II Festival de Cinema Negro em Ação - Longas-Metragens

 

Tive a satisfação de participar, pelo segundo ano consecutivo, do Festival Cinema Negro em Ação, que é realizado com muita garra pela competente cineasta Camila de Moraes juntamente à Casa de Cultura Mario Quintana (CCMQ) e Instituto Estadual de Cinema (Iecine). Como já abordei noutras ocasiões, o festival tem uma importância singular no cenário audiovisual gaúcho e brasileiro por sua simbologia e ação. Particularmente, por meio da ACCIRS, tive o prazer e a felicidade de ser novamente convidado a integrar o corpo de jurados, desta vez na seleção de longas-metragens.

"Trem do Soul": a história dos bailes
negros dos anos 70/80

Iniciado no Dia da Consciência Negra, a segunda edição do evento, teve este ano ainda maior relevância, tanto por sua resiliência quanto por integrar as comemorações pelo cinquentenário do 20 de novembro. Em um formato híbrido, o festival ocorreu durante uma semana com programação na grade da TVE-RS e do Prime Box, na Cinemateca Paulo Amorim e na plataforma Cultura em Casa, da Secretaria da Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo.

Se o primeiro festival, juntamente com todas as vozes que reverberam o protagonismo negro em Porto Alegre, marcou lindamente uma trajetória que começa a se consolidar, ao mesmo tempo também foi maculado pelo terrível assassinato de João Alberto horas antes da estreia, desviando por força maior o foco das manifestações. Manifestações de luta, mas de revolta e não artísticas. 

Este ano, impossível não lembrar deste episódio, mas também – como é característica do povo negro – novos passos de superação foram dados. Em resposta, o próprio festival representa um marco nas políticas afirmativas das instituições envolvidas, resultado de um programa de inclusão e representatividade que aposta no audiovisual como um caminho de desenvolvimento econômico e social.

Sob o axé de Oliveira Silveira, cujo movimento em favor da criação desta data ainda tão fundamental completa meio século, o II Festival Cinema Negro em Ação transcorreu somente dentro do que o feito merece: com celebração e respeito.

Cena de "A Última Negra", que recebeu Menção Honrosa

O belo doc sobre
os clubes sociais do RS

Entre os sete longas e médias-metragens que competiram a mim e aos queridos e competentes colegas de júri Jeferson Silva, do Coletivo Macumba Lab, e Alexandre Mattos, da Associação Profissional de Técnicos Cinematográficos (APTC) escolher, destaco os que, após longa e saudável discussão, selecionamos: o aprazível documentário “Trem do Soul”, do carioca Clementino Junior, com o Prêmio Nacional; o tocante e revelador documentário “Meu Chão: Clubes Negros do Rio Grande do Sul”, de  Jorge de Jesus e Geslline Giovana Braga, na categoria Destaque RS – Direção; e a Menção Honrosa à instigante ficção futurista “A Última Negra”, de Silvana Rodrigues e Camila Bauer, também gaúcho.

Justo falar ainda, porém, de outro dos quatro documentários em competição, que é o paulista “Tambores da Diáspora”, de João Nascimento. Pode-se dizer que é o filme mais bem acabado entre todos desta categoria, inclusive dos três premiados, embora por critérios consensuais não o tenhamos escolhido. Aliás, cabe ao mesmo tempo um olhar generoso e compreensivo, visto que ainda deficiente por reflexo de um contexto sociocultural muito mais amplo e complexo, mas também o do vislumbre de um avanço técnico por parte destes realizadores e de políticas públicas e privadas que fomentem a produção audiovisual negra. Com condições técnicas e oportunidades melhores, não há dúvida de que, em pouco tempo, despontarão novos Jeferson De fazendo cinema negro com autenticidade, propriedade e competência.

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Confira a lista dos premiados do II Festival Cinema Negro em Ação:

CATEGORIA VIDEOARTE

Prêmio Estadual: A GOTA D’ÁGUA (Direção: Luis Ferreirah)

Prêmio Nacional: A QUEDA (Direção: Lia Leticia, Pernambuco)

Destaque RS - Direção: LANCEIROS NEGROS (Thaise Machado)

Menção Honrosa: UM TRANSE DE DEZ MILÉSIMOS DE SEGUNDOS (Direção:

Jamile Cazumbá, Bahia)

Jurados: Sérgio Nunes (Conselho De Ações Afirmativas), Valéria Barcellos (IEACen - Instituto Estadual de Artes Cênicas) e Ana Medeiros (IEAVI - Instituto Estadual de Artes Visuais)

CATEGORIA VIDEOCLIPE

Prêmio Estadual: PULSO - DESSA FERREIRA (Direção: Kaya Rodrigues)

Prêmio Nacional: KOLAPSO - MONKEY JHAYAM, ENME E TERRA TREME

(Direção: Lazaro e Jessica Lauane, Maranhão)

Destaque RS - Direção: SORRISO MARFIM - W NEGRO feat. N JAY (Direção:

Deivid Makaveli)

Menção Honrosa: AMBIÇÃO - CRISTAL (Direção: Cleverton Borges, Rio Grande

do Sul)

Jurados: Sérgio Nunes (Conselho De Ações Afirmativas), Valéria Barcellos (IEACen - Instituto Estadual de Artes Cênicas) e Ana Medeiros (IEAVI - Instituto Estadual de Artes Visuais)

CATEGORIA CURTA-METRAGEM

Prêmio Estadual: ROTA (Direção: Mariani Ferreira)

Prêmio Nacional: A SÚSSIA (Direção: Lucrécia Dias, Tocantins)

Prêmio Distribuição - Produtora Tarrafa: TÁ QUENTE (Direção Bruno Ferreira,

Amazonas)

Destaque RS - Direção: DESVIRTUDE (Gautier Lee)

Destaque RS - Roteiro: NAÇÃO PRETA DO SUL- O CURTA (Nando Ramoz)

Destaque RS - Intérprete: ALÉM DA FRONTEIRA (Clara Meireles)

Destaque RS - Montagem: ROTA (Rodolfo de Castilhos)

Destaque RS - Trilha Sonora: ALÉM DA FRONTEIRA (Direção: Alexandre Mattos

Meirelles)

Destaque RS - Desenho de Som: OLHOS DE ANASTÁCIA: CONEXÕES

QUILOMBOLAS (Técnico de Som Giuliano Lucas)

Destaque RS - Direção de Arte: SERIAM OS DEUSES AFRONAUTAS (Direção:

Rogério Fanrandóla)

Destaque RS - Direção de Fotografia: ALÉM DA FRONTEIRA (Direção de

Fotografia: Felipe Campal)

Prêmio TodesPlay: ALÉM DA FRONTEIRA (Direção: Alexandre Mattos Meirelles,

Rio Grande do Sul)

Menção Honrosa: SUBSIDÊNCIA (Direção: Beatriz Vilela, Alagoas)

Menção Honrosa: PELE DE MONSTRO (Direção: Barbara Maria, Minas Gerais)

Jurados: Uilton Olivieria (APAN - Associação dos Profissionais do Audiovisual Negro), Miriam Juvino (SIAV-RS - Sindicato da Indústria Audiovisual RS) e Mario Costa (EDTRS)

CATEGORIA LONGA-METRAGENS

Prêmio Nacional: TREM DO SOUL (Direção: Clementino Junior, Rio de Janeiro)

Destaque RS - Direção: MEU CHÃO: CLUBES NEGROS DO RIO GRANDE DO SUL

(Direção: Jorge de Jesus e Geslline Giovana Braga)

Menção Honrosa: A ÚLTIMA NEGRA (Direção: Silvana Rodrigues e Camila

Bauer, Rio Grande do Sul)

Jurados: Daniel Rodrigues (ACCIRS), Jeferson Silva (Coletivo Macumba Lab), Alexandre Mattos (Associação Profissional de Técnicos Cinematográficos - APTC)

PRÊMIO DONA DE SI

1- Thaise Machado, do Rio Grande do Sul, diretora da videoarte “Lanceiros

Negros”

2- Lia Letícia, de Pernambuco, diretora da videoarte “Queda"

3- Jessica Lauane, do Maranhão, diretora dos videoclipes “Kolapso - Monkey,

Enme e Terra Treme”, e “Garruncha do Sampaio - Marco Gabriel”

4- Rosandra Leone, do Rio de Janeiro, diretora do videoclipe “Melhor Assim -

Cesanne"

5- Roberta Liana Vieira, do Rio Grande do Sul, diretora do longa-metragem “O

Futuro do Mundo é Preto”

6- Gabriela Cardozo Barrenho, do Rio Grande do Sul, diretora do curta-metragem

“Nação Preta do Sul - O Curta”

7- Silvana Rodrigues, do Rio Grande do Sul, diretora do longa-metragem “A

Última Negra”

8- Alini Guimarães, de São Paulo do curta-metragem “Inventário do Corpo”

9- Beatriz Vilela, de Alagoas, diretora do curta-metragem “Subsidência"

10- Raquel Cardozo, do Rio Grande do Norte, diretora do curta-metragem “Curta

Os Congos”

11- Barbara Maria, de Minas Gerais, diretora do curta-metragem “Pele de

Monstro”

12- Vanessa Rodrigues, do Rio Grande do Sul, diretora do curta-metragem

“Olhos de Anastácia: Conexões Quilombolas”

13- Domenica Guimarães, de São Paulo, roteirista Mercado & Conteúdos

14- Manoela Ramos, de São Paulo, roteirista Mercado & Conteúdos

15- Dandara de Morais, de Pernambuco, roteirista Mercado & Conteúdos

16- Diana Paraíso, de Pernambuco, roteirista Mercado & Conteúdos

17- Adry Silva, do Rio Grande

Confira também os vídeos com as defesas de todos os jurados para os filmes escolhidos nesta segunda edição do festival.

Daniel Rodrigues

Bill Halley and His Comets - "Rock Around the Clock" (1955)

Variações da capa do disco.

"É muito difícil dizer o que me fez

 decidir primeiro tocar violão.

 Rock Around the Clock de Bill Haley

 foi lançado quando eu tinha dez anos e

 provavelmente teve algo a ver com isso."

David Gilmour, 

do Pink Floyd

Em uma época em que as músicas eram lançadas apenas em singles, um dos maiores sucessos da história do rock, uma das canções símbolos do gênero e um de seus maiores clássicos, só veio a sair em álbum um ano depois de seu lançamento, por sinal, meio tímido e um tanto decepcionante. "Rock Around The Clock" foi gravada em 1954, por Bill Halley e sua banda, The Comets, para ser, num primeiro momento, lado B de "Thirteen Women (and Only One Man in Town). Até alcançou as paradas mas não teve o desempenho comercial que a gravadora Decca esperava. Foi somente num segundo instante, quando a canção foi incluída na trilha sonora do filme "Sementes da Violência" (1955) que se fez realmente notar e tornou-se um fenômeno musical e cultural. "Rock Around The Clock" estourava num momento efervescente da juventude, da sociedade, quando o rock começava a efetivamente ganhar popularidade e construía sua identidade, seu comportamento e suas idolatrias e, de certa forma, foi decisiva pra que nomes como o próprio Elvis, fosse elevado à condição de Rei do Rock, tomasse a dimensão que ganhou.

A canção só saiu em LP, mesmo, um ano depois, na compilação de singles "Shake, Rattle and Roll", mas foi no disco que levava seu nome, "Rock Around The Clock", do mesmo ano, 1955, aí sim em 12", que a música estourou pela segunda vez e foi principal responsável por impulsionar o lançamento, um dos precursores do formato álbum no rock, ao primeiro lugar nas paradas.

Embora a canção seja um hino imortal do rock, inúmeras vezes regravada e reverenciada, o disco não se limitava a ela. "Shake, Rattle and Roll" é outra altamente contagiante; "Razzle and Dazzle é um rock gostoso; "Rock-A-Beatin' Boogie" é mais um rock empolgante; e "Thirteen Women" com seu sax bem marcado conversando com a guitarra é outra que merece destaque.

Disco importantíssimo para a história do rock. Um marco. Um cometa que passou e caiu no nosso planeta e deixou marcas inapagáveis. 

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FAIXAS:
1. "Rock Around the Clock" (James E. Myers, Max C. Freedman) 2:08
2. "Shake, Rattle and Roll" (Jesse Stone) 2:31
3. "A.B.C. Boogie" (Al Russel, Max Spickol) 2:29
4. "Thirteen Women (And Only One Man in Town)" (Dickie Thompson) 2:53
5. "Razzle-Dazzle" (Charles E. Calhoun) 2:43
6. "Two Hound Dogs" (Bill Haley, Frank Pingatore) 2:59
7. "Dim, Dim the Lights (I Want Some Atmosphere)" (Beverly Ross, Julius Dixon) 2:31
8. "Happy Baby" (Frank Pingatore) 2:36
9. "Birth Of The Boogie" (Haley, Billy Williamson, Johnny Grande) 2:15
10. "Mambo Rock" (Bix Reichner, Mildred Phillips and Jimmy Ayre) 2:38
11. "Burn That Candle" (Winfield Scott) 2:46
12. "Rock-A-Beatin' Boogie" (Haley) 2:21

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Ouça:

The Very Best of Bill Haley and His Comets

por Cly Reis

Música da Cabeça - Programa #243

 

Se é o Aristides ou não, não se sabe, o que importa é que você vai ficar com esse olhar para o MDC hoje depois de ouvi-lo. Também, só tem coisas apaixonantes! Björk, Pink Floyd, James Brown, Paulinho da Viola e mais. Ainda rola um "Sete-List" lembrando os 20 anos da perda de George Harrison e uma homenagem a Stephen Sondheim. Piscando os olhinhos, o programa hoje vai ao ar às 21h na nubente Rádio Elétrica. Produção e apresentação in love: Daniel Rodrigues.

Rádio Elétrica

www.radioeletrica.com

Minhas 5 atuações preferidas do cinema

Brando: imbatível

Recebi do meu amigo e colega de ACCIRS Matheus Pannebecker o convite para participar de uma seção do seu adorável e respeitado blog Cinema e Argumento. A missão: escolher três atuações que me marcaram no cinema. Ora: pedir isso para um cinéfilo que adora elaborar listas é covardia! Claro, que topei. Não só aceitei como, agora, posteriormente à publicação do blog de Matheus, amplio um pouquinho a mesma listagem para compor esta nova postagem. Não três atuações inesquecíveis, mas cinco. 

Obviamente que ficou de fora MUITA coisa digna desta mesma seleção: Michel Simon em “Boudu Salvo das Águas” (Jean Renoir, 1932), Lima Duarte em “Sargento Getúlio” (Hermano Penna, 1983); Steve McQueen em “Papillon” (Franklin J. Schaffner, 1973); Marília Pêra em “Pixote: A Lei do Mais Fraco” (Hector Babenco, 1981); Toshiro Mifune em “Trono Manchado de Sangue” (Akira Kurosawa, 1957); Klaus Kinski em “Aguirre: A Cólera dos Deuses” (Werner Herzog, 1972); Fernanda Montenegro em “Central do Brasil” (Walter Salles Jr,, 1998); Dustin Hoffman em “Lenny” (Bob Fosse, 1974); Sharon Stone em “Instinto Selvagem” (Paul Verhoven, 1992); Al Pacino em “O Poderoso Chefão 2” (Francis Ford Coppola, 1974)... Ih, seriam muitos os merecedores. Mas fiquemos nestes cinco, escolhidos muito mais com o coração do que com a razão.

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Marlon Brando

“O Poderoso Chefão" (Francis Ford Coppola, 1972)

Há momentos na história da humanidade que a arte sublima. É como um milagre, uma mágica. Isso, não raro, provêm dos grandes gênios que o planeta um dia recebeu. Sabe Jimi Hendrix tocando os primeiros acordes de “Little Wing”? Pelé engendrando o passe para o gol de Torres em 70? A fúria do inconcebível de Picasso para pintar a Guernica? A elevação máxima da arte musical da quarta parte da Nona de Beethoven? Na arte do cinema este posto está reservado a Marlon Brando quando atua em “O Poderoso Chefão”. Assim como se diz que nunca mais haverá um Pelé ou um Hendrix ou um Picasso, esse aforismo cabe a Brando que, afora outras diversas atuações dignas de memória, como Vito Corleone atingiu o máximo que uma pessoa da arte de interpretar pode chegar. Actors Studio na veia, mas também coração, intuição, sentimento. Tão assombrosa é a caracterização de um senhor velho e manipulador no filme de Coppola que é quase possível se esquecer que, naquele mesmo ano de 1972, Brando filmava para Bertolucci (em outra atuação brilhante) o sofrido e patológico Paul, homem bem mais jovem e ferinamente sensual. Pois é: tratava-se, sim, da mesma pessoa. Aliás, pensando bem, não eram a mesma pessoa. Um era Marlon Brando e o outro era Marlon Brando.

cena inicial de "O Poderoso Chefão"

Giulieta Masina

“A Estrada da Vida” (Federico Fellino, 1954)

“A Estrada da Vida” é sem dúvida um dos grandes filmes de Federico Fellini. Sensível, tocante e levemente fantástico. Nem a narrativa linear e de forte influência neo-realista – as quais o diretor foi se afastando cada vez mais no decorrer de sua carreira em direção a uma linguagem mais poético e surrealista – destaca-se mais do que considero o ponto alto do filme: as interpretações. À época, Fellini se aventurava mais nos palcos de teatro e nas telas, basta lembrar do lidíssimo papel de “deus” no episódio dirigido pelo colega Roberto Rosselini no filme “O Amor” (1948). Talvez por essa simbiose, e por ter contado com o talento de dois dos maiores atores da história, Anthony Quinn (maravilhoso como Zampano) e, principalmente, da esposa e parceira Giulieta Masina na linha de frente, “A Estrada da Vida” seja daquelas obras de cinema que podem ser considerados “filme de ator”. Considero Gelsomina a melhor personagem do cinema italiano, o que significa muita coisa em se tratando de uma escola cinematográfica tão vasta e rica. Não se trata de uma simplória visão beata, mas o filme nos põe a refletir que encontramos pessoas assim ao longo de nossas vidas e, às vezes, nem paramos para enxergar o quanto há de divino numa criatura como a personagem vivida por Giulieta. Reflito sobre a passagem de Jesus pela Terra, e o impacto que sua presença causava nas pessoas e o que significava a elas. Se ele não era “deus”, era, sim uma pessoa valorosa entre a massa de medíocres e medianos. Gelsomina, com sua pureza e beleza interior quase absurdas, parece carregar um sentimento infinito que poucas pessoas que baixam por estas bandas podem ter – ou permitem-se. E é justamente essa incongruência que, assim como com Jesus, torna impossível a manutenção de suas vidas de forma harmoniosa neste mundo tão errado. Tenho certeza que foi por esta ideia que moveu Caetano Veloso a escrever em sua bela canção-homenagem à atriz italiana, “aquela cara é o coração de Jesus”.

cena de "A Estrada da Vida"

Leonardo Villar

“O Pagador de Promessas” (Anselmo Duarte, 1960)
Sempre quando falo de grandes atuações do cinema, lembro-me de Leonardo Villar. Assim como Giulieta, Brando, Marília, Toshiro, De Niro, Pacino, Emil ou Lorre, o ator brasileiro é dos que foram além do convencional. Aqueles atores cujas atuações são dignas de entrar para o registro dos exemplos mais altos da arte de atuar. Sabe quando se quer referenciar a alguma atuação histórica? Pois Leonardo Villar fez isso não uma, mas duas vezes – e numa diferença de 5 anos entre uma realização e outra. Primeiro, em 1960, ao encarnar Zé do Burro, o tocante personagem de Dias Gomes de “O Pagador de Promessas”, o filme premiado em Cannes de Anselmo Duarte (na opinião deste que vos escreve, o melhor filme brasileiro de todos os tempos). Na mesma década, em 1965, quando vestiu a pele de Augusto Matraga, do igualmente célebre “A Hora e a Vez de Augusto Matraga”, de certamente o melhor filme do craque Roberto Santos rodado sobre a obra de Guimarães Rosa. Dois filmes que, soberbamente bem realizados não o seriam tanto não fosse a presença de Villar na concepção e realização dos personagens centrais das duas histórias. Ainda, personagens literários que, embora a riqueza atribuída por seus brilhantes autores, são - até por conta desta riqueza, o que lhes resulta em complexos de construir em audiovisual - desafios para o ator. Desafios enfrentados com louvor por Villar.

cena de "O Pagador de Promessas"

Emil Jannings

"A Última Gargalhada" (F. W. Murnau, de 1924)

Falar de Emil Jannings é provocar um misto de revolta e admiração. Revolta, porque, como poucos artistas consagrados de sua época, ele foi abertamente favorável ao nazismo, tendo sido apelidado pelo próprio Joseph Goebbels como o "O Artista do Estado". Com o fim da Guerra, nem o Oscar que ganhou em Hollywood em 1928 por “Tentação da Carne”, o primeiro da Melhor Ator da história, lhe assegurou salvo-conduto no circuito cinematográfico, do qual foi justificadamente banido.  Porém, é impossível não se embasbacar com tamanho talento para atuar. O que o ator suíço faz em “A Última Gargalhada”, clássico expressionista de F. W. Murnau, de 1924 é digno das maiores de todo o cinema. Que personagem forte e cheio de nuanças! A expressividade teatral, comum às interpretações do cinema mudo, são condensadas pelo ator numa atuação que se vale deste exagero dramatúrgico a favor da construção convincente de um personagem inocente e puro de coração. Com apenas 40 anos Jannings, que alimentava pensamentos fascistas, transfigura-se num idoso bonachão e humano. E tudo isso sem “pronunciar” nenhuma palavra sequer! Joseph Von Steiberg ainda o faria protagonizar um outro grande longa alemão, o revolucionário “O Anjo Azul”, em que contracena com a então jovem diva Marlene Dietrich, mas a mácula nazi não o deixaria alçar mais do que isso. Para Jennings, a última gargalhada foi dada cedo demais.

cena de "A Última Gargalhada"

Robert De Niro

"Touro Indomável" (Martin Scorsese, 1980)

Têm atuações em cinema que excedem o simples exercício da arte dramática, visto que representam igualmente uma prova de vida. Foi o que Robert De Niro proporcionou ao interpretar, em 1980, o pugilista ítalo-americano Jake LaMotta (1922-2017) em “Touro Indomável”, de Martin Scorsese. Desiludido com os fracassos que vinha acumulando desde o sucesso de crítica “Taxi Driver”, de 4 anos antes, o cineasta só vinha piorando a depressão com o uso desenfreado de cocaína. Somente uma coisa podia lhe salvar. A arte? Não, os amigos. De Niro, a quem Scorsese havia confessado que não iria mais rodar jamais na vida, convenceu-o a aceitar pegar um “último” projeto, que contaria a biografia do “vida loka” LaMotta. Claro, o ator, parceiro de outros três projetos anteriores de Scorsese, se responsabilizaria pelo personagem principal. Por sorte, o destino provou a Scorsese que ele estava errado em sua avaliação negativa e o recuperou para nunca mais parar de filmar. “Touro...”, uma das principais obras-primas da história cinema, é não só o melhor filme do diretor quanto a mais acachapante das atuações de De Niro. As “tabelinhas” dele com Joe Pesci, a qual o trio repetiria a dose nos ótimos “Os Bons Companheiros” e “Cassino”, começaram ali. Prova da capacidade de mergulho de um ator no corpo de um personagem, De Niro vai do físico de atleta, parecendo muito maior do que ele é de verdade, à obesidade de um homem decadente e alcoólatra. Fora isso, ainda tem a tal cena de quando LaMotta é preso em que, numa crise de fúria, ele esmurra a parede da cela, cena na qual De Niro, tão dentro do personagem, de fato quebra a mão.“Eu não sou um animal!”, bradava. Eu diria que é, sim: um “cavalo”, daqueles de santo que recebem dentro de si entidades.

cena de "Touro Indomável"

Daniel Rodrigues