Dentre os trabalhos que desenvolvo com cinema e crítica, como curadorias, júris e espaços de debate, um me deu especial alegria, que foi a sessão comentada do filme “Quilombo” na Escola Estadual de Ensino Médio Campos Verdes, na cidade de Alvorada, na região Metropolitana de Porto Alegre, alusiva ao 13 de maio, dia da Abolição da Escravidão, ocorrido dias antes. O convite veio pelo agitador Lincon Fonseca, coordenador do Centro de Debates Democracia & Cultura (CDDC), militante do Congresso Nacional Afro-Brasileiro (CNAB) e ex-aluno de meu curso sobre Cinema Negro ano passado e que, percebendo minha paixão pelo mesmo filme, que comento no curso, teve a ideia de exibi-lo para os alunos do colégio e promover um debate após a sessão.
E eu não estava só. Juntamente comigo e Lincon, estiveram: Carl Marx (sim, eu debati com Carl Marx!), estudante de filosofia na UFRGS e militante do CNAB; Danusa Alhandra, militante da União Brasileira de Mulheres (UBM-RS) e da União Nacional de Negros e Negras (UNEGRO-RS); Eduardo Fortes, professor, quilombista, presidente da ONG UmBUNTU e vereador suplente em Alvorada; e Nicolas Marques, presidente da União Gaúcha dos Estudantes (UGES) e militante da Juventude Pátria Livre.
Todos falaram sobre o filme a partir de suas percepções e vivências, o que certamente gerou um conteúdo rico para a gurizada que participou. De minha parte, comentei brevemente sobre a realização de “Quilombo” e seu contexto dentro da cinematografia negra do cinema brasileiro e a de seu realizador, o cineasta alagoano Cacá Diegues (1940-2025). Também expus minha admiração sobre a obra, talvez o grande épico do cinema nacional, e a importância de trazer à tela heróis negros até muito pouco tempo desvalorizados e invisibilizados na História oficial do país.
No filme, que se passa no Nordeste brasileiro do século 17, diversos escravos fogem e se unem para formar o Quilombo dos Palmares, no interior de Alagoas, aproveitando-se da fraqueza do governo colonial, que enfrenta a invasão holandesa. Sob o comando de Ganga Zumba - e depois de Zumbi -, o quilombo prospera e os ex-escravos tornam-se uma força militar e comercial poderosa, ameaçando o domínio dos colonizadores e a autoridade real. Logo, as forças da ordem se mobilizam para liquidar com os afro-brasileiros rebeldes numa guerra sangrenta que se estenderá por muitos anos. Quilombo dos Palmares existiu/resistiu por cerca de 1 século.
Cena de "Quilombo", com trilha sonora de Gilberto Gil
Mais sobre “Quilombo” teria para falar, assim como na ocasião para os alunos da Campos Verdes, a quem expus apenas parte do possível e o mínimo para uma fala que interessante, uma vez que outras vozes trariam a eles outras contribuições. Não coube, por exemplo, mencionar a maravilhosa trilha sonora do filme, feita especialmente por Gilberto Gil em parceria com Wally Salomão. Ao final, já saindo da escola, um dos alunos passou por mim e agradeceu pela oportunidade. Considerei um ótimo retorno, tendo em vista que, se já é cada vez mais difícil as pessoas dizerem alguma coisa, quanto mais adolescentes, que são mais fechados, tímidos ou absorvidos pelos seus próprios mundos. Ademais, nunca se sabe de fato o que as pessoas acharam, mesmo com os protocolares aplausos ao final... Independentemente disso, a oportunidade em si foi única e a iniciativa do CDDC louvável. Por mais atividades culturais e cinematográficas assim para os jovens das nossas periferias.
Confira nas fotos um pouquinho de como foi:
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Lincon fazendo a abertura
Eu falando um pouco sobre o filme e a obra de Cacá Diegues
Talvez nem todos saibam, mas o filme “Todos Já Sabem” já foi motivo de resenha no Clyblog, em 2019, pelas mãos do nosso colaborador Vagner Rodrigues. Na ocasião, Vagner apontou as qualidades desse trhiller misterioso, cuja composição é distinta e certeira: o talento do elenco (os espanhóis Penélope Cruz e Javier Bardem mais o argentino Ricardo Darín), a competência do diretor (o iraniano Asghar Farhadi) e a história envolvente. Mas é exatamente essa junção exitosa que nos motiva a, novamente, falarmos do filme no blog. Afinal, hoje tem final da Copa do Mundo inédita entre Espanha e Argentina, e um filme que reúne “em campo” justamenteesses dois países – e de forma tão certeira – merece, sim, ser revisitado diante da atual ocasião.
O roteiro do filme, se não todos, muitos já sabem, haja vista que a produção é de 8 anos atrás. Por isso, relembremos: “Todos...” conta a história de Laura (Penélope), que retorna à Espanha natal para acompanhar a cerimônia de casamento de sua irmã. Por motivos de trabalho, o marido argentino (Darín) não pode ir com ela. Chegando no local, Laura reencontra o ex-namorado, Paco (Bardem), que não via há muitos anos. Durante a festa, uma tragédia acontece. Toda a família precisa se unir diante de um possível crime de grandes proporções, enquanto se questionam se o culpado não está entre eles. Na busca por uma solução, segredos e mentiras são revelados sobre o passado de cada um.
Afora trazer na mesma produção Argentina e Espanha, “Todos...” nos apresenta semelhanças cinematográficas que também unem esses dois países. A história faz bem lembrar a ótima fase recente do cinema argentino, que produziu vários thrillers empolgantes como “O Segredo dos Seus Olhos”, “Vermelho Sol” e "Kóblic", além de jogar luzes sobre Darín, um dos melhores atores deste século. Igualmente, o filme faz remontar o clássico cinema espanhol, como o fantástico de Victor Erice e as tramas de suspense psicológico de obras como “Dispara!” e “O Sétimo Dia”, estes dois últimos do saudoso Carlos Saura - que, aliás, já havia feito a ponte entre seu país natal e o sul-americano nos documentários "Tango", de 1998, e "Argentina", de 2015. Colabora para este resultado a direção de Farhadi, representante de uma escola cinematográfica tão importante do novo cinema mundial como a do Irã.
Espanha e Argentina em campo, só que no cinema, por meio dos astros Penélope Cruz, Ricardo Darín e Javier Bardem
Igualmente, “Todos...” também aproxima os países finalistas da Copa por um motivo até então inédito na competição: será apenas a segunda vez em quase 100 anos que os dois principais times falam o mesmo idioma! Já teve de tudo em termos idiomáticos em Copas: português com italiano, espanhol com holandês, francês com croata, alemão com húngaro, italiano com checo... mas espanhol com espanhol só lá na primeira edição, em 1930, quando Argentina e Uruguai se enfrentaram. Geopoliticamente falando, é a primeira vez que, a rigor, um país colonizador enfrenta um colonizado por ele mesmo, relação esta que remonta a mais de 500 anos!
História à parte, será um grande jogo e que reescreverá, sim, um novo capítulo histórico, Em campo, o próprio estilo de jogo de cada equipe é parecido, valorizando a bola e contando com a força do coletivo. No cinema, arte essencialmente coletiva, essa química entre espanhóis e argentinos já deu muito certo, a se ver por outros títulos hispano-argentinos como o já citado "O Segredo...", "Um Conto Chinês" e “Truman”, todos, aliás, também com Darín. O suspense de Farhadi mostra bem isso, pois cada um dos países, Espanha e Argentina, são escolas craques nas quatro linhas que formam a câmera. Isso “todos los saben”, Agora, falta saber qual escola, mas a do futebol, se saíra melhor nas quatro linhas do gramado.
trailer de "Todos Já Sabem"
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"Todos Já Sabem"
Título Original: "Todos lo Saben"
Direção: Asghar Farhadi
Gênero: Thriller, Suspense
Elenco: Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín
Duração: 2h13min
Ano: 2018
País: Espanha, França, Itália, Argentina
Onde assistir:Prime Vídeo, Apple TV, Google Play Filmes
Não sou muito de assistir séries ficcionais. Embora todo o sucesso delas nas últimas décadas, tornando-se febre entre os milhões de espectadores cada vez mais caseiros e menos cinematográficos (até mesmo eu, como muitos, tornei-me mais “streameiro” depois da pandemia), confesso que tenho grandes restrições quanto à qualidade desse formato audiovisual. Principalmente da maneira como a indústria do entretenimento convencionou suas regras, claro, muitas a favor da audiência (dinheiro) e, no mais das vezes, inversamente proporcional à proposta conceitual (arte).
Não que filmes não possam ser assim. Muitos o são. Mas séries, enquanto produto audiovisual, estão muito mais propensas e têm muito menos chance de escapar desse buraco negro da indústria cultural. Se não há problema na continuidade, há nas atuações. Se não peca por estender demais a história, erra na abordagem dos fatos. Se não abre muitos leques narrativos, tem dificuldade de sustentar arcos dramáticos em mais de um episódio. Filmes de longa-metragem (aliás, cada vez mais longos, num movimento reativo de serializaçãopelo qual o ameaçado cinema comercial atual passa) não estão salvos desses descaminhos, mas, na comparação filme X série, inegavelmente a obrigatória condensação de conteúdo do primeiro sai em vantagem pelo simples fato de impor formalmente aos realizadores de cinema "tradicional" resolverem essas irregularidades em menos tempo.
De vez em quando, no entanto, claro que arrisco alguma série. Dante do entusiasmo em torno da série brasileira da Netflix “Emergência Radioativa”, bem como por causa de meu interesse no tema do acidente radiológico de Goiás, peguei-a para assistir. A minissérie é baseada na história real ocorrida em Goiânia, em 1987, quando catadores de sucata encontram uma substância brilhante num hospital abandonado. O material altamente radioativo, césio-127, que emitia uma luz azul no escuro, passa de mão em mão até ser descoberto. Então, inicia-se uma corrida contra o tempo para evitar uma tragédia de proporções devastadoras.
“Emergência...”, entretanto, mais uma vez comprova minhas percepções sobre série - as ruins. Estrelado por Johnny Massaro, esse sucesso de audiência perde-se justamente naquilo que mais se exige de qualquer produto audiovisual: a narrativa. Os primeiro e segundo episódios até começam bem. Aliás, muito bem. No inicial, onde se estabelece o perfil narrativo da história, recuperando cronologicamente cada dia que antecedeu e a partir da crise deflagrada, os fatos vão sendo contados de uma maneira bastante instigante. Já o segundo episódio é especialmente interessante, porque espelha as ações levantadas no primeiro, explicitando o tamanho do estrago que causaram. Se na parte 1 aparecia a menina Celeste sendo detectada com radiação, por exemplo, na continuação é quando se vê que ela não só teve muito mais contato com o pó de césio-137 do que se imaginava.
A pequena Mari Langaro como Celeste no colo da mãe
Porém, o formato série paga seu preço, e na terceira parte a consistência narrativa cai drasticamente. E pior: as inconsistências até então relevadas começam a saltar da tela. Ritmo, repetições, atuações deficientes. Uma dessas inconsistências, para pegar a mesma personagem exemplificada anteriormente, é a pequena Celeste. A lindinha atriz mirim Mari Lauredo não sustenta as cenas minimamente mais exigentes por conta de sua fraca atuação e/ou direção. Artificial e sem expressividade. E não só ela. Há momentos importantes da narrativa que perdem muito por causa de más interpretações como estas.
Massaro, senhor de papéis intensos e trágicos (os filmes “Os Primeiros Soldados” e “O Filho de Mil Homens” e a série “Máscaras de Oxigênio não Cairão Automaticamente”), se sai bem, pois conduz a história. Porém, Leandra Leal, ótima atriz, diz mais a que veio na novela caipira da Globo do que na série dramática. Um desperdício. Fora isso, a tecnicamente cuidada produção (a reconstituição daquela Goiás anos 80 é bem crível) não se atenta àquilo que a faria crescer: a história verídica em si. Pela intenção de dramatizar, deixa de perceber que o melhor negócio para atingir esse drama é uma pitada maior de documentário. Sobreviventes da tragédia vem tecendo críticas bem fundamentadas por conta disso.
Demonstrando que sentiu o golpe, nem o desfecho se salva, com uma pretensa comunhão dos afetados, sem, contudo, mencionar a formação da Associação das Vítimas do Césio-137 (AVCésio), criada nos anos 1990. Uma longa luta vem se travando pelos contaminados por seus direitos, que reclamam informações confiáveis sobre seus estados de saúde e sobre os reais riscos aos quais foram expostos, além do direito à assistência social e médica e direito básico de reconhecimento pelo Estado da gravidade de sua condição clínica. Nada disso foi contextualizado, num quase desserviço. Ah, séries: me ajudem a te ajudar...
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trailer da minissérie brasileira "Emergência Radioativa"
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minissérie"Emergência Radioativa"
direção: Fernando Coimbra e Iberê Carvalho
elenco: Johnny Massaro, Paulo Gorgulho, Tuca Andrada, Bukassa Kabengele, Ana Costa
Antonio Saboia, Leandra Leal
gênero: drama, minissérie
episódios:
1: "Um desastre como o Brasil nunca viu" -62 min.
2: "Quando a gente vai voltar pra casa?" - 65 min.
3: "A gente tá bebendo água contaminada?" - 61 min.
É impossível assistir à cinebiografia de algum artista que se admira sem relacionar com a própria vida. Ainda mais aqueles que fizeram parte da SUA biografia. Foi o que me aconteceu vendo "Michael", do cineasta Antoine Fuqua. As lembranças da infância, quando eu, com 4 para 5 anos de idade, ia pra frente da TV dançar igual a Michael Jackson em "Thriller", nos idos de 1982/3, vieram à mente. O icônico videoclipe, que impressionara o mundo inteiro com sua abordagem e qualidade cinematográficas, foi um de impacto gigante para mim à época, um dos primeiros contatos com cultura de massa que aquele pequeno menino negro do Sul do Brasil teve juntamente com os desenhos animados da TV aberta.
Somente este contexto já é suficiente para me aproximar tanto do filme, que reduz minha chance de não gostar. Afinal, o aguardado longa de Fuqua, sucesso de bilheteria, é, sim, apreciável, mas abertamente comercial. Com a direção tecnicamente perfeita e a abordagem pop, como lhe é característico, o cineasta, um dos eminentes negros do cinema norte-americano atual, conta a história do maior astro pop de todos os tempos (interpretado por seu sobrinho Jaafar Jackson) de forma cronológica, porém com um recorte acertado, haja visto que não vai até a sua morte. Pegando do começo da vida artística, ainda criança com os irmãos companheiros de Jackson 5, passando pela ascensão da carreira solo, vai até o fatídico momento em que Michael se desenvencilha do opressor pai, Joe - vivido por Colman Domingo, num papel digno de indicação a Oscar. As belas cenas musicais e o realismo de diálogos ajudam a cumprir bem esse recorte narrativo, que nada mais é do que a escolha central da trama: a conturbada relação de Michael com o pai.
No que se refere a Joe Jackson, cabe uma reflexão sociológica. Afinal, como o histórico de racismo, intolerância e perseguição aos negros nos Estados Unidos gerou pais de família afro-americanos rancorosos, mesquinhos, infelizes e invejosos! E pior: dada a baixa autoestima deles, revoltados com uma sociedade que lhes esmagou e não lhes deu oportunidade de brilharem com seus talentos individuais, usam esses sentimentos somenos, justamente, contra aqueles que deviam amar. É o caso de Joe e o caçula Michael, mas também com outros artistas negros do século 20, como Ike Turner para com a esposa Tina Turner e o pastor C. L. Franklin com sua filha Aretha. Todos psicologicamente doentes e tiranos domésticos. Incapazes de admitir que seus próximos são, sim, astros com mais brilho que eles, entram em rota de colisão e numa cruzada para obscurecê-los. É triste de se ver tamanha perversidade, mas explicável em um contexto maior.
Domingo na pele do perverso Joe Jackson: digno de Oscar
Afora isso, o filme também é incisivo ao apresentar um Michael dono de si e não um artista apenas talentoso levado pela mão por responsáveis como muito se propagou. O empresário John Branca e o produtor Quincy Jones, a quem ele respeitava e admirava, não comandavam, mas, sim, o próprio Michael. Sua consciência de homem preto, inclusive - algo pelo qual também sempre foi duramente criticado em razão do branqueamento da pele e das cirurgias plásticas descaracterizantes - é consistentemente rechaçada na cena em que ele, em 1983, bate pé diante do diretor da sua gravadora para que seu clipe fosse o primeiro de um artista negro a rodar na MTV. E foi.
Para quem acompanhou Michael Jackson desde criança até a fase adulta sabe que muito do que é mostrado faz sentido, mas também que há um cuidado em tratar de temas delicados. Porém, essa é a hora de trazer à tona essas delicadezas, se não, fica estranho.
E é aí que a proximidade de fã com a obra do artista faz com que seja impossível não se notar as lacunas. Quanto mais fã, aliás (e nem sou o maior conhecedor de MJ, repleto de ardorosos apaixonados pelo mundo todo), mais se sabe dos fatos verídicos. E me refiro a lacunas importantes, basais. Em "Michael", um dos assuntos faltantes foi criticado antes mesmo do filme ser lançado: o nebuloso (mas possivelmente verdadeiro) caso de abuso sexual sofrido por ele na infância. Nem uma menção, mesmo que sutil para não escancarar algo tão traumático? Pesa negativamente, uma pena.
Outro ponto faltante: onde está Diana Ross? E Stevie Wonder? Ambos admirações de Michael e com quem ele conviveu, tocou, filmou e gravou. Não foi possível incluí-los no roteiro? Foi uma opção? Há questões contratuais que impeçam? Verba para pagar direitos de imagem duvido que os produtores não tivessem.
O que me pesou também foi a ausência de referência ao filme "O Pequeno Príncipe", de 1974. Falou-se acertadamente de Gene Kelly, James Brown, Charles Chaplin e Fred Astaire, inspirações mais óbvias de Michael. Mas seria importante informar a quem não sabe de onde vieram várias de suas referências coreográficas: da dança da serpente no deserto, brilhantemente coreografada pelo ator e dançarino Bob Fosse. Há gestuais idênticos aos eternizados por Michael, dentre os quais o famoso passo Moonwalk, marca registrada de MJ. Tiveram medo de expor Michael e ferir sua imagem? Embora a clara semelhança da dança de um e de outro, não parece uma mera imitação e, sim, uma forte inspiração, por isso não faria nenhum mal em se revelar isso ao grande público. Ao contrário: traria mais uma das referências pop que a genial cabeça de Michael conseguia reunir e devolver em forma de arte.
A semelhança das danças de Michael Jackson e Bob Fosse
De tudo que não está em "Michael", no entanto, o que mais me ressenti foi não se mostrar com mais detalhe o processo criativo do Rei do Pop ao compor. Há vídeos de matérias jornalísticas que registram esse processo, algo absolutamente fascinante de se ver, ainda mais considerando que ele, dono de ouvido absoluto, não precisava (assim como Elis Regina e Lupicínio Rodrigues) tocar nenhum instrumento para saber exatamente o que queria em sua música. Fuqua opta por evidenciar mais o processo de criação coreográfica - o que faz com perfeição nas cenas de "Beat It" e "Thriller" -, mas dá menor relevância para a invenção musical. No máximo, situa o conceito impulsionador de determinadas canções, como coisas que ele via na TV. Como fã, saí frustrado por isso, pois esperava por mais.
Cinebiografias não são necessariamente completas, é certo. Mas quem vê, por exemplo, "O Tempo não Para", sobre Cazuza, sente falta de se mencionar ou representar Ney Matogrosso, pessoa sabidamente fundamental na vida íntima e artística do autor de "Ideologia". Contudo, não dá para alguém que conhece o objeto do filme fechar os olhos para o que (não) está vendo. Ainda mais, quando se tratam de informações importantes.
Há representatividade e "lugar de fala" na direção de Fuqua, uma vez que somente os tempos atuais deram condições a uma produção dessas ser realizada por um cineasta negro. Para ele, pessoalmente, deve ser uma realização abordar um ídolo formativo. Entendo isso. No entanto, fica por aí a reserva autoral. O final de "Michael", que deixa reticências para uma sequência, fecha a tampa dessa abordagem excessivamente comercial da obra: recorta-a até um ponto bem estipulado, mas, fatalmente, não a desfecha com o impacto que merecia. Como geralmente ocorre, o lado business compromentendo o artístico. Mas para um cineasta que esticou até a inanição uma franquia que começou legal como "O Protetor", não é de se estranhar que ainda produza tantas sequências de "Michael" quanto as de "Velozes & Furiosos". E o público do entretenimento, sem maiores distinções, vai adorar.
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Trailer de "Michael", de Antoine Fuqua
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"Michael"
Direção: Antoine Fuqua
Gênero: Drama/Biografia/Musical
Elenco: Jaafar Jackson, Nia Long, Laura Harrier, Juliano Krue Valdi, Miles Teller, Colman Domingo
A angústia do luto, a não aceitação de uma perda, sempre forneceram tramas intrigantes para o cinema, não sendo incomum histórias dolorosas de pesar andando de mãos dadas com o puro horror. David Cronenberg explorou o tema em seu recente "O Senhor da Morte" (The Shrouds) e "Faça Ela Voltar" (Bring Her Back), novo filme dos irmãos Phillipou, também se enquadra nesse perfil. Aqui, então, 10 exemplos de filmes que mesclam luto e horror.
1 - "Inverno de Sangue em Veneza", Nicolas Roeg (ING, 1973)
2 - "A Troca" ou "O Intermediário do Diabo", Peter Medak (CAN, 1980)
3 - "Dr. Morte" , Errol Morris (EUA, 1999)
4 - "Cemitério Maldito", Mary Lambert (EUA, 1989)
5 - "Os Outros", Alejandro Amenábar (EUA, 2001)
6 - "O Orfanato", Juan Antonio Bayona (ESP/MEX, 2001)
7 - "O Segredo do Lago Mungo", Joel Anderson (AUS, 2008)
- Paul: Isso é bom, eu gosto de surpresas. O que é?
- Jeanne: Música, só não sei como fazer isso funcionar.
Diálogo entre Jeanne (Maria Schneider) e Paul (Marlon Brando) do filme "O Último Tango em Paris"
"O Último Tango em Paris", trilha sonora que Gato Barbieri compôs em tempo recorde seguindo as orientações de Bernardo Bertolucci, é uma imensa suíte em que se destaca o sax áspero e quente de Gato, envolto pelos arranjos de Oliver Nelson à frente de uma orquestra de 32 músicos. Sobra espaço ainda para dois percussionistas brasileiros, Afonso Vieira e Ivanir do Nascimento, o Mandrake, músico há muito radicado na Itália, primo de Pelé.
A trilha foi um fenômeno. Recorde de vendas para um disco instrumental e presença nas programações das rádios. Colocaria a carreira de Gato no seu mais alto patamar. Depois disso, ele nunca faria nada tão relevante.
A morte de Bernardo Bertolucci finalizou um capítulo que se manteve para sempre incompleto e obscuro na história da música e do cinema, envolvendo disputas, ciúmes, invejas, traições e acusações de plágio. O próprio cineasta nunca fez questão de explicar o que houve, tampouco Gato Barbieri, que enveredaria por novos caminhos em sua música, mantendo-se ativo até morrer, em abril de 2016, aos 83 anos.
Rejeitado para a trilha, Astor Piazzolla, morto em 1992, repassaria as duas composições que havia feito para o filme para que fossem usadas noutro longa-metragem, "Cadáveres Ilustres", de Francesco Rosi. Quando "O Último Tango em Paris" foi lançado, chegou a dizer que poderia ter composto uma trilha superior. Para amigos, admitia que gostava muito da gravação de Gato Barbieri.
E não deu pro nosso “O Agente Secreto”! Diferentemente do ano passado, quando “Ainda Estou Aqui” sagrou-se com o Oscar de Melhor Filme Internacional, desta vez, o longa de Kleber Mendonça Filho saiu de mãos vazias da cerimônia da maior premiação de cinema do mundo. Em Filme, no qual concorria, o grande vencedor foi, merecidamente,“Uma Batalha após a Outra”, de Paul Thomas Anderson, que também levou outros cinco, sendo quatro dos principais: Diretor, Roteiro Adaptado, Edição e Ator Coadjuvante para Sean Penn. Em Filme Internacional, o que mais se esperava para “O Agente...”, quem ganhou foi o norueguês “Valor Sentimental”, confirmando as últimas previsões. Dói dizer, mas foi um prêmio justo, uma vez que o filme de Joachim Trier é realmente brilhante.
O filme brasileiro ainda concorreu em outras duas categorias, que também foram para outras produções. Na nova categoria de Seleção de Elenco, Wagner Moura, junto com outros representantes de cada um dos filmes concorrentes, subiu ao palco para, em inglês, destacar o trabalho do Diretor de Elenco de “O Agente...”, Gabriel Domingues. Mas quem levou mesmo foi, novamente, “Uma Batalha....”. Ainda mais em se tratando de uma categoria nova, era de se imaginar que um filme estrangeiro, por melhor que fosse, como é o caso de “O Agente...”, não levasse. Normal.
Mas o gostinho amargo ficou mesmo na de Ator, que consagrou Michael B. Jordan por sua dupla atuação em “Pecadores”. Era de se esperar que o filme do talentoso Ryan Coogler abocanhasse algumas estatuetas, visto que é o recordista em indicações na história do evento (16), o que se confirmou para menos apenas nas de Fotografia, Trilha Sonora Original e Roteiro Original. Embora a importância histórica da conquista de Jordan, apenas o sexto ator negro a ganhar nesta categoria em 98 edições do prêmio, não se trata de uma atuação tão merecida. Somados, o imbróglio com Timothée Chalamet semanas antes do Oscar com suas declarações tão arrogantes quanto o personagem que encarna em “Marty Supreme” (filme que saiu de mãos abanando, aliás), bem como o inconcebível episódio de racismo sofrido por Jordan durante a cerimônia do Bafta, fizeram com que o Oscar caísse no colo dele.
A questão é que, atuação por atuação, a de Wagner é bem melhor. Jordan, em sua primeira indicação, já atuara muito melhor nos dois primeiros filmes da série “Creed”, ambos dirigidos por Coogler, sem ser devidamente valorizado por ser "filme de boxeador". Agora, diante da falta de opções domésticas, a Academia nem pestanejou em escolhê-lo de forma a se garantir como “não racista”. Imagina se não dessem para ele o prêmio, o quanto se estaria falando mal do Oscar hoje? Pelo menos, uma lógica se fez presente: entre uma boa atuação em um filme bom e uma boa atuação em um filme nem tão bom, fica-se com o primeiro. Entre “Pecadores” e “Marty Supreme”, esse funcionamento está certo. Mas em comparação com “O Agente...”, infelizmente, não, pois o longa brasileiro encerra as duas coisas: filme bom e boa atuação. E se fosse realmente ortodoxa e não tão situacional a premiação do Oscar, Leonardo DiCaprio, consagrado e já vencedor anos atrás, está muito melhor do que Jordan e Chalamet juntos em "Uma Batalha...".
Outro brasileiro que talvez pudesse ter sido mais valorizado é Adolpho Veloso em Fotografia por seu “Sonhos de Trem”, que perdeu para “Pecadores”. Legal o trabalho de Autumn Arkapaw, primeira mulher (e negra!) a vencer nessa categoria, mas qualquer um que veja “Sonhos...” percebe que a escolha final poderia ser outra. Autumn, no entanto, fez o mais bonito e simbólico discurso da noite, quando convidou todas as mulheres presentes a se levantarem para saudá-las, uma vez que disse não ter chegado até ali sem a contribuição de todas elas.
Independentemente disso tudo, as quatro indicações de “O Agente...”, superando “Ainda...” no ano passado, que teve três, e a visibilidade que o cinema nacional está tendo e, possivelmente, manterá, é uma conquista enorme. Diferentemente de tempos passados, quando, nos anos 90, filmes como “O Que é Isso, Companheiro?” e “O Quatrilho” concorreram, mas sabidamente sem chance de premiação, agora não só estamos no páreo, como - caso de “Ainda...” - não figuramos mais só como patinhos-feios. Estamos "nas cabeças" e, agora, ninguém nos tira daqui!
E no que se refere ao grande vencedor, "Uma Batalha...", embora sem discurso político - o que ficou a cargo de Javier Barden quando subiu ao palco para anunciar o Oscar de Filme Internacional -, o crítico e mordaz filme fala por si em épocas de governo Trump,
Fora isso, “Guerreiras do K Pop”, que ganhou fácil o Oscar de Animação, levou a melhor na queda de braço com “Pecadores” em Canção Original; o irregular “Frankenstein” abocanhou três técnicos (Figurino, Direção de Arte e Maquiagem e Cabelo); o doc foi para “Um Zé Ninguém contra Putin” e não para “A Vizinha Perfeita’ como suspeitava; Jessie Buckley superou Rose Byrne em Atriz e... abaixo a gente tem a listagem completa de como foi a premiação do 98º Oscar.
Melhor Atriz Coadjuvante (Inga Ibsdotter Lilleaas)
Melhor Roteiro Original (Eskil Vogt e Joachim Trier)
Melhor Montagem (Olivier Bugge Coutté)
A pior pessoa do mundo
Nos últimos anos, acompanhando a discussão e o repensar dos papeis de gênero na sociedade através de vários campos do conhecimento como a Psicologia e a Sociologia, o cinema tem trazido a figura masculina com um forte teor crítico. Nunca antes a masculinidade havia sido tão observada e, principalmente, criticada e exposta. Somente entre os filmes concorrentes ao Oscar nas principais categorias, ao menos três deles – “Bugonia”, “Hamnet: A Vida Antes de Hamlet” e “Se eu Tivesse Pernas, Eu te Chutaria” – têm protagonistas mulheres e, mais do que isso, colocam a figura do homem numa posição, se não secundária, fragilizada. Outro filme também do Oscar, no entanto, vai ainda mais fundo nesse desnudamento masculino com suas fragilidades e fraquezas: o norueguês “Valor Sentimental”, do cineasta Joachim Trier.
Hábil questionador das relações humanas, Trier volta seu olhar desta vez para a família. Se no seu filme anterior, o exitoso “A Pior Pessoa do Mundo”, ele trazia uma personagem feminina em busca interna pelo seu lugar no mundo, em “Valor...” o diretor não deixa de mirar a câmera também na mulher, não à toa com a mesma atriz de “A Pior...”, Renate Reinsve. É Nora, uma consagrada atriz de teatro, que desencadeia os conflitos de toda uma rede de laços familiares e ancestrais motivada pela conturbada relação com o pai, o cineasta Gustav Borg, vivido pelo excelente Stellan Skarsgård – ator de papeis inesquecíveis no cinema (como o doutor de “Dançando no Escuro”, Jack de “Melancolia”, e Bootstrap Bill Turner de “Piratas do Caribe”).
O brilhante roteiro original (de Trier e Eskil Vogt) consegue contemplar todo o ecossistema dos Borg – com os ótimos flashbacks, que recontam a história familiar e seus traumas, na medida certa para elucidar esfinges do presente – sem, contudo, desviar-se do protagonismo feminino. Soma-se a esse enfoque, para o qual Trier demonstra ter grande sensibilidade, as personagens Agnes, irmã de Nora, e a atriz Rachel Kemp (Elle Fanning), que, por conta do filme que Gustav pretende rodar sobre a sua própria história, vai ficando, por influência nociva dele, cada vez mais parecida física e emocionalmente com Nora.
“Valor...” é um filme sofrido. Há poucos respiros de “não-sofrimentos”, pois tudo dói. Tudo retorna àqueles pontos mal resolvidos, num círculo vicioso em que a figura masculina/paterna se mostra bastante despreparada. Gustav, que cometeu abandono no passado afetivo, é incapaz de conviver com as filhas sem um punhado de microagressões nas mãos, sem recorrer à sua falta de inteligência emocional. Quem é mesmo o sexo frágil? Existe sexo frágil? A dureza do longa, nesse sentido, é perfeitamente plausível, uma vez que, na vida real, problemas de relacionamento tão basais como os de laços familiares, quando não resolvidos, passam a ficar latentes. Ora aqui, ora ali, aparecem, até que sejam identificados e, quiçá, amenizados ou sanados. Por isso, “Valor...” é por vezes cruel, mas muito coerente, e é importante que o cinema trate temas importantes dessa forma séria a comprometida.
E se a mulher é vista como alguém consciente de suas fragilidades, mas suficientemente forte para buscar acolher o que lhe faz mal, o homem, na figura de um pai de família da classe alta, nórdico e de uma geração pós-Guerra, tem grande dificuldade de expressar emoções e resolver seus traumas. E pior: é alguém pouco disposto a mudar. É em personagens como Gustav que se vê o declínio do homem como se construiu culturalmente ao longo dos séculos. Antes, o dono do mundo; hoje, a pior pessoa do mundo. Nada diferente do que se observa na sociedade – e nem precisa ser nórdica para isso. Trier opta por expor esse despreparo emocional do homem, ao contrário de "ocultá-lo" como em outros recentes filmes críticos da masculinidade, cuja figura do macho, tão aberrante quanto patética (como um monstro em forma de gente), mal aparece, a se ver por “Se Eu Tivesse Pernas...”. Fato é que urge repensar a psique masculina e a falida cultura que sustenta o machismo e o patriarcado na sociedade. Os filmes estão gritando esse alerta.
Concorrente a nove estatuetas do Oscar, “Valor...”, que se mostrava um forte adversário do brasileiro “O Agente Secreto” na categoria Longa Internacional quando o Oscar chegasse, parece ter perdido musculatura desde o Globo de Ouro, quando levou apenas Ator Coadjuvante para Skarsgård, quase um prêmio de consolação. Em Longa Internacional, além do filme de Kleber Mendonça Filho, “A Voz de Hind Rajab” ganhou mais força nas últimas semanas e começa a ver o norueguês pelo retrovisor. Mas embora os melhores filmes da temporada sejam de fato “O Agente...” e “Foi Apenas um Acidente” (o outro filme concorrente nesta categoria junto com "Sïrat"), não seria nada estranho se “Valor...” ganhasse. Qualidade para isso tem.
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trailer de "Valor Sentimental"
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"Valor Sentimental"
título original: "Affeksjonsverdi/ Sentimental Value"
É impressionante como o gênero documentário é capaz de, no decorrer da história do cinema, seguidamente surpreender. Os diversos estilos narrativos possíveis desta forma de se fazer cinema (observacional, expositivo, participativo, poético, docudrama, performático, entre outros) parecem inesgotáveis. Ao ver o impactante “A Vizinha Perfeita”, de Geeta Gandbhir, depara-se não necessariamente com um novo modelo de documentação audiovisual, visto que se trata, sem dúvida, de um filme observacional montado a partir de materiais de arquivo, o que é bastante comum. O que impressiona, no entanto, não é só a câmera como testemunha, típico dos docs feitos a partir da observação, mas a fonte desse material constituidor da obra: as câmeras corporais da polícia do Condado de Marion, na cidade de Ocala, Flórida, Estados Unidos, onde um crime acontece.
Prêmio de Melhor Direção de Documentário Norte-Americano no Festival de Sundance 2025, a “Vizinha...” reconta a história do homicídio de Ajike Owens, morta pela vizinha Susan Lorincz após uma disputa por crianças que brincavam perto de sua propriedade. O filme utiliza praticamente 100% de imagens de câmaras corporais da polícia e entrevistas para investigar como uma pequena discórdia se transformou num trágico evento, explorando o impacto da controversa lei de autodefesa conhecida como "Stand Your Ground" e o racismo sistêmico nos EUA.
Alguns elementos fílmicos chamam muito a atenção. A começar, a montagem. A cargo de Viridiana Lieberman, a edição reconstrói a tragédia pela perspectiva temporal cronológica, sem deixar de se valer da estratégia “in medias hes”, aquela muito usada nos filmes de ficção em que uma cena-chave do meio da história é posta estrategicamente na abertura da fita para “enganchar” o espectador. No caso de “A Vizinha...”, sabe-se que alguém foi baleado, pois isso é contado a partir de chamados telefônicos à polícia, que se dirige até o local e, ao chegar, encontra todo o caos armado. A partir disso, volta-se no tempo para detalhar cronologicamente e sempre do ponto de vista “físico” dos policiais os vários e reiterados chamados realizados por Susan, uma idosa branca que reclamava dos vizinhos, a maioria crianças pretas. Assim, a diretora dá a quem assiste a oportunidade de entender por si a genealogia dos acontecimentos, que envolve intolerância, incivilidade e, acima de tudo, preconceito racial.
Tudo culmina num final avassalador, deixando somente para a última cena, já nos créditos finais, a resolução do caso, e essa opção narrativa transmite entendimentos importantes. Primeiro, o de que a travessia importa tanto quanto a chegada. O racismo estrutural é um problema social tão sério e impregnado socialmente, que reduzi-lo somente à punição a quem o comete seria omitir sua complexidade. É necessário que as sociedades democráticas exponham os fatos da maneira mais fiel possível como o filme faz para que todos os pontos sejam observados, refletidos e transformados. Igualmente, a forma de contar a história prende o espectador até o final, o qual quer saber se, de fato, tudo aquilo que foi revelado tão visceralmente resultará em justiça. Uma aula de narrativa.
Uma das cenas do filme: imagem gerada pela câmara corporal de um dos policiais
Outro aspecto também chama bastante atenção em “A Vizinha...”, que tem a ver com a “atuação” dos “personagens”, mas que implica diretamente no conteúdo de maneira ontológica. Qual seja: a postura dos policiais diante das situações que se apresentam, literalmente, diante deles. Em épocas de barbaridades cometidas pela polícia de imigração dos Estados Unidos ou de governos fascistas como o do Estado de São Paulo - que chegam a pensar retirar as câmeras corporais de seus agentes -, o departamento policial deste pequeno condado norte-americano ensina como prepará-los técnica e humanisticamente. É visível que todos são muito bem treinados para lidar com ocasiões diversas, inclusive a que envolvia este caso, bastante delicada em vários momentos. Eles demonstram empatia, distanciamento, firmeza ou compreensão conforme a situação exija. Não deixam de serem humanos mesmo sendo “homens/mulheres da lei”.
Esse aspecto ético da atuação dos policiais se configura num elemento metalinguístico, pois simbólico da obra enquanto cinema, uma vez que, ao transmitir o “olhar” do policial e, mais do que isso, como ele atua (com seus acertos e possíveis erros), está pondo em questionamento também os limites do fazer cinematográfico, dado que aquelas imagens não foram, originalmente, produzidas para terem como fim um filme. Entra-se, assim, num questionamento: será que se a postura da polícia não fosse, neste caso, ilibada - como eles próprios gostam de dizer, muitas vezes cinicamente - a Justiça liberaria as gravações dos vídeos? E se liberasse, que abordagem a diretora daria ao projeto? Talvez, conforme o transcorrer dos fatos, nem fosse a vizinha o principal tema do filme, mas - e não é difícil supor, visto que estamos acostumados a ver atrocidades sendo cometidas pela polícia - o acobertamento ou incentivo de suas ações. Não é salutar falar daquilo que um filme não contém, até injusto. Mas nesse caso, suscitar o que não está na tela é um elogio.
Afora isso, o filme de Geeta é arrebatador em vários pontos, como quando as câmeras captam o momento em que os filhos da vítima descobrem que a mãe está morta sob o silêncio comovido dos policiais, que apenas "veem" mas não ousam falar nada. O que dizer, de fato? Absolutamente comovente, pois é o registro cru de uma realidade muito triste e resultante de problemas sociais muito maiores..
“A Vizinha...” é um dos fortes candidatos ao Oscar na categoria Longa de Documentário, uma vez que, diante dos últimos acontecimentos de violência policial nos EUA, o tema voltou a ser motivo de debate. E, convenhamos: premiar um soco no estômago como é “A Vizinha...”, que critica o racismo, o armamentismo civil e a violência na sociedade norte-americana, seria bastante propício em tempos de governo Trump.
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