cotidianas #659 - A grama do vizinho sempre é mais verde

O gramado da casa do Sr. Motta era uma maravilha. Todos os vizinhos invejavam aquela grama. Verdinha, limpa, plana, aparada... não havia como não admirar. Mas não era à toa que aquele jardim frontal era tão perfeito: todo o santo dia, sábado, domingo, feriado, dia chuvoso, frio ou quente, o Sr. Motta estava lá, cuidando de seu belíssimo gramado. Não é preciso nem falar que crianças e animais não eram nem um pouco bem-vindas àquele tapete verde cuidadosamente aparado, e com frequência eram enxotadas com veemência dos limites do vizinho rabugento. Havia casos, inclusive, de bichinhos que nunca voltaram a serem vistos depois de pisarem no gramado do Sr. Motta, não havendo, contudo, como provar que ele tivesse alguma coisa a ver com os desaparecimentos. Aos questionamentos e reclamações dos donos dos animais sumidos ou dos pais de alguma criança ferida ou assustada, o Sr. Motta simplesmente dava as costas e entrava em casa sem dar atenção ou satisfações ao reclamante. E a propósito de se trancar em casa, chamou atenção o fato de que fazia dias que o Sr. Motta não aparecia para cuidar do jardim. Um dia, vá lá..., a ausência até foi inevitavelmente notada, considerando a assiduidade quase mecânica do vizinho, mas ninguém deu muita importância num primeiro instante. Mas dois, três dias... Já se passava uma semana e os sinais da ausência do velho já podiam ser observados no jardim. A grama, outrora impecável, agora era alta e desordenada. Em poucos dias, o mato já começava a avançar pelos degraus da varanda da casa, mais alguns dias depois, subia pelas paredes e em menos de uma semana tomava a casa por inteiro engolindo-a num volume verde minimamente identificável.
Os vizinhos, num primeiro momento ficaram curiosos, depois passaram a preocupados e agora estavam muito perto do pânico e alguns  já cogitavam mesmo a hipótese de se mudar dali. O mato começava a invadir os terrenos vizinhos. Aquela grama, ou fosse lá o que fosse aquilo, não parava de crescer e se alastrar.

Cly Reis

"Benzinho", de Gustavo Pizzi (2018)

Embalado pelas notícias do Festival de Cinema de Gramado, ocorrido recentemente na cidade gaúcha, e pela premiação, eu e Andrea Rita Muller fomos ver "Benzinho", de Gustavo Pizzi (2018). Durante muito tempo, me ressentia de só ver filmes de violência urbana, polícia e traficantes e comédias cariocas idiotas no cinema brasileiro. Foram incontáveis vezes que fiquei com inveja da cinematografia iraniana que, com pouquíssimo dinheiro, conseguia retratar as inúmeras realidades do país, como "O Balão Branco"; "O Caminho de Kandahar", "Gosto de Cereja", "A Maçã" e "A Separação", entre muitos outros. Pois, já está em cartaz em Porto Alegre, "Benzinho", que leva o cinema brasileiro para as discussões nem tão prosaicas sobre a vida de uma família de classe média baixa.

Em resumo, o filme conta a história de um adolescente que é convidado a jogar handebol numa equipe profissional da Alemanha e os efeitos que este convite tem em sua família, especialmente na mãe, Irene, interpretada magistralmente por Karine Teles, melhor atriz em Gramado 2018. Com este ponto de partida, "Benzinho" analisa uma série de temas importantes na realidade socioeconômica brasileira sem fazer proselitismo nem transformar tudo em melodrama. Estão ali, os desmandos econômicos que fazem com que as irmãs Irene e Sônia (Adriana Esteves, também maravilhosa em

Karine Teles: Melhor Atriz em Gramado

cena) vendam quentinhas e lençóis para completar a renda da família; os planos mirabolantes do marido de Irene (Otávio Muller) para ganhar dinheiro; a falência do casamento da irmã em função do vício em drogas do cunhado (César Troncoso, numa ponta excelente); a busca da casa própria numa construção que está pela metade; o cuidado com os filhos pequenos, quando pai e mãe estão fora trabalhando. Uma série de "pequenos problemas", que afligem os personagens e, de uma maneira geral, o povo brasileiro.

A ternura com que Pizzi enxerga e trata seus personagens é comovente, e a atuação de Karine mostra que o cinema brasileiro não é só feito de carinhas bonitas e mulheres gostosas. As crianças, filhos gêmeos de Karine e do diretor e o sobrinho dela, além do protagonista Konstantinos Sarris, dão um show de naturalidade à parte. "Benzinho" recoloca o cinema nacional na vida de sua população, não somente na Zona Sul ou nas favelas do Rio de Janeiro. Vale a pena conferir.

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Trailer de "Benzinho"

por Paulo Moreira

ARQUIVO DE VIAGEM - CANELA / RS

Vizinha menos badalada de Gramado e muitas vezes quase confundida com esta, Canela tem sim também tem seus encantos prórpios, suas atrações e boas alternativas de diversão e gastronomia. Com atrativos naturais impressionantes como o Parque da Ferradura, a Floresta de Sequóias e a Cascata do Caracol, garante  interesse e bons programas para os turistas, além das comprinhas de artigos de couro e artesanato no seu simpático centro com visita obrigatória à bela catedral de pedra que imita o estilo gótico.
Também valem uma conferida o super-bacana Museu da Moda, as fábricas de chocolate ao longo da estrada para Gramado com seus museuzinhos temáticos próprios em cada uma, o interessantíssimo Mundo a Vapor com reproduções em miniatura (funcionando) da produção industrial à base de vapor ao longo da história, e o simpático Castelinho Caracol, uma casa original alemã do início do século passado com seu mobiliário e utensílios originais preservados.
Para diversão e entretenimento tem o Alpen Park, um parque de diversão com atrações tradicionais como montanha russa, trenó e etc., mas também com atividades naturais como arvorismo, tirolesa, rapel e coisas do gênero; e o super-legal Parque Terra Mágica Florybal, um grande parque temático de propriedade de uma das fábricas de chocolate, de ótima estrutura com áreas de estar, playground infantil, restaurante, cinemas 7D, bonecos mecânicos e esculturas gigantescas. Um barato!
Seguem algumas fotos da minha passagem por lá neste último mês de janeiro:

Centro de Canela, com a Catedral ao fundo

A bela catedral de pedra de Canela

Uma velha locomotiva
no centro da cidade

O Castelinho Caracol,
uma antiga casa alemã

O interior do Castelinho Caracol
com seu mobiliário original

Fachada do Museu da Moda
na estrada entre Canela e Gramado

O interior do Museu da Moda:
as vestes desde a origem da civilização

A entrada do Mundo a Vapor reproduzindo um
acidente real de um trem desgovernado que
despencou da Estação Montparnasse, em Paris

Dentro do Mondo a Vapor maquetes com
funcionamento de várias instalações a vapor.
Aqui, uma pedreira.

Uma das fábricas de chocolate ao longo da estrada.
Aqui a fachada da Caracol

No interior, as instalações da fábrica

Ainda na Caracol, uma pequena tour mostrando a origem do chocolate

Visitamos as vinícolas
na parte mais afastada da cidade.
Esta, a Jolimont

Ainda na vinícola,
o vinho armazenado em barris de madeira

E no final da visita à vinícola
uma degustaçãode variados tipos de vinhos

Visita ao Alambique Flor do Vale

Lá conhecemos as estapas da fabricação da cachaça

Opção de diversão: o Alpen Park

O Parque Florybal

No percurso de entrada do Florybal,
uma cascata de chocolate...

... e no passeio, encontramos
seus dinossauros mecânicos

A Floresta de Sequóias

Vista do alto do
Parque da Ferradura

E a belíssima Cascata do Caracol

por Cly Reis

Debate 17ª Mostra Unisinos de Cinema - Cinemateca Capitólio - Porto Alegre/RS (19/12/2022)

 

Nada como terminar o ano de diversas atividades de crítica cinematográficas junto àqueles que estão iniciando a caminhada no meio do cinema: os alunos. 2022 foi novamente de bastante envolvimento meu para com o cinema e a crítica, o que pude exercitar em diferentes frentes. Depois de largar com o lançamento do livro da Accirs, “50 Olhares da Crítica Sobre o Cinema Gaúcho”, em março; de integrar a comissão curatorial da Mostra gaúcha do CineSesc, de março a maio; de presenciar pela primeira vez o Festival de Cinema de Gramado na histórica edição de n° 50, em agosto; de mediar um bate-papo sobre Sirmar Antunes numa live para o Museu do Festival de Cinema de Gramado, em novembro; e de estrear com artigo na igualmente histórica edição de 20 anos da revista Teorema, no último mês do ano; participei como convidado pelo professor da Unisinos, o cineasta Milton do Prado, a debater criticamente a 17ª Mostra Unisinos de Cinema, que apresenta os trabalhos de alunos feitos durante o ano.

Esta aproximação, aliás, já vinha sendo alentada desde o ano passado, quando Milton havia me convidado para uma sessão comentada sobre o clássico filme gaúcho “Um É Pouco, Dois É Bom” (1970), primeiro longa-metragem dirigido por um cineasta negro no Rio Grande do Sul, Odilon Lopez. Na ocasião, um conflito de agendas me impossibilitou de participar, mas desta vez não titubeei. Numa Cinemateca Capitólio lotada e com mediação da professora Jessica do Vale Luz, assistimos a cinco curtas, todos produzidos por alunos de Milton e do também professor e cineasta Vicente Moreno, coordenadores do curso de Realização Audiovisual da universidade.

Impossível não notar algumas inconsistências nos filmes, compreensíveis a trabalhos acadêmicos, pois geralmente os primeiros exercícios no audiovisual de seus realizadores. Os filmes, no entanto, guardam todos qualidades em narrativa e nos aspectos técnicos, como edição de som, fotografia e edição. Os roteiros, alguns menos trabalhados do que outros, foram os grandes responsáveis por balizar o maior ou menos sucesso das obras. O simpático “Confluência”, que narra os encontros e desencontros de uma juventude porto-alegrense, é um exemplo disso. O frescor das histórias de amor juvenis, tão presentes no cinema da Nouvelle Vague ou mesmo no moderno cinema gaúcho dos anos 80, funciona até o momento em que, por escolha da diretora, Valentina Ritter Hickmann, recentemente premiada em Gramado com o emocionante "Somente para Registro", doc subjetivo e pessoal, não consegue repetir a mesma coesão nesta nova realização. Muito por delegar (palavras da própria autora) a fruição da história aos atores e menos ao roteiro, base de toda obra audiovisual. Enfim, erros e acertos inerentes ao caminho. 

Interessante filme, mas que também requer maior trato de roteirização, é “Sufoco”. Dirigido pelo jovem negro Maicon F. Silva, aborda aspectos sociais importantes como preconceito, bullying, ancestralidade e identidade. Porém, as amarrações narrativas parecem um tanto soltas, fazendo com que elementos interessantes – como o colar capaz de encorajar o aflito protagonista – ressinta-se de maior coerência.

Já “Sem Cabeça”, de Beatriz Potenza, é daqueles casos em que tudo funciona de forma bastante eficiente. Contando a história de um casal de jovens em que a moça experimenta pela primeira vez maconha na casa do namorado, a diretora extrai de uma história pequena nuances bastante profundas. Olhares, diálogos bem alocados, tempo de ações e uma eficiente fotografia revelam uma questão social nem tão abordada como deveria, que é a relação heteroafetiva abusiva.

Também feliz a realização de "Fim de Festa", inclusive por tratar de outro tema tabu, mas igualmente essencial de ser exposto assim como racismo e a violência doméstica, que é a questão LGBTQIA+. Afora alguma inconsistência cênica, o curta de Luísa Zarth Carvalho traça, num engenhoso diálogo entre duas jovens que vai se de desenrolando pouco a pouco, perfis bem estruturados das personagens, a quem se descobre ter havido num passado algo velado entre ambas.

Dessa leva, no entanto, “Enquanto Irmãos”, de Leonardo Kotz, se destaca pela inteireza da realização. Filme que funciona do início ao fim, traz a história de dois pequenos amigos que se encontram na casa de um deles no dia em que o irmão do outro está nascendo. As delicadas falas, as sutilezas da relação de irmandade entre os amigos, bem como as preocupações existenciais das crianças, são conduzidas com absoluta assertividade. Tecnicamente também. Para quem formou sua cinefilia assistindo filmes protagonizados por crianças como “Quando Papai Saiu em Viagem de Negócios”, “Minha Vida de Cachorro” e “Pelle, O Conquistador”, este curta foi uma grata surpresa.

Enfim, filmes que, mesmo desiguais, mostram que a difícil arte de se fazer cinema é objeto de paixão das novas gerações. Uma ótima maneira de terminar um 2022 repleto de cinema, mas desta vez, num encontro com a raiz. Como diz o policial Malone vivido por Sean Connery a Elliot Ness (Kevin Costner) em “Os Intocáveis”: “se você não quer pegar uma maçã podre, não vá ao cesto: tire-a da árvore”.

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Panorâmica do palco com os realizadores e a professora Jessica

Começando o bate-papo

Falando aos alunos e público

Jessica fazendo minha apresentação

Dando as minhas primeiras considerações na noite de debates

texto: Daniel Rodrigues

fotos: Leocádia Costa e Vicente Moreno

15 filmes para entender o cinema brasileiro dos anos 70

Seguimos com a listagem de filmes essenciais para entender o cinema brasileiro das décadas de 60, 70 e 80. Começamos com os gloriosos e revolucionários anos 60, do qual extraímos, de um universo numeroso e profícuo, 20 joias. Agora, no entanto, como diz a gíria popular, “o buraco é mais embaixo”. Nos anos de chumbo, com o afunilamento dos direitos sociais e políticos advindos com o AI-5, de 1968, o cerco fechou para qualquer cidadão que quisesse se expressar ou simplesmente dar-se ao direto de pensar diferente do sistema vigente. Torturas, desaparecimentos e perseguições aumentaram. E claro que a classe artística, incluindo quem fazia cinema, foi uma das maiores prejudicadas nos anos 70. Toda a geração de cineastas e autores advindos com a explosão criativa dos 50/60, acuados ou exilados, mal conseguiam levantar recursos para produzir aquilo que pensavam – claro, se aquilo que pensavam não concordava com o que os militares queriam.

Resultado? Perda de espaço para o cinema norte-americano e europeu e, no próprio mercado interno, para as famigeradas “pornochanchadas”, as malditas produções baratas e mal-acabadas financiadas pelo governo não eram nem pornôs nem chanchadas e que serviam basicamente para entreter o povo com o que ele mais gosta e odeia em si: a malandragem e a sacanagem.

O minguamento do cinema de autor foi perceptível: nos anos 70, a grande cabaça do moderno cinema brasileiro, Glauber Rocha, produziu na Espanha, Itália, Cuba, Portugal e Congo, menos no Brasil. Nelson Pereira dos Santos, Cacá Diegues, Paulo César Saraceni e vários outros não conseguiam estabilizar um nível de produção digno, oscilando entre filmes ótimos a fracos. E pior: às vezes, faziam filmes até bons, mas cuja qualidade técnica comprometia tanto que restaram inviáveis de se assistir.

No entanto, era muito talento e coragem para que nada desse certo. De tudo que se produziu na década, 15 longas podem ser considerados, cada um por um motivo, obras essenciais para o, àquela época, ainda mais combalido e combativo cinema brasileiro no século XX. Tanto é verdade de que foram cineastas vitoriosos que todos os títulos elencados são obras de nomes da geração anterior. Nota-se um aperfeiçoamento da linguagem metafórica do Cinema Novo e um amadurecimento do cinema popular, bem escrito e com olhos para todos os públicos. Em contrapartida, há um adensamento da linguagem transgressora do cinema marginal e que o coloca ainda mais à margem do mercado. Então, entre mortos e feridos (literalmente), os 15 filmes essenciais para entender o que é cinema brasileiro nos anos 70:

1 - “Sem Essa Aranha”, Rogério Sganzerla (70) – O cinema underground do Sganzerla avança brutalmente neste filme altamente transgressor e simbólico, onde ele mistura metáforas do terceiro mundo, chanchada, rádio Nacional e cinema de poesia. Anárquico, louco e ainda assim engraçado por conta do maravilhoso Jorge Loredo como Zé Bonitinho, que “ancora” toda a (não)história. Memorável sequência com Luis Gonzaga tocando enquanto Helena Ignez e Loredo encenam.

2 - “Copacabana Moun Amour”, Rogério Sganzerla (70) – O cara tava tão inspirado que fez dois filmes essenciais em apenas 365 dias. Devaneio intelectual na Rio de Janeiro em época de ditadura, numa referência metafórica ao fim da civilização, à nouvelle vague (principalmente Resnais de “Hiroshima Moun Amour”) e, claro, ao cenário político brasileiro. E a trilha é algo de genial, composta especialmente por Gilberto Gil, que a mandou do exílio em Londres, e que virou um disco clássico da carreira do baiano.

3 - “São Bernardo”, Leon Hirszman (71) – Adaptação do livro do Graciliano Ramos, que transporta para a tela não só a história, mas a secura das relações e a incomunicabilidade numa grande fazenda do início do século XX, escorada na desigualdade dos latifúndios. Não há diálogo: a vida é assim e pronto. Daqueles filmes impecáveis em narrativa e concepção. E o Leon, comunista como era, não deixa de, num deslocamento temporal, dar seu recado quanto à reforma agrária.

4 - “O Doce Esporte do Sexo”, Zelito Viana (71) – Filme de episódios com ninguém menos que Chico Anysio, na época, no auge de sua criatividade como ator e escritor. Dirigido por seu irmão, Zelito, é um bom exemplo de que já se faziam comédias mesmo numa época de produções pobres como foi os anos 70, considerando que hoje se faz esse gênero às pencas no Brasil com ótimas produções mas nem de perto com a qualidade de texto de “O Doce Esporte...”.

5 - “Como Era Gostoso o Meu Francês”, Nelson Pereira dos Santos (71) – Nelson Pereira teve dificuldades nos 70 de produzir com a qualidade técnica que ele sabe, mas esse aqui saiu perfeito. Comédia bizarra sobre antropofagia cultural e canibal. Uma fantasia que põe Hans Staden em cores modernistas e que evidencia uma série de lacunas de nossas cultura e civilização. Ganhou Brasília e foi indicado ao Urso de Ouro em Berlim. Engraçado e profundo.

6 - “Vai Trabalhar, Vagabundo”, Hugo Carvana (73) – Outra ótima comédia, primeiro filme do Carvana atrás das câmeras – que se pôs na frente também, pois ele mesmo faz o hilário Secundino Meireles, personagem principal que retrata o brasileiro consciente com a situação do País mas de saco cheio com a miséria moral e política. Trama inteligente, crônica da sociedade da época. Venceu Gramado. Trilha original linda do Chico Buarque. Um barato.

7 - “O Marginal”, Carlos Manga (74). O Manga produziu pouca coisa pra cinema depois dos 60. Esse é o único de ficção dele dos anos 70, mas toda sua experiência de cenas de aventuras nas várias chanchadas que dirigiu desde os anos 40 estão aqui, adicionado a um teor psicológico superconvincente e bem conduzido. Música original de autoria de Roberto e Erasmo, um luxo. E o Tarcisão tá ótimo.

8 - “Dnª Flor e seus Dois Maridos”, Bruno Barreto (76) – Provavelmente a melhor adaptação de Jorge Amado para a tela grande e o melhor brasileiro da década. Por 34 anos foi recordista de público no cinema brasileiro, levando mais 10 milhões de espectadores às salas de exibição. Fotografia, roteiro, trilha e atuações memoráveis. Cheio de cenas inesquecíveis, como a da morte do Vadinho e os diálogos entre Wilker e Sônia Braga. Um clássico vencedor de Gramado e indicado ao Globo de Ouro de Filme Estrangeiro.

9 - “Xica da Silva”, Cacá Diegues (76) – Também sucesso de bilheteria. Cacá emendou uma sequência de ótimas produções nos anos 70, talvez o cineasta que melhor tenha produzido de todos os remanescentes do Cinema Novo. Este é um “épico à brasileira”. Zezé Mota encarnou super bem Xica, o grande papel dela no cinema. Mais uma vez, a trilha do filme do Cacá se destaca: a música original é do Jorge Ben.

10 - “A Queda”, Ruy Guerra e Nelson Xavier (76) – Ruy Guerra, outro comunista irrefreável como o Leon, co-dirige com o também ator Xavier um pequeno episódio de um operário que morre na queda de um andaime, história que usa pra gerar toda uma crítica político-social. Trilha do cineasta (que também era compositor) em parceria com ninguém menos que Milton Nascimento. Urso de Prata em Berlim e Margarida de Prata pela CNBB.

11 - “Iracema, Uma Transa Amazônica”, Jorge Bodanzky e Orlando Senna (76) – Quer filme mais “marginal” do que um com cara de documentário anárquico, rodado com câmera na mão, usando vários atores amadores nativos, Pereio cheirado e fumado até as guampa, proibido pela censura e que só foi exibido pós-Abertura, 6 anos depois de finalizado? Filme que inspirou muito Fernando Meirelles. Palavras dele.

12 - “Lúcio Flávio, o Passageiro da Agonia”, Hector Babenco (76) – Lembro que assisti esse filme pequeno e me deixou com medo, de tão tenso que é. Policial bem realista, com Reginaldo Faria estupendo no papel do assaltante de bancos em crise de identidade, mas que não tem como sair daquele círculo vicioso. Forte pra caralho. Melhor Filme na Mostra Internacional de Cinema São Paulo, além de levar vários Kikitos em Gramado (Ator, Ator Coadjuvante, Fotografia e Edição).

13 - “Chuvas de Verão”, Cacá Diegues (78) – Filme pequeno com cara de conto. Delicado e atípico em tema, pois aborda o amor na terceira idade. Interessantes as ligações com a vida social brasileira e do choque de culturas do velho e do novo. Uma joia que levou prêmios em Brasília, Rio e São Paulo.

14 - “Tudo Bem”, Arnaldo Jabor (78) – Embora não goste do Jabor, pretensioso e “intelectualóide” reacionário, esse aqui é muito legal. Durante a obra de uma antiga casa no subúrbio carioca, a sociedade brasileira (a qual se transformaria na classe média atual) aparece como uma “fauna”: caricata, preconceituosa, mal-resolvida. Fernanda Montenegro e Paulo Gracindo geniais.

15 - “Bye Bye Brasil”, Cacá Diegues (79) – Demarca o fim da segunda fase de Cacá, com referências do Cinema Novo mas mais amadurecido. Ao mesmo tempo que reflete com crueza a vida de pessoas pobres e sem perspectivas, também ressalta a beleza e a magia intuitiva de artistas mambembes. Daqueles filmes feitos na hora certa e pela pessoa certa. Um registro sociocultural e político de um Brasil florescendo e que veio a dar naquilo que somos hoje. Destaque de novo pra trilha, não só as músicas originais do Chico Buarque mas também os “bregas”, que tocam aqui e ali e funcionam tri ambientais.

por Daniel Rodrigues