loucos que essa turma deu as cartas estão em "Easy Riders, Raging Bulls: Como a Geração Sexo-Drogas-e-Rock’n’roll Salvou Hollywood", livro do jornalista americano Peter Biskind com primorosa tradução de Ana Maria Bahiana.
Publicado originalmente há mais de 15 anos, o livro continua atual. É o mais detalhado e escabroso relato de como esse diretores – auxiliado por atores como Warren Beatty, Jack Nicholson, Peter Fonda – assumiram o controle da produção cinematográfica depois da falência dos grandes estúdios. A Nova Hollywood era ousada e atrevida. Tinha coragem para propor e realizar filmes com temas polêmicos – Máfia, Vietnã, suicídios, drogas, homossexualismo, serial killer – e dinheiro para gastar. O resultado se refletiria em obras como "O Poderoso Chefão", "Chinatown", "Tubarão", "Ensina-me a Viver", "Sem Destino" e "Touro Indomável".
O sonho acabaria no começo dos anos 80, com o megafracasso "O Portal do Paraiso", de Michael Cimino, filme que custou US$ 50 milhões e faturou apenas US$ 1,5 milhão. Os garotos de ouro entraram em desgraça e quase todos eles enfrentaram pesada tragédias pessoais. Mas nos 13 anos desta primavera eles ganharam muito dinheiro – e se divertiram muito.
Não raro os textos do Claquete, nossa sessão sobre cinema, são voltados aos filmes de terror. O gosto por este gênero e por suas diversas subcatagorias, junto à frequência com que assistimos filmes desse tipo, acabam por fazer com que pintem pelo blog vários deles invariavelmente entre dramas, animações, ficções científicas, documentários, etc. Isso nos levou a pensarmos: por que não abrirmos um espaço mais destacado para esses filmes?
Afora isso, calhou de passarmos a ter agora a luxuosa colaboração de Cristian Verardi, um dos maiores conhecedores (e admiradores) do cinema de terror do Rio Grande do Sul e, por que não dizer, do Brasil. Além de membro fundador da Associação de Críticos de Cinema do RS (ACCIRS), entre outras diversas atividades que desenvolve, o cara é produtor e programador da mostra A Vingança dos Filmes B, que já conta com celebráveis 11 edições. Cristian, assim, vem a somar com aquilo que a gente já naturalmente produzia sobre terror, mas não tinha ainda um nome específico.
Tudo isso nos motivou a que criássemos aqui no Clyblog, dentro da nossa já tradicional sessão Claquete, uma nova subsessão: a Clyblood. O nome fala por si. No Clyblood, será possível encontrar aquela resenha mais desenvolvida até o texto mais despretensioso, aquele que sai espontaneamente quando se assiste um filme de terror e se fica louco pra escrever alguma coisa, nem que seja uma simples comentário.
Então, acompanhe nossas postagens, que em breve teremos novidades! Seja slasher, de vampiro, gore, sobrenatural, de zumbi, found footage, terrir, de serial killer, body horror, trash ou quantos estilos a criatividade macabra imaginar: nada passará ileso às tintas do Clyblood. Tinta de cor vermelho-sangue, obviamente.
Era início dos anos 90. Tinha o hábito de visitar meu amigo de infância, Sandro, aos finais de semana. Certa feita, ele passou a me mostrar alguns vídeos de bandas, colocava diferentes CDs para tocar. Era um som mais pesado para quem estava entrando na adolescência e não tinha nenhuma referência do universo rock. Lembro de escutar pela primeira vez Offspring, Soundgarden, Pearl Jam, L7, Nirvana, Rush, Metallica, Ramones... Uma miscelânia!
Atento ao meu interesse com o passar do tempo, Sandro passou a me presentear com coletâneas gravadas em fitas cassete. Um gesto especial que marcou minha vida, pois abria-se ali um mundo cultural a este que nem imaginava ser jornalista no futuro. E aquele mundo começava a tocar ao play do toca-fitas Toshiba lá de casa. Escutava, escutava, escutava... até que uma faixa passou a me chamar atenção. Encontrei entre as legendas da fita escritas à mão pelo meu amigo: "Perry Mason", de Ozzy Osbourne.
“Sandro, gostei mais do som deste cara. Quem é ele?”, perguntava no auge da minha curiosidade. Dias depois, eu ganharia uma nova fita para “estudar”. Além de músicas da carreira solo do tal roqueiro, havia faixas com uma plástica mais antiga, como gravadas de um disco vinil. A voz era praticamente a mesma, mas os riffs de guitarra surgiam num tom de afinação pesado e sombrio, assim como aquele baixo denso e a batera super precisa. No conjunto da obra, um baita som que arrepiava de dar medo, impossível parar de escutar diante tamanho entusiasmo. Em especial, se anunciava com toques de sinos e barulho de chuva uma faixa homônima à banda e ao álbum. Sim, era Black Sabbath.
Virei fã da banda quase que de imediato, assim como do próprio Ozzy. A vida passava a ganhar trilha sonora a partir de agora. O berro do “Madman” chamando a todos para embarcar num "Crazy Train" respondia a efervescência daquele guri que iniciara o 2° grau na Escola São João Batista, em Montenegro. Encontrava nos colegas a fonte para trocar informações e mais fitas gravadas. A grana era curta e os CDs não eram baratos. E no primeiro que compro, faço uma burrada: peguei o "Cross Purposes", com o Tony Martin no vocal do BS!!! Que ódio!!! Enfim... não escutei o suficiente as dicas dos amigos...
Mais amadurecido como jovem fã e controlando a empolgação, veio a coletânea "The Ozzman Cometh", um mix de músicas solo do Ozzy e do quarteto inglês de Birmingham. Tempinho depois, veio o "Never Say Die!", este comprado no dia em que eu completava meus 16 anos. Lembro de alguns amigos criticarem pra caramba, mas acho esse álbum “ducarai” com sua mistura de hard rock, blues e jazz, principalmente a última faixa cantada pelo baterista Bill Ward, "Swinging The Chain" - só ouçam, por favor! O disco ajuda muito a sair dos clichês e entender a capacidade criativa do Black Sabbath.
Com o passar do tempo, vieram "Technical Ecstasy", "Sabotage", "Sabbath Bloody Sabbath", "Volume 4", "Master of Realty", "Paranoid" e o álbum de estreia Black Sabbath. Sim, montei de trás para frente a coleção das oito capas que compõem a primeira fase de Ozzy na banda, lançadas entre 1970 e 1978. A cronologia pouco importa, uma vez que nessa cruzada chegaram álbuns da fase solo, além de outros artistas que me ajudaram a ampliar o conhecimento musical. Ao longo destes últimos 20 anos, outra miscelânea se formou, com coisas ainda muito mais distintas do que apenas rock, grunge e punk. Do samba de raiz à moda de viola caipira, tem espaço para tudo, graças à minha passagem pelo rádio como profissional da comunicação.
Em 2013, tive a sorte de ver aqui em Porto Alegre o show do Black Sabbath quase que na formação original, faltando apenas o Bill. Foi incrível ouvir de perto aqueles caras – quase faltou voz para acompanhar, ainda mais que na minha companhia estava o mesmo amigo que me presenteou com as tais fitas cassete. Fiz questão de conseguir um ingresso para ele em retribuição ao que fizera por mim. Parecia o jogo da vida a chegar na última casa!
Não sou daqueles fãs que sabem e colecionam tudo dos artistas. Não vi o Ozzy em 2011 no Gigantinho, nem o outro show do Black Sabbath, de 2016, em POA. Mas eu sei o tamanho da admiração que tenho por estes caras. No último dia 5 de julho, a banda realizou a sua última apresentação com toda pompa merecida num megafestival em sua terra de origem – "Back to the Beginning"! Assisti online Bill Ward, Tony Iommi, Geezer Butler e Ozzy dando adeus aos palcos, na altura dos quase 80 anos, arrebentando dentro do que podiam fazer no palco. Queria tanto abraçar cada um deles em agradecimento, não só pelo que fizeram ao cenário musical, mas pelo tanto de grandes histórias e boas amizades que me renderam ao longo da vida. Eles foram demais!
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Tiago Ritter é jornalista, bacharel em comunicação social e pós-graduado em planejamento em comunicação e gestão de crise de imagem. Foi repórter de jornal impresso e passou por diversas funções em emissoras de rádio no interior do RS, desde produção, reportagem e apresentação até coordenação de jornalismo. Tem na música sua grande parceira de vida. Bebe das mais diversas fontes, mas é nas inúmeras vertentes do rock onde mata sua sede para tocar sua atual rotina de trabalho na comunicação corporativa.
"Use este livro como uma introdução, um guia de escuta, uma maneira de compreender que há muito mais nesses 40 minutos de grande jazz do que o ouvido é capaz de captar. Permita que este livro mostra a você que, às vezes, o que fala menos é o que mais tem a dizer."
Ashley Kahn
Foram apenas dois dias de gravações que resultaram em 45 minutos que resumem um dos pontos mais altos da história da música. O relato desse encontro histórico, que reuniu um grupo de sete instrumentistas comandados pelo trompetista Miles Davis, está nas 256 páginas do livro "Kind of Blue – A História da Obra-Prima de Miles Davis", de Ashley Kahn.
No dia 2 de março de 1959, o septeto entrou em uma velha igreja em Nova York que havia sido transformada em estúdio. Não tinham muita certeza sobre o que pretendiam gravar. O líder, Miles Davis - que completaria 99 anos no último dia 27 - tinha algumas ideias, que foram ampliadas com os palpites dos saxofonistas John Coltrane, Cannonball Adderley e, principalmente, do pianista Bill Evans – os outros músicos eram o contrabaixista Paul Chambers, o baterista Jimmy Cobb e o pianista Wynton Kelly.
O trabalho de Kahn começa com um foco amplo, destacando a figura de Miles – sua infância sem traumas (ao contrário de muitos outros músicos de jazz), sua formação musical, sua proximidade com Charlie Parker e Dizzy Gillespie, seu envolvimento com drogas e sua capacidade em transitar por vários estilos musicais. Depois, o autor faz um ajuste de sintonia para se deter apenas ao que diz respeito a "Kind of Blue". Kahn mostra que é possível enxergar melhor o mundo do jazz apenas através de um detalhe.
É aí que o livro cresce, principalmente pela exaustiva pesquisa que esmiúça faixa a faixa, solo a solo, músico a músico, além de trazer comentários sobre o local e a técnica de gravação, a produção da foto da capa, a feitura do texto da contracapa e os comentários das pessoas envolvidas.
Obra perfeita, da concepção (com exceção de uma faixa, tocada duas vezes, tudo foi registrado no primeiro take, de maneira espontânea) ao lançamento, "Kind of Blue" até hoje surpreende quem ouve. Ou, como diz o autor logo nas primeiras páginas, é um álbum que simplesmente tem o poder de silenciar tudo ao seu redor.
“É nessa parte que eu ganho tudo o que eu sempre quis? Quem disse isso? Posso receber meu dinheiro de volta?”
Trecho de Bored In The USA
Falar sobre amor em músicas é clichê, certo? Convivemos com artistas cantando sobre o tema há séculos, oferecendo diversos pontos de vista (que muitas vezes se repetem) sobre esse sentimento único da experiência humana. Um álbum conceitual também soa como um lugar-comum à essa altura do século XXI, não? Pois bem: em 2015, um multi-instrumentista nascido em Maryland, com parte de sua carreira na cena de Seattle e vivendo em Los Angeles, Josh Tillman, lançou sob sua persona Father John Misty sua grande obra (até o momento): "I Love You, Honeybear".
Proveniente de uma família evangélica, Tillman cresceu em um ambiente culturalmente opressivo, onde não pôde escutar música "secular" até sair de casa. A única exceção que conseguiu abrir foi quando já era adolescente e convenceu seus pais que Bob Dylan era um artista cristão, por conta do álbum "Slow Train Coming".
Antes do sucesso, o artista lançou diversos discos sob o nome J. Tillman, que tiveram uma recepção modesta na cena indie-folk americana. Em 2008 se tornou baterista da banda Fleet Foxes e após quatro anos com o grupo, Josh deixou o grupo e se mudou para Los Angeles numa espécie de última tentativa (ou desespero). Lá, durante uma bad trip de LSD, passou dias sob efeito da droga e, ao retornar à plena consciência, surgiu com inúmeras inspirações musicais — além de um novo alter ego: sábio, irônico e quase messiânico: o Father John Misty.
Em 2012, lançou seu primeiro disco sob o seu pseudônimo: Fear Fun, pelo selo Sub Pop (com o qual segue até hoje). O álbum recebeu avaliações positivas e trouxe a Tillman mais visibilidade do que seus 10 anos anteriores de carreira. Canções como "Nancy From Now On" e "I'm Writing a Novel" revelam seu estilo: recheadas de sarcasmo e auto-descobrimento, com letras inspiradas por experiências pessoais e viagens psicodélicas.
Já no segundo disco, é notável uma evolução. Um passo além em relação ao trabalho anterior, "I Love You, Honeybear" foi presença frequente nas listas de "melhores do ano" de 2015. Tillman estava claramente imerso na realidade de seu recém-celebrado casamento com a fotógrafa Emma Elizabeth Garr. Mas o álbum vai além da paixão intensa daquele momento: ele também reflete sobre a sociedade americana, o “American Way of Life” do momento e a consolidação da cultura hipster — que ele mesmo ironicamente personifica. Tudo isso engarrafado com doses de humor sem soar forçado.
Musicalmente, a obra transita entre soul, rock, folk e baladas no estilo crooner. Em vinil, "ILYHB" foi lançado como disco duplo em 45 RPM, acompanhado de um encarte riquíssimo, cheio de fotos das cartas que trocou com sua esposa, fotos da lua de mel e mais algumas imagens. Aliás, Tillman faz questão que todos os seus álbuns estejam disponíveis em vinil e até fita K7.
Destaco aqui a faixa-título, que abre o disco com uma intensidade tão grande que já nos coloca dentro do universo que o autor vivia naquele momento. A letra fala de um amor visceral: “nus, ficamos chapados no colchão, enquanto o mercado financeiro global colapsava”, e, ironicamente, chama sua parceira de “ursinho de pelúcia”. "Chateau Lobby #4 (in C for Two Virgins)" faz referência ao icônico Chateau Marmont, em Los Angeles, onde ele e Emma passaram a lua de mel. Contudo, a canção mescla realidade e ficção, abordando a perda da virgindade de maneira quase lúdica e finalizada com um belíssimo solo de trompetes.
"The Night Josh Tillman Came To Our Apt". nos traz sua melhor mimica de Velvet Underground, em que Misty conta, com enormes doses de sarcasmo a história de uma menina pretensiosa que o foi visitar, a qual ele detesta por achar que sabe de tudo, além de “ter ideias modernas e cantar igual a Sarah Vaughan”, a qual nosso locutor retruca com "Eu odeio essa levitação sentimental que garotas brancas fazem”. "The Ideal Husband" nos traz um relato de tudo que um marido ideal não deve fazer, desde mentir, sexo desprotegido e dizer coisas horríveis às pessoas que ama.
"Bored In The USA" é uma sátira amarga ao contexto do americano médio no capitalismo tardio. Diferente do Boss, Tillman inicia com um piano lastimoso, abordando sobre a amargura de um americano médio, que vive para trabalhar e pagar seu empréstimo sub-prime (típico dos EUA para compra de casas), além de citar o apego do povo estadunidense com seus símbolos, enquanto afunda em remédios para conseguir lidar com sua realidade e suas dívidas. Ao fundo, é possível escutar risos, como se ridicularizasse as situações de vida do nosso narrador.
Em "Holy Shit", nosso “pastor” segue o embalo crítica social e traz um tópico matriz da sua existência, aliado com o tópico matriz do disco: a religião e o amor. Na canção, ele cita e ilustra diversos conceitos da sociedade ocidental, os colocando em perspectiva quando comparado com o que realmente deveria significar ser humano, ou viver em uma sociedade, como no verso “talvez o amor seja uma instituição baseada na escassez de recursos; mas eu falho em entender o que isso tem a ver com você e eu".
Apesar de pessoal, a obra é extremamente universal, e é justamente o contexto de Josh Tillman que faz com que o Father John Misty traga uma nova perspectiva ao assunto. É sincera, sexy, e apaixonada, como o amor deve ser. O último verso do álbum é, supostamente, composto das primeiras palavras que disse a sua esposa: “te vejo por aí! Qual seu nome?”.
"I Love You, Honeybear" é, acima de tudo, um retrato honesto da contradição de existir: amar profundamente em um mundo cada vez mais cínico. Tillman transforma suas neuroses, senso de humor e ironia em algo que soa universal, mesmo que parta de um lugar profundamente íntimo. É um disco sobre amar e abraçar vulnerabilidades, e sobre tentar manter a sanidade quando tudo em volta parece implodir.
Clipe de"The Night Josh Tillman Came To Our Apartment", deFather John Misty
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FAIXAS:
1. 'I Love You, Honeybear" - 4:39
2. "Chateau Lobby #4 (In C For Two Virgins)" - 2:51
3. "True Affection" - 3:57
4. "The Night Josh Tillman Came To Our Apt." - 3:36
5. "When You're Smiling And Astride Me" - 4:34
6. "Nothing Good Ever Happens At The Goddamn Thirsty Crow" - 4:35
Philip Seymour Hoffman saboreava as palavras como poucos. Cada inflexão, cada sutileza e cada visceralidade faziam toda a diferença para ele - e, em um filme como “O Mestre”, que, justamente, valoriza todos os seus atores, isso é uma combinação dos deuses.
Se Hoffman é uma perda irreparável (ainda estamos por descobrir, pelo menos em sua geração, outro ator tão completo, talentoso e quanto ele), obras como essa assinada por Paul Thomas Anderson ficam conosco para eternizar brilhantismos que não vemos todos os dias.
Em “O Mestre”, ele interpreta Lancaster, o carismático líder de uma religião que acaba surgindo nos tortuosos caminhos de um errático soldado atormentado pelos horrores da Segunda Guerra Mundial (Joaquin Phoenix). Seu encontro com Phoenix é um verdadeiro duelo de gigantes, mas Anderson, como o grande diretor que sempre foi, dá a cada um shows muito particulares.
É fácil se pegar enredado pela oratória de Lancaster, ao mesmo tempo em que percebemos os perigos envolvidos em falas propositalmente calculadas e articuladas. Poucos atores conseguiriam interpretá-lo com tamanhas verossimilhança e complexidade - na verdade, talvez só Hoffman pudesse fazê-lo.
“O Mestre” não é dos trabalhos mais fáceis de Paul Thomas Anderson. De difícil definição, o longa é espinhoso, incômodo e pouco afeito a respostas - o que, ao meu ver, são méritos absolutos -, mas se há algo que não dá para negar é que ele proporciona um verdadeiro show de interpretações: de Hoffman, de Phoenix e de tantos outros coadjuvantes ou pequenas participações, de Amy Adams a Laura Dern.
Recebeu três merecidas indicações ao Oscar: melhor ator, ator coadjuvante e atriz coadjuvante. Por mim, teria vencido as três.
trailer de "O Mestre"
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"O Mestre"
Título Original: "The Master"
Direção: Paul Thomas Anderson
Gênero: Drama/Suspense
Elenco: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams
Duração: 143 min
Ano: 2012
País: Estados Unidos
Onde assistir:Prime Vídeo
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Matheus Pannebecker é jornalista e crítico de cinema. Desde 2007, atualiza ininterruptamente o site Cinema e Argumento, de autoria própria. É membro da Film Independent, dos Estados Unidos, pela qual vota no Independent Spirit Awards, prêmio mais importante voltado aos melhores filmes do cinema independente norte-americano. Também faz parte da Associação Brasileira de Críticos de Cinema e da Associação de Críticos do Cinema do Rio Grande do Sul. É um dos curadores da exposição permanente do Museu do Festival de Cinema de Gramado, o primeiro museu interativo sobre cinema da América Latina, e um dos autores do livro “50 Olhares da Crítica Sobre o Cinema Gaúcho”.
"'Da Da Da' é uma ladainha sem sentido para guitarra, bateria, bateria eletrônica e canto coloquial, que se destaca como talvez o maior hino da era pós-industrial, com um dos riffs de guitarra mais edificantes de todos os tempos, e alguns dos vocais mais subumanos de todos os tempos, e alguns dos backing vocals mais suaves de todos os tempos, e algumas das linhas mais imortais de todos os tempos".
Piero Scaruffi, crítico musical
Então, nesse ÁLBUNS FUNDAMENTAIS resolvi contar como foi o reencontro totalmente acidental ou um belo presente do destino. Sexta-feira à noite (acho que ainda era setembro ou outubro, não lembro agora), resolvi fazer a limpa na coleção e catei alguns trinta, quarenta LPs, uns singles de rap, uns pop rock, muitos trilha sonora de novelas e embarquei rumo a Novo Hamburgo na loja do meu amigo Al Shceknel, a Superbacana Records.
A intenção era trocar algumas tranqueiras, inclusive levei uma guitarra no estojo pro brick. Chegando lá, como sempre muito bem recebido, aquele café passado na hora, boas conversas mexemos nuns sintetizadores malucos, violões e, então, partiu pro brick!
O Al deu uma verificada na oferenda enquanto eu me grudei nas prateleiras e separei coisas do tipo um compacto do Roberto Carlos de 1977, se não me engano, e alguns que agora não vou lembrar, mas deu brick. Mas o que mais me chamou atenção foi o álbum de uma banda alemã de 1979, a Trio.
Uma banda que passei a minha adolescência debochando do clássico "Da da da"… porém, nunca conseguiria imaginar que seria o disco mais impressionante que ouviria no final de 2024!
Depois de chegar em casa, foi a rotina clássica: álbuns do garimpo no sofá pra aquele registro, marcar a loja, requentar a comida no micro-ondas enquanto botei na vitrola o disco….
Senhoras e senhores: foi um tiro que me fez deixar a comida esfriar novamente. Simplesmente extraordinário!!!!
Com é que eu tive a inocência de debochar de tamanha obra de arte minimalista com canções simplesmente geniais basicamente guitarra, bateria e voz - segundo informação do Pereba, a banda não tem baixo. Não fiz essa pesquisa, mas super recomendo "Trio", o álbum que leva o nome da banda lançado no Brasil em 1982.
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FAIXAS:
1. "Achtung Achtung" - 0:30
2. "Ja Ja Ja" - 2:57
3. "Kummer" - 2:38
4. "Broken hearts for you and me" - 3:33
5. "Nasty" - 2:38
6. "Energie" - 3:30
7. "Los Paul" - 2:32
8. "Sabine Sabine Sabine" - 3:46
9. "Da da da ich lieb dich nicht du liebst mich nicht aha aha aha" - 3:23
10. "Sunday you need love Monday be alone" - 3:48
11. "Nur ein Traum" - 3:04
12. "Ja Ja wo gehts lank Peter Pank schönen Dank" - 2:50
Poderia elencar uma série de qualidades e aspectos para falar de “Ainda Estou Aqui”, esse fenômeno de bilheteria e sucesso de crítica que vem arrebatando plateias ao redor do mundo. O filme acaba de ser indicado ao Oscar de Melhor Filme e de Melhor Filme Internacional, além da indicação de Fernanda Torres a melhor Atriz, ela que, no último dia 5 de janeiro, já havia vencido um prémio inédito e importantíssimo para o cinema nacional, o Globo de Ouro de Melhor Atriz em Filme de Drama. Poderia falar sobre os outros importantes prêmio, como o de Melhor Roteiro no Festival de Veneza, e aclamações, como em Toronto. Poderia falar do alvoroço em torno do filme de Walter Salles e sua possível vitória no Oscar de Filme Internacional e, quem sabe, em mais de uma categoria. Porém, o que mais me salta aos olhos e ao coração quando “Ainda...” vêm à retina da memória é a palavra “integridade”. Em mais de um sentido: na sua feitura, nas atuações, no respeito aos personagens e à história recente do Brasil.
A começar pela direção de Waltinho. Pode soar negativo, mas não se enganem: “Ainda...” não me fez chorar como a muitos espectadores. Não retiro a razão e muito menos o direito das pessoas se emocionarem. Longe disso. Afinal, a história da família Paiva durante o período da ditadura militar no Brasil, quando a matriarca Eunice, após seu marido, o ex-deputado Rubens Paiva, ser levado pelos militares e desaparecer, precisa se reinventar e traçar um novo futuro para si e seus filhos enquanto busca pela verdade é, sim, tocante em diversos aspectos. Porém, por se tratar da reprodução de um período doído e repleto de fatores interligados (políticos, civis, humanos, judiciais, etc.) capazes de despertar diversos sentimentos. No meu caso, o que mais faz emergir é a indignação e o assombro com o horror da ditadura – o que não me leva a lágrimas, mas muito mais ao espanto e à fúria. Em comparação àquele que considero a obra-prima do cineasta, “Central do Brasil” (1998), daqueles filmes de se debulhar chorando, “Ainda...” não passa nem perto de provocar tamanha comoção, não deste jeito sentimental.
Porém, como fiz questão de advertir, isso não é um demérito de “Ainda...”, e, sim, resultado de uma de suas principais qualidades: a integridade de como conta-se a história. Cuidadoso com a reprodução da verdade em seus mínimos detalhes, Salles valeu-se de um roteiro (Murilo Hauser e Heitor Lorega) que respeita as páginas do livro que motivou o filme, escrito por um deu seus ativos personagens, o escritor Marcelo Rubens Paiva, um dos cinco filhos de Rubens e Eunice e que aparece no filme em vários momentos, da infância à fase adulta. Disso, Salles captou o que melhor serviria para o audiovisual, parte onde, aí sim, é o olhar de cineasta que age. No entanto, desse híbrido “realidade/memória” + “tradução”, resta um filme rigoroso, ciente de sua responsabilidade em cada enquadramento, cada cenário, cada movimento, cada temperatura da foto. Basta ver a comparação de tomadas do filme com fotos da família da época, que estão circulando pelas redes sociais.
Fernanda Torres: vencedora do Globo de Ouro e indicada ao Oscar
A emotividade recai com mais propriedade na atuação dos atores, principalmente, claro, na de Fernandinha. A atriz está dona da cena. Extremamente absorvida pela personagem, ela usa de toda sua experiência de uma carreira de mais de 55 anos para expressar em cada olhar, cada pronúncia, cada gesto a dignidade, a integridade de Eunice. O pavor, a incerteza, a amorosidade, a coragem, tudo envolve o corpo da atriz. Ela faz com que se torne verossímil (pois a intenção foi a de ser o mais fiel possível aos fatos) a personalidade ao mesmo tempo frágil e valente de Eunice, que reage e age diante de tamanha brutalidade, mesmo com o mundo em suas costas e a repressão sobre sua cabeça. É tão real a personificação dada por Fernanda, que a mim passa mais um sentimento de assombro do que qualquer outro sentimento. É como se se estivesse vendo aqueles momentos de pavor diante dos olhos e, nesta hora, é muito mais pasmo do que choro que me acomete.
Comparativamente a outros filmes sobre a ditadura no Brasil, “Ainda...” também é diferente, visto que emprega uma austeridade narrativa mais profunda, o que lhe volta como potência para a tela. “O que É Isso, Companheiro?”, de 1997 (um dos três concorrentes do Brasil ao Oscar de Melhor Filme Internacional nos últimos 30 anos, juntamente com “O Quatrilho”, de 1995, e o já citado “Central...”), “Batismo de Sangue”, de 2006, e “Zuzu Angel”, também de 2006, para citar três filmes de ficção brasileiros que abordam histórias reais dos anos de chumbo, são todos mais escancaradamente violentos, principalmente “Batismo...”, que contém fortes cenas de tortura nos porões militares. No caso de “Ainda...” essa violência é muito mais interna da ação, uma vez que os fatos se dão a partir do ponto de vista e Eunice – que, embora presa e torturada psicologicamente, não assistiu às cenas de horror as quais escutava pelos corredores do DOI. A barbárie está lá e o espectador nem precisa vê-la para arrepiar-se junto com a protagonista.
É apavorante, contudo, pensar noutra coisa: não apenas o sucesso, mas a existência deste filme em uma época de obscurantismo como o que vivemos anos atrás no Brasil. Fosse no contexto político anterior, certamente se travaria uma batalha entre os realizadores e o então governo, como ocorrera com “Marighella”, quase impedido de ser lançado. Ver “Ainda...” podendo provocar discussões e a corrida de gerações mais novas e pouco informadas em busca da própria história em sociedade é de uma riqueza incalculável. É a própria democracia em ação. Como em alguns poucos momentos da nossa recente história como nação democrática, é possível perceber o brasileiro dando, mesmo que indiretamente, valor àquilo que lhe é mais caro: a liberdade. Isso sim é realmente tocante e íntegro graças a "Ainda Estou Aqui".
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trailer oficial de "Ainda Estou Aqui"
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O Brasil Ainda Está Aqui
por Rodrigo Dutra
Uma obra to-tal-men-te aclamada. "Ainda Estou Aqui" estreou em novembro de 2024 e já alcançou mais de 3 milhões de espectadores brasileiros. Está trilhando uma jornada de sucesso em festivais conceituados pelo mundo, desde sua apresentação em Veneza. O ápice deste caminho foi a entrega emocionante e inédita do Globo de Ouro para Fernanda Torres, como melhor atriz dramática, 25 anos depois da “Fernandona” ser indicada por "Central do Brasil", também com direção de Walter Salles. Mas enquanto redijo essas palavras, os indicados ao badalado Oscar 2025 ainda estão por vir. Quem sabe até o final do texto teremos mais novidades sobre, como disse Cláudia Laitano, “...o filme nacional mais importante deste século.”?
Cresci em um ambiente militarista, com família orgulhosa pelos “heróis generais, duques e marechais” do passado, dos presidentes não eleitos pelo povo e, lógico, dos seus próprios integrantes nas Forças Armadas. Eu até quase segui este caminho. Mas o período da ditadura sempre foi negado (e é negado por um mar de pseudopatriotas). Essa mancha sombria na história não é explorada explicitamente no filme de Salles, adaptado do livro homônimo de Marcelo Rubens Paiva, filho de Rubens Paiva, político cassado pela ditadura e que foi morto pelos militares. Nota-se a opção de não chocar o público com sangue e cenas de tortura, mas sim com gritos de desespero de pessoas sendo torturadas no Dops, ouvidos por Eunice Paiva, a viúva admirável, obstinada e resiliente, além de toda a atmosfera nebulosa de capangas, fardas e armas.
A Eunice de Fernanda Torres é uma versão assombrosa, hipnótica, determinada, com uma força inexplicável que só as mulheres extraordinárias possuem (como Eunice e Fernanda). O começo solar da família Paiva começa a desmoronar a partir da cena marcante da foto na praia, onde todos estão felizes na pose, e o olhar aguçado de Eunice mirando um tanque do exército ao longe. Essa cena mostra que o “monocordismo” de Fernanda só existe na cabeça de gente ignorante, que nunca teve o prazer de assistir a "Eu Sei que Vou Te Amar" (ela ganhou como melhor atriz em Cannes em 1986), ou "Terra Estrangeira", ou a libertina baiana de "A Casa dos Budas Ditosos", ou Vani, ou Fátima e tantos outros trabalhos percorrendo dramas e comédias deste patrimônio cultural brasileiro, filha de dois gigantes da nossa cultura.
Além da exuberância da interpretação de Fernanda Torres, quero destacar outros aspectos do filme que explicam o seu sucesso mundial. O cuidado com a restituição da época. Salles convidou colecionadores de carros antigos e fechou a avenida para que eles circulassem, não precisando resgatar imagens reais antigas para utilizar. As crianças e jovens que interpretam os filhos da família Paiva são espetaculares, desde os pequenos, incluindo os cãezinhos, até Valentina Herszage e Bárbara Luz, nova geração de atrizes de gabarito. A trilha sonora é de uma beleza absurda, reinflando o hino contra a ditadura "É Preciso Dar um Jeito, Meu Amigo", de Roberto e Erasmo, além de Tim Maia, Tom Zé e até, vejam só vocês, de Juca Chaves, que morreu tristemente defendendo uma nova intervenção militar. E, por fim, os poucos minutos de silêncio de Fernanda Montenegro na parte final do filme, desestabilizando o público com sua interpretação não-verbal histórica e arrepiante.
Deve ser extremamente difícil, para os defensores da ditadura, testemunhar a expansão da família Paiva, a relevância de Rubens Paiva na história política, o ativismo pelos direitos humanos de Eunice, o sucesso literário e intelectual de Marcelo. A luta contra o fascismo e a extrema direita está mais viva do que nunca e nesse momento temos que comemorar essas 3 indicações ao Oscar, incluindo a de Melhor Filme, fato inédito na história cinematográfica nacional. A vida presta, como diz Fernanda. Acima de tudo, o cinema brasileiro presta....e muito!
Olá, Clybloggers! Antes do ano acabar, venho aqui para falar de um clássico que está completando três décadas em 2024! Sabe aqueles álbuns que, quando você coloca na vitrola (ou onde quer que você escute música), transportam você para aquele tenebroso local de insegurança e incerteza na vida chamado adolescência? Pois é: apesar de eu ter nascido mais de seis anos depois dessa obra ser lançada, o disco de estreia do Weezer, que completa 30 anos e que também se chama "Weezer", mas é comumente conhecido como "The Blue Album" (devido à cor predominante em sua capa), é um dos que mais me vêm à mente.
O ano é 1986 e Rivers Cuomo conhece o baterista Patrick Wilson, e logo, se muda para a casa dele e de seu amigo baixista, Matt Sharp. Cuomo era um rapaz tímido, que não falava direito com meninas, era fissurado em heavy metal e Role-Playing Game (RPG). Ou seja, um “nerd clássico”a la "Vingança dos Nerds". Aliás, uma curiosidade: o nome Rivers vem do inglês e se traduz como “rios”. Segundo sua mãe, é porque ele nasceu em Manhattan, entre o Rio Hudson e o Rio East. Contudo, seu pai, Frank Cuomo (também músico, tocou bateria no "Odyssey of Iska", do jazzista Wayne Shorter), dizia que era por conta de três jogadores da Copa do Mundo de 1970: os italianos Riva e Rivera, e o brasileiro Rivelino. Ao residir com os futuros colegas de banda, o metaleiro foi se afastando do gênero e se aproximou do grunge, que estava borbulhando na costa oeste, por meio de bandas como Soundgarden, Mudhoney, Pearl Jam e, claro, Nirvana, além de umas pitadas de artistas precursores, como Pixies e Sonic Youth.
Em 1992, os três roommates se juntaram ao guitarrista Jason Cropper (que, durante as gravações do primeiro álbum, foi trocado por Brian Bell por divergências pessoais) e formaram a Weezer. Àquela altura, já tocavam canções que viriam a integrar o "Blue Album", como "Sweater Song" e "Say It Ain’t So", mas ainda não tinham a aderência que viriam a conquistar. Até que Rivers gravou uma K7 que chamou a atenção da Geffen Records. Das oito músicas contidas na fita, cinco apareceram no eventual disco de estreia.
Em agosto de 1993, o quarteto entrou no Electric Ladyland, em Nova Iorque, junto do produtor Rick Ocasek, vocalista do The Cars. Praticaram muito as harmonias, que fariam parte integral da sonoridade do álbum, e definiram que as guitarras precisavam soar tão altas quanto as de "Creep", do Radiohead, lançada um ano antes. O resultado foi um hit atrás do outro, daqueles discos que podem tocar inteiros no rádio sem causar tédio em nenhum ouvinte.
A abertura é com o dedilhado de violão de "My Name is Jonas" e, na prática, explica que a tônica é o power pop direto, sem firulas. Além disso, pouco mais de 10 anos depois, ela fez parte da infância e adolescência de uma nova geração, por meio do jogo de videogame Guitar Hero III. Machismo nunca foi tão pegajoso quanto em "No One Else", em que o locutor terminou com sua namorada porque ela ria das piadas de outros homens e ele desejava alguém que não risse para ninguém além dele, e que ficasse em casa enquanto ele estivesse fora.
"The World Has Turned and Left Me Here" é o completo oposto da faixa anterior. O refrão fala que “o mundo girou e me deixou aqui, onde eu estava antes de você aparecer” e que “no seu lugar, um espaço em branco preencheu o vazio atrás do meu rosto”. Além disso, destaco a abertura da bateria de Patrick Wilson: sempre me pega. "Buddy Holly" é o "hit dos hits". Referenciando o ícone do rock dos anos 50, é um hino atemporal, cultuado por jovens e adultos ao redor do globo e que ganhou o célebre videoclipe de Spike Jonze, sucesso na MTV à época. Seu riff é meme no TikTok, e é impossível achar algo que esteja errado na música. Steve Baltin, da Cash Box, disse que você deve amar uma música que faz referência a Mary Tyler Moore. Eu não poderia concordar mais.
"The Sweater Song" começa a explorar as ansiedades e inseguranças que nosso narrador apresentou em "No One Else". A canção inicia com diálogos de dois amigos em primeiro plano (interpretados por Sharp e Karl Koch, amigo de longa data do grupo e considerado “o quinto Weezer”), enquanto sons de festa são perceptíveis ao fundo. Cuomo começa a cantar versos curtos sobre o suéter que está se despedaçando com as interações que ele tem com as pessoas - uma metáfora para sua própria saúde mental frente à fobia social que sofria. "Surf Wax America" acelera a batida novamente e aborda o distanciamento que amizades e relações sofrem com o desgaste do tempo.
Talvez a música mais interessante do projeto seja "Say It Ain’t So". A canção surgiu de um momento em que Cuomo chegou em casa, encontrou uma garrafa de cerveja no congelador e entrou em pânico. O trauma da separação dos pais, causada pelo alcoolismo de Frank, seu pai, fez com que ele temesse pela relação de sua mãe com o padrasto, a quem tinha grande apreço. Em um trecho, a letra se traduz: “Como pai, padrasto, o filho esta se afogando da avalanche”. "Say It Ain’t So" surge dessa angústia, desse pedido para que a história não se repetisse.
Em "In the Garage", Cuomo fala sobre como “dentro da garagem”, ele se sente seguro, junto de seu jogo de tabuleiro RPG Dungeons and Dragons, da Kitty Pryde, do Noturno (ambos, dos X-Men) e de sua guitarra, e como “ninguém se importa com o seu jeito”. Lembrando algo que disse no começo do texto: Cuomo é um nerd, esquisitão e que não se encaixa direito na sociedade em que vive. Em "Holiday", o objetivo é fugir para um lugar distante, em uma batida harmônica, parecendo uma versão eletrificada dos Beach Boys.
Assim como "My Name Is Jonas" tem um "cheiro de abertura”, "Only In Dreams" foi fabricada para finalizar a obra. A linha de contrabaixo de Matt Sharp é afiadíssima (com o perdão do trocadilho em inglês: sharp é “afiado”) e é protagonista na melodia durante seus 7 minutos e 59 segundos de duração. A tônica do álbum é encerrada com a história de um jovem que gosta de uma menina, mas não tem a coragem de ir atrás dela; portanto, é apenas nos seus sonhos que ele fica com ela. A narrativa é, proporcionalmente, pequena perto da duração dos seus quase oito minutos, mas os arranjos nos contam até mais da história do que a própria letra. Da metade para o final, um épico musical é formado e se torna a despedida perfeita para um álbum que gira em torno da esquisitice que é ser adolescente, a busca por aceitação e a procura do amor perfeito que os hormônios mais ladinos provocam nos jovens de geração em geração.
As gravações foram finalizadas em setembro de 1993, com o lançamento previsto para maio de 1994. Kurt Cobain faleceu tragicamente em abril de 1994 e, com ele, toda a onda grunge perdeu um de seus principais expoentes. Contudo, a música “alternativa” estava espalhada por todo o mainstream, e a porta estava aberta para quem quisesse a atenção das massas, algo que, talvez, possibilitou que o "Blue Album" (lançado menos de um mês depois) se tornasse o sucesso que se tornou. Além de, claro, clipes produzidos pelo Spike Jonze são sempre bem-vindos.
Clássico clipe de "Buddy Holly", da Weezer,
com direção de Spike Jonze
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FAIXAS:
1. "My Name Is Jonas" (Jason Cropper, Patrick Wilson, Rivers Cuomo) - 3:23
2. "No One Else" - 3:14
3. "The World Has Turned And Left Me Here" (Wilson, Cuomo) - 4:26
4. "Buddy Holly" - 2:40
5. "Undone - The Sweater Song" - 4:55
6. "Surf Wax America" (Wilson, Cuomo) - 3:04
7. "Say It Ain't So" - 4:18
8. "In The Garage" - 3:56
9. "Holiday" - 3:26
10 "Only In Dreams" - 8:03
Todas as composições de autoria de Rivers Cuomo, exceto indicadas
