"Cowabunga! - The Surf Box" - Vários Artistas (1996)

"Cowabunga!"

Expressão de alegria, espanto, exaltação, 

que costumava ser usada entre surfistas

É culpa do Tarantino! Ele que foi o responsável por apresentar a grande parte do público, que não conhecia - e aí me incluo - algumas pérolas da surf music. A trilha sonora de seu clássico "Pulp Fiction", traz algumas dessas maravilhas, a começar pela eletrizante "Misirlou" que ficou, de certa forma, imortalizada pela inesquecível cena de abertura de seu cultuado filme. Quem viu aquela cena, quis saber imediatamente, o que era aquele som.

Despertado o interesse, pedi a um colega de faculdade, que me dissera ter uma coletânea bem vasta e ampla da surf music, que me emprestasse o material para que eu, ainda na época do K7, gravasse a minha fitinha. O que ele me levou foi uma caixa com 4 CD's e, logicamente, não deu pra gravar tudo em uma fita só, mesmo numa de 90 minutos. "Cowabunga! - The Surf Box" é a coletânea definitiva do som surf, passando a limpo a história, as características e os grandes nomes do estilo especialmente da época áurea, nos anos '60, mas também destacando releituras, revivals e novos nomes, das décadas seguintes, até a metade dos anos '90.
As que eu conhecera no filme de Tarantino estão lá, mas "Cowabunga!" passa longe de ser apenas o disco que tem as músicas do "Pulp Fiction". A coletânea reúne o que há de melhor e mais significativo produzido pela turma das ondas, numa época em que o esporte era associado ao rock'n roll e guitarras e não ao reggae, pela leseira do clima de praia, e a babas pop insossas de artistas como Jack Johnson.

Composta predominantemente por temas instrumentais, "Cowabunga!" traz em grande parte de suas faixas aquelas características guitarras nervosas, com aquele som tremulado cheio de reverberação, além de saxofones vibrantes e envenenados, nçao raro envolvidos por atmosferas latinas, árabes, indianas ou de qualquer outra sonoridade exótica. 

Tem muita coisa boa em mais de oitenta faixas, mas vão aí algumas das minhas preferidas: "Pintor", do The Pharos, num clima bem à espanhola; "Church Key", do The Revels, com aquelas graciosas risadinhas femininas; a alucinante "Bombora", dos Surfaris, de guitarra ecoante e bateria selvagem;  "Fiberglass Jungle", intensa com sua bateria tribal e sax hipnótico; "Disintegration", do The Ready Men, que brinca de se desintegrar e voltar o tempo todo, num crescente e decrescente de ritmo absolutamente envolvente; e ainda uma versão ao vivo de "Misirlou", de Dick Dale, com a Bob Fuller Four, com quase seis minutos de variações de guitarras enlouquecidas. Entre as que tem vocal, destaque para a versão original de "Surfin' Bird", do Trashmen, conhecida depois pela cover dos Ramones; a divertida "Beach Party", com a voz adorável de Anette Funiccelo; e, é claro, o clássico "Surfin' U.S.A.", dos Beach Boys, praticamente um hino da surf music.

O CD 4 é dedicado ao surf contemporâneo, por assim dizer, com o que melhor foi feito no gênero depois da década de ouro, nos anos '60. Pra falar a verdade, dessa seleção tem muita coisa dispensável, mas merecem uma conferida a pedrada "Storm Dancer", uma verdadeira tempestade sonora, quebrando tudo na bateria; a ótima "Save The Waves"; e a a alucinante, já com características bem do pós-punk, "Pier Pressure", do habilidoso guitarrista Teisco Del Rey.

Devo essa ao Tarantino que, além de nos presentear sempre com grandes filmes, volta e meia nos revela algumas preciosidades musicais e nos faz ir atrás, conhecer mais e querer ter na coleção. Valeu por mais essa, Tarantino.

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FAIXAS:

• Disco 1 - "Ground Swells" (1960-1963)

1. Bulldogg - The Fireballs (02:11)

2. Moon Dawg! - The Gamblers (02:14)

3. Church Key - Barbara Adkins / The Revels (02:03)

4. Underwater - The Frogmen (02:07)

5. Mr. Moto - The Bel-Airs (02:09)

6. Let's Go Trippin' - Dick Dale & His Del-Tones (02:09)
7. Surfer's Stomp - Mar-Kets (01:56)
8. Surfin' - The Beach Boys (02:17)
9. Paradise Cove - Surfmen (03:03)
10. Latin'ia - The Sentinals (02:28)
11. Bustin' Surfboards - The Tornadoes (02:29)
12. Misirlou - Dick Dale & His Del-Tones (02:13)
13. Surf Beat - Dick Dale & His Del-Tones (02:59)
14. Cheater Stomp - Fabulous Playboys (02:10)
15. Pipeline - The Chantays (02:18)
16. Surfer Joe - The Surfaris (03:38)

17. Wipe Out - The Surfaris (02:38)

18. The Rising Surf- Richard Allen (02:42)
19. Surf Rider - The Lively Ones (03:18)
20. Shoot That Curl - Chris & Kathy (04:21)

•  Disco 2 - "Big Waves" (1963)

1. KFWB Jungle - The Beach Boys (00:28)
2. Surfin' U.S.A. - The Beach Boys (02:28)
3. Jezabel - The Illusions (02:20)
4. Body Surf - Aki Aleong & The Nobles (02:01)
5. Surf Bunny - Gene Gray & The Stingerays (02:30)
6. Soul Surfer - John Fortune (02:36)
7. Shoot the Curl - The Honeys (02:19) 
8. Baja - The Astronauts (02:29)
9. Pintor - Pharos (02:17)
10. Cat on a Hot Foam Board - New Dimensions (01:41)
11. Surf City - Jan & Dean (02:27)
12. Breakfast at Tressels - Rhythm Rockers (02:46)
13. King of the Surf Guitar - Dick Dale & His Del-Tones (02:06)
14. Surfin' at Mazatland - The Centurions (03:14)
15. Surfin' Hootenanny - Al Casey / K-C-Ettes (02:08)

16. The Lonely Surfer - Jack Nitzsche (02:34)
17. Surfer Girl - The Beach Boys (02:26)
18. Beaver Patrol - The Blazers (02:47)
19. Fiberglass Jungle - Crossfires (02:13)
20. Mr. Rebel - Eddie & the Showmen (04:57) 

• Disco 3 - "The Ebb Tide" (1963-1967)

1. Penetration - Pyramids (02:00)
2. Bombora - The Surfaris (02:05)
3. Heavies - The Rotations (01:45)
4. Moment of Truth - Dave Myers & the Surftones (02:45) 
5. My Little Surfin' Woodie - The Sunsets (02:00)
6. Let There Be Surf - The Chevell's (02:10)
7. Surfin' Bird - The Trashmen (02:22)
8. Ski Storm - The Snowmen (02:01)
9. Disintegration - The Ready Men (02:26)
10. Beach Party - Annette (01:49)
11. Theme from Endless Summer - The Sandals (03:24)
12. New York's a Lonely Town - The Tradewinds (02:16)
13. K-3 - The Challengers (02:10)
14. Tell 'Em I'm Surfin' - The Fantastic Baggys (02:03)
15. On the Run - The Rondels (02:15)
16. Walk-Don't Run '64 - The Ventures (02:23)
17. I Live for the Sun - The Sunrays (02:27)
18. Malibu Run - Fender IV (02:26)
19. Miserlou - The Bobby Fuller Four (05:47)
20. Hit the Surf - Sea Shells (03:34) 

• Disco 4 - "New Waves" (1977- 1995)

1. Storm Dancer - Jon & the Nightriders (02:50)
2. Goin' to Malibu - Malibooz (03:13)
3. Wave Walk'n - Surf Raiders (02:17)
4. Night of the Living Wedge - Wedge (02:35)
5. My Beach - Surf Punks (01:49)
6. The Tan Punks on Boards - Corky Carroll & The Cool Water Casuals (02:54)
7. The Rebel - The Cruncher (01:54)
8. Polairs - Insect Surfers (03:57)
9. Chumming - The Halibuts (01:59)
10. Save the Waves - The Surfdusters (03:05)
11. Desert Bound - Looney Tunes (02:12)
12. Pier Pressure - Teisco del Rey (02:24)
13. A Night in Tunisia - Laika & the Cosmonauts (02:12)
14. Reverb 1000 - Man or Astro-man? (02:04)
15. Banzai Run - The Phantom Surfers (02:29)
16. Spanish Blue - Aqua Velvets (03:29)
17. Xke! - Boss Martians (02:23)
18. Killer Dana - The Chantays (02:14)
19. Honeybomb - Mermen (06:09)
20. Punta Baja - The Eliminators (03:35)
21. Wingnut's Theme - The Sandals (04:35)
22. Esperanza - Dick Dale (05:50)

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Ouça:

Cowabunga! - The Surf Box:

https://www.youtube.com/watch?v=Icj7xQnNfsc&list=PL7wF5aZTiJlG4I8YtZkf9awLVr-Cw7FAd

Cly Reis

"Herbie, Se Meu Fusca Falasse", de Robert Stevenson (1968) vs. "Herbie, Meu Fusca Turbinado", de Angela Robinson (2005)

 

São dois times com mecânica de jogo semelhantes, ou seja, histórias bastante parecidas. Com uma mudancinha aqui, outra ali, "Herbie, Se Meu Fusca Falasse", de 1968, e "Herbie, Meu Fusca Turbinado", de 2005, se resumem basicamente à de um fusquinha com "vida própria", desprezado e muito subestimado, que se apega a um novo dono e juntos passam a brilhar nas corridas despertando a ira de um concorrente das pistas. Mas como o próprio título da nova versão sugere, as pequenas mudanças dão uma turbinada no remake, e elas acabam sendo cruciais para seu sucesso diante do adversário. Uma rejuvenescida no elenco principal; uma caprichada na parte técnica; um roteiro mais ágil; e, tudo isso somado a uma dinâmica de filme bem mais mais envolvente, tornam "Herbie, Meu Fusca Turbinado" mais atraente e interessante para o espectador.

O novo filme troca algumas peças importantes: como dono do automóvel, põe uma garota, Meg Payton, no lugar de um fracassado corredor, Jim Douglas, dispensado de sua equipe extamente pela idade; troca o até carismático mecânico, que na versão antiga, era quem melhor entendia a personalidade do fusca, por um jovem mecânico que é também o crush da corredora; substitui o insosso dono de uma revenda de automóveis que gosta de participar de corridas, o Sr. Thorndyke, por um arrogante e mau caráter corredor profissional, Trip Murphy, e acrescenta a isso efeitos especiais bem utilizados, cenas de corrida muito mais eletrizantes e uma trilha sonora empolgante com muito rock'roll de Van Halen, T-Rex e Beach Boys.

"Herbie, Se Meu Fusca Falasse" (1968) -

cena vitória na corrida de El Dorado

"Herbie, Meu Fusca Turbinado" (2005)

 cena da vitória na corrida da Nascar

O original não é ruim mas parece aquele time que joga num esquema tático superado, num "vê-dobrevê", quase em desuso no futebol, e assim, o novo, por sua vez, mais atualizado, passa por cima do adversário. Um gol de Lindsay Lohan como a  então jovem protagonista que, na sua época boa, em forma, batia um bolão; Eddie Van Halen cruza e Dave Lee Roth PULA mais alto que a zaga para fazer outro por conta da trilha sonora; em uma disparada em alta velocidade, depois de deixar o zagueiro pra trás, Herbie marca mais um; e pra fechar, o bom ritmo que a trama ganha na nova versão garante mais um.
O vilão da refilmagem, interpretado por Matt Dillon, excessivamente caricato, quase entrega um gol para o adversário, mas o do filme original (David Tomlinson), tão ruim quanto nesse pormenor, não consegue se aproveitar da falha e não sai nada dessa jogada. O filme de 2005 nem precisa se dar ao luxo de usar muito a estrela Michael Keaton, o pai da corredora, que, sem grande brilho, só fica ali, encerando.

O time de 1968, como eu disse, não é ruim e por conta de seu bom conjunto até consegue descontar numa derrapada do zagueiro Beto Fuscão que, estabanado dá um carrinho dentro da área e comete o pênalti. O número 53 vai lá e bate com categoria para diminuir, mas não passa disso. O jogo fica nisso mesmo: o time de 2005 atropela o de 1968 por 4 x1.

Herbie em ação em duas épocas.
À esquerda, o de 1968, e à direita, o de 2005.

O Herbie de 1968 até funciona bem 

mas o Herbie turbinado é uma verdadeira máquina.

por Cly Reis

The Beach Boys - "Surfin' USA" (1963)

"Éramos apenas garotos,
mas éramos sérios no nosso trabalho.

O ponto é que quando lhe é dada a chance,

você faz o seu melhor (...)

Eu não gostava de vocais de segunda categoria.

Era o melhor ou nada, na minha opinião.

Os garotos pegaram a ideia."

Brian Wilson

A  maioria das pessoas prefere os Beach Boys mais elaborados e eruditos que chegaram a rivalizar com os Beatles em refinamento compositivo, mas particularmente, embora reconheça todo o valor de obras como "Smiley Smile" e da obra-prima "Pet Sounds", mesmo sob o risco de ser rotulado de ignorante, ainda sou mais a pureza quase juvenil da fase surf. E poucos discos podem representar tão bem esta fase quanto "Surfin' USA", álbum que traz um dos hinos da turma das ondas e um dos maiores clássicos do rock de todos os tempos, a música que lhe dá o nome. É verdade que a canção é uma bela duma cópia de "Sweet Little Sixteen", o que, por sinal, rendeu um belo processo contra a banda e a obrigação de creditar posteriormente o velho Chuck Berry na composição, mas podemos interpretar que, na verdade, "Surfin' USA" talvez tenha sido a oportunidade divina que fora concedida para que pudesse ocorrrer a combinação entre o pai do rock e uma das mentes mais geniais e criativas do mundo da música.
"Surfin' USA" é mais primário, mais cru, é verdade mas traz consigo uma espécie de tradução de um espírito de juventude e aventura que o surf carrega naturalmente e uma sonoridade e postura mais efetivamente roqueira do que adotada por eles mais adiante. Mas não se engane achando que essa crueza reflete em pouca qualidade. Brian Wilson desde sempre já demonstrava sua qualidade de arranjador e instrumentista e o disco já revela grandes virtudes compositivas e técnicas.
Cinco das faixas de "Surfin' USA" são instrumentais, algo muito característico nas bandas de surf music da época, todas elas naquele estilo bem característico, com aquela tradicional guitarra vibrante dobrada e trêmula. Destaque para a notável "Misirlou" de Dick Dale que viria a ser definitivamente imortalizada mais tarde por sua inclusão na tilha do filme "Pulp Fiction", mas dentre estas também merecem destaque a excelente "Stoked" um pouco mais cadenciada, e "Surf Jam", simplesmente selvagem. Das demais gosto muito da balada "The Lonely Sea", de vocal incrível de Brian Wilson; da ótima "Shut Down" que narra um tíico racha automobilístico entre jovens; e de "Finders Keepers" de arranjos vocais interessantíssimos que já prenunciavam que aqueles garotos da praia não estavam destinados a ficar apenas por alí pegando onda.
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FAIXAS:

1. Surfin' U.S.A. (2:20)
2. Farmer's Daughter (1:49)
3. Misirlou (2:02)
4. Stoked (2:00)
5. Lonely Sea (2:20)
6. Shut Down (1:50)
7. Noble Surfer (1:50)
8. Honky Tonk (2:00)
9. Lana (1:40)
10. Surf Jam (2:00)
11. Let's Go Trippin' (1:52)
12. Finders Keepers (1:43)

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Ouça:
The Beach Boys Surfin' USA

Cly Reis

The Beach Boys - "Pet Sounds" (1966)

Os Sons de Estimação

 “ 'God Only Knows' é a música

que eu queria ter escrito.”

 Paul McCartney,

líder dos Beatles

A psichodelic era dos anos 60, sensacionalmente rica, produziu alguns dos maiores talentos da música mundial. John Lennon, Paul McCartney, Jimmi Hendrix, Sid Barret, Ray Davies, Brian Jones, Arthur Lee, Arnaldo Baptista, Lou Reed, Rocky Erikson, Frank Zappa e mais uma dezena de cabeças geniais. Todos produziram, quando não vários, pelo menos um trabalho fundamental para a história da música pop. Porém, um destes expoentes, também surgido à época, criou algo sem precedente dentro da discografia do rock. Ele é Brian Wilson, líder e principal compositor do The Beach Boys. A obra: “Pet Sounds”, de 1966, uma joia rara da música do século XX, comparável aos mitológicos "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" ou "The Dark Side of the Moon". Requintado e perfeito do início ao fim, é repleto de detalhismos que somente a mente obsessiva de Brian Wilson poderia conceber, o que, somado a seu empenho, conhecimento técnico e alta sensibilidade, resultou num disco inovador em técnicas de gravação, conceito temático, estrutura composicional, instrumentalização, arranjos, entre outros aspectos.

“Pet Sounds”, diz a lenda, surgiu de um sentimento de competitividade alimentado por Brian, um perturbado jovem com então 24 anos cujo quadro esquizofrênico era danosamente potencializado pelo vício em LSD. Para piorar: a relação com o pai era péssima, a ponto de, numa ocasião de briga entre os dois, levar uma pancada tão forte que o deixou surdo de um dos ouvidos – motivo pelo qual, reza outra lenda, teria concebido e gravado “Pet Sounds” em mono, uma vez que não conseguia perceber fisicamente os sons em estéreo. Todo este quadro e o temperamento vulcânico fizeram com que Brian, maravilhado mas enciumado com o resultado que os Beatles haviam atingido com seu “Rubber Soul”, lançado cinco meses antes, se pusesse na missão de superar a obra dos rapazes de Liverpool.

E conseguiu.

“Pet Sounds” é uma pequena sinfonia barroco-pop jamais superada, nem pelo próprio Beach Boys. Brian deixa para trás a pecha de mera banda de surf music creditada a eles (o que já se vinha notando desde “The Beach Boys' Christmas Album”, trabalho anterior da banda) e se lança na composição, produção, arranjo e condução de todo o trabalho, resultado de longas e exaustivas pesquisas à teoria musical e às musicas erudita, folclórica, jazz e pop. O desbunde já começa na faixa de abertura, a clássica “Wouldn't It Be Nice”. O som fino e lúdico do harpschord executa uma ciranda, que faz a abertura de “Pet...” lembrar a de outro LP histórico da época, "The Velvet Underground and Nico", de um ano depois, cujo sonzinho inicial vem de outras cordas, as de uma delicada caixinha de música. Mas a semelhança para por aí, pois, se “Sunday Morning” do Velvet varia para um sereno pop-jazz francês, a dos Beach Boys ganha amplitude e cor. O som do cravo repete o tempo três vezes até que é interrompido bruscamente por um forte estrondo seco em staccato da percussão. Aquele contraste entre o agudo cristalino das cordas e o timbre grave da batida faz da abertura do disco uma das mais belas, conceituais e inteligentes da discografia rock. Além disso, a música que se desenvolve a partir dali é absolutamente linda. Elevando o tom, joga o ouvinte num jardim da infância de sons vibrantes e coloridos num ritmo de banda marcial, onde já se nota que Brian vinha com tudo em seu desafio pessoal: som cheio, polifonia, coros em contracanto, abundância de instrumentos e ornados, consonância e equilíbrio total entre graves e agudos.

Um dos principais recursos utilizados por Brian no disco para obter esse resultado é a concepção múltipla da obra como um todo, seja na unidade entre as faixas, na harmonia ou no arranjo das peças. Bem ao estilo da música barroca dos séculos XVII e XVIII, ele vale-se da variedade instrumental e, numa decorrência mais impressionista, de timbres, uma vez que extrai sonoridades de toda a escala diatônica através de cordas, sopros, percussão, vozes, teclados e até eletrônicos. Há vários instrumentos exóticos, como mandolin, harpa francesa, ukulele, english corn, banjo, tack piano e temple block. A obsessão de Brian de superar o Fab Four, sabendo da prática dos "rivais" de valerem-se de variados instrumentos em estúdio, pode ser constatada, inclusive, na quantidade de instrumentos usados em todo o disco: cerca de 40, tocados por quase 70 músicos diferentes, incluindo a banda em si: os irmãos Carl (vocais, guitarra) e Dennis Wilson (vocais, bateria) mais Al Jardine (vocais, tamborim), Bruce Johnston e Mike Love (ambos, vocais), além do próprio Brian (vocais, órgão, piano). A belíssima balada “You Still Believe in Me”, das minhas preferidas, vale-se deste conceito polifônico. Além de baixar o tom da faixa inicial, explora mais ainda a riqueza dos ornamentos barrocos, como na complexidade melódica dos corais, que funcionam como um instrumento de teclado que acompanha o toque do cravo. A percussão, detalhada, vai do sutil som de sininho a tambores de orquestra, os quais dão um final épico à faixa em curtos rufares.

Outro trunfo do disco, na tentativa de Brian de superar até a produção de George Martin para com os Beatles, é a adoção do modelo de gravação multitrack. Usando vários takes de vozes e instrumentos tocando ao mesmo tempo e uns sobre os outros, consegue atingir, assim, timbres únicos. Isso foi possível pelo ouvido apurado de Brian que, grande fã do produtor Phil Spector, “inventor” das teenage symphonies nos anos 50, chupou-lhe a ideia do “wall of sound”, refinando-a. A “muralha de som” de Spector aproveitava o estúdio como instrumento, explorando novas combinações de sons que surgem a partir do uso de diversos instrumentos elétricos e vozes em conjunto, combinando-os com ecos e reverberações. Isso se nota em todo o disco, como em “That’s Not Me”, outra espetacular. Lindíssima a voz de Love, que, limpa e sem overdub, desenha toda a canção, enquanto a base se sustenta num órgão, nos acordes de ukulele (guitarrinha havaiana) e na combinação grave/agudo da percussão, em que o tambor e o chocalho ditam o ritmo. “Don't Talk (Put Your Head on My Shoulder)” é outra balada que faz, novamente, cair o andamento para um ar melancólico. Mas que balada! Tristonha, romântica e, como num ornamento rococó, toda cheia de enlevos. Nesta, Brian capricha na orquestração.

Por falar em orquestração, duas merecem destaque neste aspecto. A primeira, a não menos lírica “I’m Waiting for the Day”, que oscila entre um ritmo de balada, levada por um suave órgão, e momentos de empolgação, quando, lindamente, vozes em contracanto se juntam a flautas e uma percussão densa em que o tímpano se destaca na marcação. A orquestra, no entanto, entra por apenas rápidos segundos, suficientes para pintar a música com alguns traços, quando, lá para o fim da faixa, logo após Brian cantar com doçura os versos: “I’m waiting for the day when you can love again”, violinos e cellos, sem dar pausa entre o fim da vibração da voz e o ataque de suas cordas, aparecem juntos em um fraseado lírico como uma suave nuvem sonora, integrando voz e instrumentos. Depois desse breve sonho, estes e todos os outros instrumentos voltam para encerrar a canção em tom maior, com a voz solo cantando: “You didn't think that/ I could sit around and let him work...”, enquanto um dos coros faz: “Ah aaah ah/ ah, aaah, ah...”, em três tempos, e o outro vocalisa: “doo- doo/ doo-roo/ doo- doo/ doo-roo...”, em dois. Estupendo.

A segunda especial em termos de arregimentação é "Let's Go Away for Awhile”. Como a faixa-título – uma rumba estilizada em que o compositor se vale da diversidade de instrumentos que vão desde sopros, como sax alto e trombone, e percussão, reco-reco e (pasmem!) latas de Coca-Cola, até um método de filtragem de entrada de som do alto-falante, que dá uma sonoridade específica à guitarra –, é instrumental, prestando mais um tributo à tradição medieval, uma vez que o conceito de dissociar música da dança ou do teatro iniciou-se, justamente, com mestres como Scarlatti e Vivaldi nesta época. Perfeita em harmonia, é quase um pequeno concerto para vibrafone, que conta também com um breve solo de bloco de madeira, finalizando com um arrepiante diálogo entre bateria e tímpano de orquestra, sustentados por um arranjo de cordas de caráter grandioso.

Depois do tom médio de “Let’s...”, o ânimo volta às alturas com a graciosa “Sloop John B”. Na introdução, outra clássica no disco, um toque de sininho e uma nota de flauta que se estende, ambos marcados pelo tic-tac de um metrônomo, dando início à alegre canção, com Brian, Love e Carl alternando a voz solo e na qual não falta beleza no arranjo das vozes em contraponto. Brian consegue dar colorações lúdicas a uma canção folclórica tradicional do Caribe, criando uma música em que dá a impressão de que toda a caixa de brinquedos ganhou vida e saiu a tocar pelo chão do quarto, cada um com um instrumento: o soldadinho do Forte Apache com a tuba, o marinheiro com o tamborim, o indiozinho Pele-Vermelha com os sinos, o playmobil com o clarinete e assim por diante.

Para os apaixonados por “Pet Sounds” como eu, que o conhecem de trás pra diante, o final da extrovertida “Sloop...” traz uma emoção especial, pois é sinal de que vem, na sequência, “God Only Knows”. Magistral, numa palavra. A música que fez o gênio Paul McCartney sentir inveja alinha-se em magnitude a ícones da música moderna como "Like a Rolling Stone", "Bolero", "A Day in the Life", "Águas de Março" ou "Summertime". Com uma aura ao mesmo tempo celestial, emocionada e suplicante, “God...” não poupa o coração dos diletantes, pois o órgão e o toque do oboé já largam entoando em alto e bom som. Na suave percussão, chocalhos e temple block. As cordas e sopros, igualmente perfeitos. A voz de Carl transmite uma emoção intensa e não menos lírica. Após uma segunda parte em que sobe uma gradação, adensando a emotividade, a faixa se encerra sob belíssimas frases dos sopros e uma orquestração a rigor, quando as vozes de Carl, Brian e Johnston se misturam, criando um efeito onírico tal como um Cantus Firmus, tipo de melodia extraída dos cantochões polifônicos medievos em louvor ao Senhor. Impossível não lembrar, ouvindo-a, da famosa sequência do filme "Boogie Nights" em que a câmera sobrevoa os cenários mostrando os rumos tomados na vida de cada personagem, como se Deus estivesse vendo o destino de todos e dissesse: “só Eu sei”.

“I Know There's an Answer” (que, nas extras, vem na versão “Hang on to Your Ego“, com mesma melodia e letra diferente) mantém a beleza polifônica e reforça uma outra base conceitual do disco: a “teoria dos afetos”. Princípio básico da música barroca, estabelece correspondência entre os sentimentos e os estados de espírito humanos. A alegria, consonante, por exemplo, é expressa através dos tons maiores, acontecendo o inverso para o sentimento de tristeza, em matizes menores e dissonantes em forma. Por isso, as idas e vindas durante todo o disco de temas calmos e/ou românticos alternados com outros alegres e mais pulsantes. Isso que acontece novamente com a “agitada” “Here Today”, que antecede outra obra-prima de Brian e Cia.: o baladão “I Just Wasn't Made for These Times”. Com base de cravo, num clima dos oratórios de Bach e Häendel, percussão que equilibra temple blocks, bateria e tímpanos, além de impressionantes contracantos, traz ainda uma inovação em termos de música pop: o electro-theremin, sintetizador muito usado pela vanguarda erudita da eletroacústica que pouco (ou nunca) havia sido usado em rock até então. E Brian não só usa como, inteligentemente, aplica-o de uma forma genial, pois, integrando uma ferramenta sonora moderna a outras marcantes da Idade Média (como o cravo e o tímpano), a faz homogeneizar-se ao coro, como se instrumento e voz, natureza e espírito, Deus e homem fossem a mesma matéria.

Se os Beatles de “Rubber...” louvavam o amor à sua Michelle, Brian, em mais uma estocada, vinha com a lenta e definitiva “Caroline No” com suas combinações de bongô/chocalho e hammond mantendo a base, além do engenhoso solo de cello com trombone, desfechando vitoriosamente o LP original.

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Se parasse por aí, já estava de bom tamanho, mas até os extras são dignos de nota. Haja visto a curta e brilhante “Unreleased Backgrounds”, toda a capella e na qual Brian evoca os mais ricos motetos barrocos – claro, numa roupagem pop e com a cara dele. Afinadíssimo, ele puxa um “lá”, prolongando seu corpo e baixando gradualmente a escala por cerca de 15 segundos até cair totalmente. O “good Idea”, ouvido ao fundo dito por algum dos integrantes da banda no estúdio mostra que a coisa agradou, motivando todos a se juntarem num coro. Eles exercitam melismas com acidentes, formando um verdadeiro canto gregoriano moderno. Lindíssimo. Depois disso, ainda há a ótima instrumental “Trombone Dixie”, em que, de uma feita, homenageiam o célebre bluesman Willie Dixie e evidenciam a sutil fronteira entre o folk e o erudito.

Brian Wilson vencera o desafio a que ele mesmo se propôs: apenas cinco meses depois, os Beach Boys superavam com “Pet Sounds” os Beatles de “Rubber Soul”. A história da música pop nunca mais seria a mesma, tendo em vista a alta influência deste trabalho para uma infinidade de outros artistas, que vão desde Zombies, Pink Floyd e R.E.M., passando por Van Morisson, Genesis, Blur e, claro, os próprios Beatles. Mas a instabilidade emocional e o vício em drogas de Brian não o deixariam prosseguir combatendo no front da música pop – pelo menos, não à altura de Lennon, McCartney, Harrison e Ringo. Três meses adiante, o Quarteto de Liverpool se reinventa novamente e lança o espetacular “Revolver”; no ano seguinte, o histórico “Sgt. Peppers...”; logo em seguida, emendam o fecundo “Álbum Branco”. Brian perde o passo e não consegue mais conceber uma obra com início, meio e fim, quanto menos uma grandiosa como a que criou. Mas, para sorte da humanidade, havia dado tempo do mundo conhecer “Pet Sounds”, o álbum que é mais do que um “disco de cabeceira”, mas os verdadeiros “sons de estimação”.

por Daniel Rodrigues

(Consultas técnicas e agradecimentos: Maria Beatriz Noll e Leocádia Costa)

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FAIXAS:

1. Wouldn't It Be Nice - 2:26 (Wilson, Asher, Mike Love)

2. You Still Believe in Me - 2:31

3. That’s Not Me - 2:30

4. Don't Talk (Put Your Head on My Shoulder) - 2:53

5. I’m Waiting for the Day – 3:06

6. Let's Go Away for a While - 2:21

7. Sloop John B - 2:54

8. God Only Knows - 2:46

9. I Know There's an Answer - 3:10 (Wilson, Terry Sachen, Love)

10.  Here Today - 2:55

11. I Just Wasn't Made for These Times - 3:10

12. Pet Sounds - 2:23

13. Caroline, No - 2:54

14. Unreleased Backgrounds - :50

15. Hang on to Your Ego – 3:17

16. Trombone Dixie – 2:53

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OUÇA O DISCO

The Beach Boys Pet Sounds

ClyBlog 5+ Discos

Esse assunto é tão importante aqui no blog que até mesmo temos uma seção dedicada exclusivamente a grandes representantes neste campo, os ÁLBUNS FUNDAMENTAIS. Assim, nesta série especial dos 5 anos do clyblog, não podíamos deixar de perguntar para nossos convidados quais os 5 grandes discos que fazem suas cabeças. Os indispensáveis, os clássicos, os xodózinhos, os indiscutíveis, os do coração, os que você levaria para uma ilha deserta, enfim, aqueles discos que para estas 5 pessoas são os top 5.
Então, sem mais, com vocês, clyblog 5+ discos.

1 Carlos "Cigana do Rock"
músico
(Balneário Camboriú /SC)

"Cara, são muitos.

Trampo difícil!!!"

1. "Revolver" - The Beatles (1966)

2. "Aftermath" - The Rolling Stones (1966)

3. "Original de Fábrica" - Cartolas (2007)

4. "The Kids are Alright" soundtrack - The Who (1979)

5. "Wolfmother" - Wolfmother (2005)

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2 Eduardo Lattes

publicitário

(Porto Alegre /RS)

"Pensei numa lista boa sem repetir artistas.
Que tal?"

Elvis é um dos ídolos de Eduardo Lattes

1. "White Album" - The Beatles (1968)

2. "Pet Sounds" - The Beach Boys (1966)

3. "From Elvis in Memphis" - Elvis Presley (1969)

4. "Houses of the Holy" - Led Zeppelin (1973)

5. "Are You Experienced" - The Jimmi Hendrix Experience (1967)

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3 César "Pereba" Castro

baterista

(Sapucaia do Sul/RS)

"Listar cinco é tarefa difícil pra quem tem uma lista com,

no mínimo 200 grandes da história e uns 100 da lista pessoal.

Mas aí vai minha lista dos 5 greats."

Um dos destaques de 

César Castro.

Novos Baianos F.C.

1. "Revolver" - The Beatles (1966)

2. "Are You Experienced" - Jimmi Hendrix Experience (1967)

3. "Novos Baianos F.C." - Novos Baianos (1973)

4. "Tim Maia Racional" - Tim Maia (1975)

5. "The Singles: Volume 4 - 1966/1967" - James Brown (2007)

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4 Júlio Faleiro
funcionário público e músico
(Viamão/RS)

"Na verdade, dos Beatles nem vale pois todos são meus xodós."

1. "Revolver" - The Beatles (1966)

2. "The Wall" - Pink Floyd (1979)

3. "Falso Brilhante" - Elis Regina (1976)

4. "Amor de Índio" - Beto Guedes (1978)

5. "Circuladô" - Caetano Veloso (1992)

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5 Paulo Moreira
radialista
(Porto Alegre/RS)

"Exile on Main Street" tem toda uma mitologia por trás de sua gravação
e este é o verdadeiro caso em que esta mitologia está a serviço de um disco impecável;
Jeff Beck, numa era de jazz-rock e fusion, gravou O disco do gênero. Genial!!;
em "The Mad Hatter", Corea mistura Lewis Carroll com metais e cordas;
Belchior se superou com "Alucinação", falando das agruras de ser artista em plena ditadura militar;
e o "Abbey Road" é uma enciclopédia da pop music. Tudo o que veio depois já estava ali. "

O favorito de 

Paulo Moreira

1. "Exile on Main Street" - The Rolling Stones (1972)

2. "Blow By Blow" - Jeff Beck (1975)

3. "The Mad Hatter" - Chick Corea (1978)

4. "Alucinação" - Belchior (1976)

5. "Abbey Road" - The Beatles (1969)