Quadrinhos no Cinema #12 - "Os Vingadores: Era de Ultron", de Joss Whedon (2015)

Ação, aventura, uma super-equipe muito bem entrosada e efeitos fabulosos. Mais uma vez Joss Whedon acerta em  um filme dos "Vingadores". A Marvel Estúdios foi certeira em deixar seus filmes mais fantásticos e bem-humorados e não sombrios e realistas, estilo que a Marvel faz geralmente e muito bem. "Os Vingadores: A Era Ultron" é bom, porém por seguir na fórmula de sucesso, faz co que seja mais do mesmo (Eu gosto deste mais do mesmo, e você?).
Tentando proteger o planeta de ameaças como as vistas no primeiro Os Vingadores, Tony Stark busca construir um sistema de inteligência artificial que cuidaria da paz mundial. O projeto acaba dando errado e gera o nascimento do Ultron (voz de James Spader). Capitão América (Chris Evans), Homem de Ferro (Robert Downey Jr.), Thor (Chris Hemsworth), Hulk (Mark Ruffalo), Viúva Negra (Scarlett Johansson) e Gavião Arqueiro (Jeremy Renner), tem a missão de neutralizar seus terríveis planos.

Nem o melhor, nem o pior, Ultron continua com
a sina de vilões mais ou menos da Marvel.

O filme é bom, se sustenta bem mas não é melhor que o primeiro filme. Neste segundo filme dos "Vingadores" a Marvel quis se conter mais, deixar mensagens sobre seus futuros filmes, se preocupando mais com isso do que trazer novidades ou contar uma boa história. Ele tem as mesmas qualidades dos outros filmes Marvel, e as mesmas falhas infelizmente. Falta um pouco de tensão, e apesar de cidades destruídas e lutas épicas o filme não tem um grande senso de urgência, os confrontos são muito mais fans services do que para melhorar o andamento do roteiro.

Muitos fãs não gostaram do vilão e realmente o Ultron do cinema é muito mais engraçado e "bobo" do que sua versão dos quadrinhos, mas para a história contada no longa faz todo sentido, já que ele foi criado da mente de Tony Stark. Essa relação Stark e Ultron é um dos pontos altos do filme e foi muito bem trabalhada. São estes dois personagens que carregam a carga mais filosófica do filme, até a chegada do Visão (Paul Bettany). Tanto Tony como Ultron, ao longo de todo filme tentam se provar, sem medir consequências.
A ação do filme é F0D@, os efeitos são maravilhosos, neste aspecto "Era de Ultron" é um show. Algumas cenas ficarão em nossas cabeças por longos anos como a cena inicial que já mostra o que devemos esperar do filme. Logo temos o duelo de Hulk vs Homem de Ferro que, MEU DEUS DO CÉU, é uma das coisas mais bonitas que eu já vi nesta minha longa vida (e aquela Hulkbuster é linda de mais). O confronto final com diversos Ultrons é uma repetição da invasão alienígena, mas e dai? Ela é fabulosa mostrando bem qual o poder de cada personagem.

Que cena maravilhosa, glamurosa!

Falando em espaço de cada personagem, isso também é bem trabalhado, alguns arcos são maiores que outros, mas no final o resultado deixou o filme equilibrado. Gavião Arqueiro (Jeremy Renner) tem um grande espaço no filme já que ele, o que mais se aproxima de uma pessoa comum (ou seja, você e eu), no longa é destacada essa sua parte mais humana e como é grande sua importância para equipe. Os novos personagens também são bem introduzidos: os gêmeos Pietro Maximoff/Mercúrio (Aaron Taylor-Johnson) e Wanda Maximoff /Feiticeira Escarlate (Elizabeth Olsen) que carregam uma carga dramática enorme, funcionam bem no filme apesar de pouco tempo de tela, fazendo com que nos importemos com eles. Outro personagem que também foi muito bem apresentado foi Visão, não só a cena onde ele aparece a primeira vez que, diga-se de passagem, é maravilhosa, mas todo sua origem e sua construção, as partes do Ultron, a joia da mente, J.A.R.V.I.S, e terminar com raio do Thor, mostrando que ele é a essência que faltava, o equilíbrio do grupo.
O filme não é nenhuma maravilha, mas dentro da proposta ação e aventura é excelente. A Marvel já tem um nome forte, seu universo cinematográfico está bem estabelecido e vai fazendo o feijão com arroz, mas como sou uma pessoa simples, adoro esse prato. O caminho escolhido foi acertado, "Vingadores: Era de Ultron", consegue concentrar tudo aquilo que tem de melhor nos filmes Marvel, humor, aventura, ação com um pouco de drama e um leve romance. Atira para todos os lados e acerta, não em cheio, mas acerta.  Mas agora chegou a hora da Marvel ir mais longe. Me surpreenda MARVEL.

Se o filme acabasse nessa cena eu já estaria feliz.

por Vagner Rodrigues

"Vingadores: Guerra Infinita", de Anthony e Joe Russo (2018)

Sabe que eu não gostei de "Vingadores: Guerra Infinita"? Indo na contramão de quase todos os comentários que li e ouvi, achei um dos piores filmes da Marvel. Parte técnica perfeita. Ok!, Mantida a coerência e a continuidade dos filmes anteriores. Beleza! Mas "Guerra Infinita" me pareceu o mais vazio dentre todos os filmes que levaram a este ponto do enredo. O roteiro não tem profundidade em nada. Só ação, ação, ação... É o filme mais 'super-herói' de todos os do MCU (Marvel Cinematic Universe), no pior sentido que isso possa representar. É tiro, porrada e bomba o tempo inteiro! Aí dá um tempo, um papinho qualquer, uma piadinha e, de novo, tiro, porrada e bomba...
Por já ter construído os personagens e encaminhado o enredo ao longo de todos os filmes de origens e suas sequências, este vê-se descompromissado disso autorizando-se a somente se fixar na aquisição das Joias do Infinito por parte do tirano Thanos, e mais nada. Há um pequeno reforço na construção do vilão, fragilíssima até então, limitada a flashes e cenas pós-crédito nos longas dos heróis; e uma certa humanização do personagem que nos faz ter até uma certa simpatia por ele, mesmo sabendo da grandeza trágica de suas intenções; mas, enquanto desenvolvimento, ficamos por aí.

Thanos tentando preencher sua manopla com as Joias
que lhe darão poder supremo no universo.

Personagens são subutilizados, outros são inúteis, outros são ridículos e, Bruce Banner, por sua vez, consegue ser as três coisas, num conflito interno patético não conseguindo se transformar na fera verde durante todo o filme e não justificando sua presença na trama, senão por uma piadinha aqui outra ali.
Pra completar, o final que fez muita gente vibrar pelo componente dramático, trágico e que promete sequência(s) foi mais um elemento que me deixou desgostoso e insatisfeito, uma vez que, mesmo com toda a amarração entre filmes e heróis, a Marvel nunca fez um filme tão dependente de outro deixando tudo completamente em aberto. Quando se vai assistir a "Kill Bill, volume 1" está claro que o complemento depende um volume 2, mas quando se vai ver um filme de uma linha que, de uma forma ou de outra, sempre se revolveu dentro de cada episódio, o espectador está esperando ao menos que aquela história se complete. Mas não foi o caso desta vez. Me senti quase da mesma forma de quando fui assistir "Matrix Realoaded" e, mesmo sabendo que a trilogia seria finalizada somente no "Revolutions", fiquei completamente decepcionado por ter permanecido mais de duas horas dentro do cinema para  que durante todo aquele tempo, depois de inúmeras lutas infindáveis e improdutivas, nada tivesse acontecido. Nada aconteceu neste? Não. Alguma coisa aconteceu. Mas, na minha opinião, foi muito barulho pra pouca coisa.

Cly Reis

“Adão Negro”, de Jaume Collet-Serra (2022)

 

Semanas atrás Leocádia e eu fomos a uma sessão de pré-estreia no GNC Cinemas do Praia de Belas Shopping do novo sucesso de bilheteria da DC Films, “Adão Negro”, com o astro Dwayne "The Rock" Johnson. Legal? Impossível dizer que não. Cenas de aventura empolgantes, efeitos visuais de alto nível, desenho de som impecável, roteiro eficiente, astros consagrados, trilhas com músicas pop... Tudo embalado para que a coisa funcione. Mas será que "funciona" mesmo? Talvez sim, e talvez seja exatamente este o termo mais adequado: cumprimento de função.

Spin-off de "Shazam!" (2019) e "Shazam!: Fúria dos Deuses" (2022), o filme conta a história se passa após quase cinco mil anos de prisão de Adão Negro, um anti-herói da antiga cidade de Kahndaq, no que seria o Oriente Médio, que é libertado nos tempos modernos. Suas táticas brutais e seu modo de justiça atraem a atenção da Sociedade da Justiça da América (JSA), que tenta impedir sua fúria e ensiná-lo a ser mais um herói. Além disso, Senhor Destino (Pierce Brosnan), Gavião Negro (Aldis Hodge), Esmaga-Átomo (Noah Centineo) e Cyclone (Quintessa Swindell) se unem para impedir uma força maligna mais poderosa que a do próprio Adão.

Filmes de super-heróis são uma verdadeira galinha dos ovos de ouro para o cinema comercial do século XXI. Após mais uma crise da indústria cinematográfica nos anos 90, quando o envelhecimento dos realizadores consagrados do cinema comercial como Spielberg, Lucas e Zemeckis se deparou com a falta de agentes capazes de trazer um novo produto para a permanente necessidade de novidade da sociedade de consumo, o avanço técnico da era digital permitiu que o cinema pudesse concretizar algo que vinha ensaiando há décadas: a transposição dos quadrinhos de heróis para as telas. E a considerar a riqueza temático-simbólica dos HQs, bem como a amazônica quantidade de histórias e personagens a serem explorados, este se tornou o caminho certo para a construção do novo blockbuster.

O Adão Negro do
HQ original da DC

Pujante, a lógica de oferta e procura se estabeleceu. A produção é tamanha que, após duas décadas de produções milionárias e geralmente exitosas em bilheteria, Hollywood criou, claro, um padrão. “Adão Negro”, com todos os seus elementos inerentes à obra original da DC Comics, não foge à regra. Tem as características da história original, mas, de resto é tudo o mesmo formato repetido em novas condições narrativas. E isso é escalonado de forma exemplar, que vai do conceitual - como a prevalência do maniqueísmo e as simplificações morais - aos arranjos narrativos, como as piadas, o impacto de uma música retrô e até o tempo de duração das falas. Pois há, claramente, por mais que a dinâmica do filme amortize essa constatação racional com tantos tiros, estrondos, movimentos rápidos, edição agilíssima e luzes, muitas luzes, percentuais para a quantidade de falas e de não-falas. Por melhor que seja, por mais que funcione, que empolgue o público e cumpra a função de entreter, impossível não sair com a impressão de que não se está vendo imagens, mas estatísticas. 

Nada contra a ideia de blockbusters e nem de exploração do filão graphic novel em audiovisual. O que questiono é: será que esta fórmula funciona de verdade a ponto de se sustentar por mais anos sem desagaste? Continuarão avançando na tática de, igual a Globo aplicava ao humorístico Zorra Total, misturar personagens incansável e indistintamente até nem se saber mais de onde cada um veio? Quentin Tarantino recentemente disse que jamais rodaria para a Marvel, pois considera que filmes deste tipo sejam fruto de uma prática de mercado produtivista a qual ele, ligado ao cinema de autor, não se enquadra. Martin Scorsese, tempo atrás também se manifestou contrário ao declarar que o universo cinematográfico da Marvel está "mais próximo dos parques de diversão do que do cinema". Vindo de dois autores que revolucionaram e mudaram a história do cinema é, no mínimo, de considerar a interrogação quanto ao que se esperar no futuro do “grande cinema”.

The Rock e os atores que fazem os super-heróis da JSA

Ao final, se sai do cinema cativado, pois se fez tudo psicosinestesicamente para que isso aconteça, mas muito mais amortecido do que outra coisa. É tanta superexposição a estímulos sensoriais, que não há como absorver. O script não tem erro, e isso é um defeito: não há espaço para apreciação e nem elaboração. O filme é tão consumível e embalado quanto a pipoca e o refrigerante que se come assistindo.

Não digo que tudo isso seja ruim, e nem que filmes da DC ou Marvel devessem parecer uma obra de Bergman constituída basicamente em diálogos. Mas para poder dizer com segurança que filmes assim como "Adão Negro" convencem, ainda falta algo mais do que simplesmente cumprir uma função. Por mais que a intenção seja ao de tentar me alegrar.

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"Adão Negro" - trailer

Daniel Rodrigues

"Thor: Ragnarok", de Taika Waititi (2017)

"Thor: Ragnarok" é um grande barato! É verdade que se afasta da linha que a Marvel vem montando em seu universo cinematográfico, não contribui muito para as amarrações que a produtora costuma encaminhar entre um filme e outro mas nada disso importa muito n fim das contas. O novo Thor é divertidíssimo, empolgante, tem cenas de tirar o fôlego e outras de cair o queixo. A parte técnica é impecável, o que garante momentos e cenários impressionantes.
Chris Hemsworth parece muito à vontade com esta nova situação de seu personagem, descontraído, cheio de tiradas e piadinhas, bem como Mark Ruffalo, fazendo seu melhor Hulk, para mim, até agora. Jeff Goldblum como Grão-Mestre está impecável e encantadoramente caricato, e Cate Blanchett, embora desperdiçada enquanto talento num papel que não lhe exige muito em interpretação, é muito bem aproveitada enquanto presença e imposição, fazendo uma Hela, irmã renegada de Thor, muito convincente e majestosa encarnando muito bem a vilã, cujos  cabelos pretos que lhe caíram muito bem e um figurino sexy sem ser apelativo fizeram com que ficasse diabolicamente sedutora.

O confronto Holk vs Thor é

um dos grandes momentos do filme.

O roteiro tem alguns defeitos, alguns problemas como a subvalorização do Ragnarok, profecia do fim de Asgard, que não somente ilustra o título do filme como aparece com destaque na primeira sequência e depois é abandonada e esquecida até ser lembrada, assim, meio que como quem acha uma moeda no bolso, lá pelo final do filme. Mas em meio à revelação da tragédia profética pelo demônio Surkur e de seu resgate no epílogo, o velho Odin morre e sua morte liberta sua filha, até então desconhecida por Thor e seu irmão adotivo Loki, exilada por conta de sua fúria assassina incontrolável. Ambiciosa e ferida, Hela, a Deusa da Morte quer conquistar Asgard e de lá, utilizando o Bifröst, portal para os demais reinos, expandir seu domínio de destruição. em mais uma mancada de Loki, ele abre a passagem para Asgard, Hela aproveita o vacilo, entra e ao tentarem detê-la, durante a viagem, Thor e Loki são jogados para fora do túnel interdimensional caindo ambos num planeta lixão repleto de portais e passagens par outros locais do universo, governado pelo Grão-Mestre que se diverte promovendo lutas em sua arena de gladiadores. Thor, enfraquecido sem seu martelo destruído por Hela, é capturado facilmente e colocado no ringue para enfrentar o lutador do Grão-Mestre, nada menos que o Hulk, idolatrado no planeta como o grande campeão das lutas. Aí já viu, né? É loucura total.
Talvez o descompromisso com o restante do arco Marvel tenha deixado "Thor : Ragnarok" mais solto, mais livre, quase como aquele número de quadrinhos avulso, que não tem relação direta com uma série ou uma trama mas que proporciona aquele prazer inesperado ao fã  de HQ's. Se não é nenhuma obra-prima, nenhum graaande filme, Thor consegue ser interessante praticamente o tempo inteiro, seja pelo frenesi, seja pelas imagens, pelos personagens ou pelo humor, sem falar que nos proporciona algumas cenas memoráveis como a da destruição do martelo por Hela como se fosse um brinquedinho; a do embate do Rei do Trovão contra o Hulk na arena em Sakaar; e, especialmente, a cena da batalha na ponte Bifröst ao som de "Immigrant Song" do Led Zeppelin, algo simplesmente de arrepiar!

"Thor : Ragnarok" - trailer

Cly Reis

"Hulk", de Ang Lee (2003) vs. "O Incrível Hulk", de Louis Leterrier (2008)

Não é exatamente de um remake, é mais um arrependimento. Depois de ver o resultado final de "Hulk", de 2003, sua baixa aceitação e fraca bilheteria, a Marvel, até para incluir no arco de seu Universo Cinematográfico que começara a se desenvolver a partir de "Homem de Ferro", resolveu fazer tudo de novo.. só que diferente. 

Mesmo contando com um belo orçamento, com um elenco interessante de nomes como Eric Bana, Jennifer Connely, Nick Nolte, e com um diretor de primeira, o oscarizado Ang Lee, o primeiro filme do monstrão verde não agradou a quase ninguém. A história até que era boa, explorando desde a origem, desde as experiências do pai de Bruce, resultando na mutação que o tornava resistente aos raios gama, só que desenvolvida de maneira um tanto atropelada, cheia de pontas soltas e bastante insatisfatória, como o próprio diretor, inclusive, admite. A linguagem visual também era bem interessante, remetendo diretamente às HQ's, com tela dividida, um colorido bem característico vivo e vibrante, fontes de texto típicas de HQ e onomatopeias na tela. O grande problema mesmo foram os efeitos especiais e, principalmente, o visual da criatura. 

Meu Deus!...

O Hulk, exatamente o elemento que deveria receber o maior cuidado, o melhor tratamento, parecia de borracha, totalmente artificial. Parecia um daqueles bonecos que se vende nos camelôs em época de Dia das Crianças ou Natal. Deprimente! Aí não teve jeito: o filme perdeu todo o crédito e toda a boa vontade por parte de crítica e público.
Já que ia começar, mesmo, um novo projeto, um universo contínuo, interligado e coerente entre os personagens, a Marvel, diante do insucesso do filme de origem do homem verde, resolveu refilmar o negócio todo, reformulando o elenco e trocando o diretor. É que nem aquele clube que investiu no time numa temporada, fez boas contratações, chamou um técnico de renome mas não ganhou nada e ainda foi malhado pela crônica esportiva. O que que o presidente do clube fez, então? Pra começar, contratou um gerente de futebol, que seria, no caso, o Kevin Feige, pra capitanear o projeto MCU. Com o novo manager à frente, contrataram um novo camisa 9, Edward Norton, pra ser o homem decisivo; alguém competente ali pro meio-campo, a simpática Liv Tyler, que não é nenhuma craque mas dá conta do recado; um cara ágil pra acelerar o jogo, o bom Tim Roth; e um medalhão, o veterano William Hurt, já com um prêmio de melhor do mundo FIFA nas costas (ou seja, um Oscar), pra ser aquele cara pra garantir a experiência do grupo. Pra conduzir o time, ao invés de apostar em nome de impacto, faixa no peito, taã no armário e coisa e tal, o novo diretor de futebol acabou optando por um técnico mais afeito com o tipo de jogo pretendido: correria, bola na área, marcação alta... Tiro, porrada e bomba, pra resumir. Louis Leterrier, não era nada de mais, nada brilhante, mas era acostumado com filmes de ação e, até por isso, o resultado final ficou bem mais aceitável. "O Incrível Hulk", de 2008, também não é nenhuma obra-prima mas atendia melhor as expectativas do estúdio e do público, que, até pela relação estabelecida com "Homem de Ferro" e a promessa implícita de um longa dos Vingadores, recebia bem melhor o novo projeto.
O reboot abria mão de toda a parte de origem do personagem, o que no original era crucial e ocupava boa parte do filme, para limitar-se a resumir todo o surgimento do Hulk ao longo os créditos iniciais, e daí já desembocar no momento em que, meses depois do incidente, nosso herói, alvo dos militares que desejavam o poder obtido na experiência, se escondia numa comunidade do Rio de Janeiro, tentando viver sua vidinha o mais normalmente possível, enquanto tenta descobrir uma forma de dominar permanentemente aquela coisa que quando surge de dentro dele, é incontrolável.

A sequência da perseguição na favela da Rocinha é eletrizante, a cena no campus da universidade é muito legal e a briga final entre o Hulk e o Abominável, o monstro em que o militar Blonsky, vivido por Tim Roth, se transforma, é, esta sim, digna de um filme de super-herói. Sem falar nos easter-eggs recheados de nostalgia: os olhão verdão arregalado de Banner, na primeira transformação, na fábrica, imitando a expressão de Bill Bixby, o Banner do seriado dos anos 70; a própria "aparição" de Bixby, já falecido, na tela de uma TV, na casa de Bruce; a participação de Lou Ferrigno, o fortão que fazia, sem efeitos especiais, o homem-verde na série, como segurança na faculdade; e uma breve mas significativa execução de "The Lonely Man Theme", aquela música triste que tocava no final da série quando, depois de transformado, reestabelecido como humano, o Dr. Banner seguia, sem destino por alguma estrada em busca de si mesmo e convivendo com aquele monstro que não sabia como controlar.

"Hulk" (2003) - trailer

"O Incrível Hulk" (2008) - trailer

Ampla vantagem para o filme novo: Edward Norton é muito mais jogador que Eric Bana, William Hurt, como General Ross, é muito melhor que Sam Elliot, no mesmo papel; o Abominável é um vilão muito mais fodão que o Homem-Absorvente (agora, veja só o nome...); o Hulk em si, sua figura, sua textura, sua interação com o ambiente, toda a CGI dão um banho de bola no antigo; e as referências ao seriado antigo...ah! aí desequilibra o jogo.
A namoradinha, Beth Ross é um caso à parte porque, se, por um lado, Jennifer Connely do filme de 2003 é mais atriz, por outro, a personagem da segunda versão é mais fiel, mais parceira, menos filhinha-do-papai.
A favor do primeiro filme temos o fato de esmiuçar as origens, a experiência, que levou à metamorfose; e, especialmente, a estética de histórias em quadrinhos que ficou muito show. Mas não é o suficiente. O "Incrível Hulk" de Louis Leterrier esmaga o "Hulk" de Ang Lee e vence facilmente.

Aqui, os principais destaques
das duas versões, lado a lado.

O Hulk de 2008 dá uma surra no Hulk de 2003 igual àquela que 

ele mesmo viria a dar no Loki em "Os Vingadores". 

Tratando como se fosse um boneco (e parecia ser mesmo, não?)

Vitória fácil do Verdão.

(Ah, os dois jogam de verde...)

Então, vitória do Incrível Verdão!

por Cly Reis

"Homem-Formiga", de Peyton Reed (2015)

E eu hesitei em ver "Homem-Formiga"! Não é nenhuma obra-prima, filmaço, não é o melhor filme da Marvel mas é muito bacana. Entretenimento e diversão garantidos. Um personagem carismático, situações engraçadas, cenas de ação de tirar o fôlego, efeitos especiais empolgantes, uma história coerente dentro do que se propõe e totalmente encaixada dentro do universo Marvel, cheia de ganchos e ligações com personagens e projetos futuros da produtora.
Um ladrão brilhante, recém saído da cadeia, Scott Lang (Paul Rudd), é o cara certo para recuperar para um cientista, Hank Pymm (Michael Douglas), o projeto de um traje que permitirá que pessoas possam ser encolhidas para fins bélicos. Utilizando o protótipo, o projeto original, Lang deve entrar nas instalações da antiga empresa onde Pymm trabalhou durante anos e, fazer o que sabe de melhor, roubar o projeto.
As cenas de encolhimento e aumento do personagem são demais, a cena do trenzinho Thomas e da formiga gigante já nos momentos finais do filme é um barato mas, se eu já estava gostando do filme àquelas alturas, a cena do "Disintegration" foi pra ganhar de vez um fã de The Cure como eu. Mas nem precisava. Não foi por causa disso. O filme é bem legal.

A cena do trenzinho:
Ação em miniatura.

Cly Reis

Wakanda Forever! A representatividade negra nas HQ’s, séries de streaming e blockbusters norte-americanos

O trono de Wakanda está vazio e, com ele,
também o da representatividade negra de heróis no cinema.

Quando fiquei sabendo da morte precoce de Chadwick Boseman, ator que entre outros trabalhos interpretou o Pantera Negra, fiquei triste e preocupado. Essa preocupação se dá, pois essa perda se deu no decorrer de mais uma semana de intensos conflitos raciais nos EUA, impulsionados pela violência histórica e estrutural da polícia norte-americana contra os negros. Parei um momento para fazer uma pequena reflexão, sobre como a questão racial e de representatividade de heróis e heroínas negros nas histórias em quadrinhos (HQ’s), pode ser explorado de forma pedagógica e ligada diretamente ao Ensino de História.

Na década de 1960 os Estados Unidos da América encontravam-se ainda segregados racialmente, resquício da Guerra de Secessão (1861-1865) de cem anos antes. De forma resumida, podemos compreender que foi a luta dos estados do norte industrializado, que defendiam o fim da escravidão, a fim de que os antigos escravizados se tornassem trabalhadores assalariados, impulsionando assim o capitalismo emergente do período. Do outro lado tínhamos os estados do sul escravagista, que defendiam a manutenção da mão de obra escrava, pois consideravam que perderiam muito capital com a emancipação dos escravizados.

A importância então das HQ’s e, mais tarde, dos filmes que colocavam em evidência protagonistas negros possibilitou a ruptura de estereótipos, que ainda hoje são presentes em nossa sociedade. Estereótipos estes, que colocam ainda os pretos e pardos como subalternos, ligados a uma subcultura, ligados à criminalidade ou dependentes de figuras brancas, símbolos da colonização europeia.

Como não pensar, por exemplo, em Tarzan quando se fala em heróis africanos. Ainda que o Tarzan tenha sido um nobre europeu branco, que sofreu um naufrágio na costa africana, foi criado por macacos e quando enfrentava tribos negras, essas tribos eram retratadas como vilãs em algumas de suas aventuras.

Da mesma forma, pensar em Allan Quatermain, o explorador branco inglês, símbolo da colonização europeia da região. Ou no Fantasma, que começa sua trajetória nas selvas asiáticas, mas depois é deslocado para o continente africano. Ao pensar em heróis africanos no início do século XX, pensava-se em brancos que representavam o colonialismo branco europeu.

O Pantera Negra foi, de certa forma, responsável pela redescoberta
de outros heróis negros, como, por exemplo, Misty Knight e Luke Cage.

Quando o escritor Stan Lee e o ilustrador Jack Kirby se uniram para criar o Pantera Negra em 1966, ainda que por diversas vezes tenham alegado que não havia ligação com o movimento político Black Panthers, o herói acabou sendo símbolo justamente dessa quebra de paradigmas e estereótipos ligados aos negros de forma geral, pois era um rei, gênio cientifico, líder de uma nação tecnologicamente superior a qualquer outra no planeta. Lembrando novamente que isso ocorreu justamente durante a luta pelos direitos civis dos negros americanos, que até então não podiam frequentar bares, comércios, igrejas e até mesmo escolas públicas que eram destinadas aos brancos. Nos ônibus, trens e metros, os espaços destinados aos negros eram os do fundo desses transportes.

Ainda que de forma ficcional, o Pantera Negra serviu e serve ainda hoje, como símbolo dessa quebra de padrões e imposições, além é claro de personificação imagética do antirracismo. Quando o Marvel Studios lançou em 2017 o filme "Pantera Negra" nos cinemas, a repercussão política e social do Blockbusters foi tanta, que gerou uma das maiores bilheterias da franquia de heróis até hoje. O mais importante, no entanto, foi o empoderamento de várias crianças e adolescentes negros em todo o mundo, que passaram a se sentir representadas na figura do herói. Lembro que falamos por semanas nas minhas aulas sobre o filme e ainda falamos muito sobre ele até hoje.

Outros heróis negros, que eu já conhecia como aficionado desde a adolescência em HQ’s, passaram a ser redescobertos, como Luck Cage e Misty Knight, vistos na série da Netflix Luke Cage. Adaptações foram feitas em séries para canais de streaming, como a segunda temporada de Watchmen da HBO, que coloca a questão racial no centro da trama, sendo que a protagonista da série é uma heroína negra. Podemos citar também outros personagens negros da DC como Ícone, Vixen, Super Choque, Raio Negro, entre tantos outros, que servem para reflexão sobre essa temática.

Será que Pierre Bourdieu, pensador que desenvolveu também o conceito de representatividade, conseguiria imaginar um aprofundamento desta questão sob esta ótica?

Espero, de coração, que o trono, da nação fictícia de Wakanda não fique vazio por muito tempo nas novas produções da Marvel. Que a morte do excelente ator Chadwick Boseman, protagonista de outros trabalhos que merecem reconhecimento também, possibilite uma reflexão sobre a importância da representatividade, sobe os mais diferentes aspectos, assegurando o empoderamento e a visibilidade daqueles que não se sentem representados de forma equânime. Wakanda Forever!

por  C L E B E R     T E I X E I R A     L E Ã O

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Cleber Teixeira Leão é professor da Rede Estadual de Ensino do Rio Grande do Sul, onde atua há 10 anos. Também é músico e pesquisador de Ensino de História.
Em seu Mestrado Profissional de Ensino de História pela UFRGS, desenvolveu uma pesquisa no campo das relações étnico-raciais, com foco no conceito do estudo crítico da branquitude, sobre a qual apresenta os dados produzidos a partir dela, para professores, pesquisadores e o público em geral, em webinarios, debates e podcasts.
Cleber é morador do bairro Restinga, zona periférica da capital gaúcha, local de movimentos culturais negros de grande expressão no cenário porto-alegrense, do qual ativamente faz parte.

Referências:

BOURDIEU, Pierre. “Esboço de uma teoria da prática”. In: ORTIZ, Renato (org.) Pierre Bourdieu. São Paulo, Ática, 1994.
BOURDIEU, Pierre. Coisas ditas. São Paulo, Brasiliense, 1988.
BOURDIEU, Pierre. A economia das trocas linguísticas. São Paulo: Editora da Universidade de São Paulo, 1996.
MUNANGA, Kabengele (org.) Superando o racismo na escola. 2. ed. Brasília: MEC/SECAD, 2005. Disponível em: https://bit.ly/2v374Ty. Acesso em: 14 maio 2018.
https://www.huffpostbrasil.com/2018/02/15/pantera-negra-entenda-a-origem-e-a-importancia-do-1o-super-heroi-negro-mainstream_a_23362850/

"Homem-Formiga e a Vespa", de Peyton Reed (2018)

Em prisão domiciliar depois das estrepolias com os Vingadores em “Capitão América: Guerra Civil, Scott Lang (Paul Rudd) ainda parece guardar alguns resquícios de sua redução extrema e sua breve passagem por uma outra dimensão. São fragmentos como estes que sinalizam ao Dr. Hank Pym (Michael Douglas) que a viagem de Lang pode ser uma chave para trazer sua mulher de volta daquele plano extradimensional do qual ela nunca mais voltara depois de uma missão na qual também tivera que se reduzir radicalmente. Só que enquanto Pym, com a ajuda de Lang que parece estar recebendo sinais da esposa perdida no vazio, busca esta chave multidimensional por razões emocionais, um empresário de tecnologia e uma misteriosa mulher que desafia os princípios da matéria, aparecendo, desaparecendo, se dissolvendo e refazendo, querem os experimentos de Pym para outros fins e irão atrapalhar muito os planos do cientista, de sua filha Hope (Evangeline Lilly), desta vez devidamente equipada no traje de Vespa e, é claro, do Homem- Formiga.

“Homem-Formiga e a Vespa” é elétrico, é empolgante, as constantes reduções e aumentos de coisas improváveis como prédios, carros,... balinhas da Hello Kitty são uma grande barato e os efeitos especiais e o 3D são um show à parte. Mas o filme sofre com um argumento complicadíssimo que talvez somente um especialista em física quântica possa realmente compreender. Vá lá, sei, não precisa se levar tão a sério, basta aceitar a proposta e relaxar. É verdade, mas mesmo assim, de modo a dar sustentação a todas as ações e intenções dos personagens, é interessante que o elemento que é o ponto central da trama, seja um pouco mais acessível ao espectador. Além disso, o filme sofre com uma certa indefinição e má caracterização do vilão, se é que existe um. Quem é? O que quer na verdade? São os dois? Mas a Fantasma é vilã? Aquele carinha ridículo é o vilão principal? No fim das contas, parece não haver efetivamente este elemento e, sim, dois personagens que, somados à polícia que está sempre no pé de Lang, apenas dificultam as ações dos mocinhos da história.

Filme da linha mais light da Marvel, “Homem Formiga e a Vespa”, além da valiosa cena pós-créditos que amarra com aquele final misteriosamente trágico de "Vingadores: Guerra Infinita", vale pela correria, pelo aumenta/encolhe, pelos efeitos especiais, pela diversão, pelas risadas, mas era isso. Nosso herói pode aumentar do tamanho que for, seis, vinte metros, ficar do tamanho de um prédio, que “Homem-Formiga e a Vespa” continuará não alcançado seu antecessor e muito menos chegando nem perto do tamanho das melhores produções do MCU. É apenas um formiguinha neste universo.

Aumentando!
Nosso herói surge gigante diante de um ferry-boat

Cly Reis

Banda Black Dog - Calabouço Bar - Rio de Janeiro (18/01/2019)

Já havia visto a banda Black Dog, cover do Led Zeppelin, se apresentar no antigo Rio Rock & Blues Club, hoje Rock Experience, tocando, com extrema competência o álbum conhecido como "Led Zeppelin IV" na íntegra, e, neste último sábado, quando eu e meus amigos Giuliano Comerlato e Lucio Lorandi, que depois de algumas rodadas de cerveja artesanal procurávamos exatamente por algum programa musical para fechar a noite, soubemos que eles estariam no Calabouço Bar, corremos para lá, uma vez que estávamos mesmo ali pertinho. E a Black Dog não decepcionou! Correspondendo a toda a propaganda que fiz deles a meus amigos, mandou uma pedrada atrás da outra com uma qualidade incrível. Pôs fogo em tudo com a destruidora “Communication Breakdown”; executou com brilhantismo “Baby, I'm Gonna Leave You” com todas suas variações; "Kashmir" mesmo com toda sua exigência técnica; embalou a galera com o reggae contagiante “D’yer Mak’er”; e pôs o lugar abaixo com “Black Dog”, “Rock’n Roll” e especialmente com “Immigrant Song”, mais do que nunca popularizada depois de fazer parte da trilha sonora do filme da Marvel. Depois de uma parada pra tomar um ar e uma aguinha, ainda voltaram para um bis recheado de Deep Purple e Black Sabbath que agradou igualmente ao público do Calabouço.

Grande noite com os amigos, regada a cerveja e muito rock’n roll, na qual a Black Dog teve grande contribuição no segundo tocante à segunda parte nos fazendo voltar para casa com a alma cheia.

Black Dog - trecho de "Immigrant Song"

Cly Reis

Quadrinhos no Cinema

"Watchmen', filme que divide opiniões

Devido ao enorme sucesso das adaptações do Estúdio Marvel para o cinema (sucesso de publico e crítica) e a corrida da DC para não ficar para trás, e também por eu ser um enorme fã de quadrinhos e cinema, resolvi me aventurar nesta maratona de filmes baseados em quadrinhos, e fui um pouco além dos filmes de super-heróis. Vou falar na influencia dos quadrinhos no cinema, não contar a historia dos quadrinhos, nem entrar muito no mundo das HQ's, mas sim nos filmes, por isso não falarei (já falando) do fabuloso Will Eisner, que tem muito da narrativa do cinema nos seus trabalhos.

A atual "era de ouro" dos Quadrinhos

A quantidade de filmes baseados em quadrinhos tem crescido muito nos últimos anos, em sua maioria há uma grande preocupação de manter o espirito dos quadrinhos na grande tela, infelizmente nem sempre e assim já que temos produções quase que diárias do “gênero” nos cinemas. Mas sempre tivemos boas adaptações desde os tempo dos seriados cinematográficos como Flash Gordon’s Trip To Mars (1938).

Akira não poderia faltar

Cinema e quadrinhos sempre foram muito próximos, por um motivo, os dois dão primazia à imagem, por isso essa relação de influencias tão fácil, esse é o motivo pelo qual as duas mídias dialogam tão bem. Esta proximidade fica clara ao analisarmos o uso do recurso das storybords, que é o planejamento da cena quadro a quadro, antes de se filmar. O storybord é quase uma HQ, muitos diretores utilizam esta ferramenta desde o saudoso Hitchcock , que foi um dos maiores adeptos da técnica, até James Cameron.

Nem só de "supers" vivem os quadrinhos

Está não é uma lista definitiva das melhores adaptações de todos os tempos, até porque eu não assisti todas as adaptações (são muitas, não tinha como) e sim as minhas melhores. A escolha foi feita de como eu vi o respeito do filme pela HQ, desde a escolha do diretor, se seu estilo combina, pois diretores muito autorais procuram mudar um pouco a história, e isso às vezes pode ser muito bom ou um enorme fracasso, passando pelos atores e como eles interpretam o personagem, a minha identificação com os mesmos, as mudanças de roteiro, tudo foi analisado. Assim, escolhi aquelas que mesmo com mudanças grandes no roteiro (nem todas), mantiveram o espirito da revista, podem não ter sido fieis às HQ's, mas o impacto da história em mim foi o mesmo, pois na minha visão, isso é o mais importante não precisa ser exatamente aquilo que eu vi na revista, mas o espírito da obra original tem que ser mantido. Haverá alguma comparação com HQ's, mas, dentro do possível, tentarei analisar apenas filme. Mas repito, é uma lista PESSOAL, pois adaptações sempre geram polêmicas, devido à paixão dos fãs por suas HQ's. Sinta-se a vontade para discordar, OK?

Então aguarde porque depois de invadirem a tela do cinema, os quadrinhos invadirão a tela do seu computador.

Prepare-se. Eles estão chegando.

Christopher Reeve, o Superman definitivo.

por Vagner Rodrigues

"Dead-End: Na Velocidade dos Anos Solitários", de Seyer (1990)

"Um olhar mais atento se dá conta

que o noir de Seyer é ainda mais noir

que os policiais do anos 40 -

ele é menos aveludado do que seus inspiradores,

tem menos glamour.

É rigorosamente gráfico.

Os rostos conhecidos, reconhecidos, convenientes,

próprios a esse repertório, são mais signos do que símbolos."

Jean Luc-Cochet,

quadrinista e escritor

Cinema e quadrinhos têm uma relação muito próxima de longa data. Além dos story-boards, guias organizacionais de diretores para o andamento de uma história, as adaptações de obras pensadas originalmente para papel são parceiras da telona há bastante tempo, e, mais recentemente, ganharam uma força enorme com a ascensão dos estúdios da Marvel e da DC. Já o caminho inverso não costuma ser tão exitoso, uma vez que, grande parte das vezes, quando quadrinistas resolvem passar para o papel uma obra cinematográfica de sucesso, se limitam a reproduzir os quadros da película.
"Dead-End, Na Velocidade dos Anos Solitários" é diferente dessa mera transposição de cenas para as HQ's. A graphic-novel é inspirada e ao mesmo tempo é uma reverência ao cinema. Seyer, o artista responsável pelo trabalho, se utiliza de cenas clássicas, de imagens consagradas de ícones de Hollywood como Humphrey Bogart, Lauren Bacall, James Cagney, Orson Welles, entre outros, para compor sua obra, mas fora do contexto em que elas apareciam originalmente, criando algo totalmente diferente e original. Na história de Sayer Bogart não é o detetive Sam Spade, de "O Falcão Maltês", e sim um cara encrencado tentando arranjar alguma grana e sobreviver como puder; Welles não é o corrupto capitão Hank Quinlan de "A Marca da Maldade", e sim um dono de uma espelunca muito mal frequentada; e a bela Lauren Bacall passa longe de ser a blonde fatal de "À Beira do Abismo" para encarnar um prostituta vulgar de última categoria. O universo de Seyer é esse: a tônica dos filmes noir norte-americanos americanos, só que tudo ainda mais sujo e podre.
A trama é bastante simples: na Nova York dos anos '30, dois caras, ferrados, endividados, jurados de morte pelo gângster do pedaço, sem ter nada a perder, vão para uma cartada final praticamente suicida, roubando um malote e tentando dar o fora da cidade. Só que as coisas não saem exatamente como eles imaginavam e a dupla de perdedores acaba se complicando cada vez mais.
Homenagem ao cinema noir dos anos 40, "Dead-End...", publicada em 1990, hoje é considerada praticamente um cult das HQ's, e tornou-se um verdadeiro item de colecionador. Um exercício de reimaginação do universo do cinema, praticamente recriando personagens que conhecemos com uma visão muito original. Um clássico das HQ's que honra os clássicos do cinema.

Rostos conhecidos, Bogart, Welles, cenas familiares, mas com outra roupagem,
em outra história, diferente (mas nem tanto) das originais em que costumamos vê-los.

 

Cly Reis

Novidades Animadas

Fiz recentemente duas aquisições relacionadas com o fascinante mundo dos desenhos animados, que de certa forma coloriram nossas infâncias e mesmo hoje ainda fazem mundo marmanjo parar na frente da TV e dar risada das "maldades" do Pica-Pau, do sadismo do Pernalonga ou do silêncio charmoso da Pantera-Cor-de-Rosa:

"ANIMAQ - O ALMANAQUE DOS DESENHOS ANIMADOS", de Paulo Gustavo Pereira

Um deles é "ANIMAQ - O Almanaque dos Desenhos Animados", uma publicação que acaba sendo um adorável exercício de nostalgia para os fãs de desenhos animados. Lembrar de desenhos esquecidos, de personagens queridos, seus gritos de guerra, seus bordões, seus uniformes. O livro faz uma linha de tempo, desde os anos 30 até hoje, com as datas de produção e exibição, com breves descrições do desenho citando origens, apetrechos, frases, temas musicais e em alguns casos episódios marcantes.
Bastante completo e bem pesquisado, vai desde Betty-Boop, passando pelos clássicos da Hanna-Barbera (Zé Colméia, Flintstones, Scooby-Doo), os da Warner Bros. (Pernalonga, Papa-Láguas, Patolino); os heróis da Marvel (Homem-Aranha, Homem-de-Ferro) e os da DC (Batman, Super-Amigos), citando mangás como Speed-Racer e Cavaleiros do Zodíaco, até chegar aos mais atuais como South Park, Dexter ou os Backyardigans.
Ponto negativo são as excessivas repetições de informação, tipo, se um desenho teve mais de uma versão em décadas diferentes, automaticamente alguma informação acaba sendo mencionada novamente no texto da outra temporada, bem como quando faz menção a desenhos relacionados (algo como, falar de Wally Gator na parte dedicada a ele e repetir a informação quando fala da Hiena Hardy porque fazia parte do Show do Wally Gator também) ou voltar a falar de todos eles nos textos especiais sobre as produtoras (HB, Warner Bros., Disney) o que acaba só acumulando linhas, páginas e deixando por vezes uma leitura ou pesquisa que deveria ser prazerosa, cansativa, repetitiva e meio chata. Mas este defeitinho não é suficiente pra derrubar o bom trabalho do autor, Paulo Gustavo Pereira, e no fim das contas o livro é uma viagem bem legal no túnel do tempo.
Nas páginas finais ainda tem uns extras com alguns textos das locuções de abertura de desenhos como o inesquecível da Corrida Maluca, "aqui estão agora os volantes mais birutas do mundo"; e letras das canções tema, como, por exemplo, a do divertido George da Floresta, "George, George, George of the Jungle/ Strong as he can be/ watch out for that tree!", aí ele dava aquele grito longo imitando Tarzã e dava com a cara na árvore.Lembram?
Pois é, o "ANIMAQ" nos traz este refresco de memória.
Um barato!

"SATURDAY MORNING - CARTOONS GREATEST HITS (1995)

E a propósito de canções de desenhos, a outra compra foi o CD "Saturday Morning", que tem trilhas de desenhos animados gravadas por diversas bandas de rock. Foi lançado em 1995 mas só agora o tenho de verdade. Tive em cassete há um tempo atrás, deixei de ter fitas, tentei baixar na internet e não encontrei, e agora como topei com ele por um precinho camarada, trouxe pra casa.
Nem tudo é MUITO BOM. Coisas como a trilha dos Banana Splits cantada por Liz Phair é bem mais-ou-menos, a dos Bugaloos com Colective Soul é outra bem fraquinha, e o Frente! tocando um tema dos Flintstones ("Open Up Your Heart and Let the Sun Shine In") é muito chato. Mas coisas como "Underdog", tema do Vira-Lata - O Super Cão, com os Butthole Surfers, "Gigantor" com o Helmet, o pequeno medley de "Johnny Quest e Pegue o Pombo" do Reverend Horton Heat, e principalmente a punkíssima versão de "Spiderman" dos Ramones, valem o CD.
Pra animar definitivamente as manhãs de sábado ou qualquer hora de qualquer outro dia da semana.

FAIXAS:
1. Tra la la Song (One Banana, Two Banana) [The Banana Splits] - Liz Phair with Material Issue
2. Go, Speed Racer, Go! [From Speed Racer] - Sponge
3. Sugar, Sugar [From the Archie Show] - Mary Lou Lord with Semisonic
4. Scooby-Doo, Where Are You? - Matthew Sweet
5. Josie and the Pussycats - Juliana Hatfield and Tania Donnely
6. The Bugaloos - Collective Soul
7. Underdog - Butthole Surfers
8. Gigantor - Helmet
9. Spiderman - Ramones
10. Johnny Quest/Stop That Pigeon - [from Dastardly and Muttley in their Flying Machines] The Reverend Horton Heat
11. Open Up Your Heart And Let The Sun Shine In - [from The Flintstones] Frente!
12. Eep Opp Ork Ah-Ah (Means I Love You) - [from The Jetsons] Violent Femmes
13. Fat Albert Theme - [from Fat Albert and The cosby Kids] Dig
14. I'm Popeye The Sailor Man - face to face
15. Friends/Sigmund And The Seamonsters - Tripping Daisy
16. Goolie Get-Together - [from The Groovie Goolies] Toadies
17. Hong Kong Phooey - Sublime
18. H.R. Pufnstuf - The Murmurs
19. Happy, Happy, Joy, Joy - [from Ren and Stimpy] Wax


Baixe para ouvir:
Saturday Morning Cartoon Greatest Hits (1995)

Cly Reis

"A Casa", de Gustavo Hernández (2010) vs. "A Casa Silenciosa", de Chris Kentis e Laura Lau (2012)

O "fator casa", para muitos, é considerado preponderante em confrontos equilibrados, e, aqui, neste duelo cinefutebolístico, mais do que nunca, ele é fundamental. E não somente por causa do nome que ambos os times carregam, mas porque se não fosse pelo fato de ter o jogo em seu território, seria muito complicado o filme original, a produção uruguaia de 2010, "A Casa", segurar seu adversário, "A Casa Silenciosa". É quase raro que refilmagens norte-americanas acrescentem alguma coisa em relação a originais estrangeiros que já tenham conquistado boa reputação, mas a produção de 2012, dos diretor Chris Kentis e Laura Lau supera sua inspiradora em qualidade, em recursos, além de dar alguns ganhos à história original.
"A Casa", filme uruguaio, imediatamente catapultado à condição de cult-movie por conta do ótimo resultado final obtido pelo diretor Gustavo Hernández, num projeto de baixo orçamento, filmado, ousadamente, em um só take, nos apresenta uma garota (Laura) que com seu pai vai a uma casa de campo de um amigo da família para dar ao local alguma manutenção e limpeza enquanto o dono se ausenta. Lá ela começa a sentir, ver, perceber coisas estranhas que parecem querer lhe revelar algo. A diferença para "A Casa Silenciosa" é que na refilmagem a propriedade é da própria família e a garota (Sarah) e seu pai estão retornando ao local depois de muito tempo e assim, pairam no ar vestígios de lembranças, rastros de memória e coisas muito remotas. Mas o que os dois tem em comum é que, em ambos os casos, ruídos e movimentos misteriosos assombram a protagonista e, de certa forma, a chamam para o andar de cima.

"A Casa" - trailer

"A Casa Silenciosa" - trailer

As supostas "vantagens" apontadas do remake, no que diz respeito a uma melhor produção e maior investimento, por incrível que possa parecer, não representam prejuízo algum ao antigo. Pelo contrário! A precariedade, a iluminação irregular, a locação mais modesta, são fatores, exatamente, que conferem uma atmosfera mais aterradora ao filme de 2010. A própria opção por fazer o filme em uma tomada só, o que no original é um recurso adotado muito mais pelo orçamento do que por questões artísticas, embora também utilizado pelo remake até com melhor acabamento, acaba sendo um diferencial para "A Casa" 2010 pela coragem, pela competência e por conta do pioneirismo do recurso dentro do gênero de terror. É aí que o fator casa mostra sua importância. O novo filme até é melhor tecnicamente, mas o clima mais soturno proporcionado, exatamente, pelas limitações de produção, iguala os méritos dos dois. É como aquele time uruguaio de Libertadores que sabe que joga menos, não tem tantas estrelas quanto o adversário mas, em seu campo, esburacado, com a iluminação ruim, com a torcida, ali, colada no alambrado, usa o que tem e torna o jogo encardido pra qualquer um que caia lá.
Limitações de um, qualidade do outro, originalidade de um lado, técnica do outro, uma boa história de um lado, mudanças ousadas do outro, e o primeiro tempo fica no 0x0.
A segunda etapa começa movimentada dentro de campo, ou melhor da casa. É um sobe e desce escada, caminha por um corredor, vai pro porão, vai pro sótão... e, nisso, boas cenas acontecem e as oportunidades de gol aparecem para os dois lados. A sequência em que nossa heroína (Laura, no antigo, e Sarah, no novo) encontra-se acuada, encurralada e consegue, por um momento, sair da casa e corre em dasabalada carreira pelo meio do mato, próximo à casa, nos dois filmes deixa o espectador com o coração saindo pela boca, mas é mais angustiante no segundo filme, onde Sarah, interpretada pela futura Feiticeira Escarlate da Marvel, Elizabeth "Wanda Maximoff" Olsen, se esgueira para escapar pelo porão, e não pela porta da frente como no original, e sua correria pelo matagal é muito mais bem filmada, culminando na fantasmagórica aparição na estrada, no encontro com o tio na estrada, e com um tenso e agoniante retorno para a casa. Está aberto o placar: 1x0 para "A Casa Silenciosa".
Em compensação, a solução do caso, o esclarecimento de toda a situação, embora também muito interessante no remake, é mais chocante no original, com aquelas fotos de adolescentes nas paredes do quartinho todo todo coberto de plásticos por causa da reforma. O time uruguaio busca o empate. 1x1.
Mas a alegria do time da Casa não dura muito e a atitude que nossa protagonista toma ao "descobrir" o que realmente acontecera ali (estou tentando não dar spoiler), é melhor e tem uma execução mais intensa na nova versão. 2x1 no finalzinho da partida!!!
Tudo parece definido, parece que esse será mesmo o placar final, quando, nos acréscimos, no pós-créditos, Laura escapa pelo bosque, encontra uma menina (???), uma boneca, a criança, numa jogada rápida some e... é um golaço do time de 2010.
Laura sai comemorando com o dedo indicador verticalmente na frente dos lábios, fazendo sinal de silêncio para a torcida visitante. Empate a raça, na garra charrua, um prêmio para um time que nunca desiste. 2x2 num confronto de dois bons times no nosso Clássico é Clássico ( e vice-versa).

No alto, as duas aterrorizadas: à esquerda Laura e, à direita, Sarah,
encarando a escuridão e os mistérios da casa.
No meio, a cena da fuga e da correria, com vantagem leve para o remake;
e, abaixo, a revelação do terror, muito melhor e mais impactante no original.

"A Casa Silenciosa" até foi superior em alguns pontos 

mas se esqueceu que o jogo só acaba quando termina,

 e não conseguiu calar a torcida da Casa.

por Cly Reis