CLAQUETE ESPECIAL 15 ANOS DO CLYBLOG - Cinema Brasileiro: 110 anos, 110 filmes (parte 2)

 

O novíssimo "Marte Um" já figurando
na lista dos melhores da história

A lista dos 110 filmes dos 110 anos de cinema brasileiro continua. Nesta segunda parte, na ordem decrescente iniciada da última posição, são mais 20 títulos, e a diversidade e criatividade típicas do cinema nacional se fazem cada vez mais presentes. Obras marcantes da retomada, como “Bicho de Sete Cabeças” e “O Invasor” convivem com clássicos combativos do cinema novo (“O Desafio”), documentários de décadas distintas (“Partido Alto”, dos anos 70, e “Jorge Mautner, O Filho do Holocausto” e “O Fim e o Princípio”, anos 2010) e longas recentíssimos. Entre estes, “Marte Um”, o mais novo de toda a lista, que precisou de menos de um ano de lançamento para carimbar seu lugar ao lado de consagradas chanchadas ou de produções inovadoras, tal o experimental "A Margem" e “A Velha a Fiar”, primeiro “videoclipe” do Brasil em que o tarimbado Humberto Mauro ilustra a canção popular de mesmo nome do Trio Irakitã.

A ausência, pelo menos neste novo recorte, são os filmes dos anos 80, que geralmente pipocam entre os escolhidos, mas que certamente virão mais adiante. Interessante perceber que cineastas mundialmente consagrados como Babenco, Karim e Coutinho se emparelham com novos realizadores como os jovens Gabriel Martins e Gustavo Pizzi. Tradição e renovação. Fiquemos, então, com mais uma parte da listagem que a gente traz como uma das celebrações pelos 15 anos do Clyblog.

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90. “A Morte e a Morte de Quincas Berro D’Água”, Walter Avancini (1978)

Possivelmente, em algum momento o brasileiro viu uma cena em que Paulo Gracindo bebe um martelinho num boteco pensando que fosse cachaça e, indignado com a enganação, grita: “Água!”. A palavra ecoa enquanto a imagem congela e uma música brasileiríssima divina começa a tocar anunciando os créditos iniciais. Tanto quanto uma cena como a da nudez na praia de Norma Bengell em “Os Cafajestes” ou da operação do Bope no baile funk em “Tropa de Elite”, este começo do “teledrama” baseado no conto de Jorge Amado tem ainda a primazia de ser uma obra feita para a televisão, o que a coloca em tese em inferioridade diante do comum 35mm do cinema. Mas a questão instrumental não interfere neste média absolutamente brilhante dirigido por Avancini. Atuações e diálogos memoráveis, arte primorosa, ritmo perfeito, figurino geniais de Carybé, trilha magnífica de Dori Caymmi. Não à toa deu um dos Emmy conquistados pela TV Globo.

89. “O Invasor”, de Beto Brant (2001) 
88. “O Desafio”, Paulo César Saraceni (1965) 
87. “Jorge Mautner, O Filho do Holocausto”, Pedro Bial e Heitor d'Alincourt (2013)
86. “Dzi Croquetes”, Tatiana Issa, Raphael Alvarez (2005)
85. “Dois Filhos de Francisco”, Breno Silveira (2005)

84, “Partido Alto”, Leon Hirszman (1976-82)

83. “Eu, Tu, Eles”, de Andrucha Waddington (2000)

82. “O Xangô de Baker Street”, de Miguel Faria Jr. (2001) 

81. “O Homem do Sputnik”, Carlos Manga (1959)

80. “Bicho de Sete Cabeças”, Laís Bodanzky (2000)

Da leva do início dos 2000, que sinalizam o começo do fim da retomada. Símbolo desta fase, “Bicho...” é um dos filmes que denotaram que o cinema brasileiro saíra da pior fase e entrava numa outra nova e inédita. Além de lançar a cineasta e o hoje astro internacional Rodrigo Santoro, conta com uma estética e edição arrojadas, com sua câmera nervosa e atuações marcantes, tanto a do jovem protagonista quanto dos tarimbados Othon Bastos e Cássia Kiss. Vários prêmios: Qualidade Brasil, Grande Prêmio Cinema Brasil, Troféu APCA de "Melhor Filme", além de ser o filme mais premiado dos festivais de Brasília e do Recife. Ainda, está nos 100 da Abracine. Trilha de André Abujamra e com músicas de Arnaldo Antunes.

79. “Marte Um”, Gabriel Martins (2022)

78. “Madame Satã”, de Karim Ainouz (2002) 

77. “Babilônia 2000”, Eduardo Coutinho (2001)

76. “Benzinho”, Gustavo Pizzi (2018)

75. “A Margem”, Ozualdo Candeias (1967)

74. “Estômago”, de Marcos Jorge (2007) 

73. “Lúcio Flávio, o Passageiro da Agonia”, Hector Babenco (1976) 

72. “O Fim e o Princípio”, Eduardo Coutinho (2006)

71. “A Velha a Fiar”, Humberto Mauro (1964)

Daniel Rodrigues

"Exorcismo Negro" - José Mojica Marins (1974)

“José Mojica, mestre do terror e dos espaços profundos.” 

Glauber Rocha

“Sua câmera não mente jamais e confirma o desejo de reinventar o gênero horror com uma deformação formal, que só se encontra em alguns verdadeiros pioneiros”. 

Rogério Sganzerla

Nas primeiras décadas do século XX, alguns dos cineastas que ajudaram a construir a linguagem do cinema o fizeram com muita criatividade e intuição. Passados os pioneiros anos em que Griffith e Méliès abriram os portais daquele mundo de imaginação, foi a vez de outros realizadores, principalmente Vidor, Hitchcock, Lang, Sternberg e Clair, desvelarem aquela pedra bruta. Com recursos tecnológicos e financeiros geralmente parcos de um período de entre-Guerras, era a inventividade em criar soluções, trucagens e métodos que os fazia obter o resultado que pretendiam em frente à câmera e... ação! Estava feita a magia.

As décadas se passaram e os polos produtores e escolas de cinema foram assimilando a gramática audiovisual de maneira formal e técnica. Porém, o primitivismo criativo, algo genial e admirável em qualquer realizador, inclusive nos mais estudados, é ainda mais valioso quando surtido com espontaneidade. Caso do já saudoso José Mojica Marins, morto no último dia 19 de fevereiro. Eternizado como seu principal personagem, o assustador coveiro Zé do Caixão, o diretor – um autodidata que mal tinha o primário concluído, quanto mais um curso de cinema – alinha-se a este time de cineastas cuja linguagem cinematográfica lhe era natural e transbordante.

Mojica como Zé do Caixão à
época de "À Meia Noite..."

À margem do mainstream, Mojica firmou seu nome pela via do cinema marginal. Independente e amador, ele não produzia para nenhum grande estúdio e penava para financiar seus projetos, mas seu cinema de terror bizarro inspirado nos B Movies e, igualmente, calcado no noir e no western norte-americanos e seus grandes estetas – Orson Welles, John Ford, Howard Hawks, John Huston – driblava qualquer escassez de recursos. Esmerava-se nos roteiros e tinha uma técnica intuitiva apurada para a fotografia, a edição, a construção de personagens e a condução narrativa. Assim foi por toda sua carreira, “fazendo chover” mesmo com baixos orçamentos, a exemplo dos celebrados “À Meia-Noite Levarei Sua Alma” (1964), “Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver” (1967) e “O Estranho Mundo de Zé doCaixão” (1968).

Duas exceções, entretanto, mostram que, nas raras ocasiões em que teve recursos para produzir melhor, Mojica não desperdiçava. Um deles é, justamente, seu último longa, de 2008, “Encarnação do Demônio”, produzido por Paulo Sacramento e no qual, após mais de seis décadas de carreira transcorridas, finalmente conseguiu fazer um filme nos moldes do que sempre sonhou. O outro título de sua extensa filmografia em que se vale de uma produção digna é “Exorcismo Negro”, de 1974 (ano em que havia ganho dois prêmios na França, L’Ecran Fantastique e Tiers Monde). Produzido por Aníbal Massaini Neto – financiador de pornochanchadas, mas responsável também por bons longas históricos como “Independência ou Morte” e “Corisco, o Diabo Loiro” –, tem poucas locações, menos de 15 personagens e alguns figurantes. Se não se trata de uma superprodução, é suficiente para o diretor estabelecer um padrão de qualidade, que coloca “Exorcismo Negro” entre os seus melhores.

Na história. na onda do então recente sucesso de “O Exorcista”, de um ano antes, Mojica viaja para passar o Natal com os amigos num sítio onde vivem e escrever a história de seu próximo filme. No entanto, coisas misteriosas começam a se suceder na casa, com seus amigos sendo possuído por alguma força sobrenatural. Ele descobre que a matriarca da família fez, no passado, um acordo com a bruxa Malvina para engravidar e salvar seu casamento. Em troca, Malvina deve indicar o filho do Satanás, Eugênio, para se casar com a menina. Além disso, Mojica entra em conflito com o próprio Zé do Caixão, que está pronto para recolher as almas daquela família. Como é peculiar de Mojica, a autorreferência e o jogo de sentidos para com seu alter-ego dão à obra um ar metalinguístico, assim como já havia proposto em “O Despertar da Besta” e “O Estranho Mundo...”

Mojica com a família de amigos em "Exorcismo...": tensão o tempo todo

O versátil Jofre Soares sendo acometido pelo espírito de Zé do Caixão

Possessão e exorcismo: influências do recente sucesso de "O Exorcista"

“Exorcismo...” traz um manancial de referências obrigatórias a filmes de horror: a casa assombrada, objetos que se movem sozinhos, corpos sendo tomados por espíritos malignos, bichos peçonhentos, mistérios familiares que vem à tona, erotismo grotesco, um animalzinho de estimação judiado e uma criança cuja inocência é ameaçada pelo mal. Porém, mais do que uma sucessão de clichês, o filme tem a qualidade de que tudo é tecnicamente bem realizado: efeitos especiais, cenas de briga, trucagens com sangue, cenografia, corte da edição. Diferentemente do que se viu por muito tempo no cinema nacional e que se tornou-lhe, inclusive, uma pecha. Merece atenção especial, entretanto, a fotografia (quesito no qual Mojica sempre foi irreparável), que concilia a dureza da sombra marcada e a coloração que capricha nos tons quentes – principalmente, claro, no vermelho-sangue. Igualmente, não apenas o uso bem articulado da trilha sonora, outra conhecida qualidade do diretor, como, também, da própria seleção das músicas, como as de Syd Dale, Daniele Amfitheatrof e Michel Magne.

Cena do ritual: apavorante e na
medida certa

Mas, além disso, o ritmo de “Exorcismo...” é perfeito. Aquilo que é um problema em alguns filmes de Mojica, fruto justamente da dificuldade de produção que invariavelmente enfrentava, a continuidade é um trunfo deste longa. A narrativa mantém a tensão e dá sustos do início ao fim. A chegada do personagem Mojica à casa dos amigos, por exemplo, é sucedida por uma série de acontecimentos aterrorizantes, que não deixam o espectador descansar. A sequência do ritual macabro, excessivamente longa em outras realizações do cineasta (“Delírios de um Anormal” e na reedição estendida de “O Despertar...”), aqui está na medida exata entre a alucinação vivida pelo personagem e o ritmo narrativo, que não cansa quem assiste.

Premiado internacionalmente, celebrado por referências como Glauber Rocha, Gustavo Dahl e Rogério Sganzerla e, bem mais tarde, descoberto pelo mercado norte-americano, que o intitularia como Coffin Joe. Nada foi suficiente para que Mojica vencesse as restrições ao seu trabalho por quase todo o período em que esteve ativo, dos anos 40 até o século XXI. Nos anos 80, espremido pela censura e pelo sistema, partiu para o cinema pornô, que ao menos lhe daria alguma grana. Pouco antes de conceber seus últimos filmes, já nos anos 2000, Sganzerla escrevia sobre o amigo e admirado cineasta: “Além de nunca ter recebido nem adiantamento, quanto mais condições de produção compatíveis com seu talento, não filma há 15 anos, sendo vítima do descaso, inépcia, irresponsabilidade ou talvez preconceito”. Pouco visto em seu próprio país, “Exorcismo...” é, certamente, um dos melhores filmes de terror da década de 70 – rica neste gênero, aliás. A se ver por este resultado, imagine se Mojica tivesse recebido o devido reconhecimento em vida?

JOSÉ MOJICA MARINS

(1936-2020)

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assista o filme "Exorcismo Negro"

Daniel Rodrigues

Cinema Marginal #9 - "O Rei do Baralho", de Júlio Bressane (1973)

Tem clichês de filmes americanos, sim? Mas de um jeito bem brasileiro, bem marginal.

Um clássico americano,
tipicamente brasileiro.

Um homem (Grande Otelo), auto-proclamado "O Rei do Baralho", se apaixona por uma loira estonteante, diretamente saída de uma chanchada brasileira ou de algum noir americano barato da década de quarenta.
Por mais que o filme tenha uma história, ele também é sobre como se fazer cinema. Seu começo muito arrastado, totalmente sem som, e as constantes saídas da história principal podem fazer você perder o foco do longa. São cortes abruptos e muito rápidos mas essa altura já estamos acostumados com isso.
Embora a historia, mais uma vez, possa ser difícil de ser absorvida, as atuações tão naturais e a vontade dos atores torna o filme muito leve. Temos uma atuação muito natural (como sempre) de Grande Otelo, um personagem negro, baixo, que foge completamente dos estereótipos num filme repleto de estereótipos americanos o que é muito interessante É mais uma vez o Cinema Marginal dando um toque de brasilidade ao cinema.
Uma obra que que consegue (ou tenta) contar sua história mas que vai muito alem disso: ela fala sobre cinema. Temos aparições do diretor, das câmeras, dos atores se preparando para entrar em cena... Uma obra de apaixonado por cinema que consegue emular “o melhor cinema”, com poucos recursos e muito talento ao mesmo tempo que parece falar apenas do dia a dia, do comum.

Atuações que se destacam na frente  e atrás das câmeras.

por Vagner Rodrigues

Cinema Marginal #8 - "Câncer", de Glauber Rocha (1972)

Tem momentos que é realmente difícil entender mas, quer saber,

simplesmente aproveite.

Se você já conhece Glauber Rocha, assista esse filme. Ah! Não conhece? Então assista o filme. Uma obra totalmente experimental, seu único filme verdadeiramente marginal (segundo o próprio diretor, mas não é, tá pessoal?)  mas sem perder o "selo Glauber de qualidade".
São três personagens dentro de uma ação violenta. Acabei a sinopse, sim é isso. Não acredita? Veja o filme, já falei.
"Câncer" não tem história embora tenha um começo e um fim, não temos um meio que as ligue. O grande objetivo do filme é experimentar, questionar o cinema e o espectador. Quase todo o filme você fica com a sensação de que viu duas pessoas conversando e pegou o assunto no meio e acaba ficando perdido, só que o longa faz questão que você fique perdido.
Se você leu os textos anteriores, desculpe mas vou repetir, mais uma vez temos uma obra com uma qualidade de imagem e áudio horríveis. Em alguns momentos até mesmo é desconfortante.
O que nos mantém no filme são as fortes atuações. Podemos ver claramente que é tudo improviso mas mesmo assim todo mundo se vira muito bem. Para mostrar como os atores estão bem, digo que temos inúmeros planos-sequência cheios de diálogos e todos são sustentados magistralmente pelos atores. Algumas sequências são fabulosas, com diálogos bem fortes, críticas políticas e principalmente ao preconceito social e racial.
Uma obra única. Pode parecer um pouco diferente do que você já viu do diretor em termos técnicos mas os questionamentos políticos, a maneira ousada de se fazer cinema está lá. Acredito que esta seja a síntese perfeita da expressão “Uma câmera na mão e uma ideia na cabeça”.

A sequência na praia é excelente. O diálogo, a maneira como é filmada.
Amigos, isso é cinema também.

Vagner Rodrigues

Cinema Marginal #7 - "Bang Bang", de Andrea Tonacci (1971)

Embarque neste táxi, e prepare-se para uma viagem muito louca. Vamos a um filme que desconstrói nossas noções de cinema, e espero que você esteja preparado.
Um homem, que durante a realização de um filme se vê envolvido em várias situações como o romance com uma bailarina espanhola, perseguições, discussões com um motorista de táxi e o enfrentamento com um bizarro trio de bandidos Este é um resumo rápido do que podemos pegar de "Bang Bang".

Seriam estes os personagens do filme?

Lá vou eu mais uma vez: não é um filme comercial, nele não há uma “narrativa”, não parece nem ter uma sequência lógica, às vezes fica a impressão que ele não passou pela fase de montagem, então se você quer um filme linear e com uma história para contar fuja deste filme.
Essa “falta” de “narrativa” dá uma liberdade para alguns experimentos, como colocar os telespectadores praticamente dentro do filme. em grande parte do filme a câmera está bem grudada aos personagens e em alguns momentos até parece ser um deles. Essa ferramenta nos prporciona ótimas cenas como na que um homem utilizando uma máscara de macaco faz sua higiene bucal em frente ao espelho e, ao fundo, através do reflexo do espelho, vemos uma câmera registrando tudo. Um filme realmente de cinema, onde o cinema literalmente está dentro dele. Há outras cenas, como, por exemplo, a do elevador na qual o homem que é sequestrado tenta fugir e é empurrado de volta para dentro não ficando claro se foi a câmera ou algum outro personagem que o empurrou.
É mais um mergulho no cinema experimental e inovador. Sem fórmulas, sem o maneirismo do cinema, mas sem deixar de ser cinema, ter romance, perseguições, tiros e mágica. História? Sim, tem... Se você desvendar toda a trama, por favor, me conte, se possível antes de levar uma tortada na cara.

Ainda tentando entender esses três patetas.

Vagner Rodrigues

Cinema Marginal #6 - "Copacabana Mon Amour", de Rogério Sganzerla (1970)

Vamos lá, isso mesmo, mais uma vez Sganzerla e mais uma vez uma grande obra. Atenção, família tradicional brasileira, tome muito cuidado ao assistir a "Copacabana Mon Amour".
Sônia Silk (Helena Ignez) circula por Copacabana, no Rio de Janeiro, com o grande sonho de ser cantora da Rádio Nacional. Silk é irmã de Vidimar, empregado apaixonado pelo patrão, o Dr. Grilo.
Se chegamos desavisados, o filme é  uma grande bagunça, uma história difícil de entender, muitos gritos, mas muitos mesmo, na verdade a obra e praticamente toda gritada. Agora já temos cores, a qualidade da imagem melhora bastante em relação a alguns filmes anteriores de Sganzerla mas o som continua sendo um problema. Devido ao fato de muitas cenas terem sido filmadas na rua e os microfones da produção não serem grande coisa, nem a técnica de som da época era tão avançada, o diretor mais uma vez escolhe dublar todas as falas do longa e elas dessincronizam em todo o filme (falas dubladas pelos próprios atores).

O estranho relacionamento entre os dois irmãos.

Os diálogos das obras desse diretor são sempre um destaque assim como a maneira que ele pega coisas totalmente deixadas de lado ou muitas vezes vistas com olhar preconceituoso e coloca como grande destaque dos seus filmes. Helena Ignez, sempre muito sensual, (Nossa, essa mulher era a sensualidade em pessoa!), tem atuação hipnotizante. Logo na primeira cena temos uma narração em off relatando quem são os “deuses”, divindades, orixás, da cultura do candomblé, e a partir daí o candomblé segue fazendo parte do enredo até o final do filme. Temos até uma cena onde um dos personagens está fazendo um “trabalho”, temos cenas de “possessão”, e batuques de tambor também são bem frequentes. A trilha sonora foi composta por Gilberto Gil e tem um destaque bastante grande dentro do filme entrando sempre em momentos oportunos, isso sem falar na sua incrível originalidade, conseguindo ser uma daquelas obras que une com perfeição a tropicália e o cinema.
As cenas deste filme são de uma força, de um impacto fortíssimo. Como disse ele é gritado, mas é GRITADO em todos os sentidos: as cenas de violência física são constantes por parte do patrão com seu empregado, mas as falas, sempre duras, chegam muitas vezes a serem mais fortes que agressões fisicas. Uma dominação completa. As cenas de sexo também têm sua selvageria e misturam-se com o candomblé, numa combinação que Rogério Sganzerla faz como ninguém.
Mais um achado do cinema nacional, "Copacabana, Mon Amour" pode parecer confuso, pode parecer meramente provocador, e pra falar a verdade realmente é, mas também é um pouco mais que isso: pega a cultura que foi jogada lá em baixo, crenças que foram jogadas lá em baixo e pessoas que são jogadas completamente à margem, e as colocas no ponto alto, as valorizando e humanizando. Parabéns, Mister Sganzerla.

Um pouco do muito de candomblé que o filme tem.

Vagner Rodrigues

Cinema Marginal #5 - "Meteorango Kid, Herói Intergalático", de André Luiz Oliveira (1969)

Uma obra extremamente provocativa, tanto para o final dos anos 60, época de lançamento do filme, como para os dias atuais. Seu objetivo é tirar os jovens da zona de conforto e mostrar a eles que as mudanças que eles desejam tem que partir deles.
"Meteorango Kid, Herói Intergalático" narra as aventuras de Lula, um estudante universitário, no dia do seu aniversário. De forma absolutamente despojada, anárquica e irreverente, mostra sem rodeios o perfil de um jovem desesperado, representante de uma geração oprimida pela ditadura militar e pela moral retrógrada de uma sociedade passiva e hipócrita.

Lula (Antônio Luiz Martins),

o nosso "herói"

Vou ser sempre repetitivo nesta parte, não espere que as obras marginais sejam um primor técnico pois os filmes são feitos praticamente de forma amadora, a cortes bruscos, cenas onde o áudio some e mais uma vez você, amigo, vai ter que superar isso, ok?
Se não é um primor técnico o longa é no mínimo muito bem realizado. Temos ótimas escolhas de câmera, a iluminação muito boa na maior parte das vezes, e as atuações, muito reais, dão margem de comparação entre as personalidades dos personagens, sobretudo com o “Vampiro” de "A Mulher de Todos". Esse foi o primeiro longa dirigido por André Luiz Oliveira que por conta de seu ótimo trabalho acabou sendo muito bem recebido pela crítica e pelo público. Menos pela censura.

A "viagem" e o discurso.

Que cena, senhoras e senhores!

Se você analisar o filme vai ver que ele é bem direto, utiliza do seu humor estranho e exagerado para fazer suas críticas sendo a juventude um dos seus principais alvos uma vez que muitos jovens ainda se encontravam numa zona de conforto presos a sonhos utópicos, alienados à cultura de astros de cinema e música, e aí encontra-se a explicação para o título do filme. Uma obra feita no local certo no momento certo: na Bahia, no final turbulento da década de 60, repressão forte, surgimento da tropicália e um sentimento de rebeldia surgindo com força. O longa tem um momento onde podemos ouvir como "trilha" de fundo o famoso discurso de Caetano Veloso de revolta com a juventude em "É Proibido Proibir", no Festival de 1968. Muito bom! Uma das cenas mais impactantes é quando Lula e seus amigos se reúnem em pequeno apartamento para fumar maconha. É uma cena longa na qual acompanhamos toda a viagem dos rapazes desde o cigarro sendo feito até a completa loucura na qual um deles saca a arma e acaba atirando (ou não) em outro no meio da “noia”. Além da cena ser muito bem filmada, com corte perfeitos, temos uma câmera subjetiva nesta cena que dá todo o suspense necessário. É simplesmente perfeita, mostrando todo o recurso técnico do diretor. Um grande destaque para o diálogo desta cena com o fenomenal o discurso que um dos amigos faz que mesmo em meio a todo a loucura da cena e muito bom. Ao final de seu monólogo o que senti foi “Nossa!Esse maluco cheio de erva na cabeça, está certo”.
Uma sociedade totalmente presa a valores atrasados que vende falsa ideia de família tradicional brasileira, uma juventude passiva, que se recusa a se rebelar com medo da não aceitação. Não o longa não é deste ano, é de 1969, mas fala a nossa língua. É um filme do nosso tempo. Um filme forte, um manifesto pela luta que na época era fundamental que existisse. Não temos mais a ditadura, mas a repressão ainda está por aí e os falsos ídolos também. "Meterorango Kid" convida-nos, ainda hoje, a não nos conformarmos a nos revoltarmos. Aceite o convite. Assista o filme. Rebele-se.

O que seria de um filme destes se fosse feito nos dias de hoje?
Talvez não fosse proibido mas com certeza sofreria sérios problemas.

por Vagner Rodrigues

Cinema Marginal #4 - "O Anjo Nasceu", de Júlio Bressane (1969)

Desta vez trago para vocês um filme mais "simples": "O Anjo Nasceu", de Júlio Bressane, de 1969. A historia é bem descomplicada e sua narrativa é bastante linear, mas é claro que seus personagens são cheios de alegorias e o espectador deve estar preparado para mais uma obra amoral (ou nem tanto).
Dois bandidos saem pela cidade cometendo atos de violência. Santamaria (Hugo Carvana), místico que acredita que com seus atos está se aproximando de um anjo que lhe limpará a alma; e Urtiga (Milton Gonçalves), um marginal ingênuo que segue os passos do amigo acreditando também, por sua ingenuidade, no anjo da salvação.

Qual a chance de salvação 

destes dois marginais?

Não é a primeira vez nem a ultima vez que falo isso sobre os filmes marginais mas não é um filme que vá agradar todo mundo. Há cenas de violência bem fortes, violência contra mulher, violência contra homossexuais, existe toda uma crítica religiosa e dependendo de como você receber o filme tudo isso pode não soar muito legal. A qualidade da imagem e som também são fatores que se deve superar ao assistir o filme mas essa era exatamente a proposta estética do cinema marginal.

As cenas do sequestro são bastante fortes bem como  as atuações

dos atores principais. Esse momento, especificamente, é fabuloso.

Apesar de ser uma quase antiestética, ela é muito bem utilizada por Bressane e seus planos longos (ou exageradamente longos) funcionam bem criando grande dramaticidade uma tensão nas cenas. É uma obra bem silenciosa mas em muitos momentos deste silêncio que muita coisa é dita.  A brincadeira visual que o filme faz com as placas que aparecem "incidentalmente" é genial em muitos momentos, como por exemplo, próximo ao final, quando os bandidos estão em um circo e ao fundo pode ver-se uma placa com dizeres "O encontro com a morte", e também no momento onde vão até um cinematógrafo e a câmera permanece durante algum tempo, uns vários segundos em close na placa "Cinematographo". Genial essa brincadeira toda. A crítica mais evidente do filme é a pessoas que cometem atos brutais buscando uma suposta salvação de suas almas, que buscam na religião a desculpa para seus atos e independente da crença, seita, doutrina ou seja lá o que for, isso fica claro no longa.
A minha cena favorita no filme é quando os dois bandidos, Urtiga e Santamaria,  estão comendo na mesa juntamente com a dona da casa ondes estão se escondendo, quando Santamaria expõe para a dona da casa sua maneira de pensar que é na verdade um perfeito resumo da proposta do filme e de certa forma, por extensão, do cinema marginal, "O que está certo é o errado... E o que está errado, pra mim é o certo".
Uma obra fantástica pela maneira como foi feita e pela ideia que transmite, tudo com muita criatividade utilizando bem as técnicas cinematográficas para, mesmo com pouco recurso, fazer muita coisa. Sua ambição claramente não era grandiosa mas vê-se as ferramentas cinematográficas sendo usadas de uma maneira tão inteligente que o exagero teatral dos personagens acabam fazendo sentido e tornando-se necessários, tamanho a grandiosidade artística da obra, que é forte, crua e real.

A placa ao fundo "Encontro com a morte".

por Vagner Rodrigues

Cinema Marginal #3 - "A Mulher de Todos", de Rogério Sganzerla (1969)

Se o filme anterior de Rogério Sganzerla, "O Bandido da Luz Vermelha", foi um avacalho, o que dizer deste, como uma protagonista maníaca sexual, devoradora de homens, em plena ditadura brasileira? Sim, completamente anárquico.
A ninfômana Ângela Carne Osso (Helena Ignez) decide passar o fim de semana na exótica Ilha dos Prazeres. Seu marido é o extravagante Doktor Plirtz (Jô Soares) que contrata um detetive particular para comprovar a (in)fidelidade de sua esposa.

Helena Ignez, Stênio Garcia (Flávio Azteca)

e Antônio Pitanga (Vampiro), que baita elenco.

Não é demérito ser um espectador comum, mas se você for este "espectador comum" não vai gostar do filme de Sganzerla. Tem sequências bem repetitivas, fora de contexto e diálogos que parecem que não vão levar a lugar algum. Somado isso, a falta de moralidade nos personagens pode também incomodar algumas pessoas.
Ângela Carne Osso é uma personagem espetacular, “Eu sou simplesmente uma mulher do século XXI, sou um demônio antiocidental, eu cheguei antes, por isso sou errada". Ela realmente estava à frente do seu tempo e acredito que, infelizmente, talvez esteja à frente do nosso. Ela vai ditar o filme. A obra e centrada na sua figura e Helena Ignez tem uma atuação memorável. Toda sua sensualidade, seu poder, sua feminilidade está em tela no seu total. Ângela Carne Osso quer consumir homens a curto prazo abandonando-os em seguida.

Jô Soares está ótimo como bitolado.

Sim, "A Mulher de Todos" é um filme sobre sexo, mas não é um filme pornográfico. O sexo não está ali só para entreter o espectador mas sim como ferramenta narrativa, para mostrar o poder de Ângela Carne Osso. E todas as cenas mais quentes vê-se Angela, tomando a iniciativa, controlando a situação, algumas vezes até ferindo fisicamente seus parceiros.
As melhores cenas realmente são as de Angela, principalmente quando ela olha para câmera e parece estar falando conosco, falando de sua preferência pelos boçais. Outras ótimas cenas envolvem Doktor Plirtz, especialmente sua fala sobre o tipo de arte que gosta (no caso do filme ele fala de quadrinhos) é muito boa. Se você parar e refletir sobre ela pode ver o alto grau de crítica que Sganzerla colocou nela cena sem deixar de mencionar a ótima atuação de Jô Soares que está ótimo no filme.
Um filme à frente de seu tempo, assim como sua protagonista. Sganzerla mais uma vez abusa de sua anarquia, mas desta vez tem um foco: mostrar a mulher livre. Mesmo sendo mais uma vez um avacalho de filme, "A Mulher de Todos" não deixa de ser autoral e crítico. Sganzerla segue mostrando que é possível fazer cinema da miséria, do imoral, do não aceito, e a minha paixão pelos seus filmes aumenta de 4 em 4 minutos.

Ai, meu cração! Que mulher, senhoras e senhores!

por Vagner Rodrigues

Cinema Marginal #2 - "O Bandido da Luz Vermelha", de Rogério Sganzerla (1968)

Muito já se falou sobre esse filme, mas muito ainda há a se falar sobre ele. O primeiro longa do jovem Rogério Sganzerla que na época tinha apenas 22 anos, mas que foi considerado o melhor filme do "Cinema Marginal" é um dos melhores do cinema nacional. Debochado e extremamente crítico, assim é "O Bandido da Luz Vermelha".
Marginal paulista conhecido como Bandido da Luz Vermelha (Paulo Villaça) coloca a população em clima de medo e desafia a polícia ao cometer os crimes como estupros a assassinatos. Até que ele conhece a provocante Janete Jane, famosa em toda a Boca do Lixo, por quem se apaixona.

Janete Jane e o "Jorginho", se é que esse é seu nome verdadeiro.

Melhor chamar de Bandido já que ele avacalha e esculhamba o filme todo.

Se você apenas tiver passado os olhos rapidamente pelo filme ou simplesmente o tenha assistido quando era muito novo, talvez tenha ficado com a impressão de que ele é uma grande bagunça. Pois bem, fique calmo: você esta certo. Apesar de ser um filme para nos fazer pensar, "O Bandido da Luz Vermelha" não é lento. É dinâmico, seus cortes são frenéticos, há vozes off dos narradores, ora radialistas ora o próprio bandido, frases soltas são atiradas parecendo não terem sentido algum como a receita de musse de maracujá. Tudo isso, aliado à sua estética suja, forma uma enorme confusão, mas uma confusão no bom sentido. "Confusão" esta que é reforçada ainda mais pela ausência de uma definição de temática, não se enquadrando em nenhum gênero, policial, romance, documentário, filme-protesto ou filme-denúncia. É simplesmente "um filme de cinema".

Uma sociedade tão alienada no seu mudinho, que encontra o Bandido,

não percebe e ainda dá receita de musse de maracujá.

Apesar das ótimas atuações temos que admitir que as cenas de tiro não ficaram boas, não forma bem encenadas e claramente podemos ver atores atirando para cima e outro caindo. Pode ter sido algo proposital, claro que pode, mas chega a ser cômico. Mas mesmo com seus problemas, o filme vence as barreiras do tempo e contínua fazendo sentido até os dias atuais. Apesar do titulo, não fica claro se realmente estamos vendo o bandido da luz vermelha. O próprio "bandido" fala logo no inicio "Eu sou um dos Bandidos da Luz Vermelha", em seguida um dos investigadores fala que o bandido já esta preso e essa dualidade está presente em vários aspectos do filme. Nem o próprio personagem sabe quem realmente ele é, repetindo inúmeras vezes ao longo do filme "Quem sou eu?". O figurino também ahjuda a reforçar essa dúvida acerca do personagem  e sua identidade uma vez que o bandido nunca repete o figurino mesmo nos cortes rápidos. Ou coloca um chapéu, uma luva, de uma cena para outra mas está sempre mudando. Não tem uma personalidade definida, sua cabeça é uma bagunça assim como sua mala, da qual se desfaz, tirando tudo de dentro, antes de ir para seu ato final.
As criticas não ficam apenas no personagem central mas se espalham por todo o mundo que o cerca, passndo a pelos meios de comunicação totalmente sensacionalistas que, no filme, soltam inúmeras notícias sem ter a veracidade comprovada, sendo porém tudo afirmado como se fosse verdade; se estendendo aos políticos na forma do cômico personagem J. B Silva "Ministro não, secretário", candidato a presidência

Esse letreiro funciona muito bem no filme.

Sem dúvida "O Bandido da Luz Vermelha" é um grande clássico do nosso cinema. Consegue unir elementos de "Acossado" de Godard, especialmente na parte final do filme apesar de todo ele ser muito Godard; com um toque de "Cidadão Kane", do qual o longa é um dos filmes filhos e cuja referência ao diretor Orson Welles não para aí uma vez que temos até disco voadores (A referência a Welles, pegou? Bem bolado, né?); além de um pouco de "Cinema Novo" ou muito de Glauber Rocha. "O Bandido..." tem uma pegada bem urbana real omo os filmes do "Cinema Novo". Existem inclusive diversos textos que comparam o filme à obra "Deus e o Diabo na Terra do Sol" de Glauber. Não se engane se acha que assim como fez Godard e Welles, Sganzerla quis homenagear Glauber. Neste caso  estaria mais para uma provocação do diretor que coloca Helena Ignez no papel da prostituta Janete Jane, personagem que acaba morta em uma festa e logosua morte segue-se uma sequência de fogos de artifício. A provocação? Ignez era então ex-mulher de Glauber na época. Sim ele matou a mulher de Glauber e ainda festejou o fato.
"O Bandido da Luz Vermelha" consegue gerar diversas interpretações e eu poderia escrever um texto enorme apenas sobre elas que mesmo assim não conseguiria chegar perto da força e profundidade que tem o filme devido às suas diversas alegorias. Se tiver a oportunidade não deixe de assistir. Vale muito por sua linguagem, seu modo de filmar altamente artístico e inovador, ao mesmo tempo que é apenas um "simples" filme policial, um "faroeste do terceiro mundo". Assim como os tiros do Bandido, o filme atira para todos os lados, e de alguma forma ele vai acertar você.

por Vagner Rodrigues

Cinema Marginal #1 - "A Margem", de Ozualdo Candeias (1967)

Um filme completamente à margem do que estava sendo feito na época, com personagens completamente à margem de uma sociedade que não os aceitava (e até hoje não aceita bem). "A Margem" foi o pontapé inicial de uma bela carreira de Ozualdo Candeias e início triunfante do Cinema Marginal.
Na favela às margens do rio Tietê, duas trágicas histórias de amor, dois casais que a sociedade ignora e que, em meio à miséria e a luta pela sobrevivência, tentam encontrar-se através do sentimento.

O que seria essa estranha mulher de cabelos negros?

Não é um filme fácil, não e simples, é aberto a várias interpretações. Tem um estilo de filmagem mais natural, quase documental com os personagens muitas vezes sendo filmados tão de perto que chegam a dar a impressão que estão olhado para você, que estão falando com você. Essa aproximação com os personagens provoca um certo desconforto o que acredito tenha sido um dos motivos pelos quais muita gente que viu o filme não tenha gostado, justamente por esse deslocamento do convencional. A narrativa do filme também foge bastante do convencional apresentando poucos diálogos, atuações parecendo improvisadas pelos atores, áudio ruim e uma estética um tanto suja, podendo até mesmo, numa análise meio precipitada ser qualificado com "feio", mas numa segunda boa olhada (ou numa primeira bem caprichada) consegue-se perceber muito beleza no modo que como é filmado, a qualidade de seus enquadramentos, seu cenário e toda a poesia contida nele.
Um dos grandes pontos positivos do filme é forma como a morte é trabalhada em sua narrativa, como ela é introduzida de uma maneira inesperada mas que acaba dando um novo olhar para os personagens. A morte tem sua carga de dor, perda e tristeza, porém os personagens que vão morrendo (desculpe o spoiler mas não vou contar quais) reaparecem logo adiante no filme mais alegres como se a morte os tivesse libertado daquela situação de existência precária, onde viviam.

Nossos amados protagonistas.

O amor também tem um papel fundamental uma vez que todos os protagonistas têm alguma paixão e isso os motiva. Vivem na miséria quase sem nada, entre eles temos prostitutas,  um  motorista de caminhão, um deficiente mental e um estranho homem que aparenta estar perdido, no entanto, mesmo com suas dificuldades, todos ainda amam. O amor, por mais pobre que a pessoa seja, é algo que ela consegue compartilhar. A riqueza dos personagens está na grandiosidade de seu amor. Que lindo isso, não é?
Deve-se assistir o filme com um olhar atento. Ainda que sua estética possa causar desconforto, o áudio seja ruim e os diálogos pareçam complicados, tudo é totalmente bem proposital e todaa crítica social que carrega ainda é muito atual. "A Margem" é delicado como flor mas por outro lado tem muita força. É uma obra com poucos diálogos mas o bastante para que muita coisa seja dita, mais do que isso, GRITADA!

por Vagner Rodrigues