Só fala em bandeira preta pra todo o lado, né? Pois aqui esta é sempre preta a cor da nossa bandeira, seja com o rock, o samba, a soul ou o reggae. Temos todas essas heranças musicais negras no MDC de hoje nas vozes de Jorge Ben Jor, Wilson das Neves, Etta James, Jota Quest, Chico Buarque, Gilberto Gil e mais. Ainda, um "Sete-List" trazendo o duo francês Daft Punk, que se despediu dos fãs essa semana. O programa vai ser assim hoje: preto no branco, às 21h, aqui na pretíssima Rádio Elétrica. Produção e apresentação do preto Daniel Rodrigues. #semprepreto
“Entramos em campo com o que tínhamos na mão. Gal já era a maior cantora do Brasil naquele momento e esse trabalho foi muito especial, pois nós juntamos os melhores músicos da época, como Chiquinho de Moraes e Lanny Gordin. A gente procurou pensar que tínhamos que fazer o melhor naquele clima de ditadura militar: Caetano e Gil exilados, a Copa do Mundo em cima, uma confusão danada. E fizemos o nosso trabalho".
Jards Macalé
“Genial, contemporâneo e perturbador”.
Assucena Assucena, da banda As Bahias e a Cozinha Mineira, sobre “Legal”
Ao mesmo tempo em que começa a se tornar cada vez mais comum ver os ídolos brasileiros da geração dos anos 50/60 se irem, caso de João Gilberto, Sérgio Ricardo, Moraes Moreira, Luiz Melodia e, mais recentemente, Gerson King Combo, em contrapartida, é uma enorme satisfação presenciar estas mesmas figuras referenciais chegarem à idade avançada. É mais do que só um motivo de comemoração, e sim de emoção. Caso da "água viva" da MPB: Gal Costa, que, mais do que viva, está operante e produzindo muito bem, obrigado. Gal chega aos 75 anos de idade e 55 de carreira celebrada como uma das maiores vozes do Brasil, posto que ocupa desde os anos 60 quando, junto com Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé, Mutantes e toda a turma da Tropicália, revolucionou a musica brasileira para sempre. Parte dessa revolução, contudo, está de aniversario junto com ela: o genial disco da artista “Legal”, de 1970, que completa 50 anos de lançamento.
O contexto no qual o lançamento de “Legal” ocorreu, no entanto, não foi nada festivo. O que faz aumentar ainda mais seus méritos. AI5 em vigor há pouco mais de um ano; Caê e Gil exilados em Londres; Allende eleito no Chile; Seleção de Pelé e Jairzinho fazendo a alegria do povo; Estados Unidos bombardeando o Vietnã; Roberto Carlos tornando-se um rei “adulto”. Tudo isso sob a capa negra da “linha dura” da Ditadura Militar, que reprimia, perseguia, sequestrava, torturava e matava. Afora esta pior parte das violações à liberdade imposta pela ditadura, a repressão recaía, em maior ou menor grau, sobre qualquer um que se opusesse ao Estado. Para isso, os militares contavam, inclusive, com o policiamento da própria sociedade civil. Gal, que permaneceu no Brasil com a missão de manter tesa a sina do tropicalismo, não o fez sem vigília ou pressões. Ela conta que chegou, àquela época, a ser quase linchada em praça pública por "cidadãos do bem", que a viam como uma hippie subversiva e comunista. Afinal, pensar definitivamente não é um atributo de quem domina pela força.
Gal em 1970: cabelos repartidos ao meio em novo visual, que inspirou Oiticica
Toda essa brutal condição de medo e tensão – mas também de orgulhos e belezas inexoráveis – era despejada imediatamente na musica de Gal, e “Legal” é o seu álbum que melhor sintetiza esse momento. Amplificando a psicodelia e a postura rebelde dos seus trabalhos imediatamente anteriores, de 1968 e 1969, Gal vinha para não fazer concessões. Agora, ela explodia. A doce cantora que começara a carreira seguindo o estilo cool da bossa nova de João Gilberto agora soltava a voz da maneira mais aguerrida como jamais havia feito até então. Estridente, raivosa, intensa, provocadora - mas também doce quando quer. Com o auxílio nos arranjos e na banda dos igualmente arrojados Lanny Gordin – o histórico guitarrista inglês da Tropicália responsável aqui também pelas ensandecidas guitarras do disco – e do "maldito"Jards Macalé – antecipando o que este faria dois anos depois noutro LP clássico da música brasileira, “Transa”, de Caetano –, a “divina maravilhosa” baiana torna-se, agora, “terrível”. É com o então recente sucesso de Roberto que ela, num arranjo monstruoso, inicia o disco. Se “Eu Sou Terrível” soava como um ato de rebeldia na voz do seu careta autor, na de Gal, transformava-se num manifesto anti-ditadura. Na boca dela, versos como: "Estou com a razão no que digo" ou "Não tenho medo nem do perigo" significavam muito mais do que a mera e ingênua afirmação sexista da original. Ressignificadas, as palavras querem dizer, sem hesitação: "Não adianta me perseguir, que sou mais forte que vocês" e "vocês é que devem ter medo de mim".
E Gal tinha urgência. O rock com influências soul dessa indignada Etta James dos trópicos tem nos sopros arranjados por Chiquinho de Moraes e na guitarra rascante de Lanny a velocidade certa para acompanhar a cantora. Ou seja: com muita rapidez! Os garotos que andavam ao seu lado tinham certeza que ela andava mesmo apressada. Em resposta, a banda pratica o que em teoria musical se chama de “antecipação”, quando se encurta o tempo entre os acordes e joga-se uma nota estranha à harmonia, a qual, se verá logo em seguida que pertence ao acorde seguinte. Se Gal havia permanecido no Brasil, sua terra, ouvi-la dizer “Eu corro mesmo aqui no chão” fazia realmente muito sentido.
Se “Legal” começa assim, mostrando que não veio para brincadeira, o negócio era prender o fôlego e acostumar-se, pois seria assim até a última rotação da agulha no sulco. Em novo recado pros militares, Gal manda na sequência “Língua do Pe”, do exilado Gil. Já que o parceiro não podia como ela estar no seu próprio país, Gal dava um jeito de materializá-lo. Um novo rock se anuncia... só que não! Subvertendo a si mesma, de repente, a música torna-se um xaxado “pé de serra” animado no melhor estilo Luiz Gonzaga: zabumba, triângulo e sanfona. A letra, cifrada, tirava um sarro dos milicos: “Garanto que você/ Nãpão vapai não vai/ Compomprepeenpendeper/ Bulhufas”. Não compreenderam bulhufas, mesmo.
Não precisa mais do que duas faixas pra se notar que “Legal”, contrariamente ao vocábulo, não se presta a ser nada amigável com os hipócritas devotos da moral e dos bons costumes. De pura ironia e musicalidade, “Love, Try And Die”, este Broadway jazz chistoso tem a luxuosa participação de dois mitos da música pop brasileira: o jovem Tim Maia, que recém havia lançado seu exitoso disco de estreia, e de Erasmo Carlos, que, na direção oposta do pop romântico de Roberto no pós-Jovem Guarda, corajosamente alinhava-se aos tropicalistas. Autoria de Gal com seus fiéis escudeiros Macalé e Lanny, lembra a invencionice transgressora de "Cinderella Rockfella", de Rogério Duprat com os Mutantes, de 1968, e a galhofa que os próprios Roberto e Erasmo criariam em 1971 com a canção "I Love You", o solfejo tropicalista de RC.
Novos petardos: uma versão futurista de “Acauã”, de Zé Dantas, reafirmando a cultura do Nordeste como desde o início propôs o tropicalismo. A pegada regionalista, contudo, vem empunhando uma peixeira como Lampião. Inversamente a “Língua do Pe”, que inicia rocker e depois alivia, aqui é o folk regional que prevalece até boa parte da faixa, mas que ganha uma reviravolta para um baião-heavy de dar inveja a qualquer guitar band enfezada. Bem que dava para desconfiar quando Gal, no começo da música, calmamente entoa os versos: “Teu canto é penoso e faz medo/ Te cala, acauã/ Que é pra chuva voltar cedo”.
Mais uma inédita de Gil: a psycho-bossa “Mini-Mistério”. Uma só dele seria pouco pra confrontar os militares. E se “Língua do Pe” soa quase anedótica, o recado desta é bem mais direto: "Compre, olhe/ Vire e mexa/ Não custa nada/ Só lhe custa a vida". Ou que tal isso aqui?: “Procure conhecer melhor/ O cemitério do Caju/ Procure conhecer melhor/ Sobre a Santíssima Trindade/ Procure conhecer melhor/ Becos da tristíssima cidade/ Procure compreender melhor/ Filmes de suspense e de terror”. E Gal, que não tinha medo nem de filmes de suspense e de terror, repete ostensivamente a última palavra: “Terror, terror, terror, terror”. Afinal, este era o melhor termo para definir o sentimento que tomava conta daquele Brasil de terríveis minimistérios: delações, perseguições, olhos vigiando por todos os cantos, amigos presos, “amigos sumindo, assim, pra nunca mais”. Sob um suingue jazzístico acachapante, Gal ainda aconselha: “Ande muito/ Veja tudo/ Não diga nada/ Além de dois minutos”.
Gal e Macalé: alta qualidade musical contra a repressão
Jards, totalmente presente na concepção do disco, vem com outras duas suas. Primeiro, a emblemática e não menos provocativa “Hotel das Estrelas” (“No fundo do peito esse fruto/ Apodrecendo a cada dentada/ Mas isso faz muito tempo...”), que o próprio gravaria apenas dois anos depois em seu primeiro álbum solo. Interpretação tristonha e sensual de Gal na primeira parte, quando um blues jazzístico. Mas o andamento é bem mais variante que isso, e a banda acelera o ritmo para entrar numa soul quase gospel e, daí, voltar novamente à melancolia. Um arraso! De Jards e de Duda Mendonça também é o falso jazz “The Archaic Lonely Star Blues”. Falso até no idioma, pois, iniciando com versos em inglês, envereda, em seguida, para um samba-canção em que Gal deita e rola na interpretação sob o arranjo de cordas primoroso de Chiquinho de Moraes.
Transgressão pouca era bobagem para a combativa Gal. Ela guardava ainda mais munição em sua metralhadora sonora e poética. E, como as canções de Gil, vinham encomendadas também da Inglaterra as do mano Caetano. Primeiro, a carnavalesca “Deixa Sangrar”, cujo duplo sentido do título, obviamente, não é mera coincidência: “Deixa o coração bater, se despedaçar/ Chora depois, mas agora deixa sangrar/ Deixa o carnaval passar”. Alguma semelhança com a situação política de então? Neste aspecto, “Legal” ainda se beneficia pelo fato de ter sido lançado logo após o endurecimento da ditadura, ainda muito mais preocupada em reprimir a luta armada do que necessariamente censurar músicas – isso, até perceberam em seguida que o “perigo” era justamente a junção dos dois. Talvez por isso (e pela letra em inglês, esta na totalidade) tenha-se liberado “London London”, o tristonho canto de exílio de Caetano que atravessou o Atlântico trazendo ao Brasil os gélidos ventos do Velho Mundo poucos meses depois do próprio autor tê-la gravado no seu álbum londrino. Nesta rumba desenhada pela guitarra de Lanny e uma gaita de boca bem rithum n’ blues, toda a estridência que domina boa parte do disco dá lugar de vez à cantora melodiosa e de profundo apuro técnico.
Igual à matadora versão de “Falsa Baiana”, reduzindo de vez o compasso em alta voltagem que havia iniciado o disco lá em “Eu Sou Terrível”. Bossa nova pura. Leve e melodiosa. Um contraste tremendo com o fervente início do disco. Os distraídos podem até achar que se trata de uma contradição por não perceberam mais uma ironia. “Falsa baiana” não é necessariamente aquela que "requebra direitinho", mas a que, contrariando a pecha de um povo "preguiçoso" e "acomodado", se levanta contra a atrocidade humana. Fora isso, Gal, saudavelmente apressada de novo, antecipa justamente seu mestre João Gilberto, que gravaria este samba de Geraldo Pereira somente três anos depois em semelhantes moldes.
Arte de Oiticica completa, com as duas faces: capa e contracapa
A capa, autoria do célebre artista visual Helio Oiticica – pivô acidental no episódio da boate Sucata motivador da expulsão de Caetano e Gil do Brasil meses antes – emula o policulturalismo da capa clássica de "Sgt. Peppers", dos Beatles, ao reproduzir diversas fotos de referências constituidoras daquela proposta de obra. No entanto, além das diferentes figuras – por exemplo, Elis Regina, James Dean e a Marcha dos 100 Mil no lugar de Bob Dylan, Marylin Monroe e Karl Marx –, a arte de Oiticica direciona incisivamente esta intenção ao impregnar essas imagens fragmentadas nos cabelos de Gal (visual trazido de Londres, de onde ela recentemente viera de uma viagem) e cuja metade do rosto se agiganta em relação a todo o resto. O mundo pertence a ela, esta Medusa empoderada e resistente. Metáfora cortante de um álbum que cumpre a corajosa missão de falar por todos os exilados, os de fora e os de dentro do país. Se as vozes restavam sufocadas pelo poder das armas, havia a de Gal para representar-lhes. E acelerada, atenta e forte, sem tempo de temer a morte. Em “Legal”, como nunca ela foi porta-voz de toda uma geração. E quanta voz tem essa (verdadeira) baiana para portar!
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Gal Costa cantando "Acauã", programa Ensaio (1970)
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FAIXAS: 1. “Eu Sou Terrível” (Erasmo Carlos, Roberto Carlos) - 2:30 2. “Lingua Do P” (Gilberto Gil) - 3:40 3. “Love, Try And Die” (Gal Costa, Jards Macalé, Lanny Gordin) - 2:23 – partic.: Tim Maia e Erasmo Carlos 4. “Mini-Mistério” (Gil) - 4:16 5. “Acauã” (Zé Dantas) - 2:49 6. “Hotel Das Estrelas” (Duda Machado, Jards Macalé) - 4:22 7. “Deixa Sangrar” (Caetano Veloso) - 2:53 8. “The Archaic Lonely Star Blues” (Duda, Macalé) - 3:03 9. “London, London” (Caetano) - 4:00 10. “Falsa Baiana” (Geraldo Pereira) - 2:11
Se alguém me pedisse uma definição sobre o que foi a quinta
edição do POA Jazz Festival, sexta e sábado passados, no Centro de Eventos do
Barra Shopping, eu diria que os produtores e curadores Carlos Badia, Carlos
Branco e Rafael Rhoden estavam com um olho no passado e outro no futuro. E que
esta curadoria acabou, por questões financeiras, fazendo uma grande noite de
música na sexta e uma mediana no sábado.
A mirada no passado iniciou no primeiro dia com o excelente Tributo a Geraldo Flach, a cargo do
quinteto do pianista e tecladista osoriense Cristian Sperandir. Desde a morte de Geraldo, em janeiro de 2011,
suas composições estavam fora dos repertórios dos inúmeros grupos que fazem a
chamada MIG - Música Instrumental Gaúcha. Graças aos esforços da produtora e
viúva do pianista, Ângela Moreira Flach,
Sperandir ao lado de seu grupo (Antonio Flores na guitarra; Caio Maurente no
baixo; Sandro Bonato na bateria e Bruno Coelho na percussão) conseguiu não
somente resgatar a obra do mestre mas atualizá-la para a turma mais jovem que
não conhecia o trabalho de Geraldo. Para quem já conhecia, foi uma revelação
ver que a nova geração usa o passado para catapultar a música para os dias de
hoje. Destaque para o tema de abertura, “O Voo Da Águia”, uma das composições
mais conhecidas de Geraldo Flach.
Tributo a Geraldo Flach com o quinteto de Cristian Sperandir
Por outro lado, os holandeses do Jasper Blom Quartet mostraram o que é este misterioso jazz europeu,
filho dileto da sonoridade engendrada pelo produtor Manfred Eicher em sua
gravadora ECM, desde o início dos anos 70. Liderados pelo saxofonista tenor, os
três músicos de sua banda (o incrível Jesse Van Ruller na guitarra; Frans Van
Der Hoeven no baixo e Jonas Burgwinkel na bateria) apresentaram uma música
densa e consistente sem deixar de se comunicar com o público. O baterista Burgwinkel
– que já havia estado em Porto Alegre uns anos atrás como integrante do Pablo Held Trio e participado ao vivo
do Sessão Jazz na FM Cultura – apresentou um estilo levíssimo em seu
instrumento, enquanto o guitarrista Van Ruller mostrou porque é um dos mais
aclamados instrumentistas da Europa nos últimos 15 anos.
Já o grupo Silibrina,
liderado pelo pernambucano Gabriel Nóbrega – filho do violinista Antonio
Nóbrega –, mesclou a intensidade da performance com a destreza de seus músicos
e a variedade dos ritmos brasileiros. Usando seus dois discos lançados como
base do repertório (“O Raio”, de 2017 e “Estandarte”, de 2019), Nóbrega e seus
asseclas encantaram a plateia com a energia indomável de suas composições,
mostrando que seu lugar é mesmo em frente ao público.
Grande presença de público na 5ª edição do festival
O momento mais esperado desta quinta edição do POA Jazz
Festival aconteceu já na madrugada de sábado quando o grupo gaúcho Raiz De Pedra subiu ao palco.
Remanescente da época de ouro da MIG, nos anos 80, a banda trouxe quatro
integrantes da formação original (Márcio Tubino nos saxofones e flautas; Pedro
Tagliani nas guitarras e violões; Ciro Trindade nos baixo acústico e elétrico e
César Audi na bateria) mais os convidados Marcelo Nadruz e Luiz Mauro Filho no
piano e teclados e Fernando Do Ó na percussão.
O interessante é que mesmo a distância e o tempo não
engessaram a música do Raiz, que continua atual, intrincada e cheia de
dissonâncias e quebras de tempo. Meu amigo Juarez Fonseca achou que o show foi
longo demais, no que acabei concordando com ele, apesar de ficar fascinado com
tudo o que foi apresentado. Só posso desejar vida longa ao Raiz e seu retorno..
Depois desta noite memorável de sexta-feira, eu,
particularmente, tinha poucas expectativas em relação ao que iríamos presenciar
no sábado. A noite, porém, começou em alta com o choro moderno do Sexteto Gaúcho. Criado a partir das já
lendárias oficinas do gênero na cidade, os seis músicos (Elias Barbosa no
bandolim, Lucian Krolow na flauta; Matheus Kleber no acordeon; Guilherme
Sanches, o Feijão, no pandeiro; Alexandre Susin no cavaquinho e o excelente Mathias
Pinto no violão de 7) circularam pelo futuro nas composições próprias mas
sempre com um olho na tradição, destacando a linda versão de “Ternura”, de Kximbinho.
Como o choro sempre foi um gênero que exigiu de seus
instrumentistas, os músicos do Sexteto Gaúcho não deixaram dúvidas de que se
inscrevem entre os melhores do Brasil neste momento. Infelizmente, na minha modesta porém sincera opinião, houve
uma queda brusca de qualidade nas três atrações finais do festival. O grupo Rafuagi Jazz Combo prometia uma mistura
de jazz com a “modernidade” do hip-hop. Há de se convir que, mercadologicamente
– especialmente nos Estados Unidos –, o hip-hop é a bola da vez. Os artistas
mais festejados dos últimos 20 anos vem deste estilo (Jay Z, Kanye West,.
Eminem, entre outros). Aqui no Brasil, se faz cada vez mais rap e hip-hop mas
esta música fica circunscrita aos seus guetos, principalmente na periferia, com
a esmagadora maioria da massa, ouvindo “funk”, “sertanejo universitário” (!!!)
e pagode com teclado. O que se viu no palco do POA Jazz Festival foi uma
tentativa de unir estas duas linguagens, onde o “jazz” levou a pior. Ou seja,
ficou em casa, mesmo com os esforços do grupo Quarto Sensorial, que pra mim fez “indie rock” com muito noise.
Já Rafa e Ricky Rafuagi fizeram aquele discurso já conhecido mas acabaram
conquistando parte da plateia com sua adaptação do Hino Riograndense,
criticando os festejos do 20 de setembro.
Após dividir o público, se esperava uma certa calmaria com a
cantora meio francesa, meio dominicana Cyrille
Aimée e o violonista Diego
Figueiredo. Se valendo de um repertório irrepreensível, Cyrille, como boa
discípula de Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan e Betty Carter, mergulhou de cabeça
no scat singing (aquele shu-bi-du-ba vocal). O problema é que
tirando os excessos desta prática, pouco sobrou de personalidade na vocalista.
O exímio violonista Figueiredo se esforçou para arranjar “A Night In Tunisia”,
de Dizzy Gillespie, em bossa-nova, tentando se adequar ao estilo da cantora,
fascinada por MPB. Em outros momentos, ela conseguiu conquistar a plateia com
suas versões de “La Vie En Rose” e “Just The Two Of Us”, que foi o bis. Mas
ficou devendo um estilo e uma postura própria, o que se vê em cantoras jovens
como Cecile Mclorin Salvant e Jazzmeia Horn.
A cantora meio francesa/meio dominicana Cyrille Aimée: bom, mas nem tanto
Pra fechar, tivemos a cantora e tecladista Davina Lozier e seus Vagabonds. Seguindo a trilha já
apresentada por aqui pelos canadenses do The Shuffle Demons e pelas argentinas
do Bourbon Sweethearts, Davina faz uma música retrô, buscando os sons e os
clichês do jazz, do R&B e do rock dos anos 50. Sua banda é competente com
destaque para o trombonista Andrew Rogness. Em minha opinião, com toda a
intensidade mostrada no palco do Barra Shopping, Davina & The Vagabonds ficaram
devendo em qualidade de composição. Tanto que os dois momentos mais
interessantes e intensos do show foram as recriações de músicas de Fats Domino
e de Etta James. A própria cantora admitiu que sua versão nem chegaria aos pés
da diva falecida em 2012. Foi um final alegrinho para o festival deste ano.
Homenagem do festival ao jornalista, escritor, pesquisador e crítico musical Juarez Fonseca
Gostaria de elogiar a escolha de Juarez Fonseca como
homenageado desta edição e de Lucio Brancato como apresentador. Além de serem
meus amigos particulares, admiro o trabalho dos dois e fiquei muito feliz em
vê-los apoiando esta iniciativa bem-sucedida.
De qualquer maneira, louve-se a coragem e espírito de
coletividade que o trio Badia, Branco e Rhoden tiveram neste ano tão conturbado
para o país, de uma maneira geral, e para a cultura, especificamente, em
realizar o POA Jazz Festival. Obrigado, rapazes. Até a sexta edição!
Numa carreira repleta de retomadas, "Tell Mama", de 1968, é mais uma dessas voltas por cima da talentosíssima mas sempre um tanto problemática Etta James, que fosse por drogas, por álcool, relacionamentos, obesidade ou comportamento, autossabotava a carreira com alguma frequência. Mas no caso de "Tell Mama", a reabilitação foi no sentido estritamente musical. Depois de um longo tempo afastada das paradas com trabalhos medianos e sem maior inspiração, este a impulsionava novamente para os postos mais altos das paradas, alcançando a mais alta posição com a canção que dá nome ao disco. Impressionante pela versatilidade musical, trabalhando com blues, soul, jazz, baladas melancólicas e momentos de rock'n roll, o disco é extasiante a cada faixa. O disco já abre com "Tell Mama", que é daquelas coisas que justificam plenamente o fato de Etta figurar no hall das maiores cantoras de todos os tempos. Que interpretação!!! "I'd Rather Be Blind", que a segue, um clássico do rhythm'n blues, multi-regravada por inúmeros outros intérpretes, é uma balada daquelas bem sofridas e dolorosas com a guitarra fazendo um discreto mas interessante tremolo ao fundo durante praticamente todo o tempo; e "Watch Dog" é um rockão conduzido por uma "metaleira" responsa, com direito a um solo estridente de guitarra e tudo mais.
"The Love of My Man", "I'm Gonna Take What He's Got" e "Steal Away" são blues um pouco mais tradicionais nas suas estruturas; "The Same Hope" é adorável uma soul rock e "Security", versão para a música de Otis Redding traz outra interpretação absurda de Miss Peaches.
O soul pegado, carregado no piano, "My Mother in Law" é simplesmente contagiante; na balada "Don't Lose Your Good Thing" os metais soam mais graves e mais solenes deixando a canção com um clima mais pesado; em "It Hurst Me So Much", outra de cortar o coração, temos mais um daqueles momentos em que, mesmo evidente e presente em todas a outras faixas, não dá pra deixar de se impressionar com toda a qualidade vocal da cantora, que, a propósito, rasga a voz já na abertura de "Just a Little Bit", mais um soul envenenado, que por sua vez, fecha o disco.
"Tell Mama" foi apenas mais uma de tantas recuperações de Etta James que conviveria a vida toda com altos e baixos devido, principalmente, a seus problemas com drogas o que fez, de certa forma, que não recebesse durante muito tempo o devido reconhecimento pelo seu trabalho e talento, até meados dos anos 90 quando foi, por assim dizer, "redescoberta" e, aí sim, colocada em seu devido lugar como uma das maiores cantoras que a música já teve.
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Dia desses, arrumando minha coleçãozinha de blues e topando com meus CD's de Muddy Waters e Howlin' Wolf acabei lembrando de um filme muito legal e que nenhum fã de blues pode deixar de assistir. Trata-se de "Cadillac Records, filme da diretora norte-americana Darnell Martin, que de forma apaixonante apresenta a formação do blues de Chicago nos anos 50 e a criação da Chess Records, selo que foi berço de grandes nomes do gênero contribuindo para a divulgação e popularização do estilo e de seus praticantes pelos Estados Unidos.
O filme centra-se mais na figura de Muddy Warters, sua descoberta, sua ascensão, seu sucesso e seus conflitos amorosos e musicais, mas também destaca Howlin' Wolf e sua rivalidade com Muddy; um neguinho chamado Chuck Berry que misturava blues com "música de brancos", o alcoolismo do gaitista Little Walter e seu estilo inovador no instrumento e no estúdio; o talento e o affair de Etta James, com o chefe, Leonard Chess; e até um certo grupo inglês chamado Rolling Stones.
"Cadillac Records tem momentos tristes, alegres, divertidos, emocionantes, trágicos e conta com interpretações extremamente competentes como a de Jeffrey Wright como Muddy, intensas como a de Eammon Walker na pele de Wolf, e surpreendentes como a de Beyoncé (olha só!) vivendo Etta James. Adrien Brody é que está meio insosso como Leonard Chess mas nada que seja suficiente para fazer alguém não gostar do filme por causa disso.
Mas e o Cadillac? O que é que o Cadillac tem a ver com tudo isso? Foi o presente de Chess para Muddy, seu primeiro contratado, assim que alcançaram o primeiro grande sucesso. Depois disso todos que emplacavam um grande hit passaram a querer o seu. Tornara-se uma tradição na gravadora e aí só dava "crioulo" transitando de Cadillac nas barbas da sociedade racista dos anos 50. Teriam que engolir a "negrada". Ah, teriam. E aquilo era só o início.
"Seus olhos se iluminavam e você podia ver as veias se incharem no seu pescoço e, irmão, sua alma inteira se concentrava naquela canção. Ele cantava com a danada da alma." Sam Phillips, da gravadora Sun Records, descrevendo Howlin' Wolf
Um uivo de lobo.
Uma voz potente.
Um homem transfigurado em animal no estúdio.
Assim era Chester Arthur Burnett, mais conhecido como Howlin' Wolf, um dos maiores nomes do blues de todos os tempos. Artista de admiráveis qualidades vocais, exímio manejo da guitarra e performances arrasadoras em shows, Wolf que começara na Sun, gravadora que revelou Elvis Presley, teve, no entanto, seu período de maior sucesso pelo famoso selo Chess, de Chicago, curiosamente levado pelas mãos do, sabidamente um arquirrival, Muddy Waters.
Rivalidades à parte, cada um com seus talentos, muitos diga-se de passagem, havia espaço para os dois na Chess. A maioria dos músicos do staff da gravadora gravavam as canções do baixista da casa e compositor Willie Dixon, mas poucos como Wolf tiraram tanto proveito desta parceria. Saíram das maos de Dixon alguns dos maiores sucessos de Howlin' Wolf e diga-se de passagem, em contrapartida, são dele algumas das melhores interpretações das músicas de Dixon.
Wolf já havia gravado um disco desde sua chegada à Chess mas que ainda trazia heranças da Sun Records, sua antiga gravadora, e contava apenas com as composições do próprio cantor, mas foi com o disco conhecido popularmente como "The Rockin' Chair Blues" que Wolf alçou voo definitivamente no universo do blues muito em função das composições de Dixon e de seu dedo na produção.
O disco abre com a excitante "Shake For Me", uma incitação à libido e já traz na sequência o clássico "The Red Rooster" cantado de maneira arrastada por Wolf com o acompanhamento de por uma slide guitar matadora do próprio cantor. A música ganharia inúmeras versões posteriores, nas quais ganharia o diminutivo pela qual é mais conhecida ("Little"), dentre elas a suingada de Sam Cooke, a suja do Jesus and Mary Chain e a maliciosa dos Rolling Stones.
"Who's Been Talkin'", um blues lento, quebrado com um toque latino é uma das duas, apenas, de autoria do próprio cantor no disco, e ""Wang Dang Doodle", que a segue é pegada, cheia de embalo, com uma guitarra vibrante e um refrão contagiante.
Outra que já foi regravada incontáveis vezes, por Etta James, Who, pelo Cream de Eric Clapton, mas que tem na versão deste blueseiro do Mississipi, a primeira, diga-se de passagem, uma de suas melhores interpretações, é a magnetizante "Spoonful", mais uma das obras-primas de Dixon imortalizada pelo vocal singular do Lobo.
Na chorosa "Going Down Slow" onde o vocalista praticamente apenas declama a letra, o que destaca-se mesmo, desde a introdução martelada, é o piano; já em "Back Door Man", Howlin' Wolf retoma o protagonismo e encarna o personagem soltando ganidos arrepiantes numa canção que é uma espécie de assombração sensual e sedutora e que cuja versão, talvez, mais conhecida seja a da banda The Doors gravada logo em seu álbum de estreia.
Bem ritmada, embalada, impetuosa, "Howlin' for My Baby" (que também é conhecida com a variação de "... My Darling"), talvez a melhor tradução da fusão de estilos do blues do Delta para o de Chicago, encaminha com grandiosidade o final do disco para que "Tell Me", a outra composição de autoria de Wolf no disco, um gostosíssimo blues com uma levada apaixonante de harmônica se encarregue de fechar de forma magistral.
Um daqueles caras para o qual a alcunha lenda do blues cabe perfeitamente, ainda mais reforçada pelo nome sugestivo que carregava, pelas performances insanas no palco, pelo feitiço que impunha às mulheres e pelos uivos quase animalescos que emitia em suas interpretações. Seria aquela figura na verdade uma criatura entre o home e o lobo? Teria ele, como o outro legendário Robert Johnson, feito algum pacto sinistro cujo preço seria que dividisse sua forma entre o humano e o bestial, metamorfoseando-se depois de determinada hora, em determinados dias, em dada fase lunar? Ficaria ele assim, mesmo em sua forma humana com traços do animal o que explicaria seus grunhidos, uivos e rosnados característicos e sua forma gigantesca e quase gutural? Bobagem, bobagem. Mas, ei... Alguém aí ouviu um uivo?
********************** FAIXAS:
"Shake for Me" – 2:12
"The Red Rooster" – 2:22
"You'll Be Mine" – 2:25
"Who's Been Talkin'" (Howlin' Wolf) – 2:18
"Wang Dang Doodle" – 2:18
"Little Baby" – 2:45
"Spoonful" – 2:42
"Going Down Slow" (St. Louis Jimmy Oden) – 3:18
"Down in the Bottom" – 2:05
"Back Door Man" – 2:45
"Howlin' for My Baby" – 2:28
"Tell Me" (Howlin' Wolf) – 2:52
* todas as faixas compostas por Wilie Dixon, exceto as indicadas
