Esse filme poderia tranquilamente ser uma série. Que imersão! Queria mais .
O projeto é baseado em uma operação real da Austrália. A história segue dois homens que se encontram em um avião e iniciam uma conversa que se transforma em amizade. Para Henry Teague (Sean Harris), desgastado por uma vida inteira de trabalho físico e crime, este é um sonho tornado realidade. Seu novo amigo Mark (Joel Edgerton) se torna seu salvador e aliado. O que Henry não sabe é que Mark é um policial disfarçado.
Talvez o ar contemplativo de "O Desconhecido" e seus poucos diálogos possam não ser tão atraentes se formos comparar com filmes para um público que normalmente acessa a Netflix. Se você for muito ansioso talvez não entre no clima, uma vez que o longa é vagaroso e por segurar certas revelações até o o final. O filme do diretor Thomas M. Wright começa muito misterioso e é possível que o espectador sinta-se um tanto perdido, embora esse mistério todo seja compensado no final. No entanto, essa desorientação e falta de respostas, receio que possam fazer com que algumas pessoas desistam do filme no meio, o que seria um erro.
Se você curte um suspense, esse filme é para você. "O Desconhecido", consegue esconder seu objetivo até praticamente metade do filme e, até lá, você vai tentando juntar as informações, descobrir o que está acontecendo e, quando percebe, já está dentro do caso, investigando e montando o quebra-cabeça com a polícia.
Embora ache que o final acaba muito corrido, as respostas são dadas e isso torna a experiência recompensada. Temos uma atuação boa de Joel Edgerton, que normalmente vai bem, mas atuação de Sean Harris, com seu personagem completamente obscuro, realmente é a que realmente chama atenção
Um bom roteiro que consegue se sustentar nos mistérios. Realmente um bom filme para você tirar seu disfarce do armário, seu material de detetive e imergir na investigação até a última cena. (Estou falando sério: até a última mesmo).
"O Desconhecido" é cheio de alternativas, reviravoltas e, se você tiver paciência, vai surpreendê-lo no final.
Agora sim posso declarar o meu ponto de vista sobre "Bravura Indômita". Ainda não
tinha assistido ao primeiro filme, que foi dirigido por Henry Hathaway, em
1969. Em 2010, foi filmado o remake
dos irmãos Joel e Ethan Coen. O filme gerou críticas positivas, mas nem todo
mundo gostou e as semelhanças entre ambas produções são grandes. A fotografia
do primeiro filme, que foi quase todo filmado com luz de outono, é esplêndida e
brilhante, muitas vezes parece saída de um quadro de época. Creio eu que John Wayne
deva ter amado filmar "Bravura", pois o ator passava o tempo todo
bebendo de verdade, algo que já era normal em seus filmes. Muitos dizem que seu
personagem era uma paródia de si mesmo, tanto que lhe deu o único Oscar da
carreira, merecido, é claro, e com muito álcool.
Outro ponto a destacar do longa de Hathaway, o qual não
canso de repetir, é sobre a habilidade do Duke com o cavalo. Em diversas cenas
isso é explícito, inclusive na cena final em que ele pula uma cerca alta,
dispensando o dublê. A forma como ele manejava as armas demonstra certamente
que em outra vida ele foi um cowboy
de verdade. Todo o elenco desse filme é ótimo, da maravilhosa atriz adolescente,
Kin Darby, a um iniciante Dennis Hopper e o já careca Robert Duvall.
trailer "Bravura Indômita" (1969)
cartaz da versão dos
irmãos Cohen, de 2010
Na versão dos Cohen,
praticamente idêntica em história ao de Hathaway, os diretores dão seu pitaco
estilístico e o deixam mais "sujo", mas não menos violento e satírico
que o primeiro. Depois de assistir, cheguei à conclusão que Jeff Bridges é o único
ator neste planeta que conseguiria com seu estilo errante e versátil estar à
altura de Wayne para reviver o personagem de "Rooster" Cogburn. Pena
não ter sido tão reconhecido, porque ele também merecia o Oscar. E o filme foi
indicado a vários prêmios, perdeu em quase todos. Hailee Steinfeld que fez a
menina Mattie Ross no segundo filme, e está no meu panteão das grandes atuações
femininas do cinema atual. O elenco também conta com os bons atores Matt Damon
e Josh Brolin.
Resumindo, os filmes são diferentes mas ao mesmo tempo
parecidos. Hoje, revendo pela ótica dos Coen, os diretores e produtores foram
muito corajosos e ousados ao fazer um remake
que muitas vezes se sai melhor que o original, acertaram em tudo, desde a
escolha dos atores a toda equipe técnica, que foi indicada para um penca de
Oscar. Voto final: em direção, prefiro os Coen; roteiro, os Coen; entre Wayne e
Bridges, dá empate; fotografia, fico com o de 1969; Mattie Ross, meu voto vai
para Haillee Stenfield; Ranger La Boeuf, vitória de Glen Campbell; e sobre os
dois filmes, ambos são ótimos.
Sondar as profundezas da natureza humana é uma das mais recorrentes propostas do cinema de autor. Neste universo, há inúmeros títulos que abordam o tema sob enfoques dos mais diversos. Determinados cineastas, no entanto, tomam este tipo de temática quase como uma obsessão – o que lhes faz soar formalmente ainda mais freudianos. O cinema europeu, mais dado a estes instigantes “intrincamentos psicologizantes”, tem em Bergman uma referência indissociável, mas ainda há Antonioni, Wenders, Resnais, Buñuel, Fassbinder e alguns outros. No cinema americano a prática de levar a câmera ao divã é mais incomum, porém, por sorte, não inexistente. Inspirado no cinema marginal americano dos anos 40-50 (Penn, Aldrich, Ray), no expressionismo alemão e pelas vanguardas dos anos 60 e 70 – que tomavam os corações de jovens cineastas pelo mundo todo àquela época –, o norte-americano John Frankenheimer (1930-2002) muito perseguiu em seus filmes a temática psicanalítica. Seu mais assertivo feito é, entretanto, “O Segundo Rosto” (Seconds, EUA, 1966), uma brilhante metáfora sobre a perda de identidade e a dilaceração do indivíduo na sociedade moderna.
Um dos livros mais importantes do sociólogo polonês Zygmunt Bauman, “Modernidade e Holocausto”, traz, através da visão crítica e ampla peculiar do autor, a ideia de que os sintomas da Solução Final da Segunda Guerra Mundial ultrapassam o castigo aplicado ao povo judeu (o que já seria, contudo, suficientemente trágico). Para ele, as implicações do massacre praticado pelo regime nazista se estendem às esferas política, sociológica e psicológica com tal força que se torna, ainda hoje, problema não só de judeus, mas de não-judeus, de ocidente e oriente; da sociedade moderna como um todo. Trata-se, obviamente, de um fenômeno maligno, mas cujos fatores psicossociais formadores não são necessariamente perversos, visto que pautado no tripé da burocracia moderna, da eficiência racional-tecnológica e da mistificação – aspectos que, convenhamos, isoladamente, não inspiram essencialmente maldade.
Nesta linha, “O Segundo Rosto” traz à tona, num enredo envolto em mistério, ficção-científica e surrealismo, um dos resultados psicossociais dos efeitos devastadores que o genocídio impregnou no inconsciente coletivo: a divisão do “eu”. Afinal, a Crise dos Mísseis havia ocorrido há apenas 4 anos, a cisão entre as “Alemanhas” estava no auge e a Guerra Fria era “compensada” pelos Estados Unidos num conflito injustificável no Vietnã. Tal tensão fica explícita na construção do personagem-protagonista (s?). Na história, um homem de meia idade, John Hamilton (maravilhosamente interpretado por John Randolph), vice-presidente de um banco, vive com a esposa numa confortável casa de subúrbio. Angustiado e insatisfeito com sua vida burocrática e repetitiva, contrata uma empresa especializada em "renascimentos". A organização forja sua morte e, após avançados procedimentos cirúrgicos, faz com que ele renasça na figura de Anthiocus Wilson (Rock Hudson), um pintor de sucesso cuja história toda pré-programada ele, agora renovado por fora, terá de se incubar “por dentro”. Claro, não sem enormes desafios psicológicos.
Cena de "Seconds": modernidade e Holocausto
Frankenheimer concebeu um filme revolucionário, inspirador de grandes realizadores como David Cronenberg e Roman Polanski, de quem se vê em vários trabalhos elementos pescados de “O Segundo Rosto”. A relação carne/alma, recorrente discussão na obra de Cronenberg – “A Mosca” (1986) e “Crash” (1996), por exemplo –, é explorada numa brilhante metáfora no filme: a “companhia de renascimentos” usa como fachada um frigorífico. A utilização das perturbações mentais como elemento narrativo é também típica do cinema tanto de Cronenberg quanto de Polanski, que de “O Segundo Rosto” se valeu bastantemente para compor os roteiros e a atmosfera sombria de suspenses psicológicos como “O Bebê de Rosemary” (1968) e “O Inquilino” (1976).
De fato, “O Segundo Rosto” inova e surpreende. Começa com a hipnótica abertura do mestre Saul Bass, designer alemão que revolucionou o modo de apresentar os filmes ao adicionar, com técnica e criatividade, o conceito do filme já nos subtítulos, e cujos créditos iniciais de obras-primas como “Um Corpo que Cai”, “O Homem do Braço de Ouro” e “Cabo do Medo”, assinadas por ele, são um espetáculo à parte. Em “O Segundo Rosto”, Bass se vale de imagens em hipercloses distorcidas de um rosto casadas com a tensa música de outro mestre, Jerry Goldsmith, dando a tônica do que virá no decorrer da trama.
A marcante abertura assinada por Saul Bass
As interpretações são outro destaque, principalmente a de Rock Hudson, cuja mente perturbada consegue-se penetrar pelo espectador a ponto de causar uma quase náusea. Perversão, culpa, alucinação, medo, inocência; está tudo ali, embaraçado. As figuras que, por paranoia ou não, aterrorizam o mundo de Anthiocus parecem saídas de um tenebroso sonho, lembrando as caracterizações feitas por Orson Welles em “O Processo” (1962).
Afora o roteiro, eficiente e preciso, equilibrando densidade e didática, a direção e a fotografia merecem aplausos. O olhar de Frankenheimer é cirúrgico, usando os elementos fílmicos com precisão e clareza de objetivos. A câmera, por exemplo, é um artifício para, independente da forma como é empregada, transmitir desequilíbrio, seja em movimentos bruscos – como na fascinante cena inicial na estação (presa à altura da cabeça do ator, esta técnica de hiperrealismo ainda é muito usada hoje, na publicidade, por exemplo, para fortalecer a proximidade física do espectador com o “objeto” filmado) –, seja em enquadramentos fixos, ora em angulações distorcidas e inclinadas, ora aproveitando-se da profundidade de campo proporcionada pela lente objetiva.
O "eu" dividido: simbologia do espelho como terror
A propósito disso, a fotografia expressionista em P&B assinada pelo chinês James Wong Howe, outro craque de Hollywood que modificou a forma de fotografar em audiovisual, é um dos pontos mais marcantes do filme, tendo concorrido, inclusive, ao Oscar daquele ano. Não só o uso da perspectiva funciona como ressignificação da complexidade psicológica do protagonista como, igualmente, os closes nas texturas rugosas das peles, nas gotículas de suor que escorrem do rosto, no brilho artificial da íris dos olhos. Foco e desfoco andam juntos o tempo todo, e a composição dos cenários, às vezes propositadamente poluída de elementos visuais, reforçam o deslocamento psicológico de Hamilton-Anthiocus no mundo em que vive – embora o termo “viver” não seja propriamente o mais adequado nesta situação.
Falando em terminologias, este é outro fator expressivo no que se refere à metalinguagem que o filme suscita. O título original pode ser traduzido tanto como “segundo” ou “outro”, pontuando o conceito de dualidade marcante da obra, quanto por “segundos”, numa referência à passagem do tempo, seja este imagético ou físico, real ou psicológico, cronológico ou anacrônico. Outro termo que merece atenção é o “renome” que o protagonista recebe: Anthiocus. Ora: se alguém que busca reinventar-se na modernização forçada de suas feições e biografia recebe um nome etimologicamente referido a “antigo”, é porque alguma coisa está errada! Na sua nova vida, o agora artista, amante de uma linda jovem, conviva da alta classe burguesa e bonito feito um Deus submerso num novo inferno, na verdade, não se desfez daquele velho Hamilton que há dentro dele e cuja casa à art nouveau sempre pareceu um museu – e dos gélidos. Sua profissão de artista plástico, como o "Pintor da vida moderna" de Baudelaire – cuja existência servia para transpor à tela o momento presente –, soa como uma irônica metalinguagem da abstração da realidade pelo cinema enquanto arte.
Duas cenas de "Seconds": influência expressionista nas imagens distorcida e aterradoras
Este Fausto revisitado, como bem associou o crítico cinematográfico francês Jean Tulard, tem tudo a ver com as crias que o fantasma do Holocausto produziu e produz. Se pensarmos que a pós-modernidade em que vivemos hoje é fruto da modernidade e de que, embora o mundo globalizado e a era digital signifiquem um novo paradigma repleto de novas significações, a própria recentidade história do pós-Guerra intui que problemáticas advindas com este período não tenham sido ainda esgotadas. Tudo bem em se renovem os questionamentos; mas, conforme assinala Bauman, sofre-se ainda, como o personagem de “O Segundo Rosto”, do mal-estar característico da crise da modernidade, impelido pelo também recente advento da psicanálise, pela queda do materialismo histórico e pela quebra do Estado clássico. O resultado é a perda de direção e a criação de um grande “nada”, o qual se impõe à frente de tudo. Alguma semelhança com a falta de critérios e distinções morais da família, da sociedade, do Estado de Direito que se vê hoje?
Cena de "Brilho Eterno...": poesia do inconsciente
Fugir, então: eis a solução! Este “eu” que, do século passado para cá, de tão massacrado, não está mais se achando. “Eu” que se reduziu a suas meras limitações na filosofia existencialista; “eu” de um K. de “O Processo” de Kafka, que não sabe para onde vai e nem porque; “eu” que perde-se no labirinto das veleidades e da estética, como o hedonista fotógrafo Thomas de “Blow Up” (Antonioni, 1966); ou aquele “eu” lisérgico, marginal e impulsivamente desistente do sistema de Jack Kerouac, Para onde correr, se só há o nada em qualquer direção em que se vá? O jeito é reinventar-se – mesmo que artificialmente. Mais recente, o poético “Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças” (Michael Gondry, 2004) navega por mares bem parecidos com o de “O Segundo Rosto”. Neste lindo romance psicológico da era digital, Joel (Jim Carrey) vive um marido magoado por sua esposa Clementine tê-lo, como nos computadores, deletado de sua mente. Resolve, então, retribuir na mesma moeda. No decorrer da operação na “clínica”, Joel percebe que, na verdade, não quer excluí-la de sua vida, e sim manter em sua memória os momentos em que estiveram felizes. A partir disso, ele enfrenta uma incrível luta mental para que essas memórias continuem vivas dentro de si.
O conflito em que esses personagens se consumem e os leva a uma divisão de si mesmos está, em ambos os filmes, diretamente ligada à relação com suas mulheres. Elas lhes são o espelho de suas identidades. Analisando o filme Frankenheimer, a esposa de Hamilton-Anthiocus exerce um papel fundamental na trama, tanto no início da história, no descompasso entre eles, quanto no desfecho, quando se reafirma este desafino. Embora o objeto espelho seja recorrente no cinema para expressar duplicidade, divisão, diferenciação, afastamento, ruptura etc, a repetição deste no decorrer de “O Segundo Rosto” é ludicamente deliciosa ao mostrar a “distorção” da imagem tanto de Hamilton quanto de Anthiocus. Há, porém, na cena crucial do diálogo entre o ele e sua (ex) esposa na casa em que viviam, onde é ela quem se vê refletida e não se “reconhece”, tal como ocorre com o (ex) marido a todo instante, antes e depois da cirurgia.
"O Inquilino" de Piolanski: dissociação do "eu"
A formação do “eu” no olhar do “outro”, de acordo com o psicanalista francês Jacques Lacan, inicia na infância na relação do ser humano com os sistemas simbólicos fora dele mesmo. O que ele chama de "fase do espelho" é quando a criança, não possuindo qualquer autoimagem como uma pessoa "inteira", vê-se ou "imagina" a si própria refletida, figurativamente, no "espelho" que é o olhar do outro. Só aí ela pode se ver como uma "pessoa inteira". Mas o que ocorre quando este “espelho” está “quebrado”? Outro famoso psicanalista, o suíço C. J. Jung, disse que “não se cura a dissociação dividindo-a, mas dilacerando-a”. No já citado “O Inquilino”, o personagem principal, num processo semelhante ao de Anthiocus, a certa altura, questiona-se: caso mutilassem partes de seu corpo, poder-se-ia, mesmo assim, ele e suas partes continuarem se chamando pelo mesmo nome? Despedaçado, sua angústia está em perder a “unidade” de sua alma, de ser um mero “inquilino” dentro de si mesmo.
Embora este sujeito complexo e problemático esteja sempre partido, ele passa a vivenciar sua própria identidade como se ela estivesse reunida e "resolvida", como resultado da fantasia de si mesmo que ele formou naquele espelho em cacos. Aspectos tão profundos da psique humana e do inconsciente coletivo encontram, por sorte, leito na obra de autores do cinema americano como Frankenheimer (e aí se podem citar também Allen, Scorsese, Eastwood e Altman), coisa que o cinema de outras partes do mundo, infelizmente, muitas vezes não tem tanto poder em atingir um público maior valendo-se de recursos semelhantes. Apesar de pessimista, a visão de Frankenheimer supõe um alarme, um apontamento do erro de nossa pós-modernidade de que fugir de si esvazia e dilacera.
O
cinema argentino vive um grande momento, mesmo com a economia em
ruínas e a situação caótica do país. Mais uma prova do vigor
desta cinematografia que a cada dia conquista mais cinéfilos por
todo o mundo é “Relatos Selvagens” do diretor Damián
Szifron. Usando seu próprio roteiro, Szifron conta seis histórias
bem distintas onde a interferência intrusiva da sociedade, de seus
preceitos e suas limitações na vida dos indivíduos acaba por levar
a mais completa e insana barbárie.
O astro Ricardo Darín no papel do homem
que enfrenta a burocracia argentina
Os
episódios se sucedem: o primeiro mostra um voo comercial aonde os
passageiros vão descobrindo aos poucos que têm algo em comum. No
segundo, uma jovem garçonete de um boteco de beira de estrada se vê
às voltas com o homem que causou problemas em sua família. O embate
entre classes é o tema do terceiro onde um burguês em seu
supercarrão tem sua ultrapassagem impedida numa estrada por uma
fubica toda enferrujada. No quarto episódio, o darling do
cinema argentino, o ótimo Ricardo Darín, é um engenheiro de
explosões que se vê envolvido com o guinchamento de seu carro e o
consequente mergulho no mar da burocracia estatal. Já o episódio
número 5 trata de um atropelamento e fuga que resulta em morte e em
uma negociata das mais sórdidas para impedir a prisão do jovem
condutor. Por fim, em plena festa de casamento, noiva descobre que
uma das amantes do noivo está no salão e surta.
Erica Rivas, em primeiro plano,
se destaca como a noiva em surto
Em
todos estes aparentemente distintos episódios, a reação às
injustiças sociais, urbanas, pessoais e estradeiras acaba por
decretar uma catarse nos personagens. O absurdo de algumas situações
cotidianas enfrentadas por cada um de nós nem sempre tem o desfecho
que gostaríamos. Acabamos nos acomodando e seguindo em frente, mesmo
que estejamos com razão. Os personagens de Szifron não pensam assim
e partem para o confronto, sempre com consequências trágicas, em
uns momentos, e tragicômicas, em outros. Os espectadores mais
ligados em cinema poderão lembrar-se de “Um Dia de Fúria”, de
Joel Schumacher, com Michael Douglas, ou ainda de “Fora de
Controle”, com Ben Affleck e Samuel L. Jackson. Mas o tratamento
que Damián Szifron dá às histórias e aos personagens é
infinitamente mais realista do que a visão simplista dada por
Hollywood a estes casos. A violência é explícita e crua, mas
também é real. Ricardo Darín é, indiscutivelmente, o astro do
filme, mas cada história conta com um elenco de atores da melhor
qualidade, destacando Erica Rivas como a noiva enlouquecida, Rita
Cortese como a cozinheira e Mauricio Nunez, como o pai do jovem
atropelador, entre outros.
Curiosamente,
o filme tem produção da El Deseo, a empresa de Pedro Almodóvar e
de seu irmão Agustín. A julgar pelo sucesso crítico e estilístico
de “Relatos Selvagens”, poderia se esperar que Almodóvar se espelhasse em seu produzido e voltasse a fazer filmes interessantes,
trilha da qual se afastou no horroroso “Os Amantes Passageiros”,
um dos piores jamais vistos nos últimos tempos. “Relatos
Selvagens” já é um dos melhores filmes do ano.
No ano em que a Netflix vem com força na disputa pelo Oscar, somando entre suas quatro produções, quinze nomeações, uma delas, "A Balada de Buster Sruggs" conta com ninguém menos que os já oscarizados Irmãos Coen, à frente do projeto. Com três indicações, esta antologia de western traz, em seis episódios, alguns dos mais característicos e tradicionais elementos do gênero como gatilhos rápidos, duelos, assaltos a banco, enforcamento, caravanas, indígenas, corrida do ouro, caçadores de recompensa tudo ao melhor estilo dos irmãos Coen que, por sinal, são especialistas em westerns, sejam eles contemporâneos e mais urbanos como "Fargo", "Arizona Nunca Mais" ou o premiado "Onde os Fracos Não têm Vez", como um faroeste tradicional como "Bravura Indômita", refilmagem deles para o clássico de 1969.
Tom Waits, como o obstinado prospector, faz um dos melhores episódios do filme.
Pontuado com o habitual humor-negro da dupla, o conjunto de historietas adaptadas dos livros vai do cômico ao trágico, do absurdo ao realista, do trivial ao inusitado em histórias que, cada uma à sua maneira, com seus méritos, seus personagens, conquistam a atenção do espectador. O caubói bom de gatilho e de música, que dá nome ao filme, no primeiro conto é cativante; a historia da solteirona que perde o irmão e o cachorro durante a caravana entre Estados é de cortar o coração; e a do garimpeiro, vivido brilhantemente por Tom Waits, é um carrossel de emoções, indo desde uma simpatia e torcida pelo personagem, até chegar a uma revolta pelo oportunismo do bandido que espera à espreita pelo ouro fácil.
A bem da verdade, embora todos sejam interligados pela época e pelo ambiente, a consolidação do Oeste americano, o filme como um todo, fica devendo um pouco de unidade. As histórias são instigantes, interessantes mas a variedade de situações, sem um laço em comum, faz com que pareça, de certa forma, mais um conjunto de episódios independentes do que uma obra fechada.
Salvo este probleminha, vale a pena assistir "The Ballad of Buster Scruggs". É gostoso, é divertido, é bem dirigido, é envolvente. Um fã de cinema e admirador da obra dos Coen, provavelmente, não ficará decepcionado. Aos menos avisados, no entanto, é bom avisar: não vale a pena se apegar muito aos personagens. Os Coen não costumam poupar seus protagonistas.
O simpático Buster Scruggs é bom de gatilho e de gogó.
Em "Robocop, O Policial do Futuro", de Paul Verhoeven, de 1987, numa Detroit do futuro, dominada por sádicos criminosos, a polícia foi privatizada e não consegue deter a alta criminalidade. A multinacional OCP pretende substituir os policiais humanos por ciborgues, e aproveita o cadáver do policial Murphy, executado pro uma quadrilha, para criar RoboCop - um misto de máquina e homem a serviço da justiça. Mas as memórias de Murphy, que deveriam ter sido apagadas, ressurgem, e com elas o desejo de vingar-se do seus assassinos.
No "Robocop", do brasileiro José Padilha, de 2014, a ação se passa em 2028 e o conglomerado multinacional OmniCorp está no centro da tecnologia robótica. No exterior, seus drones têm sido usados para fins militares há anos, mas na América, seu uso foi proibido para a aplicação da lei. Agora a OmniCorp quer trazer sua controversa tecnologia para casa, e buscam uma oportunidade de ouro para fazer isso. Quando Alex Murphy (Joel Kinnaman) – um marido e pai amoroso, e um bom policial que faz seu melhor para conter a onda de crime e corrupção em Detroit – é gravemente ferido no cumprimento do dever, a OmniCorp vê sua chance para criar um oficial de polícia parte homem, parte robô. A OmniCorp prevê a implantação de um Robocop em cada cidade para assim gerar ainda mais bilhões para seus acionistas, mas eles não contavam com um fator: ainda há um homem dentro da máquina.
Apresentados os times, vamos ao jogo:
Cada um dos filmes, dentro das suas épocas e propostas, conseguem entregar algo bem positivo. Ambos com suas críticas sociais, com dinâmicas bem feitas em cenas de ação, um com efeitos práticos, e outro indo mais para os computadores e CGI, mas ambos com um bom resultados. Vamos fazer a bola rolar e ver quem ganha esse duelo de Robozão, e não estou falando do CR7.
Antes da bola rolar, vamos destacar os treinadores. Cada com seu estilo porém ambos gostam de atacar, e fazem esquemas bem ousados colocando os times para frente. Não espere um jogo sem gols.
O time de '87, mesmo cheio de volantes marcadores, mordedores, cara feia, não deixa de jogar para o ataque, mas a polêmica já começa no aperto de mão quando o time de 2014 estica a mão para o cumprimento e o de 1987 logo fala, “Tira essa mão! Nada de mão aqui!”
Depois da treta começa o jogo e rola a bola. O time de 2014 está com futebol bonito, uniforme lindo, elenco cheio de estrelas, tem mais posse de bola, porém não vai pra frente, só toque lateral, ninguém chama responsabilidade do jogo. Já o time de '87, mesmo sem estrelas, só com a experiente e rodada Nancy Allen, já começa, com futebol “pegado”, às vezes até mesmo violento, mas o juiz deixa rolar e então a pauleira segue. Na base da intimidação, na força física, o time de '87 consegue impor seu futebol e abre o placar, após vários tiros à meta adversaria, fuzilando o gol. Com uma fotografia suja e uma construção de cenário beirando o pós-apocalíptico, a parte visual o trabalho da direção de arte e efeitos fazem a versão original sair na frente, sem falar no bom uso da violência. Robocop (1987) 1 x 0 Robocop (2014).
Jogo que segue truncado e mesmo o time de 2014 querendo colocar mais velocidade, não adianta muito, não passando do meio campo e fazendo um jogo morno sem jogadas criativas. No final do primeiro tempo, após os craques de cada time acordarem e começarem a participar mais ativamente do jogo, a partida esquenta. Um deles, mais parado, sem muita mobilidade mas com raciocínio rápido, consegue disparar para meta adversaria, mesmo com curto espaço. O outro é mais rápido, corre pelas pontas, dá dinâmica ao jogo e embora seu estilo de jogo não agrade a muitos, cumpre muito bem a função. Na velocidade e sem sujar seu belíssimo uniforme, Robocop de '14, empata, passeando pela zaga adversaria, deixando os zagueiros caídos no chão. Mas a alegria dura pouco e logo em seguida, o time de '87 vai ao ataque, Robocop vence a batalha contra os fortíssimos zagueiros ED-209, e coloca seu time outra vez na frente. Robocop (1987) 2 x 1 Robocop (2014)
"Robocop, O Policial do Futuro" (1987) - trailer
"Robocop" (2014) - trailer
Os dois times colocam mais velocidade no final da partida, o jogo ganha em emoção e o time de 87 tem bons ataques mas marca mesmo na bola parada, em uma bela falta em que a bola passa por cima da falha barreira policial, e acerta em cheio com suas ótimas críticas ao sistema penitenciário americano. 3x1 para Robocop 87. Minutos depois, em um escanteio, o Robocop de Verhoeven sobe no último andar da OmniCorp para dar uma cabeçada certeira, fazendo seu adversário desabar. 4 x1.
Partida praticamente resolvida e nos acréscimos, mostrando que ter um bom elenco que pode fazer diferença, o segundo volante Samuel L. Jackson, diminui, mostrando como as falsas mentiras, as meias verdades, o sensacionalismo, a manipulação de informações podem ser um grande inimigo. Mas aí já parece ser tarde. O time de 2014 pressiona nos últimos minutos, mas o de '87 está fechado. Vivo ou morto esse time vai sair com a vitória. Fim de jogo.
O novo Robocop até tem um uniforme mais bonito, mas o antigo mesmo mais pesadão, mais lento, prova dentro de campo que não é nenhuma lata velha.
O time de Paul Verhoeven funciona como uma máquina
Mais uma experiência de cinema que vivencio com muita alegria: ministrar uma aula. Pra quem alimenta o desejo da docência há algum tempo, esta ocasião, ocorrida neste mês de julho, foi realmente especial. Convidado por meu amigo e colega de profissão, de crítica de cinema e de Accirs, Danilo Fantinel, dividi um pouco de meus conhecimentos e entendimentos sobre “Cinema Negro” dentro da programação do curso “História e Linguagem do Cinema Internacional”, ministrado por ele desde abril de forma híbrida.
Além do meu módulo, o curso, em andamento, compreendeu outros 26 no total, trazendo temas como: “Do primeiro cinema à linguagem clássica” ou “Som no cinema, era de ouro de Hollywood e gêneros cinematográficos”. Também tiveram, assim como eu, outros convidados, como meus também colegas de Accirs Fatimarlei Lunardelli (“Cinema Novo”), Rafael Valles (“Cinema Argentino”) e Ivonete Pinto (“Cinema Marginal e Cinema da Boca”) - fora outras que ainda estão ocorrendo.
O anárquico "Touki Bouki", do Senegal
Em minha exposição online, na qual participou um pessoal super interessado e amante do cinema como eu, pude falar um pouco sobre o cinema produzido por realizadores negros e/ou obras com relevante temática de questões da negritude tanto da África quanto dos Estados Unidos e do Brasil. Contextualizando o processo histórico do povo preto nestes três continentes – africano, norte-americano e sul-americano –, busquei levantar o percurso histórico, sociológico, político e cultural que levou a chegar nesta produção audiovisual tão resistente quanto rica, destacando características formais e estéticas e principais realizadores, que formam aquilo que se pode chamar de “cinema negro” – com suas diferenças, peculiaridades e interinfluências.
Lee e Burnett: grandes nomes do cinema negro dos EUA
Dentre os títulos, filmes africanos precursores do cinema daquele continente, como o rascante "A Negra De...", do "pai do cinema africano", o senegalês Ousmane Sembène, o pop mais não menos crítico "Touki Bouki", Djibril Diop (1973), também do Senegal, e "Sambizanga", da cineasta angolana Sarah Maldoror (1972), corajoso filme político em um país pré-independência e em guerra.
Dos norte-americanos, não poderia se deixar de falar da galera da L.A. Rebellion, que revolucionou o cinema dos Estados Unidos nos anos 70, tendo como nome central o diretor Charles Burnett e, claro, um dos maiores cineastas vivos: Spike Lee, autor de obras fundamentais para a discussão da questão negra em seu país como "Faça a Coisa Certa" (1989) e "Malcom X" (1992). Já do Brasil, Zózimo Bulbul, Odilon Lopez, Joel Zito Araújo e Adélia Sampaio, pioneira entre as mulheres negras, estiveram no papo, assim como alguns dos não-negros idelogicamente comprometidos com a temática negra, como Nelson Pereira dos Santos e Cacá Diegues.
O excepcional "Alma no Olho", de Zózimo Bulbul (1974)
Ao que pude ter de retorno imediato tanto de Danilo – que acompanhou toda a aula, ajudando a mim na condução e na orientação da turma – quanto de uma parte considerável dos alunos – dentre eles, meu amigão Rodrigo Dutra, o homem por trás do Rodriflix e colaborador extraordinário deste blog –, o conteúdo e a didática agradaram. Quem sabe não venham mais aulas por aí?
Expectativa para a premiação desta noite em Los Angeles.
Tenho a impressão que não teremos nenhum grande arrebatador de prêmios e que as honras ficarão bem distribuídas, inclusive entre filme e direção, que acredito não devam para nas mesmas mãos.
(palpite)
Vamos ver.
Abaixo todos os indicados ao Oscar deste ano:
Melhor filme:
- "A Rede Social"
- "O Discurso do Rei"
- "Cisne Negro"
- “O vencedor”
- "A Origem"
- "Toy Story 3"
- “Bravura indômita”
- “Minhas mães e meu pai”
- “127 horas”
- “Inverno da alma” Melhor diretor:
- David Fincher – “A rede social”
- Tom Hooper – “O discurso do rei”
- Darren Aronofsky – “Cisne negro”
- Joel e Ethan Coen – “Bravura indômita”
- David O. Russell – “O vencedor”
Melhor ator:
- Jesse Eisenberg – “A rede social”
- Colin Firth – “O discurso do rei”
- James Franco – “127 horas”
- Jeff Bridges – “Bravura indômita”
- Javier Bardem – “Biutiful” Melhor atriz:
- Annette Bening – “Minhas mães e meu pai”
- Natalie Portman – “Cisne negro”
- Nicole Kidman - “Rabbit hole”
- Michelle Williams - “Blue valentine”
- Jennifer Lawrence - “Inverno da alma” Melhor ator coadjuvante:
- Mark Ruffalo – “Minhas mães e meu pai”
- Geoffrey Rush – “O discurso do rei”
- Christian Bale – “O vencedor”
- Jeremy Renner – “Atração perigosa”
- John Hawkes – "Inverno da alma" Melhor atriz coadjuvante:
- Helena Bonham Carter – “O discurso do rei”
- Melissa Leo – “O vencedor”
- Amy Adams – “O vencedor”
- Hailee Steinfeld – “Bravura indômita”
- Jacki Weaver - “Reino animal” Melhor roteiro original:
- “Cisne negro”
- “Minhas mães e meu pai”
- “O vencedor”
- “A origem”
- “O discurso do rei” Melhor roteiro adaptado:
- “A rede social”
- “127 horas”
- “Bravura indômita”
- “Toy Story 3”
- "Inverno da alma" Melhor longa-metragem de animação:
- "Como treinar o seu dragão"
- "O mágico"
- "Toy Story 3" Melhor direção de arte:
- "Alice no País das Maravilhas"
- "Harry Potter e as relíquias da morte - Parte 1"
- "A origem"
- "O discurso do rei"
- "Bravura indômita" Melhor fotografia
- "Cisne negro"
- "A origem"
- "O discurso do rei"
- "A rede social"
- "Bravura indômita" Melhor figurino
- "Alice no País das Maravilhas"
- "I am love"
- "O discurso do rei"
- "Bravura indômita"
- "The tempest" Melhor documentário (longa-metragem)
- "Exit through the gift shop"
- "Gasland"
- "Inside job"
- "Restrepo"
- "Lixo extraordinário" Melhor documentário (curta-metragem)
- "Killing in the name"
- "Poster girl"
- "Strangers no more"
- "Sun come up"
- "The warriors of Qiugang" Melhor edição
- "Cisne negro"
- "O vencedor"
- "O discurso do rei"
- "127 horas"
- "A rede social" Melhor filme de língua estrangeira
- "Biutiful"(México)
- "Dogtooth" (Grécia)
- "In a better world" (Dinamarca)
- "Incendies" (Canadá)
- "Outside the law" (Argélia) Melhor trilha sonora original
- "Como treinar seu dragão" - John Powell
- "A origem" - Hans Zimmer
- "O discurso do rei" - Alexandre Desplat
- "127 horas" - A.R. Rahman
- "A rede social" - Trent Reznor e Atticus Ross Melhor canção original
- "Coming home", de "Country Strong"
- "I see the light", de "Enrolados"
- "If I rise", de "127 horas"
- "We belong together", de "Toy Story 3"
Melhor curta-metragem
- "The confession"
- "The crush"
- "God of love"
- "Na wewe"
- "Wish 143" Melhor curta-metragem de animação
- "Day and night"
- "The gruffalo"
- "Let's pollute"
- "The lost thing"
- "Madagascar, carnet de voyage"
Melhor edição de som
- "A origem"
- "Toy Story 3"
- "Tron: o legado"
- "Bravura indômita"
- "Incontrolável" Melhor mixagem de som
- "A origem"
- "O discurso do rei"
- "Salt"
- "A rede social"
- "Bravura indômita"
Melhores efeitos visuais
- "Alice no País das Maravilhas"
- Harry Potter e as relíquias da morte - Parte 1"
- "Além da vida"
- "A origem"
- "Homem de Ferro 2" Melhor maquiagem
- "Minha versão para o amor"
- "Caminho da liberdade"
- "O lobisomem"
Globo e TNT transmitem a festa, o canal aberto, começará só depois que os 'Brothers' definirem anjos, líderes, emparedados e tudo mais, ali pela meia-noite, já a TNT promete abrir a trasmissão já a partir das 21h, como "Tapete Vermelho" e às 22h com o início da cerimônia. Pra quem tem esta opção, é muito mais negócio.
Saíram hoje, no final da manhã americana e início da tarde brasileira, os indicados ao maior prêmio da indústria cinematográfica mundial, o famoso, conhecido e cobiçado senhor dourado e magrelo chamado Oscar. Curiosamente trazendo algumas surpresas: "Bravura Indômita", por mais que seja dos já consagrados Cohen, levar dez indicações é surpresa pra mim. O queridinho do momento "A Rede Social" ficar com 8 nominações, atrás de "O Discurso do Rei" que lidera com 12, não deixa de ser um pouco inusitado também, mas o que importa é quem ganha mais prêmios e não indicações, não é verdade?
Surpresa agradável foi ver o ótimo "Toy Story 3" disputando na categoria principal. Não vai levar, mas só a indicação já demonstra o quanto foi apreciado e faz justiça à sua qualidade.
Vemos também a produção a co-produção Brasil-Inglaterra "Lixo Extraordinário" indicada para Melhor Documentario podendo trazer então a cobiçada primeira estatueta para o cinema nacional mas não da maneira como todos gostariam que seria como Filme Estrangeiro.
Agora é aguardar a abertura dos envelopes que acontece dia 27 de fevereiro, em Los Angeles.
Abaixo a lista completa dos indicados ao Oscar:
"O Discurso do Rei" de Tom Hooper lidera o número de indicações
Melhor diretor: - David Fincher – “A rede social” - Tom Hooper – “O discurso do rei” - Darren Aronofsky – “Cisne negro” - Joel e Ethan Coen – “Bravura indômita” - David O. Russell – “O vencedor”
Melhor ator: - Jesse Eisenberg – “A rede social” - Colin Firth – “O discurso do rei” - James Franco – “127 horas” - Jeff Bridges – “Bravura indômita” - Javier Bardem – “Biutiful”
Melhor atriz: - Annette Bening – “Minhas mães e meu pai” - Natalie Portman – “Cisne negro” - Nicole Kidman - “Rabbit hole” - Michelle Williams - “Blue valentine” - Jennifer Lawrence - “Inverno da alma”
Melhor ator coadjuvante: - Mark Ruffalo – “Minhas mães e meu pai” - Geoffrey Rush – “O discurso do rei” - Christian Bale – “O vencedor” - Jeremy Renner – “Atração perigosa” - John Hawkes – "Inverno da alma"
Melhor atriz coadjuvante: - Helena Bonham Carter – “O discurso do rei” - Melissa Leo – “O vencedor” - Amy Adams – “O vencedor” - Hailee Steinfeld – “Bravura indômita” - Jacki Weaver - “Reino animal”
Melhor roteiro original: - “Cisne negro” - “Minhas mães e meu pai” - “O vencedor” - “A origem” - “O discurso do rei”
Melhor roteiro adaptado: - “A rede social” - “127 horas” - “Bravura indômita” - “Toy Story 3” - "Inverno da alma"
Melhor longa-metragem de animação: - "Como treinar o seu dragão" - "O mágico" - "Toy Story 3"
Melhor direção de arte: - "Alice no País das Maravilhas" - "Harry Potter e as relíquias da morte - Parte 1" - "A origem" - "O discurso do rei" - "Bravura indômita"
Melhor fotografia - "Cisne negro" - "A origem" - "O discurso do rei" - "A rede social" - "Bravura indômita"
Melhor figurino - "Alice no País das Maravilhas" - "I am love" - "O discurso do rei" - "Bravura indômita" - "The tempest"
Melhor documentário (longa-metragem) - "Exit through the gift shop" - "Gasland" - "Inside job" - "Restrepo" - "Lixo extraordinário"
Melhor documentário (curta-metragem) - "Killing in the name" - "Poster girl" - "Strangers no more" - "Sun come up" - "The warriors of Qiugang"
Melhor edição - "Cisne negro" - "O vencedor" - "O discurso do rei" - "127 horas" - "A rede social"
Melhor filme de língua estrangeira - "Biutiful"(México) - "Dogtooth" (Grécia) - "In a better world" (Dinamarca) - "Incendies" (Canadá) - "Outside the law" (Argélia)
Melhor trilha sonora original - "Como treinar seu dragão" - John Powell - "A origem" - Hans Zimmer - "O discurso do rei" - Alexandre Desplat - "127 horas" - A.R. Rahman - "A rede social" - Trent Reznor e Atticus Ross
Melhor canção original - "Coming home", de "Country Strong" - "I see the light", de "Enrolados" - "If I rise", de "127 horas" - "We belong together", de "Toy Story 3"
Melhor curta-metragem - "The confession" - "The crush" - "God of love" - "Na wewe" - "Wish 143"
Melhor curta-metragem de animação - "Day and night" - "The gruffalo" - "Let's pollute" - "The lost thing" - "Madagascar, carnet de voyage"
Melhor edição de som - "A origem" - "Toy Story 3" - "Tron: o legado" - "Bravura indômita" - "Incontrolável"
Melhor mixagem de som - "A origem" - "O discurso do rei" - "Salt" - "A rede social" - "Bravura indômita"
Melhores efeitos visuais - "Alice no País das Maravilhas" - Harry Potter e as relíquias da morte - Parte 1" - "Além da vida" - "A origem" - "Homem de Ferro 2"
Melhor maquiagem - "Minha versão para o amor" - "Caminho da liberdade" - "O lobisomem"
