Estar no lugar certo e no momento certo nem sempre é um privilégio. A raridade desta pertinência em momentos históricos pode ser, por ação de força maior, marcada justamente pelo oposto daquilo que se representa. Foi isso que aconteceu com o 1º Festival de Cinema Negro em Ação: estar no lugar e no momento certos. Ou fatalmente errados. Justificadamente programado para iniciar no Dia da Consciência Negra, no 20 de novembro de 2020, o festival, promovido pela Secretaria de Estado da Cultura, por meio da Casa de Cultura Mario Quintana e do Instituto Estadual de Cinema, e encabeçado pela cineasta Camila de Moraes, jamais previa que a brutalidade do racismo se encarregaria de, horas antes de raiar o sol para esta data de celebração, ver João Alberto de Freitas ser assassinado diante de câmeras de celular e dos olhos coniventes da opressora estrutura social brasileira. E isso, no lugar certo e igualmente errado: a mesma Porto Alegre onde foi criada e relegada a data e onde o festival foi realizado.
Mal comparando, assim como aconteceu com Barack Obama em 2009, que acordou Nobel da Paz pelo simples (e grandioso!) fato de ser o primeiro negro presidente dos Estados Unidos, o Festival nem havia começado sua exibição e já entrava para a história da produção cultural do Rio Grande do Sul e de Porto Alegre pelo triste, marcante e denunciador episódio. Fez, contudo, com aquilo que lhe é machado e lança: com arte. Melhor representatividade disso foram os curtas-metragens, uma das categorias do festival juntamente com a de Videoclipes e Videoarte e de Longas-Metragens. Os 33 títulos muito bem selecionados pela curadoria deram, cada um a seu modo e circunstância, um panorama não só da produção audiovisual negra nacional como, sintonizados com os temas urgentes e circundantes da questão preta, também da cultura afrobrasileira em suas mais diversas manifestações, da religiosidade à arte, do gênero à exclusão social, do racismo ao tema indígena.
"Entremarés": sensibilidade e arte reconhecidas no festival
A diversidade entre os curtas exibidos foi bastante celebrável, ainda mais para uma primeira edição. Drama, comédia, fantasia, documentário, animação, videoarte, cinebiografia. Teve de tudo um pouco. E mais importante: todos com o discurso afiado para as questões da negritude, seja denunciando as desigualdades, exaltando os valores ou resgatando elementos da herança afro. Os títulos selecionados pelo júri passam muito bem a ideia desta multiplicidade de propostas e fazeres condizentes com a causa. O filme escolhido como Melhor Curta-Metragem Nacional, o pernambucano “Entremarés”, de Anna Andrade, é exemplar. Documentário de estética riquíssima em elementos narrativos e de olhar sensível e humano, retrata a vida e o trabalho de mulheres que sobrevivem da atividade pesqueira na Ilha de Deus, comunidade da Zona Sul do Recife. Já o Melhor Curta-Metragem Gaúcho, “Flamingos”, é igualmente relevante. Num conteúdo transmídia, o documentário, dirigido por José Pedro Minho Mello, aborda de forma ousada e sensível um tema pouco discutido: o universo homossexual no futebol (ainda mais no patriarcal Rio Grande do Sul), ainda retratado como um meio da virilidade masculina e hetero.
O gaúcho "Flamingos" levanta um tabu na sociedade: a homossexualidade no futebol
Outro fator observado entre os curtas concorrentes foi a diferença de realidades nos quais foram produzidos, o que conta bastante no caso de realizadores negros – muitos em seus primeiros projetos – e que transborda para a produção em si. A dificuldade e recentidade do acesso ao meio audiovisual por parte de realizadores negros, as diferenças sociais e produtivas das diversas regiões do País e a própria maturação do festival, ainda um projeto estreante, podem explicar tais distâncias. As diferenças técnicas entre os filmes, no entanto, não são o mais importante. Afora a compreensão dos contextos, o que resultou, em sua grande maioria, é suficientemente satisfatório e louvável.
O belo "Inspirações" levou menção honrosa
Denotam bem estes polos de como ambos funcionam em suas realidades dois documentários exibidos. Um deles é “Mulheres Negras - Projetos de Mundo”, de Day Rodrigues e Lucas Ogasawara (SP). Tecnicamente perfeito, o filme conta com a participação de nomes como Djamila Ribeiro e Preta-Rara e transmite com contundência sua mensagem sobre o empoderamento e lugar de fala femininos, valendo-se do formato clássico de depoimentos conjugados com interferências gráficas e lances performáticos. Já outro doc, “Inspirações” (RJ), de Ariany de Souza e equipe, de produção bem mais enxuta, pode até incorrer em “falhas” técnicas em alguns momentos, como na operação da câmera ou no acabamento dos créditos de encerramento, mas cumpre o papel que muito filme milionário não tem tal capacidade artística, que é o de contar uma história e envolver emocionalmente o espectador nela. Num formato de “work in progress”, “Inspirações” traz um importante aspecto da produção audiovisual negra no Brasil, que é a Educomunicação, ou seja, produções realizadas dentro de instituições escolares e que muitas vezes são a porta de entrada para jovens realizadores ao mundo do cinema.
Ariany de Souza e equipe, aliás, estão entre as quatro menções honrosas as quais o júri considerou importante distribuir levando em conta o numeroso volume de ótimas produções de curtas-metragens concorrentes e a grande diversidade que estas obras apresentaram. Mereceram tal destaque ainda Manuela Miranda, como atriz pelo seu papel em “Quero ir para Los Angeles”, de Juliana Balhego (RS); Filme de Ficção para "Faixa de Gaza", de Lúcio César Fernandes Murilo (PB); e Filme Infanto-Juvenil para "4 bilhões de infinitos", de Marco Antonio Pereira (MG). Além destes, “Projeto Perigoso”, de Fabricio Zavareze (RS), foi vencedor do Júri Popular na mesma categoria.
Filme“Quero ir para Los Angeles”, de Juliana Balhego (RS)
Protestos, manifestações, indignações e notas de repúdio foram emitidas no último e tristemente emblemático 20 de novembro por causa da morte de João Alberto por um motivo aparentemente banal. Foi quando, também, se dava o pontapé inicial para o Festival, motivado por aquele que devia ser o principal e único motivo do Dia da Consciência Negra: celebração. Sabe-se, no entanto, que tanto não foi banal o motivo da morte de João Alberto, visto que denunciador do racismo estrutural da sociedade gaúcha e brasileira, quanto o festival foi ainda mais incisivo ao levantar outro ponto essencial desta questão, que é a discussão sobre o racismo. Quem sabe, não se estaria mais avançado nesta discussão se, no passado, tivesse sido instituída a data como feriado municipal, não apenas pela necessidade e urgência, como, inclusive por esta ter saído de um porto-alegrense, o poeta Oliveira Silveira? Quem sabe o desfecho de João Alberto não precisasse ser tão trágico e revoltante? Devaneios a que a brutal realidade impinge, sem dó, a necessidade de um aprofundamento real do preconceito enraizado. A depender da produção audiovisual de curtas-metragens negros, esta discussão se dará com muita propriedade. E o Festival Cinema Negro em Ação em si ainda mais. Mesmo que não tivesse trazido a qualidade que apresentou, ainda assim se configuraria como um símbolo da luta negra no percurso do audiovisual gaúcho, com de fato ocorreu. Pelo certo ou pelo errado, entrar para a história às vezes tem um gosto amargo.
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Confira a lista completa dos vencedores no festival:
Videoclipe e Videoarte Videoclipe RS: “Cristal – Ashley Banks”, com direção de Cleverton Borges
Menção honrosa: “Killa – Enme”, com direção de Jessica Lauane (MA)
Videoarte: RS: “Rituais Virtuais”, de Valéria Barcellos Nacional: “Marvin.gif PART II”, de Marvin Pereira (BA) Internacional: “Travessia”, de Terra Assunção (Portugal) Menção honrosa: “Canudos em minha pele”, de Rosa Amorim (PE)
Jurados: Ellen Corrêa (Macumba Lab), Thiarles Batista (IEAVi-RS) e Domício Grillo (TVE - RS)
Curta-Metragem RS: “Flamingos”, de José Pedro Minho Mello Nacional: “Entremarés”, de Anna Andrade (PE) Júri Popular: "Projeto Perigoso”, de Fabrício Zavareze (RS) Menções honrosas: Atriz: Manuela Miranda em “Quero ir para Los Angeles”, de Juliana Balhego (RS) Filme Revelação: “Inspirações”, de Ariany de Souza e equipe (RJ) Filme de Ficção: “Faixa De Gaza”, de Lúcio César Fernandes Murilo (PB) Filme Infanto-Juvenil: "4 Bilhões de Infinitos", de Marco Antonio Pereira (MG)
Judados: Daniel Rodrigues (Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul), Gautier Lee (Macumba Lab), Luiz Felipe de Oliveira Teixeira (Conselho de Ações Afirmativas do IECine) e Pedro Caribé (Cinema de Terreiro, Salvador - BA)
Longa-Metragem: Nacional: “Raízes”, de Simone Nascimento e Wellington Amorim (SP) Menç]ão Honrosa: “De Cabral a George Floyd. Onde arde o fogo sagrado da liberdade”, de Paulinho Sacramento (RJ)
Jurados: Jessé Oliveira (IEACen-RS), Mário Costa (Macumba Lab), Gisela Pérez Fonseca e Felipe Aljure (Festival Internacional de Cinema de Cartagena de Indias/Colômbia)
Foi uma tarde cheia de encontros – e autógrafos, claro – pro lançamento
do livro “50 Olhares da Crítica Sobre o Cinema Gaúcho”. Agora, na Feira do Livro de Porto Alegre, em sua 68ª edição, onde não poderíamos deixar de estar. Cerca de 20 de nós
membros da Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul (ACCIRS), e foi possível conversar entre nós e os amigos, parentes e
convidados que nos prestigiaram. Editado pela ACCIRS, a coletânea traz 50 artigos sobre filmes gaúchos
lançados entre as décadas de 1950 e 2020 no Rio Grande do Sul. Mas com um diferencial
editorial-conceitual interessante: não se trata de um apanhado dos “melhores
filmes’, mas, sim, aqueles títulos que fazem sentido para cada autor dentro do
universo do cinema gaúcho. Ou seja, propõe uma abordagem muito pessoal sobre
cada obra, o que, indiretamente, cria ligações diferentes e próprias entre um
artigo e outro.
Caso, por exemplo, dos textos de Alice Dubina Trusz e
Jaqueline Chala – com quem pude trocar algumas proveitosas ideias durante a
sessão – os quais, juntamente com o de Ivonete Pinto, formam uma trinca complementar que
avaliou os três principais títulos do novo cinema gaúcho: “Deu pra ti, Anos 70”
(Giba Assis Brasil e Nelson Nadotti, 1981), “Inverno” (Carlos Gerbase e Giba,
1983) e “Verdes Anos” (Gerbase e Giba, 1984), respectivamente.
Enfim, uma tarde linda em Porto Alegre, de temperatura
agradável, final de semana e começo de mês (ou seja, pessoal com mais grana no bolso) motivou a
que a feira estivesse lotada, inclusive com algumas sessões de autógrafos com filmas bem extensas. Muito legal ver a Feira do Livro, mesmo com todas suas
ressalvas (preços não tão mais atrativos, ausência de uma praça de alimentação
e de área internacional, entre outras coisas), mobilizando a população a circular na praça aberta em
razão das letras. Depois do pesadelo do pior da pandemia, que reclusou a Feira
ao universo online, poder voltar a circular e ver pessoas, cores, cheiros,
artes, sons e tudo que os sentimentos possam captar é muito bom.
Confira aí, então, alguns cliques da sessão de autógrafos e
do clima da feira em si conosco aproveitando esse dia encantado em nossa
cidade:
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Fileira para os autógrafos coletivos da ACCIRS
Autografando o exemplar do amigo Rodrigo, que foi com sua querida mãe prestigiar a gente
Aqui com o colega de ACCIRS e trabalho Conrado Oliveira, também autor do livro
Depois de passar a fila, chegou minha vez de autografar!
Com a querida colega e coautora Jaque Chala, voz do cinema da minha adolescência da rádio FM Cultura
Deu também pra adquirir o "Cruber", livro de contos das andanças de Uber do querido colega de ACCIRS Cristiano "Criba" Mentz
Nós em plena praça, onde tudo começou há 11 anos...
Clima da praça com pessoal circulando sob a bênção dos jacarandás
Os corredores cheios da área infantil
Palhaço fazendo bolhas de sabão gigantes no meio da praça
E deu tempo de encontrar a hermana Carol, que foi ao nosso encontro
Céu azulzinho na linda tarde de sábado na Feira do Livro
Desde a primeira reunião, numa final de tarde outonal de 2008, estava lá eu, juntamente com um punhado de outros amantes de cinema num apartamento à Av. Cristóvão Colombo, em Porto Alegre, residência de uma das fundadoras. Eu, que havia recém iniciado um projeto de um blog de cinema, O Estado das Coisas (hoje desativado), ainda nem havia me tornado colaborador do Clyblog, onde de fato expandi meu exercício de crítica, e já me fazia presente ali, meio assustado ao lado de gente que admirava e admiro. Jornalistas a quem eu lia, assistia, ouvia. Profissionais da Academia já referenciais para a cinefilia gaúcha. Críticos de cinema com experiência em veículos, festivais, júris, curadorias. Mesmo intimidado com o desafio, fui dos que deram o aval para o começo de uma entidade congregadora de críticos de cinema em nossos pagos que promovesse este fazer crítico por meio de diversas vias: a realização de seminários sobre crítica, a formação de grupos de estudo sobre a linguagem audiovisual, a programação de sessões de cinema com debates, a geração de conteúdos em diversas plataformas, a composição de júris da crítica, entre outros. Estava criada, a 29 daquele mês, a Associação de Críticos do Cinema do Rio Grande do Sul, aAccirs.
Relembrar os movimentos primordiais da associação teve um gosto ainda mais agradável no encontro que promovemos no último dia 5, marcado exatamente para celebrar o aniversário da Accirs. Com a presença de convidados, familiares e amigos, nós nos reencontramos para a ocasião festiva orgulhosos da bagagem pessoal e coletiva que agregamos nestes 15 anos, mas também contentes pela novidade, seja pelos membros não tão antigos como eu (ou Ivonete Pinto, Fatimarlei Lunardelli, Marcos Santuário, Roger Lerina, Adriana Androvandi, minha “madrinha” na Accirs, e outros), seja pela recepção aos novos integrantes, os sete entrantes. A mim, enxergar ao longe aquele Daniel bem mais inseguro mas já capaz de unir-se àqueles pares, é bastante gratificante. Além do crescimento que os anos naturalmente trazem, é-me fácil perceber o quanto a Accirs, na qual hoje sou Secretário, me proporcionou (proporciona) em termos de desenvolvimento enquanto crítico e ente social pensante para tudo aquilo que o cinema propicia.
Os 15 anos de atividades da Accirs contaram também com uma exibição especial: a pré-estreia do longa-metragem brasileiro “O pastor e o guerrilheiro”, novo filme do diretor José Eduardo Belmonte, exibido no 50º Festival de Cinema de Gramado. Na mesma ocasião, foram entregues por nosso presidente, Danilo Fantinel, e nossa vice-presidente, Mônica Kanitz, os certificados para os vencedores do Prêmio Accirs para os Melhores do Ano em 2022. Por “5 Casas”, de Bruno Gularte Barreto, foi entregue ao roteirista do filme, o cineasta e professor Vicente Moreno. Já por “Sinal de Alerta: Lory F.”, o diretor Fredericco Restori, juntamente com a irmã da biografada, a atriz Débora Finochiaro, recebeu o certificado de melhor curta gaúcho. Outro curta, “Madrugada”, dividiu o prêmio de com “Sinal...”, alcançando-se a seus realizadores Leonardo da Rosa e Gianluca Cozza a homenagem. Ainda, Ivonete e Marcus Mello receberam o Prêmio Luiz César Cozzatti, concedido a destaques da cena audiovisual do RS, pela revista Teorema, publicação impressa dedicada à crítica cinematográfica que completou 20 anos de existência.
Foi, por todos estes dois motivos, mas principalmente, pelo encontro de uma história já percorrida com o sopro da renovação, que o brinde pela Accirs foi especialmente bonito. Sorrisos, papos, reencontros, carinho, apresentações, abraços. Uma noite de sair com o peito preenchido – de afeto e de cinema.
Confira algumas fotos tiradas por diversos de nós membros.
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Coquetel rolando, papos sobre cinema e tudo mais
Momento de entregar os certificados aos melhores de 2022
Danilo e Mônica falando para a plateia na Sala Paulo Amorim
Ivonete e Marcos, agraciados com o destaque do ano pela Teorema
Os jovens diretores do curta "Madrugada"
Restori falando por seu "Sinal de Alerta Lory F."
A galera toda para a foto oficial: membros e convidados numa noite especial para o cinema gaúcho
Novamente convidado para mediar um debate de cinema em nome da ACCIRS - Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul, mesmo
com a correria diária, não pude deixar de aceitar mais essa empreitada que a
crítica de cinema me oportuniza. Afinal, além de gostar da prática, de envolver
cinema, tratava-se da valorosa Mostra Sesc de Cinema - Panorama Rio Grande do
Sul, que incentivar a produção nacional independente. Em sua quarta edição, a
mostra evidencia o audiovisual que não chega ao circuito comercial de exibição,
priorizando a seleção de realizadores brasileiros que abordem temas ligados à
pluralidade cultural do país ou que se desdobrem em olhares exteriores que
dialoguem com as realidades brasileiras.
O debate para o qual fui convidado, ocorrido dia 9 de
novembro, trazia os realizadores dos seguintes curtas-metragens: Giordana Forte,
pelo filme “Bago Sujo”; Fausto Prado, por “Laços do Ofício”; e Alexandre Derlan,
diretor de “Um Pedal”. Única ficção entre os três títulos, “Bago Sujo” aborda,
numa estética e narrativa fragmentadas, o primeiro dia de abstinência de um
usuário de crack. Já o filme de Fausto, músico de formação, é um documentário
sobre as relações entre professores de música e arte e crianças em situação de
vulnerabilidade social e deficientes intelectuais em escolas e instituições das
cidades gaúchas de Porto Alegre, Viamão, Gravataí e Canoas. Por fim, “Um Pedal”
traz o esportista deficiente físico Nicolas Berghan, que percorre estradas
inóspitas, com apenas único pedal de sua inseparável bicicleta narrando suas
experiências reais, percepções de mundo, liberdade de escolha e inclusão.
Cartazes de "Bago Sujo" e "Laços de Família": inclusão sob ângulos diferentes
O belo doc "Um Pedal", de Darlan
Muito agradável e fluida a conversa com os três
realizadores. O tema da inclusão foi uma baliza. Bem selecionados pela
curadoria do festival, visto que bastante complementares, cada filme traz esse
aspecto inclusivo por uma ótica diferente. “Bago Sujo”, a dificuldade de
inserção do ex-dependente químico na sociedade; “Um Pedal”, a deficiência
física não como empecilho, mas do ímpeto de superação de desafios na vida. e “Laços
do Ofício”, o quanto a arte é capaz de agregar à vida e à família de pessoas
com deficiência intelectual e/ou em vulnerabilidade social.
Interessante ressaltar que, para a seleção dos trabalhos,
além dos aspectos técnicos e narrativos, foram levados em consideração
elementos sociais, diversidades de linguagens e representatividades de gênero,
raça, cor e territórios. Como resultado, a programação contou com realizadores
de 10 cidades, três filmes com temáticas indígenas e obras dirigidas por 13
mulheres, 18 homens e duas pessoas não binárias.
Quem quiser conferir como foi esse bate-papo, o vídeo está
disponível no site da mostra, a qual agradeço imensamente o convite e a
oportunidade.
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debate Mostra Sesc de Cinema -“Bago Sujo”, “Laços do Ofício” e “Um Pedal”
É curioso constatar que é mais comum fazermos aqui retrospectivas de festivais de cinema de fora, como Oscar e Cannes, do que de algum de dentro do Brasil, caso o Festival de Cinema de Gramado, que ocorre aqui no nosso pátio sulista. Embora um adorador do festival há muito tempo – como não poderia deixar de ser a qualquer cinéfilo do Brasil, que guarda um sentimento especial pelo maior e mais tradicional evento de cinema brasileiro –, nunca, porém, estive durante sua realização. Mesmo com os anos de crítica, Gramado sempre esteve, mesmo que perto geograficamente, muito longe em termos práticos, visto que a vida cotidiana com suas obrigações e afazeres sempre me impossibilitou de subir a Serra para passar uma semana imerso somente em filmes.
Acontece que, com a pandemia, não apenas eu como milhares de outros espectadores pude ter essa maior proximidade que a exigência de exclusividade do festival sempre afastou. Desde o ano passado, os filmes concorrentes passaram a ser exibidos não no icônico Palácio dos Festivais para poucos afortunados e com pessoas se acotovelando para conseguir uma poltrona, mas, sim, dada a necessidade de distanciamento social, através de sessões pelo Canal Brasil. No conforto da poltrona de casa. Aí, foi um abraço. Se em 2020 já havia conseguido assistir a alguns títulos como espectador, este ano, convidado pela organização do festival, tive a honra de compor, como membro da ACCIRS - Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul o Júri da Crítica, na qual tive como colegas Ela Bittencourt, Pedro Butcher, André Bozetti e Joyce Pais. A missão: escolher os melhores filmes nas categorias de Curta-Metragem Brasileiro, Longa-Metragem Brasileiro e Longa-Metragem Estrangeiro, 24 títulos no total.
A maratona, embora um pouco cansativa, foi extremamente prazerosa, bem como o processo de seleção junto aos colegas de júri, com quem pude aprender mais sobre o papel do crítico, principalmente para situações como a de um corpo julgador a qual nos cabia. Com temas e abordagens variadas, tanto a seleção de curtas quanto a de longas trouxeram obras bem interessantes, algumas empolgantes. Particularmente, destaco dois títulos de duas das categorias que pude ter maior aprofundamento – Curta-metragem Brasileiro e Longa-Metragem Brasileiro – sem deixar, contudo, de abordar outros filmes juntamente:
"Entre Nós e o Mundo", de Fábio Rodrigo (2019) Curta-metragem que já havia assistido, primeiramente na mostra competitiva do 1º Festival Cinema Negro em Ação, do qual participei também como jurado justamente para esta categoria, e, posteriormente, quando fui mediador de debates do 14º Cine Esquema Novo, em abril deste ano, ocasião em que tive a oportunidade de conversar diretamente com o cineasta e discutir mais sobre este pequeno documentário gigante em profundidade e sensibilidade. O filme relata a história de Erika, prima de Rodrigo e moradora da comunidade de Vila Ede, na periferia São Paulo. Ela sofre por ter perdido seu filho mais novo durante uma abordagem policial, ao mesmo tempo que teme pela vida de seu outro filho e da nova que está trazendo ao mundo, a pequena e resistente Alicia.
Impressiona em “Entre...”, escolhido por nós da crítica e também ganhador como Melhor Filme pelo Júri, é a abordagem não óbvia para um problema crônico da sociedade brasileira, que é a violência urbana e o racismo. Denunciativo sem ser escancarado, consciente sem ser agressivo, o curta deixa ao espectador, em sua montagem peculiar (aliás, vencedora nesta categoria em Gramado também) – que formula um “work in progress” cuja bússola é o processo emocional do diretor, também personagem da história – o sentimento raro em um momento de revolta da beleza e da continuidade da vida. Competente, bem à frente de seus concorrentes, “Entre...” ainda rendeu a Rodrigo Melhor Direção e Montagem.
"Animais na Pista", um dos destaques entre os curtas
Não posso deixar de mencionar, no entanto, outro filme que me surpreendeu bastante entre os curtas, que foi “A Fome de Lázaro”. Também documental, o filme do paraibano Diego Benevides traz um olhar antropológico e despido de crítica de um ritual de promessa à São Lázaro em uma pequena comunidade do interior da Paraíba, lembrando em certa medida filmes de “cinema direto” do cineasta e antropólogo francês Jean Rouch. Fotografia e enquadramentos precisos em um roteiro em que não se escuta um diálogo sequer, mas que o espectador o entende em sua completude. Embora não consensual entre nós jurados da crítica, posso dizer que minha percepção não estava de um todo equivocada, visto que o filme recebeu o prêmio de Melhor Filme de Curta-Metragem, premiação máxima para esta categoria no festival, além de também merecidamente o de Direção de Arte.
Menciono também outra produção paraibana: “Animais na Pista”, de Otto Cabral (vencedor de Melhor Trilha Musical e Melhor Fotografia), um ousado e difícil exercício de plano-sequência para um drama que faz uma crítica dura à sociedade e a raça humana; o paulista “Fotos Privadas”, de Marcelo Grabowsky (Melhor Ator para Lucas Galvino e Melhor Roteiro), de personagens e situações muito bem construídas; e o ousado doc-denúncia “O Que Há em Ti”, do igualmente paulista Carlos Adriano, que quebra os limites entre Brasil e Haiti – se é que ele “não é aqui”.
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“O Novelo”, de Cláudia Pinheiro (2020)
Talvez o que mais tenha me impactado de todo o Festival, este longa é uma preciosidade. Drama humano e com carga emocional bastante bem conduzida no roteiro, traz, mesmo que numa narrativa mais regular, paralelos entre passado e presente sempre adequados à trama. Os diálogos são tão bem escritos, que parecem se dar em situações reais cotidianas. Contudo, principalmente, o forte do filme está, como poucas vezes se vê com tamanha qualidade no cinema nacional, na direção de atores.
Cinco irmãos acabam sendo criados pelo irmão mais velho, após o desaparecimento do pai e, posteriormente, a morte da mãe. Um dia, já adultos, eles recebem a notícia de que um homem em coma em uma UTI pode ser seu pai. Na sala de espera do hospital os irmãos mergulham em seus conflitos e memórias através do tricô aprendido na infância. Além de retratar uma família de negros de classe média, contrariando a pecha brancocêntrica de “senzala” em relação ao lugar do negro no audiovisual brasileiro, o longa de Cláudia questiona também outros tabus, como os papeis sociais de homens e mulheres, a identidade e a essência das relações familiares, representadas todas na ideia de continuidade e de origem do novelo de lã.
As atuações, portanto, não se restringem a uma ou outra de destaque – principalmente se comparado com outros filmes da mostra competitiva, os bons “Homem Onça”, conduzido pelo personagem principal vivido por Chico Diaz, ou “A Suspeita”, protagonizado por Glória Pires, vencedora, inclusive do prêmio de Melhor Atriz – mas a pelo menos 16 atores, a excelente Isabél Zuaa o os irmãos, apresentados na história em três momentos temporais ao longo de três décadas. O feito de “O Novelo” neste sentido é, justamente, o de equalizar tantas atuações intensas que, por sua vez, entregaram o que lhes foi exigido.
trailer de "O Novelo"
Ajuda para este resultado cênico a construção muito sensível e precisa de cada personagem, principalmente os cinco irmãos, cada um com suas características pessoais/emocionais complementares entre si. Filme que vem para se somar a grandes produções brasileiras dos últimos anos, como “Três Verões”, “Pacarrete” e “Aos Olhos de Ernesto”, mas que não obteve o prêmio máximo do Festival de Gramado, dado ao pernambucano “Carro Rei”. Entretanto, o Júri Popular fez-lhe justiça entregando-lhe o Kikito de Melhor Filme, além dos de Melhor Ator (Nando Cunha) e as menções honrosas para Isabél Zuaa e para os jovens Fernando Lufer, Michel Gomes, Victor Alves, Kaike Pereira, Pedro Guilherme e Caio Patricio.
Carro Rei: vitória contestada de Gramado 2021
Afora “O Novelo”, merece apreciação “A Primeira Morte de Joana”, da gaúcha Cristiane Oliveira, vencedor, aliás, do prêmio do Júri da Crítica. Embora tenha me encantado mais por “O Novelo”, a premiação ao filme de Cristiane, além do consenso entre nós, jurados, justifica-se plenamente pela proposta bastante mais “cinematográfica”, por assim dizer, em relação não apenas a “O Novelo”, mas talvez a todos os outros ao explorar aspectos gramaticais do cinema com maior profundidade. Isso porque “A Primeira...” é ao mesmo tempo uma investigação factual, pessoal e cinematográfica, capaz de traduzir o ponto de vista de uma adolescente com um trabalho de câmera sensível, atento aos elementos táteis, às texturas e aos silêncios.
Curiosamente, nem “O Novelo” e nem “A Primeira...” – quanto menos outro forte concorrente, “Homem Onça” – ficaram perto em termos de realce do errático “Carro Rei”, o grande vencedor da noite, uma ficção futurista com seus méritos (venceu, entre seus 4 Kikitos, os de melhor Trilha Musical, Direção de Arte e Desenho de Som), mas que não se situa nem entre o filosofal e nem no pop. Até mesmo “Jesus Kid” obteve, no pesar das premiações, mais destaque. Comédia boa em direção de arte e fotografia, mas que se consagrou justamente naquilo mais peca: a direção, apressada e destoada do curitibano Aly Muritiba (muito em razão da fraca atuação do seu ator principal, Paulo Miklos), e o roteiro, que, embora baseada na obra do celebrado escritor Lourenço Mutarelli, é o responsável pelo resultado desigual do filme. Vai entender.
O fato é que, diferentemente de outros anos, em que o principal premiado condizia com o tamanho de Gramado, este ano, mesmo que "Carro Rei" não seja desprezível, parece não estar-lhe à altura. Mas tudo bem. O que ficou foi o sentimento de resistência do único festival de cinema brasileiro ininterrupto a tantas edições e que, em 2022, se prepara para o cinquentenário. Todos torcendo para que a pandemia já tenha amenizado.
Conheça os vencedores do 49º Festival de Cinema de Gramado:
CURTAS-METRAGENS BRASILEIROS
·Melhor Filme – “A Fome de Lázaro”, de Diego
Benevides
·Melhor Direção – Fabio Rodrigo, por “Entre Nós e
o Mundo”
·Melhor Ator – Lucas Galvino em “Fotos Privadas”
·Melhor Atriz – Tieta Macau em “Quanto Pesa”
·Melhor Roteiro – Marcelo Grabowsky, Aline
Portugal e Manoela Sawitzki, por “Fotos Privadas”
·Melhor Fotografia – Rodolpho Barros, por
“Animais na Pista”
·Melhor Montagem – Caroline Neves, por “Entre nós
e o Mundo”
·Melhor Trilha Musical – Eli-Eri Moura, por
“Animais na Pista”
·Melhor Direção de Arte – Torquato Joel, por “A
Fome de Lázaro”
·Melhor Desenho de Som – Breno Nina, por “Quanto
Pesa”
·Melhor Filme pelo Júri Popular – “Desvirtude”,
de Gautier Lee
·Melhor Filme pelo Júri da Crítica – “Entre Nós e
o Mundo”, de Fábio Rodrigo
·Prêmio Especial do Júri – Fabio Rodrigo, por
“Entre Nós e o Mundo” por responder de forma consciente em termos estéticos,
afetivos e narrativos a pergunta “Como falar da dor da perda e ainda ter
esperança?”.
·Menção honrosa da Comissão Julgadora para os
curtas brasileiros vai para o filme “A Beleza de Rose”, de Natal Portela, por
fazer um delicado recorte da vida de muitas mulheres negras no nordeste do
Brasil.
·Prêmio Canal Brasil de Curtas – “A Beleza de
Rose”, de Natal Portela
LONGAS-METRAGENS ESTRANGEIRO
·Melhor Filme – “La Teoría De Los Vidrios Rotos”,
de Diego Fernández Pujol
·Melhor Filme Júri Popular – “La Teoría De Los
Vidrios Rotos”, de Diego Fernández Pujol
·Melhor Filme pelo Júri da Crítica – “Planta
Permanente”, Ezequiel Radusky
·Prêmio Especial do Júri – Pela abordagem de
temas tão presentes em nossa sociedade, que refletem as consequências de um
sistema corrompido e afetam diretamente os valores humanos; e pelas
interpretações das protagonistas femininas que representam a força das mulheres
latinas em nosso cinema. O Júri de Longas-metragens estrangeiros do 49º
Festival de Cinema de Gramado decidiu conceder o Prêmio Especial do Júri ao
filme “Planta Permanente”, de Ezequiel Radusky.
LONGAS-METRAGENS GAÚCHOS
·Melhor Filme – “Cavalo de Santo”, de Carlos
Eduardo Caramez e Mirian Fichtner
·Melhor Direção – Gilson Vargas, por “A Colmeia”
·Melhor Ator – João Pedro Prates, por “A Colmeia”
·Melhor Atriz – Luciana Renatha, Alexia Kobayashi
e Veronica Challfom, por “Extermínio”
·Melhor Roteiro – Carlos Eduardo Caramez, por
“Cavalo de Santo”
·Melhor Fotografia – Bruno Polidoro, por “A
Colmeia”
·Melhor Direção de Arte – Gilka Vargas e Iara
Noemi, por “A Colmeia”
·Melhor Montagem – Joana Bernardes e Mirela
Kruel, por “Extermínio”
·Melhor Desenho de Som – Gabriela Bervian, por “A
Colmeia”
·Melhor Trilha Musical – Cânticos Sagrados dos
Orixás preservados pelos Terreiros gaúchos e Alabê Oni, por “Cavalo de Santo”
·Melhor Filme pelo Júri Popular – “Cavalo de
Santo”, de Carlos Eduardo Caramez e Mirian Fichtner
LONGAS-METRAGENS BRASILEIROS
·Melhor Filme – “Carro Rei”, de Renata Pinheiro
·Melhor Direção – Aly Muritiba, por “Jesus Kid”
·Melhor Ator – Nando Cunha, em “O Novelo”
·Melhor Atriz – Glória Pires, em “A Suspeita”
·Melhor Roteiro – Aly Muritiba, por “Jesus Kid”
·Melhor Fotografia – Bruno Polidoro, por “A
Primeira Morte de Joana”
·Melhor Montagem – Tula Anagnostopoulos, por “A
Primeira Morte de Joana”
·Melhor Trilha Musical – Dj Dolores, por “Carro
Rei”
·Melhor Direção de Arte – Karen Araújo, por
“Carro Rei”
·Melhor Atriz Coadjuvante – Bianca Byington, por
“Homem Onça”
·Melhor Ator Coadjuvante – Leandro Daniel
Colombo, por “Jesus Kid”
·Melhor Desenho de Som – Guile Martins, por
“Carro Rei”
·Melhor Filme pelo Júri Popular – “O Novelo”, de
Claudia Pinheiro
·Melhor Filme pelo Júri da Crítica – “A Primeira
Morte de Joana”, de Cristiane Oliveira
·Prêmio Especial do Júri para Matheus
Nachtergaele, em “Carro Rei”, pela construção e domínio do personagem e pela
brilhante capacidade de se reinventar.
·Menção honrosa para Fernando Lufer, Michel
Gomes, Victor Alves, Kaike Pereira, Pedro Guilherme e Caio Patricio por seu
talento e potência em “O Novelo”
·Menção honrosa para Isabél Zuaa pela bela e
impactante atuação em “O Novelo”
Por mais reprimida que seja, toda desigualdade entre os homens será sempre um campo de conflito. O racismo é uma dessas instituições sociais cujo avanço da sociedade o faz ser cada vez mais discutido no caminho daquilo que se pretende: sua dissolução. Longe disso se está, infelizmente. A emergência atual do tema se dá não pela conscientização coletiva, mas pela via mais dolorida e revoltante. A morte do ex-segurança George Floyd, em Minneapolis, nos Estados Unidos, abriu novamente a cortina sobre a questão: a da confirmação de uma repetição de atrocidades enquanto não se enfrentar o monstro.
Aliados para isso há, e o cinema norte-americano – também resultante das mudanças sociais daquele país desde o movimento pelos Direitos Civis nos anos 60 e 70 – vem refletindo cada vez mais esse necessário espaço de conflito. Se hoje é possível ver a questão racial recorrentemente trazida para as telas, bem como profissionais negros mais atuantes atrás e à frente das câmeras, também é verdade que esse fenômeno acompanha a evolução da situação política nas duas últimas décadas. Desde que Doze anos de escravidão, de 2013, venceu o maior prêmio do Oscar, tal viragem em nome de um digno resgate e retratação histórica tem se mostrado recursiva e pulsante, com obras como "Moonlight" (2017), "Corra!" (2017), "Se a Rua Bale Falasse" (2018) e os recentes "Luta por Justiça" (2020) e "Destacamento Blood" (2020).
"O Nascimento..." de Griffith: serviço ao cinema e desserviço à sociedade
Não foi sempre assim, obviamente. Os caminhos para se chegar ao âmago das coisas são tão tortuosos quanto a construção social de toda a população segregada e desvalorizada pelo preconceito. Como revoltar-se contra o que é tácito e de consenso? A representação do negro na história da indústria norte-americana vai desde a culpabilização à inexpressão. Mesmo com todos os méritos cinematográficos inquestionáveis, o desserviço civil que "O Nascimento de uma Nação", de D. W. Griffith, prestou, no início do século XX, estendeu-se por décadas. Noutro extremo, se não culpado, o negro era representado pelo “excêntrico”, tanto o raro quanto o animalesco. Isso, quando não relegado à completa inexistência uma vez que esmagado pela branquização. Precisou quase meio século para que, nos anos 60, com Adivinhe quem vem para jantar (1967) e No calor da noite” (1968), a questão racial fosse tratada, finalmente, como um problema. Mas não bastou. Se a Blackexplotation dos anos 70 trouxe o orgulho do Black Power e o protagonismo negro para as telas, também o fez reativa e brutalmente. Ser um negro de sucesso significava (re)afirmar o estigma reducionista (e altamente racista) da capacidade instintiva e “desbranquiçada” da imposição física.
Eddie Murphy: um ídolo que não se leva a sério
Vieram os anos 80 que, embora começassem a venerar figuras como Eddie Murphy, essencial na iconografia negra, também, por contexto histórico-social, este simbolizava a imagem do negro “esperto” e “cômico”, seja o policial atilado Axl Foley de "Um Tira da Pesada" ou o vagabundo sortudo de "Trocando as Bolas". Traduzindo, o negro não precisa ser temido pela violência: ele pode encarnar o malandro para fazer rir. Os tempos andaram ainda mais um pouco e a questão continuava a ser desviada. Enquanto os avanços sociais e políticos pressionavam, o sistema respondia: “se acharam ofensivo serem agressivos ou piadistas, que tal, então, inteligentes?” O assaltante e gênio em computação de Clarence Gilyard Jr.em "Duro de Matar" (1988) não deixa mentir. Enfim, concedia-se aos negros mais esta branquificação: a da inteligência. Claro, novamente como “escada” e jamais protagonista em sua própria natureza.
Como se vê, a sina do estereótipo não é brincadeira e nem descuido. E a sociedade entendeu isso. Tamanha força opressiva, que carrega consigo séculos de escravidão e descaso de uma supremacia, precisava ser enfrentada com munição tão poderosa quanto. É quando, nos anos 80, surge Spike Lee. Se em um de seus primeiros trabalhos o jovem cineasta ia em cheio à raiz da questão ao criticar "O Nascimento de uma Nação" ("The Answer", de 1980), é em 1989 que seu "Faça a Coisa Certa", um marco da discussão aberta do racismo no cinema, traz de vez o olhar balizado tanto do opressor quanto, principalmente, do oprimido. Algo que se é capaz de fazer, quase que inequivocamente, somente quando se está na segunda posição. Seu cinema abertamente engajado à causa negra pode ser criticado pela apropriação artística para fins ideológicos. No entanto, é evidente que lhe é mais do que justificável a escolha e que esta faz muito sentido quando se olha para trás e se vê o rastro de desigualdade, desrespeito e desumanização deixado pelo preconceito racial.
O genial Spike Lee em seu "Faça a Coisa Certa", que ia à coisa certa há 31 anos atrás
O atual momento da representatividade do negro na indústria do cinema também tem outro elemento propulsor, que se chama Donald Trump. A esperança igualitária de Barack Obama, em certa medida, esgotou-se no Nobel da Paz ganho pela simbologia de um homem negro no mais alto cargo mundial. Deveria, mas não foi suficiente. As questões raciais estruturais, nos oito anos de seu mandato, permaneceram pouco tocadas, e tiveram que aumentar o volume quando da reassunção do conservadorismo abertamente racista de Trump. A intensa reação à morte de George Floyd, histórica e antropologicamente, passa por estes processos.
Por sorte, o caminho foi aberto por Spike Lee há pouco mais de 30 anos. Ava DuVernay, Barry Jenkins, Jordan Peele, Ryan Coogler, Steve McQueen, Kasi Lemmons e tantos outros cineastas negros que hoje, nutridos de consciência histórica e atribuição simbólica, fazem com que seja possível enxergar o negro não apenas pela lente distorcida do estereótipo, mas, principalmente, como agentes ativos deste espaço de conflito ideológico e sujeitos críticos da maior degradação moral que o ser humano pode conceber: o racismo. Não somente porque o cinema norte-americano é indústria cultural, mas porque, sendo isso, tem o poder de chegar a todos tanto com a negação quanto com o sim. E agora, não tem volta: é hora de toda essa nação acordar para renascer.
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