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sexta-feira, 15 de maio de 2015

A guitarra de B.B King e a maior luta de boxe do século


B.B. King foi para o Blues aquilo que Muhammad Ali foi para o boxe e Pelé no futebol. Era um cara que tocava sua Lucille sem fazer distinção ou ter preconceito de gênero. Tocou com artistas do Pop ao Soul, "rifou e solou" do rock ao Jazz. Influenciou um caralhada de monstros na guitarra como: Eric ClaptonGeorge HarrisonJimi HendrixJeff Beck, Buddy Guy, Johnny Winter, Otis Rush e John Lennon, este último, que confessou certa vez que seu maior sonho era tocar guitarra com King.
B.B. King é considerado um dos três maiores guitarristas de todos os tempos. Um dos primeiros DVD's que eu tive na vida, foi do épico show de King no Zaire (atual Congo), onde aconteceu o "Live In Africa”, em setembro de 1974. O guitarrista tocou para 80 mil pessoas naquela que é considerada sua apresentação antológica. O show era uma prévia para a maior luta de boxe de todos os tempos, a "The Rumble in the Jungle", a disputa do cinturão dos pesos pesados entre George Foreman e o campeão mundial Muhammad Ali, ocorrida no mesmo país e ano pouco mais de um mês depois.
A luta durou 8 rounds, onde Ali e Foreman se digladiaram como num coliseu romano. Ali que vinha de uma longa parada, era acostumado a rounds médios e longos e Foreman, que era o atual campeão e estava em perfeita forma, costumava derrubar seus adversários logo no primeiro ou segundo assalto. Na luta, Foreman arrancou com tudo e Ali inteligentemente deixou seu oponente bater. A famosa esquiva do lutador entraria em ação entre diversas “trocações”.
Os rounds ficavam intermináveis para ambos lutadores e incendiavam a plateia local e do mundo inteiro. Foreman levou vantagem o tempo todo. Se a luta terminasse naquele momento, ele seria o campeão. Mas Ali usou sua segunda estratégia e começou a provocar Foreman na luta, gritando: "Come on, Mother Fucker! É só isso que você sabe fazer?!”. Foreman se desestabilizou psicologicamente. Cansado de tanto bater o atual campeão ia para o último assalto com seu físico e psicológico comprometidos. No ultimo round, Foreman reuniu suas forças para tentar um trunfo, mas logo sucumbiria a uma sequência fatal do famoso soco de direita de Muhammad Ali, aquele a quem antes se chamava de Cassius Clay.
Salve “King” Clay. R.I.P, my nigga King.


B.B. King
(1925-2015)




segunda-feira, 24 de abril de 2017

Freddie King - "Getting Ready..." (1971)


"Freddie King foi quem me ensinou
a fazer amor com a guitarra."
Eric Clapton


É interessante... Devo admitir que comprei esse disco por causa da capa. Estava numa dessas feiras de vinil fuçando na seção de jazz e blues e dei de cara com esse com um negão empunhando uma guitarra na capa. Pinta de blueseiro invocado, dos bons. Vou levar. Alguma coisa de bom devia sair daquela guitarra. Ouvi o disco e percebi o tamanho da sorte da minha escolha ao acaso. Um baita disco de blues. Já contemporâneo, mais elétrico, mais pesado mas totalmente dentro da melhor linha dos grandes músicos do gênero. Depois, buscando informações sobre o produto que comprara é que fui saber das qualificações do guitarrista. Freddie, um dos três "Kings" do blues junto com B.B. King e Albert King, fez parte da grande cena do blues de Chicago dos anos 50, tendo tocado com Willie Dixon, Robert Lockwood Jr., e o gaitista Little Walter, entre outros e, apesar da rejeição da Chess Records, que o considerava muito parecido com B.B. King, aos foi poucos conquistando seu próprio espaço ganhando reconhecimento de grandes nomes do universo musical. King foi considerado pela revista Rolling Stone o 15º melhor guitarrista de todos os tempos e sua marca registrada era o jeito de pendurar a alça da guitarra, sem cruzá-la, apoiada no ombro do mesmo braço com que tocava.
"Getting Ready..." é um belo exemplar do blues de Chicago evoluído com o passar do tempo, adaptado a seu tempo, no caso, o início dos anos 70. Mais rock'n roll, mais pesado e com uma dose de psicodelia.  A melancólica "Same Old Blues" que abre o disco tem uma pegada gospel; a versão de "Dust My Broom" de Elmore James é espetacular; "Five Long Years", outro clássico, também tem execução impecável; e "Walking by Myself" é outro grande momento.
Mas a grande música do disco é mesmo "Going Down", um blues forte, intenso, tão encorpado e vigoroso que chega às raias do rock muito próximo ao som que Jimi Hendrix vinha fazendo e que o próprio mestre Muddy Waters havia experimentado em "Electric Mud".
"Palace of the King" que fecha o disco é outra com pegada mais rock, ao melhor estilo Eric Clapton, com quem por sinal, Freddie excursionaria ainda antes de sua morte prematura aos 42 anos.

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FAIXAS:
1. Same Old Blues (Don Nix)
2. Dust My Broom (Elmore James )
3. Worried Life Blues (Big Maco)
4. Five Long Years (Eddie Boyd)
5. Key To The Highway (Bill Broonzy, Charles Segar )
6. Going Down (Don Nix)
7. Living On The Highway 
(Don Nix, Leon Russell)

8. Walking By Myself (Lane)
9. Tore Down (Freddie King)
10. Palace Of The King (Don Nix, Donald "Duck" Dunn, Leon Russel)

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Ouça:



Cly Reis

segunda-feira, 6 de novembro de 2017

Blue Cheer - "Vincebus Eruptum" (1968)



"O que fazemos é apenas
pegar o blues e distorcê-lo
até deixá-lo irreconhecível."
Dickie Peterson,
vocalista



Ta aí uma banda que eu sempre curti pra caramba e há muito tempo vinha querendo falar dela aqui nos ÁLBUNS FUNDAMENTAIS. O Blue Cheer foi mais uma daquelas que eu conheci graças à Discoteca Básica da extinta revista Bizz (depois Showbizz), mais especificamente grças à curiosidade do meu irmão e co-editor daqui do ClyBlog, o Daniel Rodrigues, que sempre procurava comprar ou gravar os discos que saíam naquela seção. De vez em quando me aparecia com umas coisas que não me agradavam muito, outras eu só fui apreciar mais tarde, mas o Blue Cheer sempre me impressionou por aquele peso todo. O legal no som dos caras é que parecia funcionar quase como uma espécie de ponte entre alguns subgêneros e, de maneira espantosa, antecipava outros: psicodélica, meio garage-rock, tinha elementos de blues, prenunciava o metal, antevia o hard rock e  o inspiraria o punk. O resultado dessa fusão toda e desse pioneirismo era um som explosivo e arrebatador que pode ser comprovado em sua plenitude em seu excelente trabalho de estreia, o bombástico "Vincebus Eruptum" de 1968.
Já para começar, pegam o clássico do rock'n roll de Eddie Cochrane, "Summertime Blues" acrescentam nitroglicerina tornando-a ruidosa, retumbante, estrepitosa e acima de tudo, fantástica. O clássico de B.B. King, "Rock Me Baby", transforma-se num blues psicodélico de estrutura irregular e mutante;  a longa "Doctor Please" com sua distorção ensurdecedora e vocais ensandecidos é um dos momentos mais pesados dos disco. "Out of Focus" lembra aqueles blues quebrados e malucos de Bo Diddley; e Parchment Farm" tem uma bateria alta, estourando, vocais rasgados e solos absolutamente selvagens. "Second Time Around" finaliza o disco numa anarquia sonora que lembra "European Son" do Velvet Underground e prenunciava a sujeira sônica dos Stooges, com destaque para o riif insistente e repetido do bom Leigh Stephens, os vocais gritados de Dickie Peterson e um solo irado do baterista Paul Whaley.
Considerado por muitos o primeiro disco de heavy metal, "Vincebus Eruptum" tem apenas seis faixas e pouco mais de 30 minutos mas é duração o suficiente para para não deixar pedra sobre pedra. Em 1968, quando as coisas já começavam a se ensaiar para uma sonoridade mais vigorosa, poderosa e minimalista, "Vincebus Eruptum" era a peça que faltava para dar encaminhamento a tudo de pesado que viria a partir dali.
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FAIXAS:
  1. "Summertime Blues" (Eddie Cochran) – 3:47
  2. "Rock Me Baby" (Josea/B.B. King) – 4:22
  3. "Doctor Please" (Dickie Peterson) – 7:53
  4. "Out of Focus" (Peterson) – 3:58
  5. "Parchment Farm" (Mose Allison) – 5:49
  6. "Second Time Around" (Peterson) – 6:17

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Ouça:


Cly Reis

segunda-feira, 7 de outubro de 2013

Arc Angels - "Arc Angels"(1992)



"Bendigam o Senhor,
 vocês, seus anjos poderosos,
que obedecem à sua palavra."
Bíblia Sagrada,
Salmos 103:20



Houve então que, em 1990, um Deus do blues embarca para o céu. Stevie Ray Vaughan abandona a Terra, mas deixa seus anjos da guarda: os ex-companheiros da banda Double Trouble (Tommy Shannon, no baixo, e Chris Layton, na bateria). Estes ficam para perpetuar o som do blues-rock. Mas, não suficientemente fortes, chamaram os guitarristas e vocalistas Doyle Braham II e Charlie Sexton. Eis que surge o Arc Angels.
Os demônios, que sempre flertam com o blues, atingiram Doyle, envolvendo-o à tentação das drogas. Esta heresia, entre outros problemas, encurtaram a vida dos Angels, em 1993.  Mesmo assim, os anjos foram lançados à terra e à história da música. O legado é apenas um álbum, que se eternizou. Para não perder a fé dos fãs, a banda realiza, desde 2009, alguns shows esporádicos, mas sem a presença de Shannon no palco. Nas turnês, Mark Newmark é o enviado para o contrabaixo. Estas aparições renderam um CD/DVD intitulado “Living in a Dream”.
A título de curiosidade, Doyle contribuiu (e muito) para outro Deus: Eric Clapton. Tanto em apresentações em shows ao vivo, como atuando em vários discos. Desde “Riding with the King”, de 2000, - que tem a parceria de outro ser superior, o mítico B.B. King - são oito discos que contam com a sua presença. Ainda tendo a honra de ter registradas duas covers de suas músicas: “Marry You” e “I Wanna Be”, esta última composta em conjunto com Charlie Sexton.
Regressando ao álbum homônimo, este oferece uma interessante sincronia da bateria com o baixo. Uma base importante para as duas guitarras solarem independentes, no entanto completando as “frases” de uma com a outra. Doyle apresenta sonoridade mais “suja”, abusando de distorções, bem ao estilo rock and roll. Já Sexton fica com a “limpa”, bem tradicional do blues. Outra marca da banda é a troca de vocais na maioria das músicas, cantadas quase meio a meio. Ou seja, repartindo o pão.
Eis alguns destaques dos doze versículos que compõem esta obra. Um sonho é o tema de “Living In A Dream”, que mostra a presença já referida da divisão de vocais. De forma “rasgada” vem Sexton, de maneira “anasalada” responde Doyle. Uma canção que lembra a guitarra de Stevie Ray. Outra canção que teria a benção de Vaugahn é “Paradise Café”, que apresenta o ritmo do blues texano - uma levada mais visceral, com bom peso nas guitarras.
Com uma percussão inicial, são evocados os anjos e assim começa “Sent By Angels”. Doyle monopoliza o vocal nessa música. Para deixar a base da canção mais “iluminada” foram utilizados um violão e um órgão de igreja.
As santas também tem vez no álbum. São duas baladas românticas interessantes, que canonizam duas mulheres. Ao som mais comercial, mas não menos celestial, vem “Sweet Nadine”. Nesta, Sexton canta sobre uma garota inesquecível, mas que não sabe o seu verdadeiro nome. Diferentemente da outra, em “The Famous Jane”, ele conhece bem a sua alcunha, além de recordar até da sua graça e pureza.
A influência do funk americano se apresenta por duas vezes no disco. Em “Good Time”, Doyle canta grave e insere um wah-wah na guitarra; fora o baixo de Shannon ser bem pulsante. Elementos que evocam os espíritos da black music. Na mesma batida do groove tem “Carry Me On”, mas com ritmo mais lento, flertando com o rhythm blues.
Ao som melancólico e com uma letra cheia de lamentações, a “See What Tomorrow Brings” tem o solo de guitarra “chorado” de Doyle, bem ao estilo de Clapton. Além disso, os riffs iniciais da música lembram “Sun King”, dos Beatles.
A redenção pode ser conferida em duas músicas. A “Shape I'm In” é bem ao compasso dos rocks dos anos 1950. Já “Always Believed In You” possui a cadência mais contemporânea da época.
A composição das duas guitarras é o destaque de “Spanish Moon”. Doyle e Sexton dão um show à parte. Tanto nos riffs como nos solos. Um abre a brecha para o outro solar.
Apesar do paraíso e anjos referidos, a queda também faz parte desse universo. Em “Too Many Ways To Fall” são males da vida que contextualizam a música, tendo um quê de levada musical dos Rolling Stones.
Após divagar sobre este álbum, segue uma passagem da Bíblia, em Salmos 103:20, que refere: “Bendigam o Senhor, vocês, seus anjos poderosos, que obedecem à sua palavra.” O livro sagrado sugere aos anjos corresponderem à Deus, no entanto os mesmos podem ter o dom de emanar um som divino, como foi o caso deste disco.
Glória ao Stevie Ray. Ao Arc Angels. Ao blues-rock. Amém.

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FAIXAS:

  1. "Living In A Dream" (Doyle Bramhall II, Charlie Sexton) – 4:54
  2. "Paradise Cafe" (Charlie Sexton, Tonio K) - 5:14
  3. "Sent By Angels" (Doyle Bramhall II) – 5:44
  4. "Sweet Nadine" (Charlie Sexton, Tonio K) – 4:31
  5. "Good Time" (Doyle Bramhall II, S. Piazza) – 4:47
  6. "See What Tomorrow Brings" (Doyle Bramhall II) – 6:27
  7. "Always Believed In You" (Charlie Sexton, Tonio K) – 4:55
  8. "The Famous Jane" (Charlie Sexton, Tonio K) – 4:31
  9. "Spanish Moon" (Doyle Bramhall II, Charlie Sexton, Chris Layton) – 5:48
  10. "Carry Me On" (Doyle Bramhall II) – 4:09
  11. "Shape I'm In" (Doyle Bramhall II, Charlie Sexton, Marc Benno) – 4:07
  12. "Too Many Ways To Fall" (Chris Layton, Tommy Shannon, Charlie Sexton, Tonio K) – 5:52

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Ouça:




terça-feira, 12 de agosto de 2014

Tedeschi Trucks Band - "Revelator" (2011)



Eu comecei a cantar quando era uma garotinha,
antes mesmo de falar.
 Minha mãe disse que eu costumava
cantar todas as manhãs no berço.” 
Susan Tedeschi


A Tedeschi Trucks Band, para quem ainda não conhece, e anteriormente conhecido como Derek Trucks e Susan Tedeschi Band, é um grupo de rock blues de Jacksonville, Florida. Formada em 2010, a banda é liderada pelo casal Derek Trucks e Susan Tedeschi, junto com os membros de seus grupos quando solos, uma banda com “apenas” 11 integrantes. Seu álbum de estreia, "Revelator" (2011), ganhou o 2012 Grammy Award de Melhor Álbum de blues.
E como não ser né? Para quem não sabe, Derek é sobrinho de Butch Trucks, baterista da “The Allman Brothers Band”, nada mais nada menos que uma das melhores bandas que já conheci até hoje, uma mistura de rock, blues e country viciante... Ok, depois eu faço um “álbuns” sobre essa baita banda, onde Derek também fez parte.  Mas, voltando ao guri, ele começou a tocar guitarra aos 9 anos e aos 13, já havia tocado ao lado de Buddy Guy, sem contar que cresceu ouvindo e aprendendo com ninguém menos que Duane Allman, guitarrista do Allman Brothers e uma das influencias de Derek quanto ao estilo de tocar com slide, que infância hein... E hoje tem sido apontado como melhor guitarrista de slide. Além de já ter tocado com Allman Brothers, Buddy Guy, Bob Dylan e John Lee Hooker, em 2006 foi convidado para fazer uma turnê mundial de Eric Clapton como solista, é muita honra!
E a Susan? Quando eu crescer, quero ser como ela!!! (rsrsrs!). Além de linda, a voz dela tem sido descrita como uma mistura de Bonnie Raitt e Janis Joplin, e ambas foram suas influências. Sem contar o estilo de tocar guitarra que é influenciado por Buddy Guy, Steve Ray Vaughan , Freddie King e Doyle Bramhall. Ela foi criada em uma família que não era musical, mas ficava escutando a coleção de vinis de blues que o pai dela tinha, onde começaram suas inspirações. Ela se juntou a um grupo gospel até se formar em composição musical aos 20 anos, ela continuou cantando gospel até ingressar na cena de blues de Boston, onde logo se estabeleceu como uma das melhores atuações ao vivo. Sua crescente reputação como corajosa e poderosa cantora e guitarrista a levou em 1998, a uma indicação ao Grammy por melhor artista novo. Ela já abriu shows de John Mellencamp, Bob Dylan e Rolling Stones, e de seus heróis pessoais como BB King, Buddy Guy e Taj Mahal. E foi abrindo shows em uma turnê para o Allman Brothers que essa dupla se encontrou.
Sobre "Revelator"... Pra quem não ouviu ainda, está perdendo tempo! Baita álbum e que começa com uma sonzeira chamada Come See About Me, duvido ouvir essa música sem ao menos se balançar ou bater o pezinho. Outro destaque nesse álbum, em minha opinião, é Midnight In Harlem, é tão doce, suave, ótima de ouvir, começa com um solinho discreto do Derek e seu slide e de Kofi Burbridge em seu keyboard que dá todo o charme para o inicio dessa baita música onde, em seguida, chega dona Susan com seus vocais fortes e suaves dando um show... É, acho que essa música é a minha preferida! Ah, isso sem falar de "Until You Remember", no mesmo embalo sutil, porém com aquela pegada R&B clássica da Susan. Tem outra também que gostaria de destacar, "Learn How To Love", onde voltamos a ouvir um bom, velho e pegado rock n’ roll soul, (rss)... Bom demais! Então, Tedeschi com seus vocais poderosos e suaves, e Trucks com sua guitarra deslumbrante em solos a base de slides maravilhosos, complementam um ao outro, formando essa baita banda que lhes apresento: Tedeschi Trucks Band!
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vídeo de "Midnight in Harlem" - Tedeschi Trucks Band

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FAIXAS:
1 "Come See About Me"                 
2 "Don't Let Me Slide"                 
3 "Midnight In Harlem"                 
4 "Bound For Glory"                 
5 "Simple Things"                 
6 "Until You Remember"                 
7 "Ball And Chain"                 
8 "These Walls"                 
9 "Learn How To Love"                 
10 "Shrimp And Grits (Interlude)"                 
11 "Love Has Something Else To Say"                 
12 "Shelter"


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Ouvir:
Tedeschi Trucks Band - Revelator


segunda-feira, 12 de setembro de 2022

"Elvis", de Baz Luhrmann (2022)




“Elvis” é vibrante, é bem dirigido, tem boas atuações, direção de arte perfeita, é feito com o coração, é tecnicamente de alto nível mas... não emociona. Aprendi que, com cinema, não é certo nutrir expectativas em relação a um filme antes de vê-lo. No máximo, permito-me ler a sinopse previamente quando não tenho ideia do que se trata. Mas quando o assunto é a cinebiografia do maior astro da música pop de todos os tempos, essa relação é necessariamente diferente. Afinal, é impossível dissociar o fã do crítico em se tratando de Elvis Presley. Ambos são os espectadores capazes de entender o filme do australiano Baz Luhrmann, que assisti em uma sessão especial no GNC Cinemas do Praia de Belas Shopping.

Incluo-me nesta dupla avaliação por três motivos. Primeiro, porque soaria ilógico abordar um ícone tão popular a quem todos de alguma forma são tocados de maneira distanciada. Segundo, porque, neste caso, a admiração ao artista, dada a dimensão inigualável deste para a cultura moderna, colabora com a avaliação, visto que imagem pública e carisma se balizam. Ainda, em terceiro, mesmo que desprezasse essa abstenção, a avaliação final não muda, pois talvez só a reforce.

Afinal, “Elvis” é, sim, um bom filme. Além da caracterização e atuação digna de Oscar de Austin Butler no papel do protagonista, bem como a de Tom Hanks na pele do inescrupuloso empresário de Elvis, Tom Parker, há momentos bem bonitos e reveladores. Um deles é como se deu toda a concepção do histórico show “From Elvis in Memphis”, gravado pelo artista ao vivo em 1969, evidenciando os desafios e êxitos daquele projeto ambicioso. Igualmente, o momento do "batismo" do pequeno Elvis na igreja evangélica ainda no Tenessee, quando, em transe, conhece a música negra na voz de ninguém menos que Mahalia Jackson.

O pequeno Elvis sendo batizado pela música e a cultura negra 

No entanto, essa sensação é um dos sintomas de não inteireza do filme, percepção que passa necessariamente pela parcialidade crítica. Em qualquer obra artística, quando partes são destacadas, como retalhos melhores que outros, algum problema existe. É como um quadro com traços bonitos, mas de acabamento mal feito, ou um disco musical com obras-primas no repertório, mas desigual por conta de outras faixas medíocres. Luhrmann é bom de estética, mas cinema não é somente isso. A estética precisa funcionar a favor da narrativa e não se desprender dela. Se fosse somente isso, seria exposição de arte ou desfile de moda. Aí reside uma das questões do filme: a sobrecarga de estetização – inclusive narrativa. Além de prejudicar a continuidade, resulta nestes espasmos catárticos ajuntados e não integrados.

Por isso, a narrativa, na primeira voz de Parker, parece, ao invés de solucionar um roteiro biográfico não-linear (o que é lícito, mas perigoso), prejudicar o todo, desmembrando em demasia os fatos uns dos outros. O ritmo começa bastante fragmentado, tenta se alinhar no decorrer da fita, mas a impressão que dá é que em nenhum momento estabiliza, como se, para justificar uma narrativa criativa e "jovem", lançasse de tempo em tempo dissonâncias que tentam surpreender, mas que, no fundo, atrapalham. O cineasta, aliás, tem histórico de resvalo nesta relação forma/roteiro. Havemos de nos lembrar de “Romeu + Julieta”, de 1997, seu primeiro longa, totalmente hype visualmente mas em que o diretor preguiçosamente delega o texto para o original de Shakespeare, resultando num filme desequilibrado do primeiro ao último minuto.

Butler ótimo como Elvis: digno de Oscar

O positivo em casos assim é que a probabilidade de agradar pelo menos em lances esporádicos é grande. A mim, por exemplo, não foi o clímax (a meu ver, um tanto apelativo e simplório) que tocou, mas, sim, cenas talvez nem tão notadas. Uma delas, é a escapada de Elvis para a noite no bairro negro à mítica Beale Street, em Memphis. O que me encheu os olhos d'água não foi nem o Rei do Rock trocando ideia com B.B. King (ao que se sabe, licença poética do roteirista) ou assistindo tête-à-tête Sister Rosetta Tharpe e Little Richard se apresentarem, mas a chegada do já ídolo Elvis ao local. Ele é respeitosa e admiravelmente recebido pelos negros e não com histeria como já o era em qualquer outro lugar que fosse. É como se os verdadeiros criadores do rock 'n' roll, gênero musical a que muitos ainda hoje atribuem roubo cultural por parte de Elvis, lhe admitissem, dizendo: "Tudo bem de você circular entre nós. Você é um dos nossos".

Outra cena que me emocionou foi a do show na reacionária Jacksonville, na Florida, em 1955, quando Elvis, indignado com as imposições da sociedade moralista, resolve não obedecer que o censurem de cantar e dançar do seu jeito julgado tão transgressor para a época. Claro, que deu tumulto. Aquilo é o início do rock. O gênero musical, misto de country e rhythm and blues, os artistas negros já haviam inventado. Mas a atitude, tão essencial quanto para o que passaria a ser classificado como movimento comportamental de uma geração, nascia naquele ato. Ali, naquele palco, estão todos os ídolos do rock: Lennon, RottenJim, JaggerNeil, Jello, PJ, Hendrix, Kurt, Ian, Rita, Iggy e outros. Todos são representados por Elvis. Impossível para um fã ficar impassível. Além disso, a sequência é filmada com requintes técnicos (troca de ISO, edição ágil, uso de foto P&B, etc.) que lhe dão um ar documental ideal. Aqui, Luhrmann acerta em cheio: estética a serviço do roteiro.

O polêmico show Jacksonville recriado por Luhrmann: o início do rock

Por outro lado, há desperdícios flagrantes. As primeiras gravações do artista, feitas para a gravadora Sam Records, entre 1954 e 55, um momento tão mágico e gerador de um dos registros sonoros mais sublimes da cultura moderna, são abordadas somente en passant. Algo que seria bastante explorável em uma cinebiografia que intenta fantasia.

Todos esses motivos justificam o olhar não só do crítico como também o do fã, uma vez que um embasa o outro. Se o filme é bom, mas não decola, é justamente porque o primeiro condiciona-se a avaliar tecnicamente, mas quem tem propriedade - e direito - de esperar ser encantado pela obra é quem curte de verdade Elvis e rock 'n' roll. Pode ser que tenha obtido sucesso com muita gente, mas a mim não arrebatou. Uma pena. A se ver que as cinebiografias de Freddie Mercury e Elton John, artistas que nem gosto tanto quanto Elvis, me arrebataram e esta, não. Não saí com uma sensação negativa, mas com a de que se perdeu uma oportunidade de ouro. “It’s now or never”? "Now", pelo menos, não foi.

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trailer do filme "Elvis", de Baz Luhrmann



Daniel Rodrigues


sábado, 6 de novembro de 2010

Robert Johnson - "The Complete Recordings" (1990) - gravações originais de 1936 e 1937 *


"Robert Johnson foi
o mais importante cantor de blues
 que já viveu."
Eric Clapton


Ele pode não ter sido o inventor do blues, mas com certeza é seu nome mais importante. Sei que existe um B.B. King, existe um Hooker, um Diddley, um Sonny Boy... Sei, sei. Mas nada se compara à técnica, à genialidade, à singularidade, à sua lenda.
Robert Johnson é daqueles músicos inovadores na sua arte. Daqueles caras que são divisores de águas, tipo: até ali a coisa era assim, a partir dali... Johnson mudou a batida do gênero, mudou o tom tradicional, saiu do trivial, e tudo isso só com um violão, que diga-se de passagem, reza a lenda, era velho e de péssima qualidade.
A propósito, não só o próprio R.J. por si só já é legendário, como muitos fatos que o cercam tem versões duvidosas e mal contadas: a começar pela sua data de nascimento, totalmente imprecisa, com registros de 1909, 1912, mas em princípio considerada oficialmente como 8 de maio de 1911; tem essa do violão, que além de ruim, diz-se, teria cordas enferrujadas quando Johnson fez as gravações (e no entanto, saiu o que saiu); outra é sobre as da versões de sua morte, prematura, aos 27 anos; uma delas atribuída a um uísque envenenado por um marido ciumento cuja esposa teria tido algo com Johnson; outra versão dá conta que teria levado um tiro por circunstâncias semelhantes; numa outra, pneumonia; em outra, sífilis; em outra ainda que teria sido encontrado urrando no corredor de um hotel e então ali morrido; o fato é que na certidão de óbito só consta "sem médico". Mas independente da causa mortis oficial, independente do modo como tenha acontecido, conta outra lenda, a mais impressionante e sobrenatural delas e a mais conhecida, que teria acontecido tão cedo, com apenas 27 anos de vida, por causa do resgate de uma dívida de Johnson com o demônio, que teria cobrado a alma prometida pelo cantor em um suposto pacto, que tivera o objetivo de obter talento e sucesso na carreira de cantor. Há uma outra ainda, vinculada à esta última, que sugere que haveria uma trigésima música (Johnson só gravou 29 canções) que teria ficado 'presa' em uma encruzilhada, onde o blueseiro teria feito seu trato maligno. Aliás, títulos como "Me & My Devil Blues" e "Crossroad Blues" que ajudam a alimentar a lenda.
A história do pacto é tão conhecida, tão rodeada de uma aura fantástica e poética que inspirou, por  exemplo, músicas como "Mississipi" de Celso Blues Boy e o filme "A Encruzilhada" que conta exatamente a história de um rapaz que procura a tal da 30° música de Johnson. Demais é o duelo de guitarras do garoto contra o demônio, que no filme é nada menos que Steve Vai.
Mas voltando à obra de Robert Johnson, não há um álbum propriamente dito, já que todas as canções foram gravadas em 1936 e 1937 e na época as gravações era em compactos com uma ou duas músicas apenas. A compilação definitiva com todas as faixas (possíveis) e seus outtakes saiu em 1990 numa bela caixa em edição de luxo com dois CD's chamada "The Complete Recordings", e, amigos, esta caixa é fundamental. Ali está toda a essência do blues e o alicerce do rock. Tem ali toda a alma, a batida, o ritmo, a melancolia e a beleza. Todas as 41 faixas são bala, mas as minhas favoritas são "When You Got a Good Friend", "Sweet Home Chicago" e "They're Red Hot", só pra citar algumas.
Robert Johnson é ainda hoje um dos nomes mais influentes do blues frequentemente citado e gravado por uma porrada de músicos de rock, nos seus mais variados estilos e qualidade, como Rolling Stones, Simply Red, Eric Clapton, White Stripes, Red Hot Chilli Peppers, Led Zeppelin, entre tantos outros.
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FAIXAS:
ROBERT JOHNSON- THE COMPLETE RECORDINGS (1936-1937)

Disco 1
1. Kind Hearted Woman Blues 2:49
2. Kind Hearted Woman Blues (alternate take) 2:31
3. I Believe I'll Dust My Broom 2:56
4. Sweet Home Chicago 2:59
5. Rambling on My Mind 2:51
6. Rambling on My Mind (alternate take) 2:20
7. When You Got a Good Friend 2:37
8. When You Got a Good Friend (alternate take) 2:50
9. Come On in My Kitchen 2:47
10. Come On in My Kitchen (alternate take) 2:35
11. Terraplane Blues 3:00
12. Phonograph Blues 2:37
13. Phonograph Blues (alternate take) 2:35
14. 32-20 Blues 2:51
15. They're Red Hot 2:56
16. Dead Shrimp Blues 2:30
17. Cross Road Blues 2:39
18. Cross Road Blues (alternate take) 2:29
19. Walkin' Blues 2:28
20. Last Fair Deal Gone Down 2:39

Disco 2
1. Preaching Blues (Up Jumped the Devil) 2:50
2. If I Had Possession over Judgment Day 2:34
3. Stones in My Passway 2:27
4. I'm a Steady Rollin' Man 2:35
5. From Four Till Late 2:23
6. Hellhound on My Trail 2:35
7. Little Queen of Spades 2:11
8. Little Queen of Spades (alternate take) 2:15
9. Malted Milk 2:17
10. Drunken Hearted Man 2:24
11. Drunken Hearted Man (alternate take) 2:19
12. Me and the Devil Blues 2:37
13. Me and the Devil Blues (alternate take) 2:29
14. Stop Breakin' Down Blues 2:16
15. Stop Breakin' Down Blues (alternate take) 2:21
16. Traveling Riverside Blues 2:47
17. Honeymoon Blues 2:16
18. Love in Vain 2:28
19. Love in Vain (alternate take) 2:19
20. Milkcow's Calf Blues 2:14
21. Milkcow's Calf Blues (alternate take) 2:20

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Ouça:
Robert Johnson The Complete Recordings


Cly Reis

terça-feira, 17 de novembro de 2015

Kenny Neal – Centro de Convenções Anhembi – São Paulo/SP (12/11/2015)



O bluesman
de New Orleans
Kenny Neal em SP.
Diletante é diletante em qualquer lugar. Estou eu a trabalho numa feira do setor de transportes em São Paulo e mesmo com todo o barulho de motores e engrenagens mecânico-eletrônicas na minha cabeça, a música prevalece. Numa cerimônia de premiação em que estive no evento, eis que, durante o almoço oferecido, a organização chamou para tocar enquanto as pessoas comiam (!) o excelente bluesman norte-americano Kenny Neal. Músico de raiz, nascido em New Orleans, toca guitarra como um monstro, além de cantar maravilhosamente. Aquele nível de qualidade de blues que só mesmo quem é da gema sabe fazer.
O guitarrista e sua banda mandando ver no blues
O mais engraçado é que praticamente só eu me encantava com a apresentação, que levou boa uma hora de duração – por sorte, as pessoas levaram esse tempo para comer. Acompanhado apenas de bateria e baixo elétrico, Neal mandou ver em maravilhosos temas blues, desde o mais cadenciado até aqueles tristes ou mais agitados, que fazem fronteira com o rock. O cara, que é fã de B.B. King, chegou a tocar, numa digna versão do mestre, a clássica “The thrill is gone” (“The thrill is gone/ The thrill is gone away/ The thrill is gone, baby/ The thrill is gone away/ You know you done me wrong, baby/ And you'll be sorry someday”).
Delírio meu e... apatia dos outros. Por incrível que pareça, aqueles engravatados e aquelas mulheres executivas de saias justas mal reagiam! Mais preocupados com suas respectivas barrigas, eram poucos os que aplaudiam, isso quando não se esqueciam de fazê-lo. Mas ele não se abalou com a falta de atenção e fez um show da maior dignidade e qualidade. Pra mim, claro, foi um momento especial do dia em meio a tanta correria de trabalho, ainda mais que provavelmente não consiga ir ao Mississipi Delta Blues Festival, que acontece este mês ainda em Caxias do Sul, próximo à minha cidade, Porto Alegre, em que a pegada é bem essa: blues de raiz com atrações internacionais de peso dentro do estilo. Então, já que eu talvez não vá ao blues, ele veio a mim na forma do ótimo Kenny Neal, que teve ao menos um expectador verdadeiro que não o deixou entrar e sair desapercebido.





sexta-feira, 25 de fevereiro de 2022

“Summer Of Soul (...ou, Quando a Revolução Não Pôde Ser Televisionada)”, de Ahmir "Questlove" Thompson (2021)

 

Não parece aceitável que seja apenas o aperfeiçoamento dos recursos técnicos, capazes de recuperar com tecnologia digital filmes antigos, o motivo que explique porque estejam vindo somente agora a público certos registros do passado cujos espinhosos temas são necessários e urgentes para se entender a sociedade do hoje. O racismo, seja estrutural, velado ou institucionalizado, de alguma forma colabora para essa justificativa. Por que, então, não fosse por isso, somente após 60 anos de carreira, Tina Turner sentira-se à vontade para divulgar questões até então sujeitas à crítica de sua vida pessoal no documentário “Tina”? Igualmente, por que apenas dos últimos anos para cá tenham fervilhado docs  abordando abertamente este tema como "Os Panteras Negras: Vanguardas da Revolução" (2015), "What Happened, Miss Simone?" (2015), "Eu Não Sou Seu Negro" (2016), "A 13ª Emenda" (2016) e "Libertem Angela Davis" (2012)?

Esse esquecimento perverso quase fez o mundo perder de conhecer uma história praticamente apagada das mentes, mas que, salva pelas mãos do cineasta Ahmir "Questlove" Thompson, foi resgatada para a eternidade. “Summer Of Soul (...ou, Quando a Revolução Não Pôde Ser Televisionada)”, o magnífico e arrebatador documentário que concorre, com todo merecimento, ao Oscar nesta categoria, explora o Harlem Cultural Festival de 1969, evento que reuniu multidões de pessoas negras pela primeira vez em um acontecimento público e ao ar livre nos Estados Unidos e grandes nomes da música negra para celebrar a cultura afro-americana. Apesar da magnitude do festival, as imagens recuperadas pelo filme ficaram guardadas por décadas – acredite-se – numa cave. A referência no título à música de Gil Scott-Heron, escrita originalmente naquele mesmo explosivo ano de 1969, deixa claro o tom de denúncia que choca e encanta ao mesmo tempo. Como essa história tão rica nunca havia sido contada?

Wonder dando adeus ao sufixo "Little"
e ganhando maturidade
no Harlem Cultural Festival


Montado com sensibilidade e perspicácia, “Summer...” une em sua narrativa didática jornalística com arqueologia urbana. Focado nos vários números musicais que se apresentaram no palco montado em pleno Mount Morris Park, as apresentações são entrecortadas por breves mas extremamente precisas informações documentais sobre aspectos sociais, políticos e biográficos que sustentam o objeto do filme, fazendo com que não seja apenas um amontoado de músicas seguidas umas das outras (o que, neste caso, já seria interessante). Minitelejornais sobre determinado artista, imagens de fatos sociais recentes como manifestações contra o racismo, ou contextualizações históricas necessárias, como a coincidência do festival com o dia da chegada do homem à Lua, 20 de julho, dão ainda mais peso àquelas performances que se veem no palco, agigantando-as de significado e importância.

Afora isso, a variedade de estilos (R&B, funk, gospel, blues, jazz) e o nível de qualidade do cast é de encantar qualquer admirador da música feita nos últimos 60 anos. B.B. King, Nina Simone, Mahalia Jackson, Stevie Wonder, Sly & Family Stone, Gladys Knight & the Pips, The 5th Dimension, Max Roach e outros desfilam à frente dos olhos dos espectadores, dando a impressão de quase não se acreditar que aquilo um dia aconteceu. Mas está ali, vivo novamente. Afortunados que estavam na plateia e alguns daqueles artistas, como Marilyn McCoo e Ronald Townson, da The 5th Dimension, juntam-se aos espectadores comuns nesse assombro. Noutro grande mérito do filme de Thompson, pessoas que presenciaram o festival, seja assistindo ou se apresentando, são convidadas a reverem as imagens até então perdidas. Profundamente tocados, pois a revivência lhes retraz alegrias e dores, é impressionante perceber o quanto todos demonstram surpresa com o que veem, não só por somente agora terem a oportunidade disso, mas porque, não fosse a força intrínseca da imagem, do mistério divino que o cinema guarda, as memórias tendem a irem se apagando até, um dia, desaparecerem por completo. É o cinema documental exercendo suas duas primordiais funções: revelar e eternizar.

trailer de "Summer of Soul"

Além de um retrato do momento sociocultural de final dos conturbados anos 60, o filme serve também para se entender o próprio estágio em que se encontravam àquela época os artistas participantes, visto que, para alguns, o festival foi crucial para a carreira. Wonder, então com 19 anos, por exemplo, sobe ao palco do Harlem Cultural Festival exatamente no ínterim entre sua tutela artística pela Motown, iniciada quando ainda era uma criança, e o começo da maturidade criativa, que o levaria a se tornar um dos mais consagrados artistas de todos os tempos a partir de então. A Sly & Family Stone, igualmente. É impressionante perceber que “Stand!”, revolucionário disco de estreia da banda que mesclava o funk negro ao psicodelismo do rock com o grito contra as desigualdades, havia sido lançado apenas um mês antes da realização do festival e, mesmo assim, já era uma febre junto ao público. E o que dizer da apresentação explosiva de Nina?! Ou da homenagem a Martin Luther King, protagonizada por Mavis Staples e Mahalia!? De arrepiar. Se o assassinato do pastor e líder político ainda hoje não é totalmente assimilado pela comunidade negra, imagine-se à época, pouco mais de um ano anos após o trágico ocorrido e em que as feridas estavam abertas.

Mavis e Mahalia protagonizando
um dos momentos mais
emocionantes do filme
O paralelismo com fatos históricos daquele efervescente período está presente a cada minuto do longa, como a onipresença dos Black Panthers (responsáveis pela segurança do evento), a presença de figuras emblemáticas para a causa negra como o ativista Jesse Jackson e o protagonismo de Tony Lawrence, agitador cultural e organizador do festival. Somente assistindo-se o filme se entende com mais clareza, por exemplo, o porquê das críticas que sempre pairaram em relação à política de financiamento da corrida especial, intensificada pelos Estudos Unidos naquela década de 60 de Guerra Fria e disputa de poder com a União Soviética. Num dos momentos do filme, mostram-se reportagens da época com pessoas sendo entrevistadas durante o festival dizendo ser um absurdo o governo gastar bilhões de dólares para ir à Lua enquanto a população, ali, pobre e em sua maioria negra, passa por tanta dificuldade. Noutro ponto, mais um aspecto elucidativo de “Summer...”: o festival foi realizado, curiosamente, durante o mesmo verão que outro megaevento, o de Woodstock, o qual levantava não a perigosa bandeira da luta contra o racismo e dos direitos civis, mas a utópica máxima hippie de “paz e amor”. Não é difícil de saber qual festival entrou para a história e qual foi esquecido num porão...

“Summer...” não é só provavelmente o melhor documentário deste ano e forte candidato à estatueta da Academia, como um dos mais brilhantes sobre música da história do cinema, tranquilamente equiparável a clássicos do gênero como “O Último Concerto de Rock”, “Gimme Shelter” e “Amazing Grace”. Sua narrativa, que casa metalinguística e documentação histórica, é tão eficiente que lhe potencializa o caráter de espetáculo e de denúncia social num só tempo. A realização milagrosa de “Summer...” é, por si, reveladora, visto que funciona como uma metáfora da vida da América escravagista: preso num calabouço, o negro, até então fadado ao apagamento social, sai da condição subumana para forjar, com talento ímpar e força interior ainda mais admirável, toda a arte musical moderna como se conhece hoje.


Daniel Rodrigues

terça-feira, 8 de dezembro de 2015

8º Mississipi Delta Blues Festival – Largo da Estação Férrea – Caxias do Sul/RS (28/11/2015)



Com Dylan no peito,
nada melhor para uma
noite de blues.
Quando assisti ao ótimo bluesman Kenny Neal em São Paulo mês passado pensei que aquele breve mas impecável show fosse uma compensação por não poder ir ao Mississipi Delta Blues Festival, que ocorreria dali a semanas na cidade gaúcha de Caxias do Sul. Mas era, na verdade, um bom presságio. Tal sentimento se dava por um misto de falta de disponibilidade e a possibilidade de se fazer outra boa programação mais próxima – e mais fácil. É que teria também o festival Som de Peso, que ocorreria em Porto Alegre justamente no mesmo dia e hora e onde tocariam bandas célebres do punk nacional, como Cólera e Olho Seco, e, além destas, a Vômitos & Náuseas, a grande banda de hardcore do meu primo Lucio Agacê. Dúvida cruel. Depois de muita combinação, tive que suplantar a vontade de ir ao Som de Peso, pois conseguimos Leocádia e eu nos organizar para subir a Serra e conferir pela primeira vez o MDBF, vontade alimentada há anos.

Stroger, comandando o grupo no baixo.
E o esforço não poderia ter sido mais bem recompensado. Com uma programação cuidadosa e qualificada, tanto no que se refere a atrações internacionais quanto nacionais, além de uma estrutura planejada e eficiente, o MDBF, em sua 8ª edição, provou (pelo menos a nós, que ainda não o conhecíamos) que é o melhor festival de música do Rio Grande do Sul do momento. Prova disso é que o dia em que fomos, o terceiro e último da edição de 2015, não por isso ficou devendo. Dividido em sete palcos, o festival apronta um rodízio de apresentações dos artistas por vários destes durante os três dias de evento, fazendo com que se possa assisti-los em mais de uma oportunidade. Igualmente, o local não poderia ser mais adequado: a antiga estação férrea de Caxias, prato cheio para Leocádia fazer várias fotos pois empresta uma atmosfera onírica àquela sonoridade melancólica, antiga e sensual típica do blues. A chuva que caía ajudou a aumentar o clima cinematográfico.

Bob Stroger posando para as lentes.
O blues rolava por todos os cantos, dos alto-falantes, dos palcos, das pessoas cantando, assobiando, dançando. Chegava a emanar de algumas figuras que ali estavam. Um desses seres iluminados era Bob Stroger, o incrível baixista californiano de (acredite-se) 85 anos. Stroger, que havia estado em Porto Alegre na semana anterior – e que, novamente por agenda e correria, não pudera assistir –, foi um dos principais motivos de irmos ao MDBF. Artista “residente” do festival, participou de todas as edições deste até agora, o que certamente continuará fazendo até não poder mais, haja vista seu prazer em estar ali. Ele dizia, faceiro: “This is my house”. Um dos primeiros a se apresentar naquele dia, ele referia-se não somente a Caxias e ao festival como ao Front Porch Stage, um caracterizado palco que reproduzia o ambiente de uma sacada de um rancho do Sul norte-americano, aquelas que a gente vê em filmes sobre negros pobres e trabalhadores de fazendas de algodão de antigamente. Para alguém como ele, do início do século passado, certamente aquilo era bem familiar. Estava se sentindo em casa mesmo, acarinhado e admirado pelo público.

Cokeyne, à direita, e sua banda de ilustres convidados.
Na verdade, Stroger fazia o ambiente se tornar real, visto que ele em si é uma entidade em pleno palco. De terno risca de giz escuro, sapatos e chapéu, é a encarnação daquilo que o mundo conheceu no início do século XX chamado blues, o gênero musical afro-americano que coloca, em ritmo sincopado, repetitivo e simples, os sofrimentos e tristezas dos negros escravos e apartados de sua terra. Blues, com suas raízes religiosas, de trabalho ou de protesto. Um estado de espírito. E Bob Stroger é a representação viva disso. Ele mesmo, orgulhoso, diz várias vezes: “I’m the blues”. Quem há de contrariá-lo? Entre as maravilhas que escutamos de sua voz sôfrega, mas com o aveludado que somente os negros de lá conseguem ter, “Just a Sad Boy”, “Talk to me Mamma”, “Don't You Lie to Me” e uma canção que, além de fantástica, se tornaria especial naquela noite: “Blind Man Blues”, autoria do próprio Stroger. Um bluesão embalado num riff de baixo contínuo e cheio de groove, que lhe põe naquele limiar entre o blues e o rock. Esta, comporia outro episódio importante horas depois...

"Don't You Lie To Me" - Bob Stroger - Mississipi Delta Blues Festival 2015

Sherman Lee Dillon, pura energia.
Tinham mais coisas a se aproveitar ainda. Noutro palco, o Bus Stage, iriamos conferir o nosso amigo Cokeyne Bluesman (Beto Petinelli, ex-Cascavelletes), que havia reunido uma galera especial para uma das apresentações. E olha: que apresentação! Disparado a mais empolgante da noite e que, mesmo não estando num dos palcos principais, ensandeceu o público que assistia. Que energia que saída dali, a ponto de as pessoas serem tomadas por ondas de euforia, respondidas pelos músicos e vice-versa. A química foi precisa: Cokeyne, referencial na guitarra solo e slide guitar; Lucas Chini, no baixo, um cabeludo psicodélico e tomado pela música que parecia ter se congelado no tempo, pois era tal um integrante de banda de rock-blues dos anos 60, uma Canned Heat ou The Band; e o norte-americano Sherman Lee Dillon, de quem se pode dizer apenas uma coisa: nossa! Aquele velhinho branco de camisa, calça social e quepe poderia ser, como bem Leocádia observou, o vendedor da banca da esquina ou o dono da tabacaria. Só que quando empunha a guitarra, sai de perto! É um furação em forma de blues.

Na bateria, Gutto Goffi.
Melhor amigo do saudoso B.B. King, Dillon, natural do Mississipi, mostrou ser um genuíno seguidor de Muddy Waters e Bo Diddley. Com sua harmônica e sua guitarra de metal, parecido com um banjo elétrico, ele incendiou o pequeno palco, pondo todo mundo pra se mexer. Uma das mais quentes foi a versão de “Maybelline”, clássico de Chuck Berry, que tocaram numa versão tão eletrizante quanto. Além disso, quem completava a banda na bateria era Guto Goffi, o baterista do Barão Vermelho, que estava ali animadíssimo tocando o que gosta e sem todo o aparato e multidões de que é acostumado. Cokeyne, o anfitrião, também não deixou por menos. Com solos arrebatadores, levantou a galera várias vezes, mesmo sem cantar como Dillon. Ainda teve a palhinha do músico gaúcho Andy Serrano, na gaita, o mesmo da banda de rockabilly que vimos anos atrás no Clube de Jazz Take Five, em Porto Alegre. Um empolgante e surpreendente show.

'Super Chikan' no palco principal do MDBF.
Entre uma programação e uma paradinha para comer, deu tempo de ver, no Moon Stage, palco principal, um bom pedaço da apresentação de outra das também principais atrações do MDBF desse ano: o norte-americano James "Super Chikan" Johnson, mais um filho do Mississipi. Outro arraso. O cara, que ganhou esse apelido na infância, quando ainda era jovem demais para trabalhar no campo e passava o seu tempo conversando com as galinhas, começou tocando o diddley bow, instrumento muito rudimentar que o ajudou a desenvolver sua capacidade de extrair sons de uma só corda. Essa forma de tocar é evidente em seu estilo, que aproveita ao limite uma sequência de notas, sempre com muito groove. Isso sem falar do característico grito que lança entre uma execução e outra imitando o cocoricó das galinhas com quem tanto conversava quando criança.

Eu com Rip Lee Pryor.
Voltando ao Front Porch Stage, pena que não deu tempo de assistir um pouquinho de outra lenda: o harmonicista Rip Lee Pryor (filho de Snooky Pryor), que ainda estava passando som e o pito na equipe técnica, que não acertava o que ele pedia. Na mesma hora – essas coincidências são inevitáveis, ainda mais para que foi em apenas um dos dias como nós – subiria no Magnolia Stage outra das que nos motivaram bastante a escolher por essa e não outra programação: a cantora Zora Young. Igualmente produto do Delta do Mississipi, é daqueles vários artistas de blues cujas famílias, depois da 2ª Guerra, migraram para Chicago em busca de novas oportunidades. Criada dentro das igrejas gospel, foi tomando com o passar do tempo gosto pelo Rhythym n' Blues a ponto de não o largar mais. A explicação talvez esteja no sangue: Zora tem em sua árvore genealógica uma das lendas do blues, Howlin' Wolf. No festival, ela mandou ver num show pulsante e dançante, com sua poderosa voz rouca muito trabalhada nos corais religiosos e nos pubs de blues. Interagindo com a plateia, Zora e sua banda fizeram um espetáculo daqueles que não dá vontade de sair mais (tanto que, quando vimos, já tinha acabado o de Pryor), com repertório de primeiríssima qualidade, solos afiadíssimos e, claro, a excelência da voz de Zora.

A divina cantora de raízes gospel e rythm'n blues,
Zora Young e o privilégio de ter na banda Stroger, ao fundo.
Mas por falar na banda de Zora Young, aqui vai aquela parte que havia ficado faltando sobre “Blind Man Blues”, de Bob Stroger. Aconteceu que, com receio de que sobrasse para nós algum daqueles esporros de Rip Lee Pryor com a equipe, saímos logo do Front Porch Stage e chegamos minutos antes para assistir Zora. Porém, para nossa surpresa quem sobre no palco são três músicos mais... Bob Stroger! ”Ué, será que mudaram o lugar do show dela?”, pensamos. Fomos perguntar a um rapaz do staff e ele nos confirmou que era ali, sim, o show da cantora. Pois não é que Stroger, nos seus já mencionados (mas que não custa relembrar) 85 anos foi, horas depois de ter aberto o festival, formar a banda de Zora Young? Na maior simplicidade e humildade. Coisa de músico de verdade. Já no final da noite, ele abriu com a mesma música que já tinha tocado no outro palco para depois tocar, como apenas mais um integrante, mais uma hora e meia – sem se sentar nem pedir água. Pelo contrário: no centro do palco, estava lá ele postado, elegante em seu terno risca de giz e chapéu, abrilhantando ainda mais o show da companheira de blues.

"The Thrill Is Gone"/ "I'm Freee" - Zora Young - Mississipi Delta Blues Festival 2015

Foi o próprio Bob Stroger que disse se sentir em casa. Sentimento compartilhado com muita gente ali, entre músicos e espectadores, que fazem o MDBF crescer a cada ano, sempre com a expectativa pela edição seguinte. Eu mesmo já estou me vendo, lá em novembro de 2016, cantando para convencer Leocádia: “Oh, baby, don't you want to go? Back to the land of Caxias do Sul/ To my sweet home, festival?”
Front Porch Stage, "this is my house".