"Os Inocentes", de Jack Clayton (1961) vs. "Através da Sombra", de Walter Lima Jr. (2016)

 

Eu fico me perguntando, às vezes, quando vejo um remake de um clássico absoluto, de um filme legendário, cultuado, idolatrado, uma unanimidade, se o diretor da tentativa pensou mesmo que pudesse fazer algo, de alguma forma superior ao original. Se ele pensou que poderia fazer melhor. Ou, se não pensou, em nome de que se deu o trabalho de gastar tempo, dinheiro do estúdio, da produtora, distribuição, divulgação, para falhar miseravelmente, ser massacrado pela crítica e ter uma bilheteria decepcionante. Pelo que sei, o bom e competente Walter Lima Jr. não tinha, exatamente, tais pretensões ao fazer seu "Através da Sombra", em 2016. Sua ideia era filmar uma adaptação de um romance pelo qual sempre tivera admiração e vontade de levar às telas. O caso é que quando alguém pensa em adaptar para o cinema "A volta do parafuso", de Henry James, tem que ter em mente que alguém já o fez, e que essa adaptação anterior não é nada menos que "Os Inocentes", de 1961, não só um dos maiores filmes de terror de todos os tempos, como um dos melhores filmes da história do cinema! Aí as comparações passam a ser inevitáveis e, é lógico, elas tendem a não  favorecer o ousado "desafiante".

Na história, basicamente, em ambos os casos, uma moça é contratada por um milionário para cuidar de seus sobrinhos órfãos, dos quais ele tem a guarda mas nenhum interesse nem aptidão para criá-las. As crianças estão em sua mansão no interior para onde a contratada deverá rumar, tendo lá todo o suporte estrutural, logístico, financeiro, com a condição de não incomodar o contratante na capital, tendo total autonomia em ações e decisões.

Quando a preceptora chega, encontra a menina, mas o garoto de quem também deve cuidar, por sua vez, encontra-se no colégio interno. No entanto, uma carta da escola, nos dias seguintes, acusando uma série de inapropriações e "indecências" do menino, anunciam sua expulsão  da instituição e o retorno para casa. Num ambiente envolto por mistérios acerca de um casal de ex-funcionários da casa, amantes, que teriam falecido no local, enquanto, claramente, a menina guarda segredos, o garoto confirma um comportamento inadequado, muitas vezes incompatível com uma criança. O menino é ousado, é insinuante, galanteador, e a governanta chega, mesmo, a ficar estranhamente "atraída" pela criança. Baseada em informações dos caseiros, logo ela descobre que o comportamento do garoto é muito semelhante ao do antigo cavalariço falecido, um homem rude, rústico, mas extremamente sedutor que, por sinal era amante de sua antecessora. Já atormentada por pesadelos e visões, ela começa então a associar a atitude do garoto ao do homem descrito e os mistérios da garota com a ex-governanta morta e conclui que os espíritos dos dois estão presentes no local e têm grande influência no comportamento das crianças.

trailer de "Os Inocentes"  (1961)

trailer de "Através da Sombra" (2016)

A bola mal começa a rolar e "Os Inocentes" já movimentam o placar. A canção infantil entoada antes dos créditos e logo depois as mãos unidas rezando, suplicantes, sobre um fundo totalmente escuro, o som de pássaros ao fundo, um choro mudo e a angústia de uma mulher em pranto, tudo isso. enquanto os créditos iniciais vão aparecendo na tela, é um golaço do diretor Jack Clayton.

"Os Inocentes" (1961) - abertura e créditos iniciais

"Através das Sombras" se organiza, bota a bola no chão e reage. A contratação pelo tio, ainda na cidade, e o primeiro contato da nova empregada com a menina, funcionam melhor na versão brasileira. A ambientação, o diálogo com o tio e a postura da candidata à vaga na entrevista, a atuação de Mel Maia, ainda pequeninha, como a sobrinha Elisa, arredia e desconfiada ao conhecer a substituta da professora por quem tanto se afeiçoara, garantem um empate ainda cedo para a equipe brasileira. Mas se a pequena brasileira mostra seu talento e ajuda o time de Walter Lima Jr. a voltar para o jogo, a performance do jovem Miles, da versão inglesa, fazendo um verdadeiro "hominho", encarnando o gestual e a postura do falecido empregado, não deixa nada a desejar e logo põe os ingleses em vantagem novamente.

A partir daí, no geral, a qualidade prevalece, e a fotografia em preto e branco, o que seria uma limitação mas que se torna uma arma nas mãos do diretor de fotografia, e a luz, sempre perfeita, mínima, passando uma sensação angustiante e claustrofóbica, ampliam a vantagem dos comandados do técnico Jack Clayton.

Aí "Os Inocentes" tomam conta do jogo. Deborah Kerr, como a governanta Srta. Giddens, põe o jogo no bolso e faz todas as ligações perfeitas para as jogadas, deixando os mais jovens à vontade para mostrar o seu talento, como nas partes em que é "cortejada" pelo pequeno Miles; e fazendo todos os jogadores "aparecerem" pro jogo, até mesmo os falecidos, como a governanta Mary Jessel, na cena do corredor, na biblioteca, e na aterrorizante cena lago, e o sinistro Peter Quint, o possessor do garoto, imóvel no topo da mansão, ou a encarando com seu olhar demoníaco por trás das janelas da sala.

Quint, à esq., entrou na "janela" de transferências (do outro mundo para este) e
Srta. Jessel, à dir., até pediu substituição, alegando que estava "mortinha",
mas mesmo assim apareceu pro jogo.

Depois de cartear o jogo, deixar todo mundo na cara do gol, Deborah Kerr, a dona do time, não deixa por menos e faz o seu. Seu jeito, ora inseguro, ora decidido, seus olhões arregalados de medo, sua presença de cena, tudo é como um daqueles gols de driblar todo o time adversário inteiro. Gol de craque!

Virgínia Cavendish, como Laura, é boa atriz, é competente, na adaptação nacional, mas sequer amarra as chuteiras da governanta original, e o garoto, Antônio, na versão brasileira, não se destaca e, desta forma, não faz grande diferença.

"Através da Sombra" tem o mérito de transpor a ação para uma fazenda cafeeira, no interior, no início do século XX, e jogar um certo olhar sobre os resquícios da escravidão e a relação dos senhores do café com os empregados, o que lhe rende mais um golzinho. Mas a ousadia de "Os Inocentes", desafiando os padrões da época, expondo as situações do casal de amantes, quando vivos, pelos quartos da casa e, não satisfeito em insinuar uma atração entre um adulto e uma criança, mostrando, explicitamente, um beijo na boca entre eles, dá mais um gol para o filme de 1961. Pra fechar o caixão, toda a sequência final, quando a srta. Giddens confronta Miles, de modo a fazer com que o garoto admita a influência do obsessor e se livre dele, faz com que o time brasileiro busque mais uma bola no fundo da rede.

O filme original é que acaba, como iniciara, com as mãos unidas em oração, mas era a refilmagem que já estava rezando para que o jogo acabasse. Final de partida, 7x2 para Os Inocentes.

Quando a Deborah quer ela faz a diferença.
E não deu outra: ela tava muito a fim e desequilibrou para o time dos anos 60.
Já Virgínia Cavendish, por sua vez, começa a ser assombrada pelo fantasma do rebaixamento.

Fazer um remake de um filmezinho qualquer é uma coisa,

mas fazer um de algo como "Os Inocentes", é outra volta no parafuso.

Cly Reis

"Onze Homens e Um Segredo", de Lewis Milestone (1960) vs. "Onze Homens e Um Segredo", de Steve Soderbergh (2001)

Onze de cada lado. De um lado "Onze Homens e um Segredo", de 1960, do outro "Onze Homens e um Segredo", de 2001. Vinte e dois homens e um só objetivo: a vitória. Dois timaços! No time de 1960, Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Shirley McLaine, Angie Dickinson, Cesar Romero, no de 2001, George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon, Julia Roberts, Don Cheadle, Andy Garcia.
Duas equipes organizadas, cheias de jogadas ensaiadas e que, pode-se dizer, são especialistas em roubadas de bola. Tanto que o grande objetivo em ambos os casos, é roubar uma verdadeira bolada de alguns dos maiores cassinos de Las Vegas. Embora a meta seja a mesma, a montagem dos elencos é feita de forma bem distinta e as estratégias utilizadas para chegar ao "gol" têm suas diferenças.
Enquanto que, no filme original, o grupo que pretende realizar o ousado roubo é constituído por ex-militares que se conheceram na Segunda Guerra, no novo, a gangue é formada por trapaceiros de marca maior, dos mais variados estilos (um ladrão de bancos, outro batedor de carteira, outro trapaceiro nas cartas...). Se no primeiro estão a serviço de um milionário ganancioso, no segundo são recrutados por Danny Ocean, um manjado salafrário que acaba de sair da cadeia mas que já planeja um golpe de proporções inimagináveis.
No original, o roubo em si, ainda que bem elaborado, é bem mais simples que o da nova versão, que, por sua vez, envolve muito mais complicadores e dificuldades, como seguranças, senhas, aparelhagem, etc. Em "Onze Homens..." de 1960, a ideia é, na noite de ano novo, na hora da virada, causar um blecaute em Las Vegas, explodindo uma torre de alta-tensão e, durante o tumulto, tanto da comemoração quanto da escuridão, aproveitar o destravamento dos cofres, e realizar o assalto em cada um dos cinco cassinos.
No remake, também há o elemento do blecaute, no entanto, sua duração é bem mais curta e por isso mesmo, a ação dos bandidos tem que ser muito mais bem pensada e ágil. O corte de energia, causado neste segundo filme, por uma pequena 'explosão nuclear' acontecerá durante uma grande luta de boxe nas dependências de um dos cassinos, evento que fará com que muito mais dinheiro circule naquela noite. A "vantagem", por assim dizer, dos ladrões da nova versão é que eles têm que chegar a apenas um cofre que atende às três principais casas de jogos da cidade... Ótimo? Só que não! Exatamente por ser um único local de armazenamento de toda a féria dos cassinos, a segurança é muitíssimo mais reforçada e a parafernália tecnológica de lasers, identificações, travamentos, etc., é praticamente intransponível.
Até para superar toda essa dificuldade, o plano de execução da refilmagem é muito mais elaborado e surpreendente. O antigo é legal, tem o spray infravermelho que somente os integrantes do grupo conseguem ver com os óculos especiais na hora do apagão, a ação sincronizada de entrar nos cofres exatamente na hora que as pessoas cantam a canção de ano novo, o dinheiro nas latas de lixo, o caminhão de coleta urbana saindo sem suspeitas. Tudo muito bacana. Só que no novo, tem o roubo do gerador do museu de tecnologia pra causar um apagão na cidade toda, o velho "milionário grego" distraindo a atenção do proprietário com a maleta, o jovem Linus se passando por fiscal de jogos para roubar a senha do chefão do cassino, um pequeno chinês acrobata que cabe dentro de um carrinho de coleta de dinheiro, uma explosão fake dentro do cofre, a entrada da S.W.A.T., um falso tiroteio, a fuga do falso furgão e a saída tranquila dos ladrões, pela porta da frente, tudo isso enquanto o líder, Ocean, leva uma "surra" numa sala isolada para lhe servir de álibi de que em momento algum participara de qualquer daqueles eventos. 

"Onze Homens e Um Segredo" (1960) - trailer

"Onze Homens e Um Segredo" (2001)  - trailer

No mais novo, embora paire alguma dúvida, ao final, quanto à impunidade do grupo, uma vez que os capangas do proprietário ainda estão de olho em Ocean e sua turma, mesmo meses depois do acontecido, o êxito da operação em si, se confirma e em princípio, cada um sai com sua parte. Já no antigo, embora o roubo se concretize, um incidente com um dos integrantes, o eletricista, que sofre um infarto na rua logo após a missão, é a pista para que o sagaz e oportunista Duke Santos, vivido por Cesar Romero, o Coringa da antiga série de TV do Batman, padrasto de um dos integrantes da gangue, ligue alguns pontos e perceba que o enteado está envolvido. Desta forma, Santos, pedindo metade do ganho do assalto, chantageia o grupo que se vê obrigado a ocultar o dinheiro e, nisso, acaba, de maneira frustrante, perdendo tudo o que havia conquistado.

O mais recente leva vantagem também no ritmo. Enquanto o anterior era mais arrastado até o recrutamento de todos os integrantes, o mais novo é mais dinâmico e até mesmo essa etapa é mais envolvente e interessante. A propósito, a montagem, a edição do remake é grande responsável por essa dinâmica. Cortes rápidos, telas divididas, zooms in, flashbacks, películas diferentes, imagem granulada... Um show de Steven Soderbergh e sua equipe.

"Onze Homens e Um Segredo" (1960) - abertura de Saul Bass

Apesar de tudo isso, os Onze Homens do oscarizado Lewis Milestone é que saem na frente, logo nos primeiros movimentos do jogo, com um gol relâmpago de um décimo segundo jogador. A abertura genial do mestre Saul Bass, cheia de grafismos imitando os luminosos das fachadas dos cassinos, garante um gol para o time de 1960, antes do primeiro minuto de jogo. Mas basta o time de Steve Soderbergh botar a bola no chão para passar a dominar o jogo. A montagem alucinante garante o empate, o roteiro mais elaborado, mais inusitado, garante a virada e a trilha sonora espetacular, cheia de soul e jazz, marca o terceiro. Milestone tem Sinatra com a 10, ele é bom, joga muita bola, apesar de muita gente achar que ele era bom só de microfone, mas Clooney, o homem de confiança do professor Soderbergh, é o cérebro do time e faz melhor essa função que o Rei da Voz. Gol dele. 5x1. Brad Pitt até está melhor como braço direito do chefe da gangue, na atualização, do que Dean Martin, praticamente na mesma função no time antigo, Matt Damon é mais interessante e completo que seu equivalente Peter Lawford, Don Cheadle mais cativante que Richard Conte como o especialista em elétrica, mas o time de 2001 não transforma essas oportunidades em gol. Mas num drible desconcertante, daqueles de derrubar narrador, o desfecho do roubo com toda a enganação à qual nós espectadores somos submetidos, com bolsas cheias de pornografia num carro comandado por controle remoto, e com os ladrões saindo, pela porta da frente do cassino, com as bolsas de dinheiro, é um golaço numa jogada brilhantemente construída. O time de 1960 desconta pela ótima cena da contagem regressiva para a virada do ano, intercalada por um balão vermelho na tela, cortando de um para o outro cassino. 6x2 é o placar final da partida.

Dois grandes elencos mas, com um time mais bem encaixado, com jogadas mais trabalhadas e com um craque mais centralizador das jogadas, os onze de Ocean da versão de 2001, à direita, levam com alguma tranquilidade e faturam a premiação milionária da competição.

Um oceano de distância separa o time de 1960 do time de 2010

Vitória tranquila como roubar doce de criança.

Cly Reis

"O Monstro do Ártico", de Christian Nyby (1951) vs. "Enigma de Outro Mundo", de John Carpenter (1982)

 

Parece aquele jogo que a gente fica com pena do time que é goleado porque ele, até, não era tão ruim, não jogou tão mal, mas é que o adversário é  tão  bom, tão superior, que a goleada é inevitável. É o caso do confronto entre "O Monstro do Ártico", de 1951, e "Enigma de Outro Mundo", de 1982. O original de '51 até é bem bom filme, é importante na consolidação da linguagem da ficção  científica e até deve ter sido meio assustador e impressionante em sua época, mas é que a refilmagem de 1982, de John Carpenter é, simplesmente, um dos maiores filmes da história do cinema. Referência em ficção científica e terror, aclamado por outros diretores, cultuado por cinéfilos, assustador, apavorante, não tem como vencer "Enigma de Outro Mundo".

Em ambos os filmes, membros de uma estação norte-americana de pesquisa, no pólo (um no norte, o outro no sul), acabam levando para dentro de suas instalações uma espécie alienígena encontrada no acampamento norueguês que, agora, dentro de suas instalações, passa a pôr em risco a vida dos integrantes da missão. Apesar da sinopse básica ser, praticamente a mesma, há uma série de diferenças que fazem do remake muito melhor. No primeiro filme, de 1951, os pesquisadores recebem um chamado para verificar algo na estação norueguesa, a alguns quilômetros de onde estão. Lá, encontram algo no gelo, uma espécie de nave, recolhem do local um bloco com um espécime, levam para sua área, onde, então, dentro de suas dependências, uma criatura se revela do volume descongelado. Só que a coisa desperta do congelamento com uma fúria assassina que deve ser contida e anulada pelos exploradores a qualquer custo, de modo a salvar suas próprias vidas.

No outro, o de 1982, após um insólito incidente envolvendo um helicóptero norueguês que perseguia um cão, na neve, nas imediações da estação de pesquisa dos Estados Unidos, os exploradores americanos resolvem verificar o que estaria se passando no acampamento dos noruegueses para que o piloto tivesse agido com tamanha insanidade. Lá, em meio a um cenário de devastação, abandono e morte, encontram um bloco de gelo recortado do chão, mas vazio, cadáveres de exploradores noruegueses, e um que, especialmente, chama atenção pela deformidade do corpo, mal se identificando ser algo humano ou não.

Levam o corpo retorcido para seus laboratórios e enquanto estão ocupados tentando descobrir o que fez com que a delegação nórdica fosse dizimada, a coisa já está entre eles. Estava no cachorro. Descobrem, então que o alienígena é uma espécie de mutante, um transmorfo que elimina sua vítima e copia sua forma, podendo ser qualquer um lá dentro. A tarefa dos exploradores, pesquisadores, cientistas da estação, então, é mais complexa e difícil que a do outro filme: não somente têm que salvar suas vidas, como também impedir que aquela forma de vida saia dali, daquela instalação isolada, no meio de nada, e tome o resto do planeta.

"O Monstro do Ártico" (1951) vs. "Enigma de Outro Mundo" (1982)

O original é legal. A cena do bloco de gelo derretendo gera uma expectativa sinistra de que "vai dar ruim" assim que aquela coisa saia dali; a briga da criatura com os cães, na neve, é impressionante, e o pedaço de braço encontrado, ali, entre os animais é algo bastante forte para um filme daquela época; e a arapuca final para atrair a criatura e tocar fogo no invasor é cheia de expectativa e tensão. 

Tá bem, ok... mas o remake, cara!!! O remake é um absurdo!

A maior complexidade da trama; o ambiente hostil e desconfiado entre os expedicionários; o medo constante; a direção de arte impecável; a iluminação, a fotografia branca, desoladora da neve; o ambiente claustrofóbico; a maquiagem assustadora, distorcida, disforme; a imprevisível e ameaçadora mutabilidade do ser do espaço; a impotência dos homens diante das possibilidades do alienígena; sem falar nas cenas clássicas! 

Tem a do huski dos noruegueses se transformando dentro do canil, a da cabeça de um dos exploradores mortos se soltando do corpo, criando antenas, se ramificando e se transformando numa espécie de aranha, a do desfibrilador rasgando o peito do cadáver que "morde" os braços do médico, e, especialmente a do teste do sangue, uma das mais tensas da história do cinema, na qual todos os integrantes da missão, já sob suspeita geral, são amarrados e têm uma amostra de sangue recolhida e exposta, ao calor de um lança-chamas pelo piloto McReady, que é quem toma a frente da caça ao estranho, supondo ele que, diante da ameaça, as defesas da criatura venham a reagir e se revelar. O espectador não tem como tirar os olhos da tela nessa sequência! "Será que é esse?", "Será que é o próximo?", "Ah, agora sim é esse...". A gente fica na expectativa, devora as unhas e praticamente arranca os braços da cadeira do cinema ou da poltrona de casa. Ah, porra!!! Um dos maiores filmes de todos os tempos! Tem como ganhar? Não, né? Não!

Vitória tranquila. Um passeio. 

Um pelo roteiro mais elaborado, outro pelo invasor metamórfico, outro pela tensão, outro pela maquiagem e as mutações arrepiantes do alienígena, outro por ter algumas das sequências mais marcantes, impressionantes, aterrorizantes do cinema em todos os tempos, e ainda um do matador Kurt Russel, jogador de confiança do técnico, que já jogara com ele em outro timaço ("Fuga de Nova York") e voltaria a atuar em "Fuga de Los Angeles", e que não quer nem saber: quando chega perto do gol, queima dali mesmo e guarda o seu.

O original até faz o seu pela ousadia e pelo pioneirismo na ficção científica, mas é só.

O placar fica assim mesmo: 6x1 para a refilmagem

Coisa de outro mundo.

Diferença determinante:
no original a criatura é um humanóide, até assustador, ameaçador e tal,
mas no remake, o mais aterrorizante é que ele pode ser qualquer coisa.
E cada coisa...!!!

Vitória do time imprevisível que muda de formação e esquema tático a todo momento.

Aquele time quase impossível de marcar.

Cly Reis

"Rebecca, A Mulher Inesquecível", de Alfred Hitchcock (1940) vs. "Rebecca, A Mulher Inesquecível", de Ben Wheatley (2020)

 

Alfred Hitchcock, um dos maiores e mais influentes cineastas de todos os tempos na história do cinema, curiosamente nunca ganhou um Oscar de melhor diretor. No entanto, um filme seu foi agraciado com a honra máxima da Academia, o Oscar de melhor filme: "Rebecca, A Mulher Inesquecível", de 1940. E não é que me vem um sem-noção e tenta dar sua versão exatamente o filme mais premiado de Hitchcock? Refilmar um Hitchcock qualquer já é uma ousadia corajosa, refilmar "Rebecca...", então, é pedir pra cair nas comparações e fracassar rotundamente.

"Rebecca, A Mulher Inesquecível" pode não ser seu maior filme, seu trabalho mais conhecido, sua obra-prima, mas é um daqueles filmes impecáveis, preciso, perfeito em todos os detalhes, tipo aquele time certinho, ajustado em cada setor. Não entra pra história pelo belíssimo futebol, pela vistosidade, mas garante seu nome entre os grandes esquadrões pela competência e pelos troféus no armário. Mas engana-se quem possa pensar que "Rebecca" não é impressionante. Se é menos marcante numa comparação com um "Janela Indiscreta", "Psicose", ou "Um Corpo que Cai", é inegável, no entanto, que possua todos os méritos para ter alcançado, em relação a esses badalados clássicos, o ineditismo de um Oscar de melhor filme na filmografia do Mestre do Suspense.

Em "Rebecca", uma jovem dama de companhia de uma ricaça, numa temporada em Monte Carlo, conhece um milionário abalado pela morte trágica da esposa. Mesmo ainda se recuperando do trauma, o viúvo, Maxim De Winter, sentindo-se revitalizado, reanimado depois de tudo que passara, se envolve com a garota e casa-se com ela, lá  mesmo no Principado.

Ele a leva para sua residência, a suntuosa mansão Manderlay, na Inglaterra, mas lá a esposa não  consegue ter paz no casamento uma vez que a sombra da falecida, Rebecca, parece estar em tudo e em todos os lugares da casa. Sensação que é  reforçada e ainda mais agravada pela presença quase sinistra da governanta, sra. Denvers, fiel e devotada servidora, mesmo depois da morte da patroa. Só  que aos poucos percebemos que há  alguma coisa de errada com a tal morte... Ninguém quer falar muito a respeito, o marido age estranho, a empregada esconde alguma coisa, aparece um "primo" misterioso e o tal naufrágio da qual Rebecca fora vítima revela-se um incidente meio meio mal explicado e repleto de interrogações.

"Rebecca, A Mulher Inesquecível" (1940) - trailer

"Rebecca, A Mulher Inesquecível" (2020) - trailer

Hitchcock mais uma vez fazia o que costumava fazer com maestria: induzir o espectador por caminhos errados, confundir um pouco a nossa percepção inicial. Sugere algo sobrenatural, como em "Um Corpo que Cai" e "Psicose", introduz um mistério, nos enrola, cria o suspense, nos revela razões erradas, vai trazendo novas informações, para tudo culminar, no fim das contas, num thriller policial.

A nova versão tem a trama absolutamente igual e, por seu turno, não acrescenta em nada. Não é melhor tecnicamente, não tem um diretor à altura, não tem atores melhores e, no mínimo que se arrisca em ousar, não  tem sucesso ou não dá ganho algum. Lily James até é boa atriz, faz bem seu papel como a nova sra. De Winter, mas diante da atuação de Joan Fontaine, indicada para o Oscar, na época, sua performance é simplesmente pulverizada. Joan Fontaine está magnífica! Ela é tímida, insegura, tem aquela postura curvada de quem se sente diminuída, não consegue fixar o olhar no interlocutor, não sabe o que fazer com as próprias mãos e as mexe nervosamente, é sufocada pela imponência da casa, e fica reduzida a um ratinho diante da intimidadora governanta.

Quanto a Lawrence Olivier, salvo toda sua fama, seu título de Sir da Coroa Britânica e coisa e tal, pra mim é o típico canastrão hollywoodiano e, particularmente, apesar de seu Oscar na prateleira por Hamlet, e seu caminhão de indicações, nunca fui muito seu fã. Mas, tenho que reconhecer que, além da comparação inglória com o zé-ninguém que interpreta De Winter no remake, Armie Hammer, desta vez ele me convenceu. Faz o tipo galante quando precisa, é jovial nos momentos de descontração, especialmente nas cenas em Mônaco, mostra-se convincentemente atormentado pelos acontecimentos que levaram à morte de Rebecca, e piedosamente vulnerável quando os acontecimentos parecem mudar de rumo.

E o que dizer da governanta, sra. Denvers? A antiga, interpretada por Judith Anderson, que também fora indicada ao Oscar pelo trabalho, parece uma assombração, uma presença maligna, uma alma penada, um urubu, sempre de preto, postura quase estática, movimentos mínimos, olhar frio e impassível. Kristin Scott-Thomas, da nova versão, é ótima atriz, até vai bem no papel, mas fica reduzida a pó diante do desempenho de Judith Anderson.

A direção de arte do remake é competente, recria bem a Monte Carlos dos anos 40, tudo é caprichadinho, ele ousa numa montagem mais ágil (o que não ajuda muito), a fotografia até é boa, um pouco colorida demais para o meu gosto, ok, mas, mesmo nisso, não teria como bater a que fora, inclusive, reconhecida com um Oscar? A força estética do preto e branco, o jogo de luz e sombras, os penhascos à praia, a perspectiva dos corredores da mansão, a imponência de Manderlay... Tudo imbatível!

Não tem como disputar.

O time de Hitchcock começa metendo 1x0 nos primeiros minutos na cena em que a jovem dama de companhia conhece o milionário, à beira de um penhasco, possivelmente prestes a um suicídio. A acrofobia induzida pela posição da câmera, a expectativa pela ação daquele homem, a iniciativa (talvez) salvadora da garota e, ali, o início da relação dos dois, constituem uma baita jogada do mestre do suspense e tira o primeiro zero do placar. Ben Wheatley, por sua vez, talvez tendo noção de que não conseguiria reproduzir algo tão espetacular, abre mão da cena, começando sua trama diretamente no hotel.

Manderlay, a mansão, uma casa que parece ter vida própria, que em determinado momento chega a parecer assombrada, impressiona por sua imponência sombria e opressora, quase como um personagem à parte, muito mais no primeiro filme, do que no remake, que não lhe confere tamanha relevância. Gol de Manderlay: 2x0, no placar.

Joan Fontaine (craque) desequilibra. Joga demais! A fragilidade, a timidez, a insegurança, a humildade da personagem, a impotência diante da onipresença de Rebecca em tudo naquela casa, a paixão nos olhos diante do misterioso marido... É gol! Mais um pro time de Hitchcock.

Sir Lawrence Olivier, aquele craque contratado pra dar aquele brilho no meio-de-campo, o cara da jogada requintada, também guarda o dele. 4x0 para "Rebecca" (1940). E Judith Anderson, além de não deixar passar nada na defesa (na defesa dos interesses da antiga patroa), por sua atuação de luxo, vai ao ataque, também marca o dela e, literalmente) incendeia a torcida!

A favor do novo, Sam Rilley, se sai melhor como o primo Jack Favell do que George Sander do original; a parte do inquérito, depois da descoberta do barco de Rebecca, funciona melhor no remake; e a subtrama, dos interesses por trás do conluio de Favell com a governanta Denvers, fica um pouco mais clara na nova versão. Ok..., tudo isso, somado, dá um golzinho para o time de 2020, mas aí a casa já caiu (literalmente). 

Baile de gala! 5x1 para 'Rebecca" de 1940.

Vários momentos dos dois filmes:
(à esquerda, Rebecca, de 1940; à direita, o de 2020)
1. Manderlay, a suntuosa mansão, bem mais sombria e ameaçadora na visão de Hitchcock;
2. O interior da casa e a iluminação proposta por cada diretor;
3. A sra. Denvers, a sinistra Judith Anderson (esq.) e Kristin Scott Thomas, à direita, um pouco mais humana;
4. A governanta atormentando a vida da nova patroa, nas duas versões;
5. Nosso adorável casalzinho;
6. Mesmo com o filme levando o nome de Rebecca e tudo girando em torno dela,
nossa protagonista é a adorável personagem sem nome:
à esquerda, Joan Fontaine, brilhante, e
à direita, Lily James, apenas competente.

Se o filme de Hichcock chama-se "Rebecca, a mulher inesquecível",

o da Netflix, poderia, perfeitamente, se chamar "Rebecca, o filme dispensável".

Cly Reis

"Com As Horas Contadas", de Rudolph Maté (1950) vs. "Morto ao Chegar", de Rocky Morton e Annabel Jankel (1988)

 

Filme de morto-vivo sem ser de zumbi, "D.O.A." (Dead on Arrival), nome original das duas versões, trata basicamente de um homem que fora envenenado, sua situação é irreversível, ele sabe, a rigor, que está morto, mas antes de dar seu último suspiro, pretende, a qualquer custo, descobrir quem o matou. Premissa interessantíssima que me conquistou desde a primeira vez que topei com "Morto ao Chegar", de 1988. Um morto-detetive, um cara que investiga a própria morte. Bárbaro!!!
Só depois de muito tempo foi que vim a saber da existência de uma versão anterior, de um original do início dos anos 50 chamado por aqui de "Com as horas contadas".
Tipo do caso em que o original é bom mas o remake é melhor ainda. O próprio estado físico que o protagonista chega à delegacia pra reportar o crime do qual fora vítima, logo no início de ambos, é muito mais legal na versão mais recente. O professor Dexter Cornell chega estropiado, um bagaço, num fiozinho de vida, ao passo que, no antigo, um contador, Frank Bigelow chega ainda hirto, altivo, meio abatido, é verdade, mas num estado bem menos verossímil que o da refilmagem se considerarmos a situação que se encontra e tudo que vivera nas últimas horas.
A própria diferença de atividades dos dois, me parece, seja um ganho do remake, uma vez que a condição de professor universitário, escritor decadente, suscite bem menos interesse de que alguém quisesse matá-lo, numa improbabilidade de suspeitos e motivos que torna a trama ainda mais intrincada. Como ele mesmo diz, no filme, "Ninguém faz planos de matar um professor de Inglês. Não inspiramos esse tipo de violência". No outro lado, negócios, dinheiro, clientes, dívidas..., tudo isso já direciona as suspeitas do espectador para alguém relacionado a esse universo ou algo próximo.

"Com as Horas contadas" (1950) - trailer

"Morto ao Chegar" (1988) - trailer

Frank Bigelow, um pequeno empresário de uma cidade do interior, repassa algumas transações, atualiza a agenda de clientes, fecha o caixa e parte para um pequeno período de férias na cidade grande, em São Francisco. Lá, participa de uma festinha no hotel, toma uns drinques no lobby, se engraça com uma dona, e depois da noitada, sentindo-se estranho, com um certo mal estar, vai a um hospital, onde descobre que ingerira uma substância venenosa, naquela noite, possivelmente, misturada com álcool, e que não viverá mais que 48 horas. Passa a buscar razões para que alguém quisesse envenená-lo e resolve levantar seus clientes em São Francisco. Na caça, descobre que um deles, um que lhe ligara poucos dias antes de suas férias, acaba de morrer. Teria se suicidado. Se jogando de uma varanda... Em suas últimas horas de vida, decide que é no rastro desse cliente que deve seguir. Topa então com o sócio do cliente, a viúva, a amante do morto, um figurão de contrabando, e aí a coisa engrena. "Com as horas contadas" até demora para esquentar mas, depois que pega o ritmo, com uma série de surpresas, quebras de expectativa, torna-se mais atraente, instigante e empolgante.

Dexter Cornell, por sua vez, é um professor de Língua Inglesa que já teve seus dias de glória na literatura mas que, em crise criativa, conjugal e pessoal, não consegue escrever mais nada e vê seu casamento desmoronar. Enquanto a vida de Cornell gira nesse turbilhão, na faculdade, um aluno aparentemente talentoso para as letras, mas que Cornell insistia em ignorar os trabalhos, se joga do terraço do prédio e, para piorar, ele descobre que o garoto era o novo namorado de sua (quase ex) esposa.

O professor vai afogar as mágoas, encontra uma aluna na night, eles bebem juntos e no outro dia, sentindo-se muito mal e desconfiando que aquilo não é só uma ressaca, consulta uma médica no ambulatório da faculdade. Ela ele ingerira, nas últimas horas, provavelmente misturado com álcool, uma toxina de ação lenta mas de efeito irreversível. Ou seja: inevitavelmente, ele vai morrer. Tempo de vida? No máximo 24 horas.

Dex, desesperado vai atrás da aluna (Meg Ryan), supondo que ela possa ter colocado algo em sua bebida, a envolve nas investigações, sem querer a põe em perigo, e, por onde passa, a cada pista que segue, vai deixando um misterioso rastro de corpos conforme sua investigação avança.

A abertura em preto e branco, a chegada aos frangalhos na delegacia e a passagem para o colorido com a palavra "COR", escrita na lousa, na aula da universidade, numa passagem de tempo bem sacada, é um golaço, já no início da partida, para o time de 1988. A agilidade do roteiro, a dinâmica, com um filme que não para a partir do envenenamento, que muda constantemente, como aquele time que muda de posição o tempo inteiro, imprevisível, a inspiração nos giallos italianos, garante outro para o remake. Dennis Quaid, que juntamente com Meg Ryan, foi contratado para sere a estrelas do time, faz a diferença e guarda o seu, com uma atuação muito consistente, ao contrario da parceira que, num papel pouco relevante, não dá grande contribuição.
Do outro lado, o filme de 1950 apronta uma certa correria ali pela metade, ganha agilidade, faz substituições, apresenta novos jogadores (ou melhor, novos suspeitos à trama), e acaba chegando ao gol. Faz mais um pelo conjunto, uma vez que, de um modo geral, é um bom filme com uma boa trama e um interesse crescente. Mas a sequência final da refilmagem, da descoberta do assassino e de sua surpreendente motivação, com a cena desbotando gradualmente até perder totalmente a cor, para voltar ao ambiente inicial da delegacia, mata definitivamente o original. Baita jogada! 4x2 para "Morto ao Chegar".

À esquerda, Frank Bigelow e, à direita, Dexter Cornell,
no alto, chegando à delegacia para comunicar o próprio assassinato;
no meio, ambos relatando a incrível história ao delegado e,
abaixo, o momento em que descobrem que foram envenenados.

"Com as horas contadas" percebeu cedo que era inferior, 

continuou lutando mas sabia que estava morto no jogo.

Cly Reis

Tabelão Clássico é Clássico (e vice-versa) 2022

A estranha matemática de Cecil B. DeMille,

no Clássico é Clássico(e vice-versa)

A reação dos remakes!!!

Depois de perder todos os anos, desde que criamos essa seção, finalmente as refilmagens conseguiram superar seus algozes, desfazendo, pelo menos temporariamente, aquela máxima de que o original é sempre melhor.

A reação vinha acontecendo: depois dos massacres dos originais nas primeiras temporadas, nos últimos anos a diferença vinha caindo e, ano passado, se não fosse um empatezinho, os remakes teriam igualado o número de vitórias. Mas o triunfo finalmente veio. Agora..., resta saber se a reação vai se confirmar ou se terá sido só fogo de palha.

Dê uma olhada, então, aí abaixo, no placar de 2022 e com esses novos números, como quadro geral do Clássico é Clássico (e vice-versa):

*************

Num ano de Copa do Mundo de futebol, no qual demos alguma preferência para confrontos internacionais aqui no CéC, de modo a recriar esse clima de enfrentamentos entre países, tivemos alguns confrontos que não seriam tão significativos num campo de futebol, mas que são de primeiro nível no campo da Sétima Arte, como Espanha x Estados Unidos, Dinamarca e Itália, Japão x Inglaterra. Mas teve confronto pesado de campo e de set de filmagem: se lá no Qatar a Copa acabou com um duelo entre franceses e argentinos, por aqui também rolou o confronto, mas no set de filmagem, com um resultado diferente dos gramados, a França levou a melhor.

Curiosidade é que o norte-americano Cecil B. DeMille disputou dois confrontos, perdeu dois, e ganhou um... Como assim?

Como um dos confrontos foi contra ele mesmo, saiu com uma vitória na bagagem.

E, no quadro geral, a diferença cai.

Minimamente mas cai.

Mas é bom os originais abrirem o olho porque os remakes vem crescendo cada vez mais a cada ano.

Será que aquela máxima de que o original é sempre melhor não vale mais?

C.R.

"Pinóquio", de Ben Sharpsteen e Hamilton Luske (1940) vs. "Pinóquio", de Robert Zemeckis (2022)

 

Uma partida que já começa com um favorito disparado: "Pinóquio" de 1940 tem mais talento, criatividade e um futebol mais vistoso, o famoso futebol arte. Já o longa recente do competente Robert Zemeckis, entra com um esquema defensivo defensiva, recuado, só espelhando a tática do adversário. Ambos começam lindamente e delicados, mas a originalidade e a delicadeza dos detalhes da animação original, se destacam muito.

Na história, que todo mundo conhece, um velho carpinteiro que faz um boneco de madeira que por meio de uma fada ganha vida e, um tanto rebelde, um tanto inocente e curioso, acaba saindo de casa e se metendo em uma série de apuros.

Os primeiros minutos são de futebol de alto nível, para frente, os dois com vontade de ganhar. "Pinóquio" de 2022 tenta inovar e mostrar que tem talento, apresentando a repaginada que deu em seus atletas e nisso bate um bolão, mas não o suficiente para superar o encanto do futebol do time de 1940, que, por sua vez, mostra que tem estrela. E é por aí que sai o 1x0. Cruzamento de Fada Azul, Gepeto escora para trás com a cabeça, e Pinóquio, mostrando que não é perna de pau, afunda a rede. 

As cenas inicias são bem parecidas, todo encanto que surge no início dos dois longas é bem impactante em ambos, mas como falei anteriormente, o primeiro, por ser original, se torna algo único e não tem como competir com a cena de Pinóquio ganhando vida, o grilo sendo introduzido como sua consciência, e uma apresentação de personagens linda e lúdica, ao passo que a nova versão apenas emula isso.

O jogo segue ainda igual, com momentos belos, mas termina o primeiro tempo bem morno. Segundo tempo se inicia sem novidades, apenas com uma certa acelerada que o jogo ganha. A equipe de 2022 coloca uma jogadora que parece que vai brilhar, a gaivota Sofia, personagem nova introduzida nessa nova versão, porém pouca coisa acontece e só vai mesmo acontecer lá pelo final do segundo tempo. Chegamos, então, aos minutos finais com cada time tentando surpreender da sua forma: o time de 2022, exagera nos ataques e fica exposto, toma o contra-ataque e... buuum!, leva o segundo gol. Acaba aprendendo que é melhor jogar simples de vez em quando. 2x0 para Pinóquio '40.

"Pinóquio" (1940) - trailer

"Pinóquio" (2022) - trailer

O novo longa tem um dos seus acertos ao nos apresentar a nova personagem que dá um sopro de originalidade ao filme e que até serve para fazer a história ir para frente, mas o roteiro faz questão de tirá-la da história e não entendi o motivo pelo qual, assim como aparece, ela some de tela. O lance da baleia ser substituída por uma fera do mar, desculpe, pode ser coisa minha, mas, particularmente, não gostei.

O quarto árbitro levanta a placa de +2 minutos e, aos 47 do segundo tempo o time de 2022 faz um gol de falta, mas já é tarde e o jogo chega ao fim. 

Por mais que eu tenha gostado do final do remake, que deixa a história muito aberta, o longa no geral não consegue ter a mesma magia do original que, desde do início já traz uma beleza, uma pureza, um encanto singulares. Devido a toda essa magia, bem característica da era de Ouro da Disney e que vale muito, o longa de 1940 sai vitorioso, e jogando muito melhor que seu adversário.

Mas esse torneio não acaba aqui! Logo logo, o time de Ben Sharpsteen e Hamilton Luske vai enfrentar um novo adversário treinado por ninguém menos que o fabuloso Guillermo Del Toro.

Continua...  

No alto, criador e criatura, o velho Gepetto e Pinóquio, à esquerda a animação e à direita o live-action;
na segunda linha, a Fada Azul das duas versões dando vida ao garoto de madeira;
e, abaixo, o que acontece quando se mente,
elemento clássico na história de Pinóquio mas que tem bem menos importância e destaque na nova versão. 

E o filme novo ainda teve a ousadia

de tentar superar um verdadeiro clássico...

Que cara de pau!

por Vagner Rodrigues

"Intocáveis", de Éric Toledano e Olivier Nakache (2011) vs. "Inseparáveis", de Marcos Carnevale (2016)

Jogo entre uma escola emergente, cada vez mais afirmada, contra uma já consagrada. Enquanto o cinema argentino é cada vez mais reconhecido, premiado, inclusive com dois Oscar de melhor filme estrangeiro no currículo, o cinema francês, além de ter alguns dos maiores diretores da história do cinema, como Cocteau, Godard, Truffaut, Resnais, mostrou ao mundo alguns dos melhores e mais importantes filmes de todos os tempos como "Viagem à Lua", "Jules et Jim", "Hiroshima, Meu Amor", "Acossado". "Intocáveis", de 2011, chega a ser citado em listas como um desses filmes mas, particularmente, não acho que seja para tanto, embora, tenha que reconhecer que é, sim, muito bom filme.

Até por isso, não dá para o remake argentino, "Inseparáveis", de 2016, competir. É uma refilmagem competente, gostosa, bastante engraçada, mas não é o suficiente para superar o original.

Em ambos, um milionário tetraplégico procura alguém para acompanhá-lo e lhe tomar conta. Entre dezenas de candidatos qualificados, com formação, experiência, cursos de fisioterapia, etc., ele, intuitivamente, opta por um homem rústico, despreparado, pobre, que sequer era candidato à vaga. A escolha mostra-se extremamente acertada, uma vez que, pelo fato do novo contratado não tratar o deficiente como um bebê, como alguém inútil, com uma piedade excessiva e constrangedora, faz com que ambos desenvolvam uma relação de amizade forte e sincera, com muitos momentos emocionantes e divertidos. 

"Intocáveis" (2011) - trailer

"Inseparáveis" (2016) - trailer

Faz toda a diferença a favor do original o fato do protagonista, Driss, ser um imigrante na França, com dificuldades financeiras, sem emprego, com uma família cheia de problemas e lutando por um visto, enquanto na refilmagem, por mais modesto e ferrado que seja, o cuidador é um mero jardineiro. Ricardo de La Serna até é bom como Tito, dá conta do recado, é até naturalmente mais cômico que o mesmo personagem francês, mas o problema para ele, no comparativo, é que o personagem original é vivido por, ninguém menos que o ótimo e carismático Omar Sy, e aí não dá nem pra disputar.

O milionário Philippe (ou Felipe, no remake) até é equivalente nos dois filmes, com ambos os atores dando a devida dramaticamente ou discontração, nas devidas doses, nos momentos certos; já quanto à equipe, os funcionários da casa, vejo uma leve vantagem para o filme argentino, com atores mais cativantes nos papéis da governanta e da secretária, embora a filha do ricaço esteja muito melhor em atuação e seja mais relevante como personagem no primeiro filme.

De resto, são pequenos detalhes aqui outros ali, mas não  tem muito como fugir de uma vitória do time de 2011.

Um, pelo fato da história real no qual os filmes se baseiam, ter se passado originalmente na França, o que dá mais autenticidade ao filme de 2011; dois, pelo fato do acompanhante ser um imigrante senegalês, o que vai ao encontro dos fatos reais, uma vez que o cuidador que realmente atendeu Philippe era um imigrante argelino, o que é extremamente significativo para o filme e para a atual conjuntura do mundo onde vivemos. Um gol para a comicidade do remake, mais engraçado pelas palhaçadas de La Serna, mesmo meio que forçadas em alguns momentos; dois pelos atores periféricos da casa, que funcionam melhor individualmente; mas o grande jogador do time francês desequilibra e Omar Sy marca dois, um pelo carisma, pela presença de tela, e outro, é claro, pela interpretação, muito precisa e convincente.

Não há nada a fazer. Tudo o que resta para "Inseparáveis" é dançar um tango argentino.

Placar final: 4x2 para "Intocáveis". 

No alto, os dois empregados, Driss, à esquerda, e Tito, à direita, na "entrevista" de emprego.
E, abaixo, ambos divertindo o paciente-amigo, Philippe (Felipe).

Omar Sy desequilibra e a França vence o duelo.

Como diria aquele narrador, sobre os jogadores franceses descendentes de imigrantes:

"Esses negros maravilhosos!"

Cly Reis

"O Último dos Dez" ou "E Não Sobrou Nenhum", de Peter Collinson (1974) vs. "O Caso dos Dez Negrinhos", de Satanislav Govorukhin (1987)

 

Muita gente defende que o jogo de futebol fica melhor e deveria ser jogado com dez jogadores de cada lado. Pois, aqui, no nosso jogo, os dois times já começam com dez. No romance "O Caso dos Dez Negrinhos", da mestra do mistério, Agatha Christie, nos apresenta uma trama em que oito desconhecidos são convidados, por um misterioso anfitrião, para um jantar num local isolado e de difícil acesso, no qual, por meio de uma gravação, são revelados crimes que cada um dos convidados e seus dois mordomos teriam cometido. A partir daí, um a um, eles vão sendo assassinados de maneira muito semelhante à subtração de um conhecido versinho infantil sobre dez negrinhos e para cada um que morre, uma estatueta de um conjunto de dez que enfeita a mesa de jantar, é removida. Haverá um décimo primeiro "jogador" ou um dos próprios convidados é o matador?

Nossos dois adversários contam a mesma história, mas com propostas de jogo um pouco diferentes: "O Último dos Dez", também conhecido como "e Não Sobrou Nenhum", de 1974, de Peter Collinson, ousa e faz algumas alterações na história original: ao invés de situar a trama em uma ilha, como no romance original, transfere a ação para o deserto do Irã, em um luxuoso hotel no meio do nada, ao qual os convidados chegam, deixados de helicóptero. Em nome desse atrevimento, ele é obrigado a fazer outras modificações e a maior parte das mortes acaba sendo diferente das idealizadas pela escritora, sendo adaptadas para situações determinadas pela localização, ambiente, hábitos culturais, comprometendo bastante a ligação dos assassinatos com o poema infantil que os ordena e determina.

As ousadias até funcionam, como adaptação cinematográfica, se formos analisar isoladamente, enquanto proposta, filme de mistério e tal, tá ok: deserto, serpentes, hábitos locais de execução, ruínas, etc. Mas, o problema é que, além de mexer numa obra impecável da maior escritora do gênero, no comparativo com o adversário desse jogão do Clássico é Clássico, a opção pelas alterações acaba pesando.

"O Caso dos Dez Negrinhos", de Stanislav Govorukhin, de 1987, é muitíssimo mais fiel ao original de Agatha Christie. A ação se passa numa casa, em uma ilha, no topo de um rochedo, cujo acesso se dá apenas por barco e apenas quando a maré permite; a produção, embora russa, tem todo o aspecto dos filmes noir norte-americanos, com chapéus, sobretudos, véus, persianas, sem perder, contudo, sua identidade; os crimes seguem à risca os versos do poema dos negrinhos que, por sinal, está exposto, emoldurado, em cada um dos quartos dos convidados, recebendo sua devida importância dentro da trama como acontece no livro; e a atmosfera, a casa, a ilha, o mar, os rochedos, tudo é muito mais angustiante e claustrofóbico do que no filme inglês.

"O Último dos Dez" (1974) - trailer original

"O Caso dos Dez Negrinhos" (1987) - trailer original

*não conseguimos os trailers dublados ou legendados de nenhum dos dois, no entanto a amostragem

destes originais serve para dar uma boa noção de escolhas e elementos visuais que mencionamos na análise das obras.

Enquanto a versão inglesa tem um aspecto árido, quase luminoso, uma decoração rica em ouro e pesada em tapetes persas, a produção russa é cinzenta, sombria, rústica, amadeirada, trabalha em planos fechados, sombras, reflexos, janelas, enquanto o filme de 1974 opta por planos mais abertos, travelings longos, e tomadas, na maioria das vezes, pegando todos os personagens no mesmo plano. 

O filme de Govorukhin traz uma atmosfera mais misteriosa, furtiva, obscura, os convidados se esgueiram, são evasivos e parecem mais suspeitos por mais tempo, até que fique claro, por fim, que são tão vítimas e vulneráveis quanto qualquer outro ali.

O filme de 1974 até tem um elenco mais estelar, com Gert Fröbe, o Goldfinger de 007, Herbert Lohm, o comissário Dreyfuss da Pantera Cor-de-Rosa, Oliver Reed, de "Golpe de Mestre", "O Gladiador", o versátil Richard Attenborough, diretor do clássico "Gandhi, uma ponta do cantor francês Charles Aznavour, o primeiro a morrer, e a voz de Orson Welles, revelando os crimes de cada um dos convidados, mas no fim das contas, com exceção de Attenborough, que faz um bom juiz Cannon e Reed, como Detetive Lombard, tantos medalhões acabam não fazendo tanta diferença assim. O filme russo, ainda que não tenha nomes tão conhecidos no ocidente, traz o aclamado Vladimir Zeldin, a bela Tatyana Drubich, e Alexander Kaydanovski, o "Stalker" do filme de Tarkowski, no papel do investigador Lombard. Os demais, embora nada badalados, têm um um ótimo trabalho coletivo e garantem o bom desenvolvimento e a coesão do filme.

Dentro de campo, onze contra onze..., ou melhor, dez contra dez, o filme de 1987 leva vantagem. A fidelidade à novela original faz diferença e garante um gol para o time de Govorukhin, o clima noir, o visual soturno, o jogo de sombras, reflexos, espelhos, vidros, aumenta a vantagem.

No entanto, a audácia da proposta, da mudança da ambientação, ainda que não totalmente bem-sucedida, merece reconhecimento e a recompensa com um gol. Mas a alegria do time de 1974 não dura muito e a constante referência e a vinculação dos crimes aos versos nas paredes dos quartos, dá mais um gol para o time russo.

No tocante à escalação, Peter Collinson dá a camisa 10 para Oliver Reed, que até dá boa contribuição mas não consegue desequilibrar, até porque, do outro lado, o 10 é o 'Stalker' Alexander Kaydanovski que articula muito bem o jogo o tempo inteiro; Tatyana Drubich, no time de 1987, se sai muito melhor do que Elke Sommer como a secretária contratada pelo incógnito anfitrião, encarnando melhor o espírito da personagem, Vera Clyde, na versão inglesa e Vera Claythorne, na russa; e, de um modo geral, mesmo com mais jogadores destacados, rodados, com passagens por times grandes, o time inglês não consegue impor seu jogo, com exceção de Richard Attenborough, como juiz Cannon, que tem um desempenho excelente, sobretudo na sequência final, que é muito boa também no outro filme, com um flashback crucial e aquela recapitulação característica de Agatha Christie, mas que não supera a performance de Attenborough e a surpresa do filme inglês. No entanto, a cena em questão é resultante de uma mudança decisiva no final do romance original e isso é imperdoável!

(Para quem não leu o livro ou não viu nenhuma das adaptações, aqui vão spoilers - desculpem, mas absolutamente necessários).

Em nome de um final feliz, de ficar bem com o público, de não matar o 'mocinho' e a 'mocinha' do filme, Peter Collinson faz com que Lombard (Reed) depois de uma farsa com Vera Clyde, reapareça vivo, ao final, no salão, em frente ao juiz Cannon que, supondo êxito em seu plano, já dera um gole numa taça de veneno a fim de concluir seu plano, incriminando a garota pelos nove crimes, deixando-a sem opção, induzindo-a a fazer uso da forca já pendurada previamente pelo juiz na sala. Já sob efeito da substância, o velho morre (maravilhosamente bem) e o casal é resgatado do local pelo mesmo helicóptero que os deixara lá.

No outro, não! Depois de atirar, DE VERDADE, em Lombard, desconfiada e com medo dele, Vera volta para casa e encontra em seu quarto apenas a forca dependurada à sua espera. Com a culpa pelo crime que lhe é imputado na gravação e percebendo-se sem saída diante de nove cadáveres que, naturalmente, seriam atribuídos a ela, a garota sobe numa cadeira e coloca seu lindo pescocinho na corda e dá fim à sua vida, para regozijo do juiz que se fingira de morto a fim de fazer a justiça que os tribunais não fizeram. Realizado, ele, mais criminoso que todos ali, mete uma bala na própria cabeça, concretizando seu último ato de justiça, em uma cena, igualmente, de se aplaudir de pé. Pela fidelidade ao original no ápice do filme, na resolução do caso, vai mais um gol para o time russo.

O time britânico ainda marca um nos acréscimos pois, depois da morte do juiz e da retirada dos dois sobreviventes, de helicóptero, a gravação, com a narração de Orson Welles volta a ser rodada enquanto passam os créditos finais. Mas não há tempo para mais nada e o jogo termina assim. 

Podia ter proposto, aqui o enfrentamento de um dos dois, "O último dos Dez" ou "O Caso dos Dez Negrinhos" contra a primeira adaptação para cinema, de 1939, de René Clair, "E Não Sobrou Nenhum", mas preferi tirar um pouco o foco das produções norte-americanas e, embora a Rússia não esteja na Copa do Catar, e venha criando problemas para o mundo inteiro com essa treta com a Ucrânia, achei que seria um confronto internacional mais interessante e original esse embate de russos contra britânicos.

Mas, olha, hein... o time de René Clair também teria sérias dificuldades contra esse ótimo time de Govorukhin.

No alto, à esquerda, o hotel que receberá os convidados, no meio do deserto iraniano, 
e, à direita, a mansão de aspecto sinistro no alto de um rochedo cercado pela água;
na segunda linha, as estatuetas dos dois filmes, que vão sendo subtraídas
conforme uma pessoa morre;
na sequência, os jantares das duas versões, ainda com todos os acusados vivos
na quarta linha, o plano aberto, alto, do filme inglês,
e uma visão mais próxima, mais cúmplice, do filme russo.
Na penúltima linha, o visual típico dos anos 70, com golas rolês, golas cubanas, branco, tweed, do primeiro filme, e o aspecto muito Hollywood anos 40, da outra versão;
e, por fim, na última, as duas Veras (Clyde, no filme de 1974 (esq.), e Claythorne (dir.), no de 1987)
no momento decisivo da trama.

Cly Reis