Clyblood #8 - "Pecadores", de Ryan Coogler (2025)

INDICADO A:

MELHOR FILME

DIREÇÃO

ATOR

ATRIZ COADJUVANTE

ATOR COADJUVANTE

ROTEIRO ORIGINAL

SELEÇÃO DE ELENCO

DIREÇÃO DE ARTE

FOTOGRAFIA

FIGURINO

MONTAGEM

MAQUIAGEM E CABELO

SOM

EFEITOS VISUAIS

TRILHA SONORA ORIGINAL

CANÇÃO ORIGINAL

O blues é a música do Diabo

por Cly Reis

As impressões que me passavam a respeito de "Pecadores" na época do lançamento eram simplistas, genéricas e um tanto depreciativas. Havia uma opinião corrente que se tratava de nada mais que um novo "Um Drink no Inferno" em outro contexto. Aí que fui para ele com a expectativa de assistir a mais um filme de vampiros qualquer sem maiores qualidades. Foi até bom esperá-lo desta maneira pois aos poucos foi, cada vez mais, revelando valor, qualidades, mostrando que, absolutamente, não se resumia a uma aventura banal, um terror barato com tema batido, uma imitação oportunista.

"Pecadores" é um filme sobre a identidade do negro, a alma do negro e a tentativa de intimidar suas manifestações e, não sendo possível isso, roubá-la.

No longa, dois gêmeos retornam à sua cidade depois de muito tempo, com a intenção de abrir uma casa de blues só para negros. Na noite de abertura, um pequeno grupo de brancos aparece no local e insistem em serem convidados a entrar na festa. Os três misteriosos brancos virão a se revelar, na verdade, vampiros que, não conseguindo entrar, tentam então contaminar outros negros de modo a atingir os demais lá dentro.

Uma metáfora sobre a apropriação da cultura negra, da interferência, da vigilância sobre os hábitos e tradições dos afrodescendentes na América. Algo como, "Se não pudermos fazer parte, tomamos para nós e ainda destruímos a imagem de vocês".

Muito mais do que apenas um filme de vampiro, muito mais do que meramente um filme sobre blues, "Pecadores" se utiliza da linguagem do horror para expor o verdadeiro terror de uma realidade de perseguições, violência, covardia e humilhação, mas muito hábil funde essa treva, esse mal, à beleza do blues, à riqueza da cultura negra criando uma obra única na filmografia recente do cinema.
A cena da festa, em que o jovem bluesman toca e evoca toda a cultura negra, ancestral e futura, para o salão é algo mágico e absolutamente emocionante. De arrepiar!!!

Grandes atuações, especialmente de Michael B. Jordan (que eu nem gosto muito) fazendo os gêmeos protagonistas, grande trilha sonora, ótima maquiagem, direção competentíssima! "Pecadores" justifica seu grande número de indicações ao Oscar pelo grande número de virtudes que tem em diversos âmbitos. Se vai ganhar em muitas é outra história, mas as nomeações por si só valorizam suas qualidades.

"Pecadores" é terror, é musica, é drama. É sangue, é pele, é ritmo. É vermelho, é negro, é blue! E se o blues é a música do diabo, como muitas lendas falam a respeito de pactos, maldições, almas perdidas, nada mais apropriado que essa tenha sido o tema dessa obra que já nasce como um novo clássico do terror, do cinema de vampiros e do cinema negro. Deixem tocar o blues!

O blues invocando espíritos do passado e do futuro.

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Sangue sem pecado

por Daniel Rodrigues

Ryan Coogler, assim como outros cineastas negros norte-americanos da nova geração, como Steve McQueen, Jordan Peele, Kasi Lemmons e Anthony Fuqua, são comprometidos com a causa negra. Todos sabem que, diante do nível que alcançaram dentro na indústria cinematográfica depois de décadas de apagamento da voz negra, não podem perder oportunidades de dizerem aquilo que ficou por tanto tempo silenciado. Em “Pecadores”, filme premiado de Coogler recordista em indicações ao Oscar na história, com 16 - batendo  "A Malvada" (1950), "Titanic' (1997) e "La La Land" (2016), todos com 14 -, essa máxima prevalece. E de uma forma bem original.

Com figurinos, atuações, direção de arte e, principalmente, uma trilha sonora acachapante, “Pecadores” traz a história dos irmãos gêmeos Smoke e Stack (ambos interpretados por Michael B. Jordan), que voltam à sua cidade natal com o objetivo de reconstruir a vida e apagar um passado conturbado. Endinheirados, eles querem montar um juke joint, casa noturna com música ao vivo para a comunidade negra. Porém, uma força maligna passa a persegui-los e busca tomar conta da cidade e de todos os cidadãos, obrigando-os a lutar para sobreviver e a lidar com lendas e mitos ameaçadores à suas existências. É a luta dos vampiros brancos contra os mocinhos pretos.

Celebrado por gente como Spike Lee, Christopher Nolan e Tom Cruise, Coogler não só realiza um filme diferenciado como exercita sua já provada versatilidade, uma vez que é diretor de dois blockbusters dos tempos atuais, o revolucionário MCU “Pantera Negra” e a exitosa franquia “Creed”, spin-off de “Rocky”, dois projetos totalmente distintos, mas ambos construídos com muita habilidade por ele. Ao colocar a questão do preconceito racial no cerne de um thriller de terror, o cineasta reafirma o inteligente caminho aberto por Peele em “Corra!” e “Nós”, marcos do que se pode chamar de neo black horror, porém adicionando uma problemática há muito aventada, mas pouco discutida: a apropriação cultural.

O caminho é o que se conhece: a sociedade brancocêntrica primeiro nega a existência do negro, relegando-o ao “não-ser”, apaga sua história, descredibiliza sua produção intelectual e o oprime moral, material e fisicamente para, feito isso, roubar-lhe suas riquezas. Uma delas, e talvez a de maior evidência nesse histórico roubo simbólico, é a música. Em “Pecadores”, essa questão é o centro da disputa: por inveja dos caipiras brancos dessa cultura preta verdadeira e elevada, eles tornam-se vampiros. De sangue, literalmente, o mesmo que mentem ser desprovido de nobreza, mas que tanto se mordem (opa, no pescoço?!) por não tê-los correndo em suas veias.

Sangue não à toa tão valorizado. Uma das cenas de “Pecadores”, que vale o filme, mostra o personagem Sammie "Preacher Boy" Moore (Miles Caton) cantando e tocando um blues no bar e fazendo emergir do além diversas almas negras em camadas simbólicas e tempos que se misturam. Dos primórdios do blues, nascido das mentes e corações amargurados dos escravos, até os rappers da atualidade, passando pelo rock, o soul, o funk, o gospel e toda contribuição do negro dos Estados Unidos para a cultura pop. Simplesmente genial.

Antológica cena de "Pecadores" em que a magia da música negra faz o tempo se diluir

As resoluções para a trama sobrenatural que o filme vai ganhando, principalmente a partir de sua segunda metade, são boas, mas não empolgantes. O stinger, a cena pós-créditos, este sim (sem dar spoiler) é surpreendente, mas não suficiente para elevar um filme a uma classificação maior do que “bom”. Já Michael B. Jordan é um capítulo à parte. Ele passou a ser mais valorizado enquanto indicado como Melhor Ator ao Oscar depois do triste e revoltante episódio de racismo em plena cerimônia do Bafta, na Inglaterra, em fevereiro - onde, aliás, levou o prêmio. Embora agora com mais atenções para si, o astro não está tão bem quanto nos dois outros filmes que fez com Coogler, exatamente “Pantera...” e “Creed” – este último, no qual é protagonista. Agora, ele concorre com Wagner Moura e Timothée Chalamet, os dois fortes candidatos entre os indicados, mas pode ser que surja como uma terceira via por conta de um falso moralismo da Academia. Não será mal dado, mas menos justo e, se acontecer como prêmio de consolação por causa desse mal-estar, hipócrita.

Independentemente de qualquer coisa, Coogler faz história e, mais uma vez, acerta em sustentar o discurso antirracista ao qual é um importante porta-voz na indústria cultural. Ele sabe disso e mantém-se fiel ao compromisso de evidenciar as barbaridades promovidas pelo racismo na sociedade, mas também toda a riqueza da cultura afro-americana em suas infinitas frentes. Neste sentido, “Pecadores” cumpre muito bem sua proposição. Sem cometer nenhum pecado.

trailer de "Pecadores"

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"Pecadores" 

título original: "Sinners"

direção: Ryan Coogler

elenco: Michael B. Jordan, Delroy Lindo, Hailee Steinfeld

gênero: terror, ação, musical

duração: 138 min.

país: Estados Unidos

ano: 2025

onde assistir: HBO Max e Prime Video (pago)

"Com As Horas Contadas", de Rudolph Maté (1950) vs. "Morto ao Chegar", de Rocky Morton e Annabel Jankel (1988)

 

Filme de morto-vivo sem ser de zumbi, "D.O.A." (Dead on Arrival), nome original das duas versões, trata basicamente de um homem que fora envenenado, sua situação é irreversível, ele sabe, a rigor, que está morto, mas antes de dar seu último suspiro, pretende, a qualquer custo, descobrir quem o matou. Premissa interessantíssima que me conquistou desde a primeira vez que topei com "Morto ao Chegar", de 1988. Um morto-detetive, um cara que investiga a própria morte. Bárbaro!!!
Só depois de muito tempo foi que vim a saber da existência de uma versão anterior, de um original do início dos anos 50 chamado por aqui de "Com as horas contadas".
Tipo do caso em que o original é bom mas o remake é melhor ainda. O próprio estado físico que o protagonista chega à delegacia pra reportar o crime do qual fora vítima, logo no início de ambos, é muito mais legal na versão mais recente. O professor Dexter Cornell chega estropiado, um bagaço, num fiozinho de vida, ao passo que, no antigo, um contador, Frank Bigelow chega ainda hirto, altivo, meio abatido, é verdade, mas num estado bem menos verossímil que o da refilmagem se considerarmos a situação que se encontra e tudo que vivera nas últimas horas.
A própria diferença de atividades dos dois, me parece, seja um ganho do remake, uma vez que a condição de professor universitário, escritor decadente, suscite bem menos interesse de que alguém quisesse matá-lo, numa improbabilidade de suspeitos e motivos que torna a trama ainda mais intrincada. Como ele mesmo diz, no filme, "Ninguém faz planos de matar um professor de Inglês. Não inspiramos esse tipo de violência". No outro lado, negócios, dinheiro, clientes, dívidas..., tudo isso já direciona as suspeitas do espectador para alguém relacionado a esse universo ou algo próximo.

"Com as Horas contadas" (1950) - trailer

"Morto ao Chegar" (1988) - trailer

Frank Bigelow, um pequeno empresário de uma cidade do interior, repassa algumas transações, atualiza a agenda de clientes, fecha o caixa e parte para um pequeno período de férias na cidade grande, em São Francisco. Lá, participa de uma festinha no hotel, toma uns drinques no lobby, se engraça com uma dona, e depois da noitada, sentindo-se estranho, com um certo mal estar, vai a um hospital, onde descobre que ingerira uma substância venenosa, naquela noite, possivelmente, misturada com álcool, e que não viverá mais que 48 horas. Passa a buscar razões para que alguém quisesse envenená-lo e resolve levantar seus clientes em São Francisco. Na caça, descobre que um deles, um que lhe ligara poucos dias antes de suas férias, acaba de morrer. Teria se suicidado. Se jogando de uma varanda... Em suas últimas horas de vida, decide que é no rastro desse cliente que deve seguir. Topa então com o sócio do cliente, a viúva, a amante do morto, um figurão de contrabando, e aí a coisa engrena. "Com as horas contadas" até demora para esquentar mas, depois que pega o ritmo, com uma série de surpresas, quebras de expectativa, torna-se mais atraente, instigante e empolgante.

Dexter Cornell, por sua vez, é um professor de Língua Inglesa que já teve seus dias de glória na literatura mas que, em crise criativa, conjugal e pessoal, não consegue escrever mais nada e vê seu casamento desmoronar. Enquanto a vida de Cornell gira nesse turbilhão, na faculdade, um aluno aparentemente talentoso para as letras, mas que Cornell insistia em ignorar os trabalhos, se joga do terraço do prédio e, para piorar, ele descobre que o garoto era o novo namorado de sua (quase ex) esposa.

O professor vai afogar as mágoas, encontra uma aluna na night, eles bebem juntos e no outro dia, sentindo-se muito mal e desconfiando que aquilo não é só uma ressaca, consulta uma médica no ambulatório da faculdade. Ela ele ingerira, nas últimas horas, provavelmente misturado com álcool, uma toxina de ação lenta mas de efeito irreversível. Ou seja: inevitavelmente, ele vai morrer. Tempo de vida? No máximo 24 horas.

Dex, desesperado vai atrás da aluna (Meg Ryan), supondo que ela possa ter colocado algo em sua bebida, a envolve nas investigações, sem querer a põe em perigo, e, por onde passa, a cada pista que segue, vai deixando um misterioso rastro de corpos conforme sua investigação avança.

A abertura em preto e branco, a chegada aos frangalhos na delegacia e a passagem para o colorido com a palavra "COR", escrita na lousa, na aula da universidade, numa passagem de tempo bem sacada, é um golaço, já no início da partida, para o time de 1988. A agilidade do roteiro, a dinâmica, com um filme que não para a partir do envenenamento, que muda constantemente, como aquele time que muda de posição o tempo inteiro, imprevisível, a inspiração nos giallos italianos, garante outro para o remake. Dennis Quaid, que juntamente com Meg Ryan, foi contratado para sere a estrelas do time, faz a diferença e guarda o seu, com uma atuação muito consistente, ao contrario da parceira que, num papel pouco relevante, não dá grande contribuição.
Do outro lado, o filme de 1950 apronta uma certa correria ali pela metade, ganha agilidade, faz substituições, apresenta novos jogadores (ou melhor, novos suspeitos à trama), e acaba chegando ao gol. Faz mais um pelo conjunto, uma vez que, de um modo geral, é um bom filme com uma boa trama e um interesse crescente. Mas a sequência final da refilmagem, da descoberta do assassino e de sua surpreendente motivação, com a cena desbotando gradualmente até perder totalmente a cor, para voltar ao ambiente inicial da delegacia, mata definitivamente o original. Baita jogada! 4x2 para "Morto ao Chegar".

À esquerda, Frank Bigelow e, à direita, Dexter Cornell,
no alto, chegando à delegacia para comunicar o próprio assassinato;
no meio, ambos relatando a incrível história ao delegado e,
abaixo, o momento em que descobrem que foram envenenados.

"Com as horas contadas" percebeu cedo que era inferior, 

continuou lutando mas sabia que estava morto no jogo.

Cly Reis

ÁLBUNS FUNDAMENTAIS Especial 14 anos do Clyblog - The Beatles - "The Beatles" ou "White Album" (1968)

 

"Todo clichê tem uma razão e o motivo pelo qual este disco é citado em 11 de 10 listas é pelo simples fato de ser genial.

Ele tem lugar quase sagrado no meu coração, inclusive fico períodos longos sem escutá-lo para sempre ter a mesma reação a cada música, um arrepio que começa na base da coluna e vai até o topo da cabeça.

Essa sensação não muda desde o meu primeiro contato com ele, aos 13 anos."

Titi Müller, 

atriz, apresentadora e ex-VJ da MTV

Branco.

O branco pode ser o nada, o vazio. Uma folha de papel sem desenho, sem palavras, sem ideias, um lapso de pensamento, uma breve falha de memória, um cegueira por excesso de luz ou mesmo a ausência total de cor. Por outro lado, é a soma de todas as cores. Todo o espectro, girando tão rapidamente, que o olho humano sequer é capaz de distinguir todas as variações cromáticas para apenas enxergar... o branco.
Branco...
Uma capa totalmente branca apenas com um nome gravado em relevo.
A aparente simplicidade por trás de uma capa totalmente branca guarda, na verdade, a complexidade de uma das obras mais sofisticadas da história da humanidade. Talvez seja exatamente essa impressão errônea do nada que, no fundo, contém tudo. Uma obra tão cheia de variedades, elementos, possibilidades, cores, que os olhos da percepção humana mal sejam capazes de assimilar tudo, de ordenar todas as informações. "The Beatles", de 1968, mais conhecido como "White Album" traz tantos elementos que muitas vezes é impossível classificar se aquele quarteto genial fizera um rock, um jazz, um blues, um foxtrote, uma suíte clássica, um folk, ou tudo isso junto numa mesma peça musical.
"White Album" tem trinta faixas e seria cansativo falar de todas, desta forma destaco aqui aquelas que na minha opinião não podem deixar de ser mencionadas, pelas razões e méritos mais diversos, embora fãs mais fervorosos e conhecedores mais eruditos possam contestar minha seleção. "Back in the U.S.S.R." que abre o disco é um rock no estilo do velho yeah, yeah, yeah mas que, claramente, com toda a bagagem adquirida de uma banda mais madura, segura e ousada, está alguns passos à frente da sonoridade da banda lá dos primórdios; "While My Guitar Gently Weaps" é uma das mais belas canções do grupo e um dos melhores trabalhos coletivos do quarteto, com o acréscimo, ainda, de Eric Clapton que dá a canja do lindíssimo solo de guitarra, um dos mais marcantes da história do rock; "Blackbird" é solar, iluminada, à primeira vista uma canção aparentemente simples, mas que apreciada com a devida atenção, revela-se um peça musical da mais alta sofisticação; o blues choroso de "Revolution 1" que eu costumava ouvir numa vinheta da Rádio Ipanema em Porto Alegre e sempre tinha a curiosidade de saber o que era aquilo; e  "Dear Prudence", linda, doce, suave, que conheci com a Siouxsie e seus Banshees e, devo admitir, nesse caso, que divido a preferência com a original. A propósito, outra que conheci com a Rainhas das Trevas do gótico, mas que, aí sim, prefiro disparado a original, é "Helter Skleter", por sinal, um das minhas preferidas do álbum e da banda, exatamente por toda a sujeira, barulheira, fúria, características pouco comuns na obra dos Beatles.

Os quatro, no estúdio, durante as

gravações do álbum, em 1968

Mas tem o rock empolgante de "Glass Onion", com todas as autorreferências; tem as "mutações" constantes de Rocky Racoon"; tem os vocais intensos de John em "I'm So Tired"; tem também o blues envenenado "Yer Blues"; a energia e o psicodelismo de "Everybody's Got Something to Hide..."; a belíssima melodia vocal de "Sexy Sadie"; a loucura psicodélica de "Revolution 9"... Ah, tudo!!!

Se "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" havia, praticamente criado o conceito de álbum, o "Álbum Branco", mesmo em meio a um ambiente convulsionado de uma banda em processo de fragmentação interna, levava a ideia a um nível superior. O que, pensando bem, de certa forma, possa ter colaborado para um álbum tão genial, diversificado e com um conjunto tão contraditoriamente "harmonioso". Cada membro, tão independente e autossuficiente, estava, naquele momento, maduro, seguro e plenamente apto a produzir algo tão grandioso individualmente, que o material, colocado dentro da obra do grupo, praticamente complementava o dos demais criando um produto final incrível e inigualável.

Branco também pode simbolizar pureza e tal como fazem as crianças, de maneira belíssima, a pureza permite a alguém ser o que quer ser, falar o que quer falar sem se preocupar com nada. Simplesmente ser verdadeiro.

Segundo o artista, criador da arte, Richard Hamilton, a ausência total de qualquer cor era proposta em contraste ao excesso de informação da capa do disco anterior,  "Sgt. Pepper's...". Sim, entendo... Mas, aprofundando um pouco o pensamento a esse respeito, talvez o branco do álbum signifique algo mais, Talvez signifique exatamente o momento em que cada um tenha sido totalmente puro, totalmente verdadeiro consigo mesmo, o que, assim como a verdade das crianças, sempre resulta em beleza.

E nós, que não temos nada a ver com as diferenças que eles tinham, ganhamos, aquele que tenha sido, possivelmente, o momento mais brilhante daqueles quatro caras.

Brilhante...

Sim, tão alvo, tão claro que chega a ser... brilhante.

Branco.

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FAIXAS:

(no formato LP)

Lado 1

1. "Back in the U.S.S.R." (voz de Paul McCartney) 2:43

2. "Dear Prudence" (voz de John Lennon) 3:53

3. "Glass Onion" (voz de Lennon) 2:17

4. "Ob-La-Di, Ob-La-Da" (voz de McCartney) 3:08

5. "Wild Honey Pie" (voz de McCartney) 0:52

6. "The Continuing Story of Bungalow Bill" (voz de Lennon) 3:14

7. "While My Guitar Gently Weeps" (composição e voz de George Harrison) 4:45

8. "Happiness Is a Warm Gun" (voz de Lennon) 2:43

Lado 2

9. "Martha My Dear" (voz de McCartney) 2:28

10. "I'm So Tired" (voz de Lennon) 2:03

11. "Blackbird" (voz de McCartney) 2:18

12. "Piggies" (composição e voz de Harrison) 2:04

13. "Rocky Raccoon" (voz de McCartney) 3:33

14. "Don't Pass Me By" (composição e voz de Ringo Starr) 3:51

15. "Why Don't We Do It in the Road?" (voz de McCartney) 1:41

16. "I Will" (voz de McCartney) 1:46

17. "Julia" (voz de Lennon) 2:54

Lado 3

18. "Birthday" (vozes de McCartney e Lennon) 2:48

19. "Yer Blues" (voz de Lennon) 4:04

20. "Mother Nature's Son" (voz de McCartney) 2:48

21. "Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey" (voz de Lennon) 2:24

22. "Sexy Sadie" (voz de Lennon) 3:15

23. "Helter Skelter" (voz de McCartney) 4:29

24. "Long, Long, Long" (composição e voz de Harrison) 3:04

Lado 4

25. "Revolution 1" (voz de Lennon) 4:15

26. "Honey Pie" (voz de McCartney) 2:41

27. "Savoy Truffle" (composição e voz de Harrison) 2:54

28. "Cry Baby Cry" (vozes de Lennon e McCartney) 3:02

29. "Revolution 9" (vocalizações de Lennon, Harrison, George Martin e Yoko Ono) 8:22

30. "Good Night" (composição de Lennon e voz de Starr) 3:11

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Ouça:

The Beatles - "The Beatles" A.K.A. "White Album" (1968)

https://www.youtube.com/watch?v=0ArlUSVDQIw&list=PLNDXDJtQAOam525Ojc8CcciaFQ_A3yO06

por Cly Reis

Cinema e Esporte - As Modalidades Esportivas na Telona - II

Embora algumas modalidades já tenham iniciado suas competições, os Jogos Olímpicos de Tóquio estão abertos, oficialmente mesmo, a partir de hoje e, desta forma, também está aberta a temporada de publicações referentes a esporte e ao país sede, o Japão, aqui no ClyBlog.

Pra começar, assim como fizemos na última Olímpíada, preparamos uma listinha destacando alguns filmes relacionados com esportes olímpicos. Alguns filmes são especificamente sobre determinada modalidade, em outros há uma cena ou um momento marcante, em outros o esporte é um elemento contextual, em outros é decisivo para a trama... Tem para todos os gostos! O importante é que os esportes estão ali. É lógico que um evento desse porte tem tantas modalidades esportivas que não dá para destacar todas e, sinceramente, eu duvido que tenhamos filmes de algumas delas, mas aqui no Claquete destacamos dez e achamos que  ficou uma lista bem diversificada quanto a gêneros cinematográficos, estilos, abordagens, nacionalidades e com esportes bem interessantes que renderam bons filmes. Então, chega de papo-furado, e vamos à lista:

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"O Campeão", de Franco Zefirelli, (1979)  - Quando se fala em filmes com esporte, é impossível não pensar nos filmes de boxe, e quando o boxe é assunto na telona, alguns filmes imediatamente vêm à mente como a saga "Rocky" e o cultuado "Touro Indomável". Mas outro que é referência quando se fala na Nobre Arte é o dramático "O Campeão". Dirigido por Franco Zefirelli, o filme trata da história de um boxeador aposentado, com problemas com álcool e um filho pequeno para criar, depois que a mãe os abandonara. Com problemas de dinheiro, tentando garantir a guarda do filho diante da mãe (Faye Dannaway), que retornara cheia de grana e arrependimento, e ainda querendo justificar a idolatria do filho, que o vê como um herói, Billy Flynn, vivido por John Voight, resolve voltar aos ringues. Mas já sem as melhores condições físicas e contrariando recomendações  médicas, uma nova luta, àquelas alturas, pode não ser uma boa ideia... Embora muita gente já tenha visto, não vou dar spoiler e contar o final,  mas, só para dar uma ideia, o filme é considerado um dos mais tristes de todos os tempos. Já da pra imaginar, né?

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"Caçadores de Emoção", de Kathryn Bigelow (1991) - O surfe, que estreia em Olimpíadas este ano, em Tóquio, aparece em "Caçadores de Emoção", uma aventura policial em que um agente se infiltra em um grupo de surfistas que, ao que parece, vem realizando roubos a bancos fantasiados com máscaras de presidentes americanos. Johnny Utah (Keanu Reeves), se aproxima, aprende a surfar e, para ganhar a confiança do líder do grupo, Bhodi, interpretado por Patrick Swayze, até pega umas ondas com os carinhas. Dirigido por Kathryn Bigelow, que anos depois seria a primeira mulher a ganhar o Oscar de melhor direção por "Guerra ao Terror", e com Patrick Swayze no auge de sua popularidade e em sua melhor forma física, para delírio do público feminino, "Caçadores de Emoção", se não é um grande filme, ao menos mantém o espectador grudado na trama e na aventura. O surfe está presente em muitos momentos do filme em boas cenas cheias de adrenalina, mas a cena final, numa espécie de "hora da verdade", é a mais marcante e uma das mais icônicas dos filmes de ação dos anos 90.

"Caçadores de Emoção - cena final"

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A galerinha de "Kids", com o skate presente,

dando um daqueles rolezinhos.

"Kids", de Larry Clark (1995) - Não é um filme sobre skate e, na verdade, o esporte também debutante em Jogos Olímpicos, este ano, nem tem tanto destaque assim. O fato é que a turminha que protagoniza os eventos e envolvimentos do longa é um grupo de jovens skatistas, uma galerinha da pesada que não tá nem aí  pra nada e só quer saber de trepar, ficar doidão e barbarizar por aí. Filme pesado, duro, com algumas situações angustiantes, revoltantes e até degradantes. Produzido no auge da situação da AIDS, o filme que era para ser uma espécie de alerta para a irresponsabilidade, especialmente entre os jovens, em suas relações, parece não ter conseguido sequer controlar o próprio set de filmagem que, pelo que se sabe foi um caos com sexo e drogas para todo lado. Consta que alguns atores, muitos deles amadores, ficaram traumatizados com a experiência e outros sequer conseguiram voltar a atuar. Daquele time, no entanto sobreviveram à  experiência e vingaram na carreira as boas Rosario Dawson e Chloë Sevigny.

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"Troca de Talentos", de John Witesell (2012) - Mesma pegada do consagrado "Space Jam" mas sem os desenhos e sem a mesma qualidade. Brian, um garoto impopular, fracote, zoado, fãzaço de basquete mas sem nenhum talento para a prática do jogo, vai assistir a um jogo de seu time, o Oklahoma City Thunders, onde jogava Kevin Durant na época, e, por uma rara sorte em sua azarada vida, naqueles entretenimentos do intervalo de jogo, ganha de Durant uma bola de basquete, mas por uma circunstância toda especial e mágica, acabam trocando de talentos no momento da entrega da bola para o garoto. Aí o que acontece é que o garoto, que era um pereba na escola, passa a arrasar, entra pro time principal, vence todos os jogos contra outras escolas e, de quebra, conquista a gatinha que tanto cobiçava. Na outra ponta da história, o craque da NBA, passa a jogar nada, decepciona na liga, é responsável por derrotas, vai para a reserva e até  mesmo pensa em encerrar a carreira. Seu empresário, desesperado, passa a procurar as razões para aquela queda tamanha e repentina de qualidade e, juntando os pontos, elementos, fatos, chega até  o garoto e a noite da entrega da bola. Aí, só resta descobrir como fazer para devolver os respectivos talentos a cada um.
Filme fraquinho, previsível, cheio de clichês mas, no fim das contas, se o espectador for pela mera diversão, sem muita exigência, até pode achar uma comediazinha bem divertida.

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"O Casamento de Muriel", de P.J. Hogan (1994) - Muriel é uma gordinha simpática, doce, sonhadora, fã de ABBA, mas, infelizmente, não muito popular e sem nenhum amigo. Ela tem o sonho de mudar de vida, sair da pequena Porpoise Split, conhecer gente, afastar-se de sua sufocante família, em especial de seu desprezível pai, e, acima de tudo, se casar. Mas casar da forma mais bela e tradicional: com cerimônia, bolo, vestido branco e tudo.
Mas que diabo esse filme tem a ver com esportes e com Olimpíadas? Tem que, depois de sair de Porpoise Split, encontrar uma boa amiga, finalmente se sentir viva por um momento na vida, mudar o nome para Mariel, voltar à cidadezinha, ser descoberta no golpe que aplicou na própria mãe, fugir de casa, ir morar com a amiga, nossa protagonista, decidida em casar, decide procurar, em anúncios especializados de jornais, um homem à procura de uma jovem para matrimônio. Ela conhece David Van Arkle, um nadador sul-africano que busca de uma esposa local a fim de obter cidadania australiana e e poder participar dos jogos olímpicos. Assim, Muriel consegue realizar seu sonho, embora, salvo raros momentos, o casamento não tenha sido exatamente o paraíso que ela poderia imaginar. Boa comédia com elementos dramáticos, com destaque para Tony Colette, no papal que, de certa forma, impulsionou sua carreira.

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"O Homem Que Mudou o Jogo", de Bebnet Miller (2012) - Se o futebol americano já ganhou uma certa força e popularidade no Brasil, o beisebol, que tem uma quantidade considerável de produções cinematográficas por parte da indústria norte-americana, ainda nem tanto. Desta forma, salvo algum argumento mais emotivo ou atraente, os filmes sobre o tema acabam não caindo totalmente nas graças do público brasileiro. E entre tantas histórias de ex-jogadores com algum tipo de crise, dramas de superação, times infantis de bairro, paizões treinadores, animações, um dos que merece destaque dentro desse universo, muitas vezes tão pobre de qualidade, é o bom "O Homem Que Mudou o Jogo", de Bennet Miller, história real de um cara que, com muita observação, perspicácia, coragem, em 2002, impulsionou um time nada mais que mediano, o Oklahoma Atlhetics, e o tornou um dos destaques da MLB, tendo seu modelo de gestão, imitado depois, até mesmo, por times maiores e tradicionais.
É um filme de beisebol mas outras questões como os métodos do manager Billy Beane, sua determinação, os objetivos, as dificuldades, se salientam tanto que a estranheza do esporte yankee, de nossa parte, acaba sendo superada pelo bom roteiro e pela ótima atuação de Brad Pitt no papel do protagonista. Filme de beisebol que vale a pena, apesar do beisebol.

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"Uma Razão Para Vencer", de Sean McNamara (2018) - Filmes com voleibol são bem raros e até por isso, mesmo não sendo grande coisa, vale a pena mencionar na nossa lista de filmes com esporte, o longa norte-americano "Uma Razão Para Viver". Baseado em fatos reais, o longa trata sobre um time de vôlei cuja capitã e melhor jogadora, Caroline, uma jovem alegre, positiva e vibrante, morre num acidente trágico de motocicleta, e sua melhor amiga, completamente desestruturada a partir do acidente, passa a tentar recuperar o estímulo e o prazer pelas coisas. Para isso, contará com a liderança e persistência da treinadora do time que vai fazer com que a decisão de voltarem a jogar e disputarem o torneio, se torne uma espécie  de missão  e tributo à  jovem que não está mais entre elas.
"Uma Razão Para Vencer" é um típico drama de superação, de motivação, meio irregular no ritmo, meio cansativo em alguns momentos, mas que não é um lixo e conta com um bom elenco, com nomes como a boa Erin Moriarty e os oscarizados William Hurt, como pai da garota falecida, e Helen Hunt, no papel da determinada treinadora.

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A tensa cena da corrida em que 

Ali tem que dar tudo de si (mas nem tanto assim).

"Filhos do Paraíso", de Majid Majidi (1999) -  Não é um filme de atletismo mas a cena da corrida é uma das mais emocionantes do filme e... se encaminha para ser decisiva para a resolução do problema. E qual é  o problema? A questão toda é que um garoto, Ali, de uma família humilde de Teerã, perde o único sapato da irmã menor ao levá-lo para consertar, no sapateiro. Constrangido e culpado, e sem outra opção, dadas as condições da família e o temor de contar para os pais, ele empresta os seus próprios tênis, rasgados e velhos, para a irmã ir a escola pela manhã, aguardando que ela volte para que ele possa ir à sua aula, à tarde. Mas a combinação tem seus problemas, seus imprevistos, seus atrasos, suas correrias e a situação passa a ficar insustentável. Quando tudo só parece ficar cada vez pior, uma corrida promovida pela escola parece ser a grande oportunidade de resolver o problema, pois o prêmio para o terceiro colocado é,  nada mais nada menos que um tênis. Mesmo com uma certa indisposição dos professores em relação por conta dos muitos atrasos ocasionados pelo revezamento do tênis, Ali dá um jeito de ser inscrito na prova e terá que, ao mesmo tempo ser competente e rápido o suficiente para estar no grupo da frente, entre os primeiros, mas cuidadoso o bastante para não chegar em primeiro nem em segundo.
Como eu já disse, a cena toda é algo absolutamente tensa e agoniante, ainda mais quando, um dos concorrentes trapaceia e derruba Ali, que tem que se recuperar na prova e dá uma arrancada decisiva para que fará com que consiga (ou não) o tão almejado prêmio.
Mais um dos ótimos filmes da safra iraniana dos anos 90, com toda aquela competência que os cineastas de lá têm, de nos apresentar, dentro de uma trama aparentemente simples, todo um aspecto humano sempre relevante e significativo, além de uma contextualização de realidade social e cultural com sensibilidade e beleza.

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O tiro certeiro de Merida que lhe garantiu

a solteirice (e a indignação da mãe).

"Valente", de Branda Chapman (2012) - Merida passa longe de ser a princesa ideal. É  largadona, dasaforada, rebelde e, por isso tudo, em constante conflito com a mãe, a rainha autoritária e intransigente Elinor. Ela quer que a filha siga os padrões de comportamento de acordo com sua posição e mantenha as tradições do reino, tornando-se sua sucessora, casando-se com o pretendente de outro clã que vencer um torneio de arco e flecha que ela pretende promover. Merida não quer que seu destino seja decidido numa competição, num jogo, mas, já que é  assim, ela dá um jeito, reinterpreta as regras e se habilita a competir contra os próprios pretendentes. Autoconfiante e certeira, ela, praticante desde pequena do esporte, não dá a menor chance para os competidores, acabando com essa história de casamento e causando revolta nos líderes dos outros clãs mas, especialmente na mãe, que fica uma fera. Elas discutem, brigam e Merida foge para a floresta onde é guiada por chamas mágicas à cabana de uma bruxa, a quem pede para que a mãe deixe de ser como é. A bruxa atende mas... a ideia não era bem a que Merida tinha em mente. A mãe que estava uma fera com ela, se transforma, literalmente numa fera, mesmo. A rainha é metamorfoseada num enorme urso negro e, agora, Merida tem que lidar com a criatura transfigurada da mãe e impedir um conflito que se aproxima entre seu povo e o reino vizinho, por conta do descumprimento da promessa do casamento que representaria a paz entre eles.
Muita aventura, confusão, boas risadas e algumas boas quebras de paradigmas como só a Pixar sabe fazer quando negócio é animação. "Valente" é a Pixar apostando num filme de princesa pouco convencional, numa fábula diferente, numa heroína incomum e acertando no alvo. 

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"Match Point", de Woody Allen (2006) - Woody Allen teve uma sequência de trabalhos geniais, quase ininterruptamente, ali, do início dos anos '70 até a metade dos '80. Praticamente só obras-primas! Ali, a partir dos anos '90, a qualidade já passou a oscilar um pouco e, se às vezes éramos brindados com mais um filmaço que poderia se juntar, tranquilamente, à galeria dos seus melhores, outras tantas tínhamos algo bem enfadonho e dispensável. Mas nessa época de altos e baixos, um dos que, certamente, pode ir para a categoria dos grandes é "Match Point - Ponto Final", um suspense policial que, literalmente, deixa o espectador com o coração na mão até o último momento, até o último ponto.
Chris Wilton é um ambicioso ex-jogador de tênis que se torna instrutor em um requintado clube inglês e que ganha a confiança de Tom Hewitt, um ricaço filho de um grande empresário, passando a ser seu treinador somente para se aproximar de sua irmã e, quem sabe entrar para a família. O golpe está  dando certo até  que ele conhece a noiva de Tom, a belíssima Nola, o que é o começo de sua ruína. Chris casa com a filha do milionário, garante um lugar como executivo em sua empresa, dá o golpe do baú, mas o envolvimento paralelo com Nola , uma inesperada gravidez (será???) e a ameaça da revelação do affair, que colocaria todo seu esforço a perder, faz com que tome atitudes drásticas e resolva se livrar da amante.
Fora alguns contratempos, alguns imprevistos de um assassino de primeira viagem, superados com uma certa dose de sorte, seu plano corre bem, seus álibis são convincentes e não há nada que a polícia possa suspeitar. Um crime perfeito! Bom, quase... Pois uma certa intuição de que alguma coisa não fecha, não bate, faz com que um dos investigadores refaça os passos e chegue se aproxime do assassino.
Exatamente para eliminar qualquer suspeita, Chris pretende se livrar dos pertences que levara do apartamento vizinho, de modo a fazer tudo parecer mero um roubo que terminara em assassinato. Ele joga as coisas da senhoria de Nola no rio, mas ao jogar o último item que percebera em seu bolso, o anel da idosa, o objeto, na cena mais marcante do filme e uma das grandes da filmografia do diretor, caprichosamente, bate no parapeito, sobe e.... Allen desacelera a cena num slow-motion angustiante, com o anel no ar, e remete à própria cena inicial do filme, quando uma bola de tênis bate na rede e, num quadro parado, fica no ar, podendo decidir o jogo. Para um lado, cai na água, e a prova do crime é eliminada; para o outro, cai no chão e o policial, que se está em seu encalço, poderá ter a prova que falta de que Chris estivera no prédio no dia dos crimes.

Não vou dar spoiler aqui. Aliás já falei demais, mas posso garantir que a cena faz a gente torcer como se fosse uma partida de tênis de verdade. Filme que começa leve, parece uma comédia, parece um romance, vira um drama, passa a ser um um policial, até tornar-se um suspense eletrizante, "Match Point" é Woody Allen na melhor forma, voltando ao gênero do thriller policial, ao melhor estilo de "O Misterioso Assassinato em Manhattan", um dos  seus bons dos anos 90, só que aqui sem a comédia e com muito mais tensão.
"Match Point", em sua brilhante construção e desenvolvimento, além de todas suas qualidades e virtudes cinematográficas, tem o mérito de fazer  refletir sobre a impotência humana diante do todo, de que não temos domínio sobre tudo. Que, no fim das contas, muitas das vezes, na vida, por mais que façamos tudo "certo" ou tudo errado, as coisas se resumem, na verdade, em para qual lado a bola vai cair.

"Match Point" - cena inicial 

por Cly Reis

"DreamWorks Animation: A Exposição - Uma Jornada do Esboço à Tela" - Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) - Rio de Janeiro /RJ

Os Pinguins de Madagascar,
logo na entrada da exposição.

Fiquei um pouco decepcionado com a tão  celebrada exposição da DreamWorks, atualmente em cartaz no CCBB aqui do Rio. Não que seja ruim, uma droga, mas, talvez na minha expectativa um tanto infantil, devo admitir, imaginava presenciar algo mais lúdico, mais fascinante, bonecos em tamanho real, simulações de ambientes, personagens se movendo mecanicamente, quando o que se encontra, na verdade, é um grande workshop profissional mais dedicado a mostrar ao processo de criação e desenvolvimento dos filmes. Esboços, rascunhos, stotyboards, maquetes, miniaturas 3D, são encontrados em todas as seções  da mostra que distribui suas atenções entre os diversos filmes de sucesso da produtora como "Shrek", "Madagascar", "Fuga das Galinhas", "Kung Fu Panda" e outros. Embora passe longe de ser minha animação preferida do estúdio, o espaço para Kung Fu Panda, até por ser o mais especificamente dedicado a um filme, foi o que mais me conquistou com sua temática oriental bem representada e interessantes variações nas artes expostas em painéis e banners. Outros destaques são o canto dedicado a Madagascar, que traz os esboços muito interessantes e esclarecedores de desenvolvimento de personagens; os projetos e maquetes para os ambientes  da franquia Shrek; e na animação interativa, no átrio central, na qual o espectador sente como se estivesse verdadeiramente  dando uma voltinha na garupa do dragão alado de "Como Treinar seu Dragão".
Sem desmerecer em nada toda a qualidade de tudo o que foi apresentado lá, tudo muito interessante, válido e muito esclarecedor quanto a todo o processo que leva de uma prancheta até chegar às telonas, a exposição, no fim das contas mostrou-se muito mais apropriada para nerds, profissionais, artistas do que para o público infantil, embora o chamariz para os pequenos por conta das animações e dos personagens engraçados e carismáticos, seja inegável e tentador. Mas, para ser justo, ninguém disse que este seria um evento infantil. Eu é que, na minha cabecinha de criança devo ter imaginado que a brincadeira fosse mais divertida.

Fique, abaixo, com algumas imagens da exposição:

A entrada da exposição com grandes peineis laterias onde
os personagens da DreamWorks vão se desenhando.

Miniaturas dos personagens Rocky e Ginger
de "A Fuga das Galinhas"

Ambiente miniatura de "Waltlace e Gromit"

Outra sala da exposição com uma série de esculturas em miniatura
de vários sucessos da produtora.

Esboços para o longa "Spirit, O Corcel Indomável"

Esboços e anotações para o carismático Alex
de "Madagascar"

Testes geométricos para os personagens de "Madagascar"

Mascara estilizada do leão Alex.

Os "anúncios" para o circo de
"Madagascar 3 - Os procurados"

Maquete do zoológico do filme "Madagascar"

Algumas noções sobre os storyboards dos filmes.

Espaço para "Como Treinar Seu Dragão".

A área reservada à franquia "Kung Fu Panda".

As belíssimas ilustrações de inspiração oriental
e de mangás para Kung Fu Panda.

Mais ilustrações neste que foi, para mim,
o setor mais legal da exposição.

Banner ainda na sala do panda
das artes marciais.

E aqui, ele: Po,
em linda escultura miniatura.

No setor Shrek, o castelo de Tão Tão Distante

Miniaturas do filme "Shrek 2".

A árvore, a casa do pântano de Shrek.

O projeto da árvore, tão detalhado quanto qualquer projeto
de edificação oficial.

E este seu blogueiro, com Melman,
lá ao fundo, esticando seu pescoção.

por Cly Reis 

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"DreamWorks Animation: A Exposição - Uma Jornada do Esboço à Tela"
local: Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) - Rio de Janeiro
endereço: Rua Primeiro de Março, 66 - Centro -Rio de Janeiro/ RJ
visitação: de quarta a segunda, das 9h às 21h
período: até 15 de abril de 2019entrada: gratuita