Uma das características emblemáticas das personagens criadas por William Shakespeare é a profundidade existencial. Há sempre nelas uma série de sentimentos que lhes podem ser associados e, não raro, mais de um ao mesmo tempo. Inveja, rancor, ciúme, ganância, torpor, vaidade, estoicismo, insegurança, euforia, culpa. E quanto mais se leem as obras do autor inglês, mais se identificam essências do comportamento humano, como se nunca chegasse a decifrar a complexidade e a grandiosidade dessas personagens.
Não é por acaso que o maior ator brasileiro de todos os tempos tenha recebido, ainda na infância, quando começava a revelar seu talento nos palcos, uma alcunha referente a um personagem shakespeariano: Othelo. Afinal, para minimamente dimensionar o tamanho simbólico deste pequeno mineiro de extenso nome Sebastião Bernardes de Souza Prata para a arte brasileira é justo associá-lo a um personagem tão fascinante quanto controverso e cuja personalidade ainda é uma esfinge a ser decifrada mesmo 4 séculos após a estreia da peça original.
Curiosamente, o documentário “Othelo, O Grande”, de Lucas H. Rossi dos Santos, espelha a mesma contradição: um grande filme, mas insuficiente para dar a ideia da grandiosidade de seu protagonista. Mas como classificar de "grande filme" se este aparentemente falha em expressar com inteireza exatamente o objetivo analisado? A resposta está no próprio "objeto" analisado, Grande Othelo.
A opção narrativa do filme concentra todas as explicações, das quais decorrem o que é bom e o que não é tanto assim. Construído em forma de autodepoimentos, o documentário se vale de diversas e muito bem pesquisadas entrevistas, vídeos e fotos do múltiplo Grande Othelo, ator, comediante, cantor, poeta, compositor, produtor e entrevistador. Diante do que se propõe a narrar, o material, aliás, dá conta muito bem. A começar pela impactante sequência inicial em que se escuta a voz do ator falando de si mesmo numa entrevista para o Museu da Imagem e do Som enquanto, num outro registro, este, visual, ele, à vontade no sofá de casa, mira com olhar penetrante a câmera, que o foca em zoom até fechar em seu rosto sob o som de um samba enfezado. A junção de tempos de cada material e o "descompasso" entre o que se fala e o que se cala expressam muito bem uma das ideias centrais de “Othelo, O Grande”: a dificuldade de inserção de um homem negro e fora dos padrões excludentes da sociedade em uma nação jovem e preconceituosa. Mas também, metaforicamente, acaba por simbolizar uma fragilidade do filme.
Olhar forte e penetrante do maior ator do Brasil na sequência inicial do filme
Com uma edição impecável, capaz de interligar ideias distintas da cosmologia do ator e imprimir um ritmo muito interessante à narrativa, visto que convidativo à observação e à reflexão, o filme acerta ao trazer a voz na primeira pessoa, recuperando falas de Grande Othelo como as que ele rememora a infância, a primeira experiência com a Companhia Negra de Revistas, nos anos 20, a vez em que contracenou com Josephine Baker e a admiração que despertou em Orson Welles. As falas também são contundentes, como as que reclama abertamente do racismo que sofreu, da falta de oportunidades na carreira e de ver seu talento relegado. É revelador ouvi-lo dizer, em certo momento, que a Atlântida, estúdio de cinema responsável pelo sucesso das chanchadas dos anos 40/50, tinha dois símbolos: o chafariz, que estampa sua logo, e... Oscarito. Piada, só que não. Qualquer um que minimamente conheça as comédias "teatro de revista" desta fase do cinema brasileiro se refere à dupla indistintamente como a cara da Atlântida. Na hora de assinar os contratos, no entanto, não era bem assim, visto que o ator negro entre os dois era menos valorizado.
Há uma certa melancolia e até sisudez na forma como a figura de Grande Othelo aparece, contrapondo a imagem cômica que o Brasil guardou dele do cinema ou da TV. Essa quebra ideológica, proposital e perfeitamente aceitável, abre porta, contudo, para um dos aspectos em que o filme peca, que ė não ter explorado tudo que seu protagonista ofereceu em vida. As entrevistas que Grande Othelo conduziu na TV, espaço desejado por todos os artistas da época, e as esquetes humorísticas na Globo nos anos 60 (quando batizou Antônio Carlos Bernardes Gomes de Mussum) não são visitados. Igualmente, as novelas em que brilhou, como “Feijão Maravilha” e “Uma Rosa com Amor”. Também, o lado não só sambista, mas de poeta ou o envolvimento com o comunismo, visto que mantinha amizade próxima com Luís Carlos Prestes. Aspectos que não são mencionados e que ajudariam bastante a dar maior consistência ao teor "não-satírico" proposto.
Na história da dramaturgia brasileira, a percepção de Grande Othelo mais como ator e não apenas "escada" para outros começa a mudar na segunda fase do Cinema Novo, nos anos 60. Ele relembra que foi Joaquim Pedro de Andrade que o fez, já veterano, renascer no tropicalista "Macunaíma", de 1969, uma analogia com a clássica cena do parto inicial do filme – muito bem aproveitada, aliás, sob esta perspectiva simbólica no documentário. A montagem em que faz passar da cena de Macunaíma no rio para a de “Fitzcarraldo” é digna de aplauso. Porém, novamente o diretor parece ter se preocupado em não exagerar na exemplificação da magnitude de seu protagonista. "Barão Othelo e o Barato dos Milhões", a comédia non-sense escrita especialmente por Miguel Borges para o ator em 1971, é restringida a poucas cenas ilustrativas e sem maiores créditos.
Cena de "Quilombo": ausente no filme
Outro aspecto sobre Grande Othelo ausente no filme salta aos olhos de quem se acostumou a vê-lo no cinema brasileiro dos últimos 50 anos. Sua participação em obras marcantes da cinematografia nacional, por menor que fosse, sempre teve o poder de abrilhantá-las. Poder, aliás, que atores experientes e com considerável bagagem atingem a partir de determinada fase da carreira, como Jack Nicholson em “Questão de Honra” ou Marlon Bando em "Apocalipse Now". O filme não esquece de ressaltar esse fator ao resgatar muito bem a ponta de Grande Othelo em "Fitzcarraldo", a grande produção de Werner Herzog filmada na Amazônia brasileira em 1982. No entanto, haveria mais. Othelo, quando em cena, redimensiona com sua atuação filmes como "Quilombo", em que faz o sábio Baba, "Natal da Portela" (Seu Napoleão) e "Lúcio Flávio - O Passageiro da Agonia" (Dondinho). O filme, portanto, poderia ter trazido essa percepção exaltadora à figura de Grande Othelo, tão consciente na cultura norte-americana, dona da indústria cinematográfica mais pujante do mundo, e talvez muito pouco clara em terras tupiniquins.
Essa contradição, aliás, é desculpada até certo ponto em razão de refletir a própria vida de Grande Othelo, um artista subaproveitado. Fosse nos Estados Unidos, os diretores se estapeariam para colocá-lo em seus projetos. A se ver por Brando, cuja idolatria em seu país se assemelha a de Othelo no Brasil, não faltaram produções em que tenha protagonizado até que, por motivos próprios, se distanciasse das telas. Grande Othelo, pelo contrário, nunca o volume de convites acompanhou o reconhecimento popular. Até nisso o doc de Santos acerta indiretamente: não explora a totalidade da obra de um homem que não a teve em vida explorada em sua totalidade.
Mesmo com tudo isso, “Othelo, O Grande” é, sem dúvida, dos melhores documentários produzidos no país neste século. Excelentes edição, roteiro e condução. Entretanto, tal como o general mouro de Veneza, o Othelo do Brasil teria muito mais othelos para serem revelados, principalmente em um filme cujo título propõe, justamente, a dar a ideia do quão magnânimo é o seu homenageado. A sensação é que, mal comparando, ocorre com "Othelo, O Grande" o mesmo que "O Palhaço" (Selton Mello): um ótimo filme que, por detalhe, perdeu a chance de ser uma obra-prima. Num documentário biográfico, não que seja obrigatório incluir tudo sobre o pesquisado, mas a impressão que fica é de que havia mais a ser dito e para conseguir amarrar tudo a seu jeito, preferiu-se omitir algumas coisas.
O êxito da obra, embora essas lacunas, deve-se, claro, à competência de quem o dirigiu, capaz de lhe dar coesão e coerência discursiva ao que se propôs, mas também ao próprio personagem. Mesmo inexplorado, Grande Othelo garante ao espectador, principalmente, o brasileiro, o orgulho de também pertencer à mesma terra. Como falou o cineasta, professor e filósofo Dodô Oliveira: “Grande Othelo vive em mim”. Uma grandeza maior até do que aquilo que se silencia.
É farta a filmografia sobre o samba e seus autores. O gênero musical, assim como o Carnaval brasileiro, ao qual está associado, é tema e/ou perpassa histórias ficcionais das mais diversas no cinema desde que o samba é samba. Porém, é interessante perceber (e até talvez sintomático) que haja poucos documentários sobre a tradicional festa do Momo. É fato que os filmes, inclusive os de ficção, enquanto resultado da produção artística de suas épocas, assim como quaisquer outras artes, são reflexo da sociedade e da cultura da qual se originam. Neste contexto, entretanto, o documentário pode ser visto como ainda mais incisivo e fiel à sociedade que representa, visto que a concepção documental tem exatamente este propósito de registro histórico. Independentemente se o objeto retratado é do passado ou algo que esteja acontecendo no “presente”, o documentário será sempre um anal de seu tempo.
Por esta ótica é estranho não se encontrar tantos documentários sobre Carnaval no Brasil, o país ao qual o mundo atribui a verdadeira realização de tal festa. Mesmo com o crescimento exponencial da produção documental no País nos últimos 30 anos, o volume de filmes deste gênero não parece ter seguindo a tendência, restando não muitos que versam especificamente sobre o tema. O que explicaria isso? Há motivos socioculturais que interfiram nesta desatenção? Teria a ver com a dificuldade brasileira de assumir sua identidade? Seria a confirmação da pecha do “país sem memória”? Que não se enxerga? Que tem vergonha de sua face? Que não se questiona?
Perguntas que ficam no ar, mas que os docs aqui listados talvez respondam em parte. Há desde realizações dos anos 60, num Brasil ainda subdesenvolvido, a filmes dos anos 90 e século XXI de abordagens distintas, da grandeza do Carnaval carioca, à religiosidade e o paganismo da festividade e à analogia com outras realidades. Para este Carnaval, então, entre uma pulada no bloco de sua cidade e uma parada em casa pra tomar um refresco, quem sabe ver-se retratado na tela?
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“As Pastoras - Vozes Femininas do Samba”, de Juliana Chagas
(2018)
Um tocante e revelador retrato do envolvimento das mulheres
com o samba, a comunidade e o carnaval. No caso, da Escola Portela, em que as figuras
femininas que dão título ao filme são personagens centrais. As vozes das pastoras,
como as mulheres cantoras são chamadas na escola, dão
leveza ao samba. Nos primórdios, eram elas que, ao cantar em coro as
composições que mais gostavam, determinavam qual seria o samba vencedor na
quadra. Hoje, as pastoras fazem parte da Velha Guarda e continuam a emprestar
suas vozes aos sambas mais tradicionais de suas escolas. Além de colher
depoimentos vivos e destacar a condição feminina, fato raro dentro do samba e da
cultura popular, o documentário traz momentos sublimes, como o
acompanhamento dos momentos de tensão da apuração dos resultados dos desfiles
na casa de Dona Nenê, viúva do bamba Manacéa, ao lado de sua filha Áurea Maria,
uma das pastoras pertencentes à Velha Guarda.
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“Ensaio Geral”, de Arthur Fontes (2000)
Indicado ao Emmy Internacional de melhor documentário, este
doc produzido para a TV mostra com riqueza de detalhes os bastidores e a linha
de frente de todo o processo de construção do carnaval da Mocidade Independente
de Padre Miguel para o ano 2000, desde o sorteio da ordem dos desfiles até o
seu ápice, o desfile propriamente dito. Num enfoque distanciado, sublinha
a influência dos bicheiros na escola, expõe a disputa pela escolha do
samba-enredo (na qual são feitas, inclusive, ameaças de morte) e esmiuça a
tensão entre conceitos estéticos do carnavalesco Roberto Lage e a vontade de
presidentes de ala de colocar mulheres semidespidas na passarela. "Ensaio Geral" é um painel de matizes
contraditórios, expondo um Carnaval que surge como produto bonito, mas de um
trabalho estafante, fragmentado e mal pago. Um trabalho cujo fundamento é a
alegria da identidade comunitária, mas na qual a alienação está sempre
presente.
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“Escola de Samba", Alegria de Viver", de Cacá Diegues (1962) - Episódio do filme "5 Vezes Favela"
Embora “ficcional”, este episódio do longa “5 Vezes Favela”, um dos marcos do Cinema Novo brasileiro dos anos 60, tem todas as características de documentário, colocando-se na fronteira entre um gênero e outro tal como este movimento cinematográfico propôs. A história retrata o jovem sambista vivido por Oduvaldo Viana Filho, que assume a direção da escola de samba de sua comunidade poucos meses antes do Carnaval, enfrentando problemas de dívidas, rixa com uma escola rival e discussões com a esposa, a cobiçada mulata Dalva. Primeiro filme do mestre Cacá Diegues, que se tornaria expoente do cinema brasileiro, embora encenado, tem como conceito a aproximação do Brasil de suas realidades até então obscurecidas como a pobreza e a vida das periferias. A história, muito crível dentro do contexto social daquelas pessoas, se passa na agremiação Unidos do Cabuçu, de Engenho Novo, o “Rio, Zona Norte” que Nelson Pereira dos Santos começava a desvendar para o cinema brasileiro anos antes. Realizado dois anos antes do golpe militar, “5 Vezes Favela” já denotava as forças “subversivas” que a Ditadura combateria com unhas e dentes. No caso de “Escola de Samba”, além de montagem de Ruy Guerra e produção executiva de Eduardo Coutinho, dois cineasta diretamente ligados ao comunismo, foi viabilizado pelo CPC - Centro Popular de Cultura, da tão perseguida UNE.
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“Fevereiros”, de Marcio Debellian (2017)
Não é o primeiro documentário que tem Maria Bethânia como protagonista, a se ver por “Maria Bethânia - Pedrinha de Aruanda”, “Bethânia Bem de Perto”, "Maria - Ninguém Sabe Quem Sou Eu", “Os Doces Bárbaros” e outros. Mas o seu universo é tão rico e mágico que um filme como “Fevereiros” traz qualidades muito próprias não antes exploradas. O diretor faz um feliz paralelo entre o registro da vitória da escola de samba carioca Estação Primeira de Mangueira, em 2016, que teve um enredo homenageando a cantora baiana, com os seus momentos na cidade-natal, Santo Amaro, no Recôncavo, durante as festas da Nossa Senhora da Purificação, ambas ocorridas no mês de fevereiro. As correlações dos aspectos religiosos, ancestrais e sociais entre uma festividade e outra, entre um ritual e outro, são de grande riqueza. Fora, claro, a linda trilha sonora que vai naturalmente pontuando o filme, seja na voz da Abelha-Rainha, seja na de artistas correlatos a ela, como o irmão Caetano Veloso, Chico Buarque, D. Edith do Prato, os sambistas da Mangueira, entre outros. Mais um doc de Bethânia, mas Bethânia nunca é demais.
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“Nossa Escola de Samba”, de Manuel Horacio Giménez (1968) - episódio do filme "Brasil Verdade"
Mais antigo registro formalmente documental sobre o Carnaval, esta preciosidade tem como a figura central de Antônio Fernandes da Silveira, conhecido por Seu China, morador do bairro carioca que abriga a Escola de Samba Unidos de Vila Isabel, a qual ele mesmo foi um dos fundadores, em 1945. Com influências do cinéma vérité francês de Edgar Morin e Jean Rouch, em voga nos meios intelectuais à época, este documentário social traz um olhar sociológico-antropológico a um tema até então pouco explorado, com off narrado na própria voz de Seu China, evidenciando as dificuldades sociais da população pobre e o quanto o Carnaval representa um sopro de alegria para o povo. Além disso, intercala episódios cotidianos “encenados”, que se misturam a captações de lances espontâneos da “câmera-olho” de Giménez. Tudo sob um P&B rigoroso, magistralmente bem fotografado por Thomas Farkas e Alberto Salvá. Este curta, integrante do longa "Brasil Verdade", foi filmado no ano do golpe militar e um antes da chegada de um personagem essencial para o desenvolvimento da Escola vindo, ironicamente, de dentro do quartel: um jovem de 27 anos chamado Martinho da Vila, ainda um sargento burocrata do Exército.
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“Estou me Guardando pra Quando o Carnaval Chegar”, de Marcelo Gomes (2019)
Parafraseando o samba moroso de Chico Buarque, o filme de Gomes traz uma abordagem bem diferente do comum quando se pensa em Carnaval, até por não ser um filme sobre a festa, mas sobre a fuga dela. Nada de Marquês de Sapucaí, circuito Barra-Ondina ou blocos de rua pelas capitais brasileiras. Na cidade de Toritama, interior de Pernambuco, considerada capital nacional do jeans, mais de 20 milhões do tecido são produzidos anualmente em fábricas caseiras. Orgulhosos de serem os próprios chefes, os proprietários destas fábricas trabalham sem parar em todas as épocas do ano, exceto o Carnaval: quando chega a semana de folga eles vendem tudo que acumularam e descansam em praias paradisíacas. Exibido na mostra competitiva do 24º festival É Tudo Verdade, o filme recebeu menção honrosa do júri oficial e da Associação Brasileira de Documentaristas e Curta-Metragistas, além de ser escolhido como melhor filme pelo júri da Associação Brasileira de Críticos de Cinema.
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“Imperatriz do Carnaval”, de Medeiros Schultz (2001)
Assim como “Ensaio Geral”, trata-se de outro longa-metragem sobre a preparação de uma escola de samba para o Carnaval do marcante ano de 2000. Porém, esta, ao invés de abordar a Mocidade, traz os preparativos da Escola de Samba Imperatriz Leopoldinense para os desfiles na Sapucaí. O diretor acompanhou todo o processo de preparação da escola: a composição e a escolha da música, a criação dos figurinos e alegorias, o trabalho no barracão, a produção das fantasias, os ensaios, a vida dos carnavalescos em casa e na escola e, por fim, o vitorioso desfile de bicampeã. No total, foram gravadas 50 horas de material, incluindo uma gravação inédita da bateria da escola em sistema surround. Segundo o jornalista e pesquisador Sérgio Cabral, narrador do documentário e autor do livro “As Escolas de Samba do Rio de Janeiro”, Imperatriz do Carnaval é “a melhor, mais profunda e mais completa radiografia audiovisual de uma escola de samba já realizada no Brasil”.
“Compadre Monarco, se não confeitarem tua voz com clarinadas, violinadas e gastas dissonâncias violonísticas, o pessoal vai sentir o que é samba.”
Juarez Barroso, escritor, poeta e produtor musical
“Monarco foi mais do que um grande sambista: trata-se de um grande brasileiro.”
Sérgio Cabral, crítico e escritor
Posso dizer que estive muito próximo de Monarco desde
bastante tempo. Certamente não tanto quanto os amigos, parceiros, moradores da
comunidade de Madureira ou Oswaldo Cruz, dos portelenses que tinham o
privilégio de conviver com ele. Mas meu contato com o mestre, que nos deixou no
último dezembro, certamente foi muito maior do que para com muitos artistas que
admiro mas que, como acontece na maioria dos casos, uma admiração somente à
distância. Por isso, arrisco em afirmar que estive, pelo menos três vezes, quando não a metros, por um fio de distância de Monarco. Tão próximo que seria possível ouvir-lhe, como um bumbo de samba, a batida do coração.
Primeira vez que o vi presencialmente foi em 2014 quando este,
juntamente com a Velha Guarda da Portela, presenteou Porto Alegre em uma
apresentação ao vivo – e de graça – em pleno parque da Redenção para a
celebração dos 80 da UFRGS. Já havia ficado um tanto frustrado em 2010 quando, com minha mãe, fui á quadra do bloco Cordão da Bola Preta, no Rio de Janeiro, para uma feijoada em que tocaria a Velha Guarda da Portela, mas ele foi um dos ausentes. Na Redenção, no entanto, a alegria foi completa. Que momento histórico aquele! Lembro que foi uma
sexta-feira, em que Leocádia e eu saímos de nossos compromissos e rumamos
direto para o local do show, próximo ao espelho d’água. Com seu barítono em
dia, mesmo com os mesmos 80 anos da universidade que o convidara, o baluarte,
acompanhado das pastoras e de uma competente banda, fez sua escola do coração tomar
conta do parque com sambas clássicos de sua autoria e de outros bambas como ele
tanto da Portela quanto de outras agremiações.
Aliás, abrindo um parêntese aqui: igual a ele, talvez não
tenha existido. Hildemar Diniz cruzou praticamente todos os momentos
importantes nos últimos 70 anos do samba carioca e da Portela, agremiação da qual
tinha apenas 10 anos menos. Monarco conviveu e cambiou com os principais nomes
da sua comunidade e do samba carioca: Paulo da Portela, Silas de Oliveira, Candeia,
Natal, Cartola, Manacéia, Nelson Sargento, Martinho da Vila, Beth Carvalho, Paulinho da Viola,
Tia Vicentina, Dona Ivone Lara, Casquinha, Áurea Maria, Surica entre tantos outros. Uma simbiose
que muitos não tiveram talento, nem perseverança e nem tempo de vida para
tanto. Presidente de Hora da escola, Monarco tinha mais do que somente um
título honorário mas sem propósito prático. Era quase como um cacique, um pai
de santo, um líder religioso, uma majestade cujo respeito foi conquistado durante a vida e a quem todos recorriam
para pedir-lhe a benção. A autoridade de um monarca do samba.
Mas voltando às minhas vezes com Monarco, a segunda em que o
vi bem de perto foi dois anos depois do show em Porto Alegre numa apresentação
no CCBB do Rio de Janeiro celebrando os 100 anos do samba, quando, além de
Leocádia, ainda tive o prazer da companhia de minha mãe, que, sempre antenada
na programação cultural carioca, nos levou àquele deleitoso momento que contava
também com a participação de Nei Lopes. O velho mas lúcido Monarco, então com apenas 18 anos menos que o próprio samba, não só
cantou como contou histórias, o que fazia com maestria tanto quanto seus
sambas, verdadeiras crônicas cotidianas.
Da discografia de Monarco, no entanto, “Terreiro”, seu segundo dos sete
solo, de 1980, é talvez o mais especial. Com os companheiros de Velha Guarda, mas
também outros craques como Mestre Marçal, Valdir 7 Cordas e o filho e parceiro
Mauro Diniz, o disco desfila em azul e branco sambas de todas as épocas invariavelmente
com a maestria de sua interpretação. Nas composições, as elegantes melodias de nuanças eruditas se
juntam às letras que namoram com a melhor poesia parnasiana de um “sambista-historiador”,
como definiu Sérgio Cabral. Dos temas do próprio Monarco tem “Homenagem À Velha
Guarda” (“Vi os sambistas de fato/ Manacéia e Lonato e outros mais/ Juro que
fiquei boquiaberto/ Nunca me senti tão perto/ Da Portela dos tempos atrás”), “Você
Pensa Que Eu Me Apaixonei” (com Alcides), “Proposta Amorosa” e a clássica “Passado
de Glória” (“A Mangueira de Cartola, velhos tempos do apogeu/ O Estácio de
Ismael, dizendo que o samba era seu/ Em Oswaldo Cruz, bem perto de Madureira/ Todos
só falavam Paulo Benjamin de Oliveira”), daquelas que não podem faltar em qualquer
apresentação da Velha Guarda.
No disco tem também espaço para outras escolas que não só a
Portela: “Silenciar a Mangueira”, numa interpretação inédita do amigo Cartola que
morreria naquele mesmo ano, e “Estácio de Sá Glória do Samba”, em que Monarco,
como era de sua natureza, deixa o clubismo de lado e homenageia uma das
comunidades fundadoras do carnaval carioca. Prevalecem, no entanto, as
composições de portelenses como ele. A linda “Chuva” (Hortêncio Rocha), a lírica
“Conselho de Vadio” (Alvarenga) e a ufanista “Feliz Eu Vivo no Morro”
(Josias/Pernambuco/Chatim). Tão bom quanto, o pot-pourri “Temporal” (Tia Doca), “Mulher
Vai Procurar Teu Dono” (Rufino), “Caco Velho” (Caetano), e “Serei Teu Ioiô”
(Paulo da Portela/Monarco) é uma mostra mais do que perfeita da grandiosidade
poética e melódica da turma de Madureira.
Fora isso, as audições, tantas e tantas. “Tudo Azul”, da Velha Guarda da Portela, de 1999, furei de tanto ouvir. E quantos sambas, quantas joias da nossa cultura! “Lenço”, “O Quitandeiro”, “Coração em Desalinho”, "Obrigado pelas Flores", “Portela Desde Que Eu Nasci”, “Ingratidão”, “Agora é Tarde”, “De Paulo a Paulinho”, “Pobre Passarinho”... Ah, tanta beleza, que se for falar mais de Monarco, hoje eu não vou terminar.
Ah, mas faltou falar da terceira ocasião em que me vi junto a
Monarco. Pois bem: embora mais longe fisicamente, foi a vez em que, curiosamente, tive-lhe
mais perto. No início de 2019, minha irmã Kaká Reis, produtora cultural,
trabalhava com o velho bamba e, por ideia de meu outro irmão e coeditor do blog, Cly Reis, arranjou-me
para meu programa Música da Cabeça, na Rádio Elétrica, uma entrevista com Monarco,
com quem ela estaria em São Paulo para um show. Kaká não apenas viabilizou a
conversa e a gravação como mediou a entrevista a partir das questões que
cuidadosamente elaborei. No camarim, horas antes de subir ao palco, Monarco,
com toda sua simpatia e sabedoria, prestou-lhe(me) uma entrevista deliciosa,
que marcou a centésima edição do meu programa. A se considerar que irmãos são
nós mesmos em outro corpo, posso dizer que estive, sim, com Monarco. Bem próximo,
a seu lado, falando com ele. A centímetros do coração. E ele – como sempre fez
através de sua obra grandiosa – falando comigo.
**************
Monarco
(1933-2021)
************** FAIXAS:
1. "Homenagem À Velha Guarda" (Monarco)
2.a. "Temporal" (Tia Doca)
2.b. "Mulher, Vai Procurar Teu Dono" (Rufino)
2.c. "Caco Velho" (Antonio Caitano)
2.d. "Serei Teu Ioiô" (Paulo da Portela/Monarco)
3. "Sofres Por Querer Liberdade" (Mijinha/Monarco)
4. "Estácio De Sá, Glória Do Samba (Monarco)
5. "Conselho De Vadio" (Alvarenga)
6. "Feliz Eu Vivo No Morro" (Chatim/Josias/Pernambuco)
7. "Silenciar A Mangueira" (Cartola) - Participação: Argemiro
8. "Você Pensa Que Eu Me Apaixonei" (Alcides Lopes/Monarco)
Rio Grande do Norte do Sul, ou do Sul do Norte, tanto faz. Essa foi a ponte que se ergueu através do generoso convite que a Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Norte (ACCiRN) fez à Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul (ACCIRS), a qual sou membro, para, como entidade irmã, integrar conjuntamente o júri da crítica das nove mostras do 4º Curta Caicó, festival de curtas-metragens realizado na cidade de Caicó, na região do Seridó Norte-rio-grandense. Juntamente com outros quatro integrantes gaúchos (Carlos André Moreira, Conrado Oliveira, Roberto Cotta e Rubens Anzolin), topei. Mesmo tendo recentemente participado da maratona de filmes para o júri da crítica do Festival de Cinema de Gramado, valia a pena achar um espacinho na agenda do dia e participar.
Em dupla com o simpático e competente Jonathan DeAssis, da ACCiRN, crítico de cinema de Natal que escreve o interessante Forma Fílmica no Instagram, coube a mim a análise da Sessão Especial, composto por filmes que dialogam com o fazer audiovisual e com a metalinguagem. Dos 10 títulos que avaliamos, todos bem pertinentes à proposta, dois nos saltaram mais à vista e nos motivaram a uma saudável troca de percepções: “Lua” e “Cabeça de Luz”, este segundo, o qual escolhemos como vencedor da mostra.
Imagens do universo plástico e onírico da artista Lua
“Lua”, de Fábio Salvador (SP), embora não tenha me encantado numa primeira assistida, em razão de observações de Jonathan fez-me rever com outros olhos e apreciar suas qualidades. Trata-se de um documentário sensível e humano de uma jovem fotógrafa cujo nome astral dá título ao filme. Isso, através de uma montagem eficiente e uma fotografia bem condizente com o universo hiper-realista da paulistana Lua Morales. Em especial, a relação com a obra de Vincent Van Gogh e a perturbação mental que lhe era característica é bem interessante para a narrativa, visto que abre o curta com isso, quando ela está em uma plantação de girassóis fotografando um rapaz muito parecido com o pintor holandês. A ansiedade de Lua para captar a luz certa e tudo o que isso simboliza em termos psicológicos de certa forma conduz o filme através das inquietações artísticas e filosóficas dela.
Porém, o que nos pareceu melhor traduzir as intenções de um cinema autorreferenciado ao propor uma discussão instigante entre audiovisual e a forma como o espectador o recebe e o assimila foi, de fato, “Cabeça de Luz”. O filme potiguar de Carito Cavalcanti consegue, em pouco tempo de duração (8 min apenas) o feito que nem longas e nem curtas têm conseguido desde que a pandemia se instaurou, que é saber aproveitar a seu favor o cenário de confinamento de milhões de pessoas e a estética do “novo normal”. Privadas do mundo exterior e do convívio social, a arte – em especial o cinema – é uma das formas de transcender esse limite que se impõe aos corpos físicos. “Cabeça...” arranja um mosaico sensitivo em que vários depoimentos gravados e enviados via celular num ensaio que articula imagens de arquivo e de outras obras, trazendo-as para si e propondo-lhes novos significados, produzindo um fluxo de pensamento onírico cujo poder da imagem, dos sons e das palavras convidam o espectador ao sentir.
O impactante e poético "Cabeça de Luz": proveito da pandemia como linguagem
Ao contrário de todos os outros filmes ou produções televisivas que assisti feitos do ano passado para cá, quando o distanciamento social se impôs e impactou diretamente os processos de gravação, o filme de Cavalcanti não se vale disso como muleta, mas, sim, como proposta narrativa, assimilando os elementos visuais e psicológicos advindos deste período. Se noutras produções havia a tentativa de compensar esse gap realizando filmes com poucos atores e em espaços confinados (não raro, a casa do próprio realizador/protagonista) ou valendo-se dos recursos multitelas da vida cada vez mais virtual em que o mundo se viu obrigado a imergir – deixando, assim, evidentes as deficiências inerentes do momento a uma produção audiovisual minimamente ambiciosa – “Cabeça...” prova o quanto a sétima arte está, na verdade, na mente e nos corações das pessoas.
O festival ocorreu entre os dias 6 e 12 de setembro, então, não tem como se assistirem mais os filmes no momento. Mas quem quiser saber como foi a cerimônia de premiações desta categoria e das outras, dá pra acessar aqui.
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Mostra Nacional
Filme: Inabitável, de Matheus Farias e Enock Carvalho (PE)
Direção: Matheus Farias e Enock Carvalho, por inabitável (PE)
Roteiro: Matheus Farias e Enock Carvalho, por Inabitável (PE)
Fotografia: Gustavo Pessoa, por Inabitável (PE)
Som: Guilherme Cássio, por Tom (RS)
Interpretação masculina: César Ferrario, por Joana (PB)
Interpretação feminina: Luciana Souza, por Inabitável (PE)
Menção honrosa: Elemento Suspeito, de Gustavo Paixão (SP)
Menção Honrosa: Reexisto, de Lethicia Galo e Rodrigo Campos (SP)
Mostra Seridó:
Filme: Fole, de Lourival Andrade (RN)
Direção: Lourival Andrade, por Fole (RN)
Roteiro: Jailson Valentim dos Santos, por Corpos (In)visíveis – Entre o Lixão e o Frei Damião (RN)
Fotografia: Fernando Leão e Zezinho Vídeo, por Fole (RN); e Damião Paz, Henrique José e Meysa Medeiros, por O Photógrafo Zézelino (RN)
Som: Fernando Leão e Pedro Andrade, por Fole (RN)
Interpretação masculina: Mané do Fole, por Fole (RN); e Damião Paz, por O Photógrafo Zézelino. (RN)
Interpretação feminina: Maria das Graças (Gracinha), por Propósito (RN)
Menção Honrosa: Cores da Resistência, de Hylka Rachel (RN)
Mostra Potiguar
Filme: Vai Melhorar, de Pedro Fiúza (RN)
Direção: Pedro Fiúza, por Vai Melhorar (RN)
Roteiro: Pedro Fiúza, por Vai Melhorar (RN)
Fotografia: Pedro Medeiros, por A Terra me disse (RN)
Som: Herisson Pedro, por Nocaute (RN)
Interpretação masculina: Enio Cavalcante por Mais um João e pelo conjunto da obra (RN)
Interpretação feminina: Cássia Damasceno, por Vai Melhorar (RN)
Mostra Nordeste
Filme: Remoinho, de Tiago A. Neves (PB)
Direção: Élcio Verçosa Filho, por Vaudeville (AL)
Roteiro: Tiago A. Neves, por Remoinho (PB)
Fotografia: Diego Garcia, por Vaudeville (AL)
Som: Richard Soares, por Memórias Submersas (PE)
Interpretação masculina: Alexandre Guimarães, por Vaudeville (AL)
Interpretação feminina: Cely Farias, por Remoinho (PB)
Menção Honrosa: A Beleza de Rose, de Natal Portela (CE)
Menção Honrosa: Nossas Mãos São Sagradas, de Júlia Morim (PE)
Júri da Crítica: ACCIRN e ACCIRS
Mostra Nacional: Fragmentos ao Vento: 1945, de Ulisses da Mota (RS)
Mostra Nordeste: Vaudeville, de Elcio Verçosa Filho (AL)
Mostra Potiguar: Hashtag, de Kell Allen (RN)
Mostra Seridó: Propósito, de Adriano Dantas (RN)
Mostra Cine Alvorada: Sobre nossas cabeças, de Suzan Kalik e Thiago Gomes (BA)
Mostra Cine Pax: Rio das Almas e Negras Memórias, de Taize Inácia e Thaynara Rezende (GO)
Mostra Cine São Francisco: Atordoado, eu permaneço atento, de Henrique Amud e Lucas Rossi (RJ)
Mostra Cine Rio Branco: Mãtãnãg, A Encantada, de Shawara Maxakali e Charles Bicalho (MG)
Mostra Sessão Especial: Cabeça de Luz, de Carito Cavalcanti e Fernando Suassuna (RN)
Júri Popular
Mostra Nacional: De mim para você, de Rodrigo Peres (DF)
Mostra Nordeste: Distopia, de Lilih Curi (BA)
Mostra Potiguar: Hashtag, de Kell Allen (RN)
Mostra Seridó: Propósito, de Adriano Dantas (RN)
Mostra Cine Alvorada: 4 Bilhões de Infinitos, de Marco Antonio Pereira (MG)
Mostra Cine Pax: Rio das Almas e Negras Memórias, de Taize Inácia e Thaynara Rezende (GO)
Mostra Cine São Francisco: Elos Positivos, de Eduardo Oliveira (SP)
Mostra Cine Rio Branco: Como um peixe fora d´água, de Arthur Lombriga (BA)
Mostra Sessão Especial: Cine Aurélio, de Kennel Rogis (PE)
Prêmios Especiais
Prêmio de Aquisição Elo Company: Inabitável, de Matheus Farias e Enock Carvalho (PE)
Prêmio Cardume: Ser Feliz no vão, de Lucas Hossi (RJ); e O Homem das Gavetas, de Duda Rodrigues (SP)
Prêmio Místika de Pós-Produção: Vai Melhorar, de Pedro Fiúza (RN)
Prêmio CTAV de Mixagem de som: Vai Melhorar, de Pedro Fiúza (RN)
Prêmio Referência de Contribuição Artística: Zezita Matos e Biró Modesto.
É curioso constatar que é mais comum fazermos aqui retrospectivas de festivais de cinema de fora, como Oscar e Cannes, do que de algum de dentro do Brasil, caso o Festival de Cinema de Gramado, que ocorre aqui no nosso pátio sulista. Embora um adorador do festival há muito tempo – como não poderia deixar de ser a qualquer cinéfilo do Brasil, que guarda um sentimento especial pelo maior e mais tradicional evento de cinema brasileiro –, nunca, porém, estive durante sua realização. Mesmo com os anos de crítica, Gramado sempre esteve, mesmo que perto geograficamente, muito longe em termos práticos, visto que a vida cotidiana com suas obrigações e afazeres sempre me impossibilitou de subir a Serra para passar uma semana imerso somente em filmes.
Acontece que, com a pandemia, não apenas eu como milhares de outros espectadores pude ter essa maior proximidade que a exigência de exclusividade do festival sempre afastou. Desde o ano passado, os filmes concorrentes passaram a ser exibidos não no icônico Palácio dos Festivais para poucos afortunados e com pessoas se acotovelando para conseguir uma poltrona, mas, sim, dada a necessidade de distanciamento social, através de sessões pelo Canal Brasil. No conforto da poltrona de casa. Aí, foi um abraço. Se em 2020 já havia conseguido assistir a alguns títulos como espectador, este ano, convidado pela organização do festival, tive a honra de compor, como membro da ACCIRS - Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul o Júri da Crítica, na qual tive como colegas Ela Bittencourt, Pedro Butcher, André Bozetti e Joyce Pais. A missão: escolher os melhores filmes nas categorias de Curta-Metragem Brasileiro, Longa-Metragem Brasileiro e Longa-Metragem Estrangeiro, 24 títulos no total.
A maratona, embora um pouco cansativa, foi extremamente prazerosa, bem como o processo de seleção junto aos colegas de júri, com quem pude aprender mais sobre o papel do crítico, principalmente para situações como a de um corpo julgador a qual nos cabia. Com temas e abordagens variadas, tanto a seleção de curtas quanto a de longas trouxeram obras bem interessantes, algumas empolgantes. Particularmente, destaco dois títulos de duas das categorias que pude ter maior aprofundamento – Curta-metragem Brasileiro e Longa-Metragem Brasileiro – sem deixar, contudo, de abordar outros filmes juntamente:
"Entre Nós e o Mundo", de Fábio Rodrigo (2019) Curta-metragem que já havia assistido, primeiramente na mostra competitiva do 1º Festival Cinema Negro em Ação, do qual participei também como jurado justamente para esta categoria, e, posteriormente, quando fui mediador de debates do 14º Cine Esquema Novo, em abril deste ano, ocasião em que tive a oportunidade de conversar diretamente com o cineasta e discutir mais sobre este pequeno documentário gigante em profundidade e sensibilidade. O filme relata a história de Erika, prima de Rodrigo e moradora da comunidade de Vila Ede, na periferia São Paulo. Ela sofre por ter perdido seu filho mais novo durante uma abordagem policial, ao mesmo tempo que teme pela vida de seu outro filho e da nova que está trazendo ao mundo, a pequena e resistente Alicia.
Impressiona em “Entre...”, escolhido por nós da crítica e também ganhador como Melhor Filme pelo Júri, é a abordagem não óbvia para um problema crônico da sociedade brasileira, que é a violência urbana e o racismo. Denunciativo sem ser escancarado, consciente sem ser agressivo, o curta deixa ao espectador, em sua montagem peculiar (aliás, vencedora nesta categoria em Gramado também) – que formula um “work in progress” cuja bússola é o processo emocional do diretor, também personagem da história – o sentimento raro em um momento de revolta da beleza e da continuidade da vida. Competente, bem à frente de seus concorrentes, “Entre...” ainda rendeu a Rodrigo Melhor Direção e Montagem.
"Animais na Pista", um dos destaques entre os curtas
Não posso deixar de mencionar, no entanto, outro filme que me surpreendeu bastante entre os curtas, que foi “A Fome de Lázaro”. Também documental, o filme do paraibano Diego Benevides traz um olhar antropológico e despido de crítica de um ritual de promessa à São Lázaro em uma pequena comunidade do interior da Paraíba, lembrando em certa medida filmes de “cinema direto” do cineasta e antropólogo francês Jean Rouch. Fotografia e enquadramentos precisos em um roteiro em que não se escuta um diálogo sequer, mas que o espectador o entende em sua completude. Embora não consensual entre nós jurados da crítica, posso dizer que minha percepção não estava de um todo equivocada, visto que o filme recebeu o prêmio de Melhor Filme de Curta-Metragem, premiação máxima para esta categoria no festival, além de também merecidamente o de Direção de Arte.
Menciono também outra produção paraibana: “Animais na Pista”, de Otto Cabral (vencedor de Melhor Trilha Musical e Melhor Fotografia), um ousado e difícil exercício de plano-sequência para um drama que faz uma crítica dura à sociedade e a raça humana; o paulista “Fotos Privadas”, de Marcelo Grabowsky (Melhor Ator para Lucas Galvino e Melhor Roteiro), de personagens e situações muito bem construídas; e o ousado doc-denúncia “O Que Há em Ti”, do igualmente paulista Carlos Adriano, que quebra os limites entre Brasil e Haiti – se é que ele “não é aqui”.
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“O Novelo”, de Cláudia Pinheiro (2020)
Talvez o que mais tenha me impactado de todo o Festival, este longa é uma preciosidade. Drama humano e com carga emocional bastante bem conduzida no roteiro, traz, mesmo que numa narrativa mais regular, paralelos entre passado e presente sempre adequados à trama. Os diálogos são tão bem escritos, que parecem se dar em situações reais cotidianas. Contudo, principalmente, o forte do filme está, como poucas vezes se vê com tamanha qualidade no cinema nacional, na direção de atores.
Cinco irmãos acabam sendo criados pelo irmão mais velho, após o desaparecimento do pai e, posteriormente, a morte da mãe. Um dia, já adultos, eles recebem a notícia de que um homem em coma em uma UTI pode ser seu pai. Na sala de espera do hospital os irmãos mergulham em seus conflitos e memórias através do tricô aprendido na infância. Além de retratar uma família de negros de classe média, contrariando a pecha brancocêntrica de “senzala” em relação ao lugar do negro no audiovisual brasileiro, o longa de Cláudia questiona também outros tabus, como os papeis sociais de homens e mulheres, a identidade e a essência das relações familiares, representadas todas na ideia de continuidade e de origem do novelo de lã.
As atuações, portanto, não se restringem a uma ou outra de destaque – principalmente se comparado com outros filmes da mostra competitiva, os bons “Homem Onça”, conduzido pelo personagem principal vivido por Chico Diaz, ou “A Suspeita”, protagonizado por Glória Pires, vencedora, inclusive do prêmio de Melhor Atriz – mas a pelo menos 16 atores, a excelente Isabél Zuaa o os irmãos, apresentados na história em três momentos temporais ao longo de três décadas. O feito de “O Novelo” neste sentido é, justamente, o de equalizar tantas atuações intensas que, por sua vez, entregaram o que lhes foi exigido.
trailer de "O Novelo"
Ajuda para este resultado cênico a construção muito sensível e precisa de cada personagem, principalmente os cinco irmãos, cada um com suas características pessoais/emocionais complementares entre si. Filme que vem para se somar a grandes produções brasileiras dos últimos anos, como “Três Verões”, “Pacarrete” e “Aos Olhos de Ernesto”, mas que não obteve o prêmio máximo do Festival de Gramado, dado ao pernambucano “Carro Rei”. Entretanto, o Júri Popular fez-lhe justiça entregando-lhe o Kikito de Melhor Filme, além dos de Melhor Ator (Nando Cunha) e as menções honrosas para Isabél Zuaa e para os jovens Fernando Lufer, Michel Gomes, Victor Alves, Kaike Pereira, Pedro Guilherme e Caio Patricio.
Carro Rei: vitória contestada de Gramado 2021
Afora “O Novelo”, merece apreciação “A Primeira Morte de Joana”, da gaúcha Cristiane Oliveira, vencedor, aliás, do prêmio do Júri da Crítica. Embora tenha me encantado mais por “O Novelo”, a premiação ao filme de Cristiane, além do consenso entre nós, jurados, justifica-se plenamente pela proposta bastante mais “cinematográfica”, por assim dizer, em relação não apenas a “O Novelo”, mas talvez a todos os outros ao explorar aspectos gramaticais do cinema com maior profundidade. Isso porque “A Primeira...” é ao mesmo tempo uma investigação factual, pessoal e cinematográfica, capaz de traduzir o ponto de vista de uma adolescente com um trabalho de câmera sensível, atento aos elementos táteis, às texturas e aos silêncios.
Curiosamente, nem “O Novelo” e nem “A Primeira...” – quanto menos outro forte concorrente, “Homem Onça” – ficaram perto em termos de realce do errático “Carro Rei”, o grande vencedor da noite, uma ficção futurista com seus méritos (venceu, entre seus 4 Kikitos, os de melhor Trilha Musical, Direção de Arte e Desenho de Som), mas que não se situa nem entre o filosofal e nem no pop. Até mesmo “Jesus Kid” obteve, no pesar das premiações, mais destaque. Comédia boa em direção de arte e fotografia, mas que se consagrou justamente naquilo mais peca: a direção, apressada e destoada do curitibano Aly Muritiba (muito em razão da fraca atuação do seu ator principal, Paulo Miklos), e o roteiro, que, embora baseada na obra do celebrado escritor Lourenço Mutarelli, é o responsável pelo resultado desigual do filme. Vai entender.
O fato é que, diferentemente de outros anos, em que o principal premiado condizia com o tamanho de Gramado, este ano, mesmo que "Carro Rei" não seja desprezível, parece não estar-lhe à altura. Mas tudo bem. O que ficou foi o sentimento de resistência do único festival de cinema brasileiro ininterrupto a tantas edições e que, em 2022, se prepara para o cinquentenário. Todos torcendo para que a pandemia já tenha amenizado.
Conheça os vencedores do 49º Festival de Cinema de Gramado:
CURTAS-METRAGENS BRASILEIROS
·Melhor Filme – “A Fome de Lázaro”, de Diego
Benevides
·Melhor Direção – Fabio Rodrigo, por “Entre Nós e
o Mundo”
·Melhor Ator – Lucas Galvino em “Fotos Privadas”
·Melhor Atriz – Tieta Macau em “Quanto Pesa”
·Melhor Roteiro – Marcelo Grabowsky, Aline
Portugal e Manoela Sawitzki, por “Fotos Privadas”
·Melhor Fotografia – Rodolpho Barros, por
“Animais na Pista”
·Melhor Montagem – Caroline Neves, por “Entre nós
e o Mundo”
·Melhor Trilha Musical – Eli-Eri Moura, por
“Animais na Pista”
·Melhor Direção de Arte – Torquato Joel, por “A
Fome de Lázaro”
·Melhor Desenho de Som – Breno Nina, por “Quanto
Pesa”
·Melhor Filme pelo Júri Popular – “Desvirtude”,
de Gautier Lee
·Melhor Filme pelo Júri da Crítica – “Entre Nós e
o Mundo”, de Fábio Rodrigo
·Prêmio Especial do Júri – Fabio Rodrigo, por
“Entre Nós e o Mundo” por responder de forma consciente em termos estéticos,
afetivos e narrativos a pergunta “Como falar da dor da perda e ainda ter
esperança?”.
·Menção honrosa da Comissão Julgadora para os
curtas brasileiros vai para o filme “A Beleza de Rose”, de Natal Portela, por
fazer um delicado recorte da vida de muitas mulheres negras no nordeste do
Brasil.
·Prêmio Canal Brasil de Curtas – “A Beleza de
Rose”, de Natal Portela
LONGAS-METRAGENS ESTRANGEIRO
·Melhor Filme – “La Teoría De Los Vidrios Rotos”,
de Diego Fernández Pujol
·Melhor Filme Júri Popular – “La Teoría De Los
Vidrios Rotos”, de Diego Fernández Pujol
·Melhor Filme pelo Júri da Crítica – “Planta
Permanente”, Ezequiel Radusky
·Prêmio Especial do Júri – Pela abordagem de
temas tão presentes em nossa sociedade, que refletem as consequências de um
sistema corrompido e afetam diretamente os valores humanos; e pelas
interpretações das protagonistas femininas que representam a força das mulheres
latinas em nosso cinema. O Júri de Longas-metragens estrangeiros do 49º
Festival de Cinema de Gramado decidiu conceder o Prêmio Especial do Júri ao
filme “Planta Permanente”, de Ezequiel Radusky.
LONGAS-METRAGENS GAÚCHOS
·Melhor Filme – “Cavalo de Santo”, de Carlos
Eduardo Caramez e Mirian Fichtner
·Melhor Direção – Gilson Vargas, por “A Colmeia”
·Melhor Ator – João Pedro Prates, por “A Colmeia”
·Melhor Atriz – Luciana Renatha, Alexia Kobayashi
e Veronica Challfom, por “Extermínio”
·Melhor Roteiro – Carlos Eduardo Caramez, por
“Cavalo de Santo”
·Melhor Fotografia – Bruno Polidoro, por “A
Colmeia”
·Melhor Direção de Arte – Gilka Vargas e Iara
Noemi, por “A Colmeia”
·Melhor Montagem – Joana Bernardes e Mirela
Kruel, por “Extermínio”
·Melhor Desenho de Som – Gabriela Bervian, por “A
Colmeia”
·Melhor Trilha Musical – Cânticos Sagrados dos
Orixás preservados pelos Terreiros gaúchos e Alabê Oni, por “Cavalo de Santo”
·Melhor Filme pelo Júri Popular – “Cavalo de
Santo”, de Carlos Eduardo Caramez e Mirian Fichtner
LONGAS-METRAGENS BRASILEIROS
·Melhor Filme – “Carro Rei”, de Renata Pinheiro
·Melhor Direção – Aly Muritiba, por “Jesus Kid”
·Melhor Ator – Nando Cunha, em “O Novelo”
·Melhor Atriz – Glória Pires, em “A Suspeita”
·Melhor Roteiro – Aly Muritiba, por “Jesus Kid”
·Melhor Fotografia – Bruno Polidoro, por “A
Primeira Morte de Joana”
·Melhor Montagem – Tula Anagnostopoulos, por “A
Primeira Morte de Joana”
·Melhor Trilha Musical – Dj Dolores, por “Carro
Rei”
·Melhor Direção de Arte – Karen Araújo, por
“Carro Rei”
·Melhor Atriz Coadjuvante – Bianca Byington, por
“Homem Onça”
·Melhor Ator Coadjuvante – Leandro Daniel
Colombo, por “Jesus Kid”
·Melhor Desenho de Som – Guile Martins, por
“Carro Rei”
·Melhor Filme pelo Júri Popular – “O Novelo”, de
Claudia Pinheiro
·Melhor Filme pelo Júri da Crítica – “A Primeira
Morte de Joana”, de Cristiane Oliveira
·Prêmio Especial do Júri para Matheus
Nachtergaele, em “Carro Rei”, pela construção e domínio do personagem e pela
brilhante capacidade de se reinventar.
·Menção honrosa para Fernando Lufer, Michel
Gomes, Victor Alves, Kaike Pereira, Pedro Guilherme e Caio Patricio por seu
talento e potência em “O Novelo”
·Menção honrosa para Isabél Zuaa pela bela e
impactante atuação em “O Novelo”
