E ao contrário do que ia se desenhando, de que teríamos uma conciliatória partilha de prêmios entre os principais concorrentes, para que todo mundo saísse bem, sem nenhum destaque acima dos outros, eis que no último prêmio tudo mudou... Esse era bom naquilo, outro era bom em outra coisa, aquele outro era melhor em outra, e as estatuetas foram se pulverizando entre os indicados premiando os principais méritos de cada um, sem maiores contestações: "1917" levando fotografia; "Coringa", levando ator; "Ford vs. Ferrari" faturando os prêmios técnicos de impacto visual e sonoro, tudo no seu devido lugar a não ser, talvez, pela frustração do tricampeonato de roteiro original para Tarantino que era bem cotado na categoria, mas mesmo assim, nenhum absurdo. Mesmo se "1917" ganhasse, ao final a estatueta de melhor filme e se isolasse numericamente à frente, se "Coringa" ou "Era Uma Vez Em... Hollywood" tivessem levado seu terceiro prêmio e causado um tríplice empate, as hierarquias dos prêmios até então distribuídos, não teriam feito de nenhum deles o vencedor absoluto, mesmo com o carimbo de MELHOR FILME. Mas a decisão da categoria principal em favor de "Parasita" deu um significado diferente a tudo isso. Não é a questão de ter ganho quatro e o outro ganho três... Vencendo o Oscar de melhor filme, "Parasita" não deixou margem de dúvidas de que era, dentre aqueles, o melhor em tudo. Se a sua direção é a melhor, se o seu roteiro é o melhor, se já é reconhecido como melhor filme internacional, a aclamação na categoria principal faz do filme um dos vencedores mais incontestáveis dos últimos tempos no Oscar. Ganhar Palma de Ouro e Oscar de filme estrangeiro alguns já conseguiram, ganhar Palma de Ouro e Oscar de melhor filme, só um havia conseguido até hoje, "Marty", de 1955, mas ganhar o prêmio principal de Cannes, o Oscar de filme estrangeiro e a categoria principal da Academia, sem falar em direção e roteiro, é absolutamente inédito e só demonstra o quanto "Parasita" tem méritos que nem a habitual politicagem de Hollywood foi capaz de ignorar. No mais, a cerimônia teve dois belíssimos números musicais, um com Janelle Monàe, na abertura e outro com Sir. Elton John executando a canção pela qual ganhou o Oscar pelo sua própria cinebiografia, "Rocketman", um discurso forte e inspirado de Joaquin Phoenix ao receber seu prêmio pela atuação em "Coringa", e o belíssimo e humilde reconhecimento do vencedor da categoria de direção, o sul-coreano Bong Joon-Ho, a Martin Scorsese, que pelo menos serviu como consolo pelo fato de seu filme candidato em dez categorias "O Irlandês" ter saído de mãos vazias. Se houve um certa chiadeira pelo fato de mulheres e negros não terem merecido a devida atenção nas indicações, a Academia, ao que parece tentou compensar em premiações como as de "Hair Love", sobre cabelos afro, como curta de animação, e "Learning to sobreviver in a warzone (If you're a girl)", sobre garotas superando barreiras e preconceitos para praticar seu esporte, na categoria documentário em curta-metragem, e, a propósito de documentário, como era esperado, não foi dessa vez que o Brasil, levou um Oscar com o importante porém fraco "Democracia em Vertigem". "Parasita" fez história! Se em vários anos anteriores a Academia via filmes estrangeiros superiores aos hollywoodianos e não tinha a coragem de dar os dois prêmios para o convidado de fora da festa, fazendo aquela mediazinha, dividindo irmanamente os louros da glória entre "nós" e "vocês", desta vez parece que foi impossível não se render ao que veio de fora. Parece que finalmente um corpo estranho que vinha se desenvolvendo invadiu definitivamente o sistema imunológico de Hollywood. Os estrangeiros chagaram e se alojaram por lá. Mas ao contrário de um parasita, não estão ali para tirar. Pelo contrário, tem muito a dar ao cinema americano. Confira abaixo a lista dos vencedores em todas as categorias:
Melhor roteiro original: Parasita
Melhor roteiro adaptado: Jojo Rabbit
Melhor longa de animação: Toy Story 4
Melhor curta-metragem de animação: Hair Love
Melhor curta-metragem: The Neighbor's Window
Melhor direção de arte: Era Uma Vez em... Hollywood
Melhor figurino: Adoráveis Mulheres
Melhor documentário: American Factory
Melhor documentário em curta-metragem: Learning to sobreviver in a warzone (If you're a girl)
Melhor edição de som: Ford vs. Ferrari
Melhor mixagem de som: 1917
Melhor fotografia: 1917
Melhor montagem: Ford vs. Ferrari
Melhores efeitos visuais: 1917
Melhor maquiagem e penteado: O Escândalo
Melhor filme estrangeiro: Parasita
Melhor trilha sonora original: Coringa
Melhor canção original: (I'm gonne) Leave me again - Rocketman
Melhor direção: Bong Joon Ho - Parasita
Melhor ator caodjuvante: Brad Pitt (Era Uma Vez em... Hollywood)
Melhor ator: Joaquin Phoenix (Coringa)
Melhor atriz coadjuvante: Laura Dern (História de um Casamento)
E deu Fernanda Torres no Globo de Ouro! Fernanda levou o prêmio de Melhor Atriz em Filme de Drama por sua atuação no lindo "Ainda Estou Aqui", de Walter Salles Jr., esse fenômeno de bilheteria no Brasil que vem emocionando plateias ao redor do mundo. Confirmando as expectativas de alguns (e contrariando as dos pessimistas), a atriz brasileira, que interpreta Elaine Paiva no filme, atinge esse feito histórico e cheio de significado para o Brasil com totais méritos mas não sem dificuldades. Afinal, ela concorria com, pelo menos, quatro grandes e premiadas atrizes muito mais "internacionais" que uma sul-americana como ela: as britânicas Tilda Swinton e Kate Winslet, a norte-americana Angelina Jolie e a australiana Nicole Kidman - além da "porn celebrity" Pamela Anderson, que passa longe de ser "grande atriz".
Repetindo o feito histórico de sua mãe, a grandiosa Fernanda Montenegro, indicada ao mesmo prêmio em 1999 e que levou com Waltinho o de Melhor Filme em Língua Não-Inglesa por "Central do Brasil" naquele ano, a vitória de Fernanda, para além do eficiente marketing que Sony Pictures vem investindo em "Ainda Estou Aqui" no mercado norte-americano, reforça aquilo que, a partir de agora, tornou-se o próximo objetivo a ser alcançado: o Oscar.
Neste caso, o buraco é mais embaixo, mas não impossível. Enquanto os indicados ao Oscar não saem, o que deve ocorrer em 17 deste mês, há duas hipóteses visíveis. Uma delas, é Fernanda, sendo realmente indicada, disputar diretamente com Demi Moore, forte concorrente pelo ótimo "A Substância". No Globo de Ouro, esse embate não ocorreu, pois ambas estavam em categorias diferentes, sendo que Demi, na de Melhor Atriz em Filme de Comédia ou Musical, também foi premiada. Ou seja: em relação a Nicole, Tilda, Angelina e Kate, outras possíveis indicadas, Fernanda já largou uma cabeça à frente. Falta ver agora se terá fôlego pra ultrapassar Demi no páreo.
Há um fator que, curiosamente, pode contribuir positiva ou negativamente: a conquista de sua mãe anos atrás. Naquele feita, a Academia do Oscar valeu-se da indicação de Fernandona por seu papel de Dora em "Central..." e a premiação do mesmo (também de Walter Salles, informações essencial) como salvo-conduto para não premiar uma "não-americana". Embora merecesse - a própria Gwyneth Paltrow, vencedora daquele Oscar, concordava com isso -, a brasileira teve de se contentar com o Globo de Ouro., jamais previsto a uma senhora de um país exótico diante das figuras estelares de Hollywood àquela época. No caso de Fernanda Torres, essa correlação com a mãe é também favorável, pois os norte-americanos gostam de valorizar a ancestralidade - como produto, claro.
Por outro lado, por mais que se precise fazer algum esforço para acreditar que o pessoal do Oscar evoluiu de lá para cá - haja vista os reconhecimentos a atrizes estrangeiras como a nipônica Michelle Yeoh, em 2023, para se centrar nessa categoria -, é possível que uma visão mais moderna (e equânime) dos tempos atuais favoreça Fernanda. Afinal, a conquista do Globo de Ouro sempre foi um indicativo a qualquer vencedor de que este é um forte candidato ao Oscar. Isso, mais o lobby da Sony, o prestígio e a carreira internacionais de Waltinho, o espelhamento com o que já acontecera com "Central...", a pré-indicação de "Ainda..." ao Oscar de Melhor Filme Internacional e, principalmente, a força da atuação de uma atriz já reconhecida internacionalmente (vale lembrar que Fernanda Torres é Palma de Ouro em Cannes por "Eu Sei que Vou te Amar", de 1986) dão a ela totais condições de superar Demi. Talvez o filme em si seja o favorito para que o Brasil vença o Oscar, mas, na prática, é bastante cabível pensar que Fernanda também posso levar.
Resta agora saber se a Academia permitirá que se faça justiça nessa corrida "cabeça a cabeça" entre Fernanda e Demi.
Confira a lista completa dos vencedores do Globo de Ouro 2025:
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Melhor Filme (Drama)
O Brutalista
Melhor Filme (Musical ou Comédia)
Emilia Pérez
Melhor Diretor
Brady Corbet, O Brutalista
Melhor Ator (Drama)
Adrien Brody, O Brutalista
Melhor Atriz (Drama)
Fernanda Torres, Ainda Estou Aqui
Melhor Ator (Musical ou Comédia)
Sebastian Stan, Um Homem Diferente
Melhor Atriz (Musical ou Comédia)
Demi Moore, A Substância
Melhor Ator Coadjuvante (Musical, Comédia ou Drama)
Kieran Culkin, A Verdadeira Dor
Melhor Atriz Coadjuvante (Musical, Comédia ou Drama)
Zoe Saldaña, Emilia Pérez
Melhor Roteiro
Conclave
Melhor Filme em Língua Não Inglesa
Emilia Pérez
Melhor Filme de Animação
Flow
Melhor Canção Original
El Mal, Emilia Pérez, música e letras de Clément Ducol, Camille e Jacques Audiard
Melhor Trilha Sonora Original
Rivais
Maior realização cinematográfica e em bilheteria
Wicked
Melhor Série Dramática
Xógum: A Gloriosa Saga do Japão
Melhor Série de Comédia ou Musical
Hacks
Melhor Série Limitada, Antologia ou Filme para TV
Bebê Rena
Melhor Ator Em Série Dramática
Hiroyuki Sanada, Xógum: A Gloriosa Saga do Japão
Melhor Atriz Em Série Dramática
Anna Sawai, Xógum: A Gloriosa Saga do Japão
Melhor Ator em Série Musical ou Comédia
Jeremy Allen White, O Urso
Melhor Atriz em Série Musical ou Comédia
Jean Smart, Hacks
Melhor Atriz Coadjuvante (Musical, Comédia ou Drama)
Jessica Gunning, Bebê Rena
Melhor Ator Coadjuvante (Musical, Comédia ou Drama)
Tadanobu Asano, Xógum: A Gloriosa Saga do Japão
Melhor Ator (Série Limitada, Antologia ou Filme para TV)
Colin Farrell, Pinguim
Melhor Atriz (Série Limitada, Antologia ou Filme para TV)
Alfred Hitchcock, um dos maiores e mais influentes cineastas de todos os tempos na história do cinema, curiosamente nunca ganhou um Oscar de melhor diretor. No entanto, um filme seu foi agraciado com a honra máxima da Academia, o Oscar de melhor filme: "Rebecca, A Mulher Inesquecível", de 1940. E não é que me vem um sem-noção e tenta dar sua versão exatamente o filme mais premiado de Hitchcock? Refilmar um Hitchcock qualquer já é uma ousadia corajosa, refilmar "Rebecca...", então, é pedir pra cair nas comparações e fracassar rotundamente.
"Rebecca, A Mulher Inesquecível" pode não ser seu maior filme, seu trabalho mais conhecido, sua obra-prima, mas é um daqueles filmes impecáveis, preciso, perfeito em todos os detalhes, tipo aquele time certinho, ajustado em cada setor. Não entra pra história pelo belíssimo futebol, pela vistosidade, mas garante seu nome entre os grandes esquadrões pela competência e pelos troféus no armário. Mas engana-se quem possa pensar que "Rebecca" não é impressionante. Se é menos marcante numa comparação com um "Janela Indiscreta", "Psicose", ou "Um Corpo que Cai", é inegável, no entanto, que possua todos os méritos para ter alcançado, em relação a esses badalados clássicos, o ineditismo de um Oscar de melhor filme na filmografia do Mestre do Suspense.
Em "Rebecca", uma jovem dama de companhia de uma ricaça, numa temporada em Monte Carlo, conhece um milionário abalado pela morte trágica da esposa. Mesmo ainda se recuperando do trauma, o viúvo, Maxim De Winter, sentindo-se revitalizado, reanimado depois de tudo que passara, se envolve com a garota e casa-se com ela, lá mesmo no Principado.
Ele a leva para sua residência, a suntuosa mansão Manderlay, na Inglaterra, mas lá a esposa não consegue ter paz no casamento uma vez que a sombra da falecida, Rebecca, parece estar em tudo e em todos os lugares da casa. Sensação que é reforçada e ainda mais agravada pela presença quase sinistra da governanta, sra. Denvers, fiel e devotada servidora, mesmo depois da morte da patroa. Só que aos poucos percebemos que há alguma coisa de errada com a tal morte... Ninguém quer falar muito a respeito, o marido age estranho, a empregada esconde alguma coisa, aparece um "primo" misterioso e o tal naufrágio da qual Rebecca fora vítima revela-se um incidente meio meio mal explicado e repleto de interrogações.
"Rebecca, A Mulher Inesquecível" (1940) - trailer
"Rebecca, A Mulher Inesquecível" (2020) - trailer
Hitchcock mais uma vez fazia o que costumava fazer com maestria: induzir o espectador por caminhos errados, confundir um pouco a nossa percepção inicial. Sugere algo sobrenatural, como em "Um Corpo que Cai" e "Psicose", introduz um mistério, nos enrola, cria o suspense, nos revela razões erradas, vai trazendo novas informações, para tudo culminar, no fim das contas, num thriller policial.
A nova versão tem a trama absolutamente igual e, por seu turno, não acrescenta em nada. Não é melhor tecnicamente, não tem um diretor à altura, não tem atores melhores e, no mínimo que se arrisca em ousar, não tem sucesso ou não dá ganho algum. Lily James até é boa atriz, faz bem seu papel como a nova sra. De Winter, mas diante da atuação de Joan Fontaine, indicada para o Oscar, na época, sua performance é simplesmente pulverizada. Joan Fontaine está magnífica! Ela é tímida, insegura, tem aquela postura curvada de quem se sente diminuída, não consegue fixar o olhar no interlocutor, não sabe o que fazer com as próprias mãos e as mexe nervosamente, é sufocada pela imponência da casa, e fica reduzida a um ratinho diante da intimidadora governanta.
Quanto a Lawrence Olivier, salvo toda sua fama, seu título de Sir da Coroa Britânica e coisa e tal, pra mim é o típico canastrão hollywoodiano e, particularmente, apesar de seu Oscar na prateleira por Hamlet, e seu caminhão de indicações, nunca fui muito seu fã. Mas, tenho que reconhecer que, além da comparação inglória com o zé-ninguém que interpreta De Winter no remake, Armie Hammer, desta vez ele me convenceu. Faz o tipo galante quando precisa, é jovial nos momentos de descontração, especialmente nas cenas em Mônaco, mostra-se convincentemente atormentado pelos acontecimentos que levaram à morte de Rebecca, e piedosamente vulnerável quando os acontecimentos parecem mudar de rumo.
E o que dizer da governanta, sra. Denvers? A antiga, interpretada por Judith Anderson, que também fora indicada ao Oscar pelo trabalho, parece uma assombração, uma presença maligna, uma alma penada, um urubu, sempre de preto, postura quase estática, movimentos mínimos, olhar frio e impassível. Kristin Scott-Thomas, da nova versão, é ótima atriz, até vai bem no papel, mas fica reduzida a pó diante do desempenho de Judith Anderson.
A direção de arte do remake é competente, recria bem a Monte Carlos dos anos 40, tudo é caprichadinho, ele ousa numa montagem mais ágil (o que não ajuda muito), a fotografia até é boa, um pouco colorida demais para o meu gosto, ok, mas, mesmo nisso, não teria como bater a que fora, inclusive, reconhecida com um Oscar? A força estética do preto e branco, o jogo de luz e sombras, os penhascos à praia, a perspectiva dos corredores da mansão, a imponência de Manderlay... Tudo imbatível!
Não tem como disputar.
O time de Hitchcock começa metendo 1x0 nos primeiros minutos na cena em que a jovem dama de companhia conhece o milionário, à beira de um penhasco, possivelmente prestes a um suicídio. A acrofobia induzida pela posição da câmera, a expectativa pela ação daquele homem, a iniciativa (talvez) salvadora da garota e, ali, o início da relação dos dois, constituem uma baita jogada do mestre do suspense e tira o primeiro zero do placar. Ben Wheatley, por sua vez, talvez tendo noção de que não conseguiria reproduzir algo tão espetacular, abre mão da cena, começando sua trama diretamente no hotel.
Manderlay, a mansão, uma casa que parece ter vida própria, que em determinado momento chega a parecer assombrada, impressiona por sua imponência sombria e opressora, quase como um personagem à parte, muito mais no primeiro filme, do que no remake, que não lhe confere tamanha relevância. Gol de Manderlay: 2x0, no placar.
Joan Fontaine (craque) desequilibra. Joga demais! A fragilidade, a timidez, a insegurança, a humildade da personagem, a impotência diante da onipresença de Rebecca em tudo naquela casa, a paixão nos olhos diante do misterioso marido... É gol! Mais um pro time de Hitchcock.
Sir Lawrence Olivier, aquele craque contratado pra dar aquele brilho no meio-de-campo, o cara da jogada requintada, também guarda o dele. 4x0 para "Rebecca" (1940). E Judith Anderson, além de não deixar passar nada na defesa (na defesa dos interesses da antiga patroa), por sua atuação de luxo, vai ao ataque, também marca o dela e, literalmente) incendeia a torcida!
A favor do novo, Sam Rilley, se sai melhor como o primo Jack Favell do que George Sander do original; a parte do inquérito, depois da descoberta do barco de Rebecca, funciona melhor no remake; e a subtrama, dos interesses por trás do conluio de Favell com a governanta Denvers, fica um pouco mais clara na nova versão. Ok..., tudo isso, somado, dá um golzinho para o time de 2020, mas aí a casa já caiu (literalmente).
Baile de gala! 5x1 para 'Rebecca" de 1940.
Vários momentos dos dois filmes: (à esquerda, Rebecca, de 1940; à direita, o de 2020) 1. Manderlay, a suntuosa mansão, bem mais sombria e ameaçadora na visão de Hitchcock; 2. O interior da casa e a iluminação proposta por cada diretor; 3. A sra. Denvers, a sinistra Judith Anderson (esq.) e Kristin Scott Thomas, à direita, um pouco mais humana; 4. A governanta atormentando a vida da nova patroa, nas duas versões; 5. Nosso adorável casalzinho; 6. Mesmo com o filme levando o nome de Rebecca e tudo girando em torno dela, nossa protagonista é a adorável personagem sem nome: à esquerda, Joan Fontaine, brilhante, e à direita, Lily James, apenas competente.
Se o filme de Hichcock chama-se "Rebecca, a mulher inesquecível",
o da Netflix, poderia, perfeitamente, se chamar "Rebecca, o filme dispensável".
Os road movies guardam uma magia especial. Às vezes, filmes que num primeiro momento se mostram simples, ganham uma nova dimensão a partir do ponto em que se identificam como “filmes de estrada”. O iraniano “Onde Fica a Casa do Meu Amigo?” ou o norte-americano “O Espantalho” são dois bons exemplos de filmes que começam de uma forma e, a partir de determinado momento, põem-se em direção a um novo, inesperado e simbólico caminho. Ocorre que, às vezes também, justamente por conter essa aura diferenciada, um filme desta categoria excepcional, geralmente mais restrito ao público cinéfilo, é reconhecido – caso dos mencionados “O Espantalho”, Palma de Ouro em Cannes, em 1973, e de “Onde Fica...”, Leopardo de Bronze em Locarno, em 1989. Pois que outro road movie recentemente fez valer a sua magia, e em pleno Oscar, o maior evento do cinema mundial. O cativante “Green Book – O Guia”, de Peter Farrelly, venceu grandes concorrentes contando uma história pequena e centrada basicamente em dois personagens (quase a ponto de não distinguir quem é protagonista ou co), mas fazendo-o com a luz peculiar dos road movies, conquistando, assim, o Oscar de Melhor Filme. E merecidamente.
A principal premiação do Oscar a “Green Book”, entretanto, rendeu controvérsia. Desbancando favoritos como “Bohemian Rhapsody”, “A Favorita”, “Nasce uma Estrela” e, principalmente, “Infiltrados na Klan”, o filme, estrelado por Viggo Mortensen e Mahershala Ali, foi classificado por alguns como o pior filme a receber tal prêmio em 14 anos. A referência cronológica faz alusão a outro título contestado mas ganhador da mesma estatueta, o cult “Crash – No Limite”, de 2005, também um filme “pequeno” e, assim como o vencedor deste ano, peculiar não por ser um road movie, mas uma “trama coral”, algo ainda mais exótico ao grande público desacostumado com qualquer outra abordagem cinematográfica que não a da grande indústria.
Friamente analisando, não só “Crash” quanto “Green Book” passam longe de serem filmes desprezíveis quanto, principalmente, trazem um sopro diferente à Academia e ao que ela representa para o cinema mundial. E aí é que está o incômodo a quem lhes torce o nariz. A partir de uma abordagem sensível e humanista, “Green...” conta a história real de Tony Lip (Mortensen), um dos maiores fanfarrões de Nova York, que precisa de trabalho após sua discoteca fechar. Ele conhece um pianista famoso de jazz clássico, Don Shirley (Ali), que o convida para uma turnê na qual viajarão pela região Sul dos Estados Unidos, passando por várias cidades. Enquanto os dois se chocam no início por conta das diferenças raciais, culturais e sociais, um vínculo finalmente cresce à medida que viajam juntos.
Sintonia entre Ali e Mortensen: essencial para a narrativa
A direção segura de Farrelly (do ótimo "Eu, Eu Mesmo e Irene", de 2000) dá ao filme uma alta coesão, que faz o andamento manter-se interessante do início ao fim. Até aquela tradicional “barriga”, da qual o modelo de roteiro do cinema comercial dificilmente escapa, principalmente, na parte entre a “confrontação” e a “resolução” da trama, “Green...” consegue evitar. Isso muito se deve, contudo, à afinidade da dupla de atores, de brilhantes atuações. Ali, não à toa, levou o Oscar de Ator Coadjuvante – sua segunda estatueta na carreira (havia ganhado a de Ator por “Moonlight”, em 2017) –, e Mortensen, que não ganhou, pois tinha como concorrentes dois gigantes: Christian Bale, por “Vice”, e o que se sagrou vencedor, Rami Malek, por “Bohemian...”. A cumplicidade que ambos os atores obtém faz com que a relação dos personagens que interpretam, um negro da alta classe e um branco de classe baixa, algo improvável para um Estados Unidos dos anos 60, torne-se crível mesmo diante da fácil possibilidade de errar no tom desta construção simbólica. Isso pode passar batido aos olhos preconcebidos dos detratores, mas tal sintonia entre os atores é resultado da habilidade do diretor, algo que, quando mal conduzida, pode comprometer uma boa história ou um filme por inteiro.
Duas hipóteses são passíveis de se levantar para quem não tenha gostado da premiação de “Green...” ante outros títulos concorrentes na mesma categoria. A primeira se refere à pecha de “Green...” ser uma obra “menor” – ressalva esta, diga-se, que não se ouviu quando da indicação do filme, ou seja, este foi estranhamente reprovado somente quando a frustração da não conquista de outros títulos concorrentes foi confirmada. Ora, tal adjetivo, quando entendido como um filme mais enxuto orçamentalmente e sem a grandioculência costumeira de Hollywood, não é justificativa para que o mesmo não mereça ser premiado. Afinal, um bom filme é aquele que conta bem uma história, independente se se trata de uma saga homérica ou um diminuto drama íntimo. Claro que para quem está acostumado a ver blockbusters como “Senhor dos Anéis”, “Gladiador” ou “Titanic”, filmes como “Green...”, cuja abordagem é mais europeia, pois sensível (mesmo que sobre o modelo de roteiro hollywoodiano), soam estranho. De certa forma, “Birdman”, “O Artista” e “Moonlight”, alguns dos últimos vencedores do Oscar de Melhor Filme em virtude dessa nova mirada que a Academia vem tentando dar à premiação nas duas últimas décadas, também sofreram críticas por distanciarem-se cada um a seu modo do tradicional e muitas vezes batido – e por que não dizer cansativo – “cinemão”.
Ali recebeu o Oscar de Melhor Coadjuvante pelo papel, seu segundo na carreira
A segunda análise que pode ser feita quanto à não aceitação de “Green...” refere-se, claro, ao tema central do filme: o preconceito racial. A questão está em alta nos últimos anos e em especial, neste último Oscar. Ao mesmo tempo em que concorriam “Pantera Negra”, a ode ao africanismo, e que profissionais negros destacaram-se como nunca antes, por sorte ou azar, “Green...” veio na mesma leva de “Infiltrados...”, o libelo antirracista do genial Spike Lee. O cineasta e ativista saiu insatisfeito da premiação por não ter levado a estatueta com o seu filme (ganhou, e merecidamente, a de Melhor Roteiro Original, quando proferiu um discurso engajado e reflexivo sobre a condição do negro), mas também por discordar da abordagem que “Green...” dá à questão. Certamente, Spike, que construiu sua carreira sobre um discurso justificadamente radical de enfrentamento a quem mantém o sistema racista e excludente da sociedade norte-americana, desagrada-se da linha humanista e agregadora que “Green...” sustenta – provavelmente, por considerar essa lógica ineficiente e retroalimentadora do racismo estrutural.
Discordâncias à parte, o fato é que “Green...” encanta e emociona, e o faz por que trata o racismo, mesmo com todos os desafios evidenciados durante a trajetória de Don e Tony pelas estradas norte-americanas, num nível mais “avançado” de entendimento do preconceito racial, ou seja, aborda o tema a partir de uma mentalidade em que as ideias atrasadas e injustificáveis que sustentam as diferenças entre as raças já estejam superadas em suas fases mais intransponíveis. Se a sagração de “Green...” surpreendeu por se supor que a preferência é sempre dos campeões de bilheteria, igualmente fica a sensação positiva de um certo alento ao se fazer a escolha pela ótica de uma obra que enaltece a compaixão. Isso, em épocas tão amargas de governo Trump e ascensão de extremas-direitas no mundo, é sutil, mas tão importante quanto o “Fight the Power” de Spike Lee.
Até os momentos finais do filme, meu texto teria um tom mais alegre. Reflexivo, sim, mas ainda assim positivo. Mas meus amigos, acho que minhas esperanças estão indo embora. Mas, a propósito,... que baita filme!
Em 1978, Ron Stallworth, um policial negro do Colorado, conseguiu se infiltrar na Ku Klux Klan local. Ele se comunicava com os outros membros do grupo através de telefonemas e cartas e, quando precisava estar fisicamente presente, enviava um outro policial branco no seu lugar. Depois de meses de investigação, Ron se tornou o líder da seita, sendo responsável por sabotar uma série de linchamentos e outros crimes de ódio orquestrados pelos racistas. “Infiltrado na Klan” algumas vezes acaba pendendo para um lado cômico demais ao retratar alguns personagens, até aliviando um pouco o peso de suas atitudes erradas, fazendo até parecer que não seriam pessoas tão más (E SIM, SÃO, SIM) e, sim, apenas idiotas (SIM. SÃO ISSO TAMBÉM). Mas com uma direção segura, mesmo nesses momentos onde o humor parece exagerado percebemos que Spike Lee o está fazendo propositadamente para que o impacto no final seja ainda maior. Lee não perde a oportunidade de fazer um discurso forte, político e de posicionamento bem claro. Se é isso que espectador espera dele num filme como esse, é exatamente isso que ganha.
As impactantes e divertidas ligações de Ron para a KKK.
Adam Driver, que faz Flip Zimmerman, é o personagem que mais evolui ao longo da trama, o que mais sofre mudanças, mudando sua percepção de si mesmo e do mundo à sua volta, destacando-se bastante exatamente por conseguir transmitir isso de manira bastante convincente. John David Washington, como Ron Stallworth, é outro que está superbem. Sua veia cômica e incrível mas se sai muito bem, igualmente, nas cenas mais sérias e tensas mantendo um bom equilíbrio.
Ainda que a evolução do personagem Flip chamem atenção e suas cenas infiltrado serem bem tensas, como a da reunião da KKK, por exemplo, gosto bastante também das cenas em que fica evidente o desconforto interno que o personagem passa por estar naquele ambiente e ainda assim ter que manter a tranquilidade. Porém é obvio que as cenas fortes são as mais impactantes. Temos o segundo discurso para universitários negros relatando um caso de violência, com fotos e fazendo referência ao filme “Nascimento de uma Nação”(1915), e, especialmente, os 5 minutos finais do longa que, meu amigo e minha amiga, são de chorar. Prepare seu psicológico senão você vai desabar.
Um filme que cumpre todos os objetivos: é muito bem, diverte, e nos faz refletir. Não tenho intenção de influenciar as pessoas positivas mas, após assistir ao filme e chegar ao seu final, eu fiquei pessimista quanto ao nosso futuro próximo. Espero estar errado. Spike Lee mostra mais uma vez que é genial. Atira para todos os lados e acerta em todos.
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Merece mas não leva porDaniel Rodrigues
Patrice Dumas (Laura) e Ron Stallworth (Washington):
par no romance e no ativismo
Não é tarefa fácil contar uma história passada há mais de 40
anos e atá-la com a realidade atual com incisão. Ainda mais quando o enredo
toca em questões delicadas e polêmicas, como racismo e os direitos civis. Pois
o experiente Spike Lee conseguiu esse feito com “Infiltrados na Klan” (2018),
seu novo filme, pelo qual recebeu, com décadas de atraso, a primeira indicação
ao Oscar de Melhor Diretor. No centro da trama: a ação nazifascista da Ku Klux
Klan em meados dos anos 70. Com isso em mãos, o cineasta (que assina ainda o
Roteiro Adaptado, pelo qual também é indicado, igualmente em Filme) expõe o quanto não se evoluiu o
suficiente neste aspecto na sociedade norte-americana – ou o quanto se
retrocedeu. O resultado é um dos melhores filmes da extensa e referencial
filmografia do autor de “Faça a Coisa Certa” e “Febre da Selva”, aliando entretenimento, cinema de arte e registro documental.
Em 1978, Ron Stallworth (John David Washington), um policial
negro do Colorado, consegue, incrivelmente, se infiltrar na Ku Klux Klan local.
Ele se comunica com os outros membros do grupo através de telefonemas e cartas,
mas quando precisa estar fisicamente presente, envia outro policial branco no
seu lugar, o colega Flip Zimmerman (Adam Driver, concorrente ao Oscar de Ator Coadjuvante).
Depois de meses de investigação, Ron se torna, ainda mais absurdamente, o líder
da seita, sendo responsável por, às escondidas, sabotar uma série de
linchamentos e outros crimes de ódio orquestrados pelos racistas. As coisas se
complicam, contudo, quando ele se envolve com a ativista Patrice Dumas (Laura
Harrier), alvo do grupo extremista por sua atividade militante.
Spike Lee, como ocorre com todo negro que consegue se
destacar nos Estados Unidos, é produto da dor. Angela Davis, Martin Luther King, Louis Armstrong, Muhammad Ali e Jean-Michel Basquiat são exemplos de
afrodescendentes que, com talento e, principalmente, perseverança, não apenas
passaram por cima das dificuldades impostas em uma nação institucionalmente
racista para trazerem a público suas contribuições como têm, justamente, o
objeto de suas ações focado nesta causa. Lee, desde o curta “The Answer”, de
1980, é afetado pelo totalmente justificável sentimentos de reação. Crítico da
sociedade em que vive, ele trilhou muitas vezes pelo caminho do combate ao
racismo e ao direito à cidadania das “minorias” em suas obras, tornando-se um
ícone ativista. Em “Infiltrados...”, não é diferente, mas o recado político é
dado de forma mais inteira.
O tempo parece ter ajudado a melhorar o discurso de Lee e
lhe trazido, aos 61 anos de vida e mais de 40 atrás das câmeras, maior
maturidade. “Infiltrados...” é uma prova disso. Unindo os elementos
característicos de seu estilo – cenas de ação, humor ácido, romance, resgate
histórico e, claro, crítica social – o filme tem provavelmente sua mais bem
conduzida direção, acertando em ritmo, contrastes narrativos, estética e no
próprio discurso. Divertido e empolgante, concilia a representação ficcional e
os elementos documentais por meio da edição de Barry Alexander Brown, outro
concorrente ao Oscar nessa categoria. O filme dá, assim, um claro recado ao
expectador de que o cinema pode ser tanto entretenimento quanto campo de
discussão, pois a realidade é, acima de tudo, muito mais brutal e impiedosa.
Isso tudo, aliado a diálogos impagáveis (como as ligações de Ron para o líder
da KKK, Michael Buscemi), direção de arte competente (Marci Mudd), que faz boas
referências à Blackexplotation, e, igualmente, a trilha sonora (também indicada
a Oscar). “Infiltrados...”, assim, guarda a contundência peculiar de Lee, porém
com um controle absoluto do tom narrativo que os anos lhe trouxeram.
Lee no set com o ator Adam Driver,
que como ele, também concorre ao Oscar
Com um delay de 30 anos, entretanto, veio a Lee a indicação
ao Oscar de Melhor Direção. E o pior: ele não deve ganhar. Mesmo com as recentes
presenças de outros cineastas negros nesta categoria, como Jordan Peele, Steve
McQueen e Barry Jenkins (estes dois últimos, vencedores pelos filmes que
realizaram, “12 Anos de Escravidão” e “Moonlight”, respectivamente, mas não pela
direção), a falta do nome de Lee em outras edições vem se somar às igualmente
injustificáveis ausências de Don Cheadle por seu “Miles Ahead” ou de Antoine
Fuqua por “Sete Homens e um Destino”, ambos em 2016. A explicação para isso é
bem menos devido à proporcionalidade de profissionais negros aptos, em menor
quantidade em comparação a cineastas de origem “não-africana” por motivos
histórico-sociais evidentes, e mais pela relutância de se enfrentar questões
espinhosas e maculáveis à imagem da democrática “América”. Afinal, quando se
fala de Spike Lee, essa premissa é totalmente refutável, uma vez que ele, um
dos mais talentosos cineastas de sua geração, é merecedor já de muito tempo.
“Faça...”, de 1989, um dos melhores filmes da história da cinematografia
norte-americana, e “Malcom X”, de 1992, outra realização impecável, são pelo
menos dois exemplos.
Em épocas de governo Trump e da ascensão da extrema-direita
em vários países – entre eles, o Brasil –, “Infiltrados...” é, assim, não
apenas essencial como necessário. As cenas finais mostrando as imagens reais
das passeatas neonazistas ocorridas recentemente em Charlottesville, na Virgínia, denotam a
urgência da obra. Porém, por melhor resultado que tenha obtido, Spike Lee
provavelmente não vencerá o Oscar ao qual concorre. A Academia, embora a visível
tentativa de maior arejamento nas duas últimas décadas, geralmente, quase que
por convenção, premia o diretor da produção que não leva o principal Oscar da
noite, o de Melhor Filme, numa estratégia de equilibro entre aqueles que,
geralmente, são os favoritos. Ou seja: pelas estimativas, este ano a coisa deve
ficar entre “A Favorita” (Yorgos Lanthimos) e “Roma” (Alfonso Cuarón), no
máximo “Vice” (Adam McKay).
A questão é que Spike Lee, o ativista e o artista,
representa justamente a injustificável venda nos olhos da Academia para com a
sua obra e, logicamente, para a questão do racismo e das injustiças sociais. Um
reflexo da sociedade norte-americana em formato de estatueta dourada. Em quase
40 anos de realizações, é sabido por que Lee nunca havia sido indicado: sua cor
e seu discurso, seu discurso e sua cor. Como ocorreu, por outros motivos, com
os Oscar para Scorsese, Chaplin e Hitchcock, a Academia relutou, relutou, mas
uma hora teve que dar o braço a torcer – ainda que quase tarde demais em alguns
casos. Por esta lógica, o desafio de Lee se faz imenso e ainda instransponível,
o que, em compensação, talvez só aumente a façanha de “Infiltrados...”.
Surpreendeu-me que a Academia de Artes Cinematográficas de Hollywood passasse por cima de alguns preconceitos e superasse seu tradicional conservadorismo e dando o prêmio principal para um filme mudo, francês e preto-e-branco. "O Artista", de Michel Hazanavicius, até era o favorito, mas particularmente não apostava que os velhos do Oscar tivessem essa ousadia em relação aos próprios conceitos. O filme francês levou o Oscar de melhor filme, e de quebra ainda os prêmios de direção, ator, trilha sonora e figurino. Não assisti ainda mas tenho muito boa expectativa. Parece que olhando para o passado a indústria cinematográfica americana projeta, quem sabe, coisas mais interessantes para o futuro num cenário que vinha se apresentando um tanto monótono nos últimos tempos.
Outro que ganhou as atenções da noite de premiação foi "A Invenção de Hugo Cabret", de um dos meus diretores favoritos, o americano Martin Scorcese, com seis estatuetas, mas que se concentraram mais nas categorias técnicas.
A barbada de atriz se confirmou com a vitória de Meryl Streep por "A Dama de Ferro" e o tão esperado Oscar brasileiro, que já estávamos nos contentando que fosse de música mesmo, acabou não vindo.
Confiram aí, abaixo, todos os ganhadores da noite do Oscar:
"O Artista", vencedor das principais categorias:
filme, direção e ator.
Melhor Filme O Artista
Melhor Diretor Michel Hazanavicius (O Artista)
Melhor Ator Jean Dujardin (O Artista)
Melhor Atriz Meryl Streep (A Dama de Ferro)
Melhor Ator Coadjuvante Christopher Plummer (Toda Forma de Amor)
Melhor Atriz Coadjuvante Octavia Spencer (Histórias Cruzadas)
Melhor Roteiro Original Meia-Noite em Paris
Melhor Roteiro Adaptado Os Descendentes
Melhor Trilha Sonora O Artista
Melhor Canção “Man or Muppet” (Os Muppets)
Melhor Filme Estrangeiro A Separação (Irã)
Melhor Animação Rango
Melhor Curta-metragem The Shore
Melhor Curta (animação) The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore
Melhor Fotografia A Invenção de Hugo Cabret
Melhor Direção de Arte A Invenção de Hugo Cabret
Melhor Figurino O Artista
Melhor Maquiagem A Dama de Ferro
Melhor Documentário (Longa) Undefeated
Melhor Documentário (Curta) Saving Face
Melhor Montagem Millennium – Os Homens Que Não Amavam as Mulheres
A campanha do Oscar está sendo a mais louca e acirrada dos últimos anos, o que tem favorecido alguns filmes e desfavorecido outros. Na categoria de Melhor Filme, muito se falou até então do favoritismo de “O Brutalista” e “Emilia Perez”, os dois de maiores nomeações da edição de 2025 da premiação (10 e 13 respectivamente). Porém, com a corrida maluca que se tornou o pré-Oscar deste ano (o que, inclusive, vem pondo o brasileiro “Ainda Estou Aqui” em boa posição nas categorias de Melhor Filme Internacional e Melhor Atriz), tanto um quanto outro andaram, por motivos vários, perdendo musculatura nas últimas semanas desde que os indicados foram anunciados. Nisso, acabaram dando espaço para que um terceiro filme viesse na contramão e despontasse como um novo candidato: “Anora”.
O “O Brutalista”, filmão típico hollywoodiano, drama histórico, longo, filmado em Panavision, perdeu credibilidade desde a descoberta do uso de inteligência artificial em algumas cenas. Já “Emilia Perez”, queridinho do público e crítica, passou a sofrer uma campanha de difamação pela ausência de atores mexicanos em um filme que se passa no México e pela suposta superficialidade na abordagem da questão LGBTAPQN+. Esses dois aspectos se refletem direto noutra crítica: o desrespeito ao “lugar de fala”, uma vez que o diretor francês é um homem abordando uma questão trans e de um país que não é o seu.
Nessa briga entre favoritos, o cult “Anora”, belo drama com toques de comédia dirigido pelo jovem cineasta norte-americano Sean Baker, aparece como um novo possível vencedor. Palma de Ouro no Festival de Cannes de 2024, o filme conta a história da jovem Anora (Mikey Madison), uma trabalhadora do sexo da região do Brooklyn, nos Estados Unidos, que descobre, numa noite de trabalho aparentemente normal, que pode ter surgido a oportunidade de mudar seu destino quando conhece e se casa impulsivamente com o filho de um oligarca russo, Ivan (Mark Eidelshtein). Em pouco tempo a notícia chega à Rússia e o conto de fadas termina quando os pais de Ivan entram em cena, desaprovando totalmente o casamento.
O ótimo Yura Borisov no papel de Ygor com a inocente Ani
Afora a ágil edição e as seguras atuações, em especial de Yura Borisov (concorrente ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante por seu papel como capanga Ygor), “Anora” se sobressai mesmo pelo roteiro, fio condutor para uma história inventiva e crítica ao mesmo tempo. Os desdobramentos da situação inicial, o romance entre o mimado ricaço russo e a protagonista, leva o espectador a caminhos surpreendentes, pois é escrito de modo a desfazer expectativas daquilo que geralmente quem assiste espera que ocorra. Afinal, todos são condicionados, por influência justamente do cinema feito nos Estados Unidos, que as coisas descambem para a violência explícita. Mas não. Baker, também roteirista (e que concorre na categoria de Melhor Original), quebra as expectativas mais óbvias, amplificando outra violência: a psicológica. A protagonista, dotada da ingenuidade daqueles que jamais conviveram com quem detém o poder, é sujeita a uma série de brutalidades inerentes à sua condição de mera ”prostituta”, tal como imputam a ela, com exceção do consciente Ygor. Por trás da terrível cosmologia dos personagens, está uma crítica ao que a antiga União Soviética legou de ruim desde sua dissolução: uma sociedade ora pobre e impelida à migração, ora rica por vias impróprias. O solo norte-americano, a ilusão da América, é o lugar perfeito para a existência destas duas “classes” de migrantes, bem como para o desvelamento de seus conflitos.
Mesmo com sua pegada de humor às vezes um pouco a mais do que precisava, “Anora” é profundo e bastante revelador da natureza humana em suas relações de poder, a qual envolve aquilo que move o mundo capitalista: sexo e dinheiro. Não há lugar para meninas sonhadoras e despreparadas como Anora, e isso fica muito claro na forma como é construída a personagem de Mikey, uma pessoa à mercê do sistema opressor em suas diversas esferas, seja econômico-social, seja pela misoginia ou pelo machismo imperantes. Perto de “Emilia Perez”, inconsistente na construção de seus personagens (entre outras fraquezas que apresenta), “Anora” é uma aula de como abordar sentimentos humanos em uma narrativa de um filme para grande público.
Enquanto outros enfraquecem em sua caminhada para o Oscar, “Anora”, recentemente vencedor dos prêmios de filme no Writers Guild Awards e Producers Guild of America, se robustece. “Emilia Perez” ganhou o Bafta a poucos dias, mas na categoria de Filme em idioma não-inglês, desbancando “Ainda Estou Aqui”, inclusive. Porém, esse reconhecimento tem muito mais a ver com a disputa entre estes dois no Oscar pelo Filme Internacional. Em Filme, “Anora” pode, sim, surpreender. E convenhamos: nunca duvidem de um Palma de Ouro. O exemplo de “Parasita” está aí para provar que isso é possível.
Walter Salles com o NOSSO inédito Oscar: que vitória!
Não poderia deixar de começar qualquer comentário sobre a edição de 2025 do Oscar falando não sobre o principal premiado, mas da premiação inédita conquistada pelo filme brasileiro "Ainda Estou Aqui". Sim: o Brasil pode dizer que tem um Oscar para chamar de seu! O longa de Walter Salles, que ainda concorria a Filme, ganhou a tão sonhada estatueta de Filme Internacional, alcançando aquilo que outros filmaços brasileiros anteriores, como "O Pagador de Promessas" e "Central do Brasil", não conseguiram. Um feito histórico e de gigantesca simbologia para o cinema nacional.
Em compensação, o Oscar de Fernanda Torres, aquele para o qual se criou uma enorme celeuma e expectativa Brasil inteiro, não veio. E não veio de uma forma um tanto frustrante, o que tem a ver, agora sim, com o destaque desta edição: a supremacia de "Anora". O drama/comédia de Sean Baker foi o principal vencedor da noite, conquistando 5 das 6 estatuetas as quais foi nomeado: Filme, Roteiro Original, Edição, Direção e aquele que, surpreendente, tirou o prêmio de Fernanda, o de Atriz para Mikey Madison.
O gosto amargo fica porque, se fosse para Fernanda perder, que fosse para Demi Moore por seu papel em "A Substância". Por tudo que representa o papel de Demi, toda a carga anti-etarismo e anti-sexismo que carrega e também por toda a falada retratação com a artista, nunca indicada a nada. Mas não foi o que houve. Teria sido mais justo com Demi, a favorita, e com Fernanda, que, tête-à-tête com Mikey, desempenha melhor num papel dramático. Não que seja um prêmio descabido, pois a protagonista de "Anora" está muito bem no filme. Mas papel por papel, Fernanda como Eunice Paiva é, sim, um nível acima em expressividade e consistência como atuação. Mas é premiação, e isso faz parte.
Tanto faz parte que o superindicado "Emilia Pérez", depois das polêmicas sobre sua realização e roteiro e de uma desastrosa campanha que o desidratou diante dos jurados, tinha 13 chances e amargou apenas 2: Atriz Coadjuvante (para Zoe Saldaña, ótima) e Canção Original. Até mesmo "O Brutalista", outro favorito (inclusive a Filme), das 10 nomeações teve de se contentar com somente 3: Ator (Adrian Brody), Fotografia e Melhor Trilha Original.
O fator político, que se imaginava talvez mais exacerbado, falou menos, mas bem. Corajosa, a atriz Daryl Hannah, que apresentou a categoria de melhor Edição, fez a saudação nacionalista ucraniana com os dedos e "V" e disse a frase: "Glória a Ucrânia", lema das forças armadas e nacionalistas do país invadido pela Rússia. Aplaudida. Outro momento anti-belicismo foi quando da vitória do documentário "No Other Land", dirigido por Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham e Rachel Szor, ou seja, cineastas palestinos e judeus juntos pela mesma causa: a paz e o olhar humanista para os povos. No discurso, críticas à forma como o governo dos Estados Unidos atua na Guerra em Gaza, colaborando com a manutenção do ódio entre os povos. A gafe, no entanto, ficou por conta da não menção a Cacá Diegues no momento In Memorian. Esses norte-americanos jecas...
Quem também recebeu justos aplausos foi Paul Tazewell, que fez história ao se tornar o primeiro homem negro a ganhar o Oscar de Melhor Figurino pelo seu trabalho no musical "Wicked", filme que ainda levou o prêmio de Design de Produção. Fora isso, "A Substância" pegou o merecido de Maquiagem e Cabelo, "Conclave" o plausível de Roteiro Adaptado e "Duna - parte 2" levou os dois técnicos: Som e Efeitos Visuais.
Para além da felicidade de ver "Ainda Estou Aqui" no mais alto posto da maior premiação do cinema mundial, é legal ver também um cult"pequeno" vencer. Em contraposição ao cinemão de "O Brutalista" e a alegoria musical de "Emilia Pérez", ambos estilos por muito tempo consagrados pela Academia, ficaram pra trás em detrimento de "Anora", um filme profundo sem precisar de grandiloquência e que deixa um recado: nunca duvidem de um Palma de Ouro de Cannes.
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