63ª Feira do Livro de Porto Alegre

“Tempo pra ler, todo mundo tem”, será?

O slogan da 63ª FLPOA (como sempre abrevio a cada edição) é no mínimo provocativo. Criado pela CRL em parceria com a agência Bonaparte a campanha permite ao público em geral refletir sobre questões muito contemporâneas como o tempo destinado a leitura. Num mundo cada vez mais virtual onde grande parte dos temas circula em celulares portáteis para todos os fins, do cinema à leitura, será que reservamos tempo para ler no nosso dia a dia? Fica então o desafio para a reflexão de quais conteúdos optamos por agregar a nossa rotina e ocupar de certa forma a nossa cabeça.

Em meio a tantos dissabores que temos enfrentado em relação ao meio cultural no Estado do RS hoje começa um evento que traz leveza, alegria e a literatura como foco: a 63ª edição da Feira do Livro de Porto Alegre.

Numa Praça que se modifica desde 1955 para receber a Feira do Livro da cidade, nesta edição tudo cabe dentro dela. O ambiente em que se encontrarão as barracas dos editores, as áreas de programação adulta e infanto-juvenil, os países homenageados e também as áreas de convivência para lanches rápidos e cafés estão dentro da Praça da Alfândega. Os braços desse ambiente atingem dois centros culturais que estendem a Feira pela Rua dos Andradas, o Centro Cultural CEEE Erico Verissimo e a Casa de Cultura Mario Quintana.

Essa proximidade traz um ambiente acolhedor e colorido já que nesta época do ano primaveril as árvores estão mais floridas. A leveza está no acesso que a população gaúcha e os turistas ganham com a Feira no coração do Centro Histórico. Em meio a prédios históricos como a ex-sede dos Correios (hoje Memorial do RS), o Museu de Arte do estado do RS (MARGS), o Santander Cultural (infelizmente numa fase institucional péssima em função de toda a polêmica sobre a exposição Queer Museu) e o próprio ambiente da praça que recebeu faz poucos anos a reformulação do projeto Monumenta, desvenda-se barracas, pipoqueiros, palcos, stands promocionais, exposições, ciclos de cinema e muito burburinho durante os 19 dias de Feira.

A Praça se transforma num local legal para encontros, leituras e está aberta a muita circulação de conhecimento. Neste ano a Feira pretende atender aos consumidores ávidos por novos títulos, com preços promocionais com descontos mínimos de 20%, variando de acordo com cada livreiro descontos maiores que esse.

A patrona da Feira deste ano,
Valesca de Assis

Nesta edição a Patrona é a escritora de Santa Cruz, Valesca de Assis*, que recebeu das mãos da Patrona da 62ª Cintia Moscovich, a notícia que a sororidade estava mantida! Na realidade nestes 62 anos de Feira poucas vezes as mulheres foram Patronas, entretanto a representatividade sempre foi de alto nível: Lya Luft (1996), Patrícia Bins (1998), Jane Tutikian (2011) e Cintia Moscovich (2016).  As primeiras palavras de Valesca foram relacionadas a uma postura política e humana: "A nossa Feira, como tem sido, como foi no ano passado, vai ser a Feira da resistência. Eu sou uma resistente há muito tempo, já passei por uma ditadura, já apanhei na Praça da Alfândega, e vou continuar resistindo em nome dos livros e com o intelecto que me resta, porque as pernas já estão meio danificadas. "A resistência é permanente. Só o livro,  a leitura, vai salvar o nosso país".

A programação concebida por Jussara Rodrigues (adulta) e Sônia Zanchetta (infanto-juvenil) contempla autores dos países homenageados nórdicos, David Lagercrantz, Kim W. Andersson e Carl Jóhan Jensen entre outros oriundos da Finlândia, Suécia, Noruega, Dinamarca e Islândia e também a autores negros que trarão suas produções, questões de lusofonia, abrangendo gaúchos e estrangeiros (o ganhador do Prêmio Nobel, o nigeriano Wole Soyinka, a homenagem em forma de Sarau ao poeta Oliveira Silveira, Oscar Henrique Cardoso, Lilian Rocha, Ana dos Santos, Eliane Marques, Deivison Moacir Cezar de Campos e Luís Maurício Azevedo) entre outros.

Haverá homenagens para os escritores Luis Fernando Veríssimo, Luiz Antonio de Assis Brasil, Armindo Trevisan, Maria Carpi e o músico Belchior, falecido no início do ano.

Jussara Rodrigues e Sônia Zanchetta,
responsáveis pela programação

Sônia destaca: “Assim como o Seminário 'A arte de contar histórias', a 12ª edição da Mutação na Feira, que traz quadrinhos e cultura pop, e “já tem um público certo” terão novas edições esse ano." Acontecerá também o Colóquio de Literatura e Infância – Diálogos com as Matrizes Africanas, com participação dos escritores Júlio Emílio Braz e Otávio Jr, etc. Alguns eventos também regulares participantes da FLPOA estarão renovando suas edições: a 10ª Mostra de Ilustração de Literatura Infantil e Juvenil Traçando História, o III Encontro de Escritores Negros do Rio Grande do Sul, o VII Seminário Internacional da Biblioteca e da Leitura no Desenvolvimento da Sociedade.

Neste ano estarei na minha 15ª edição da FLPOA. Nos últimos anos estou trabalhando na equipe de fotografia junto aos colegas, Luis Ventura, Otávio Fortes e Iris Borges. Nossa turma está dentro da Imprensa da Feira. Daí que teremos no Clyblog cenas das atividades e quem sabe mais resenhas comentando algumas atividades dessa edição.

Destaco quatro atividades que são diversas entre si e que valem a pena se agendar para participar: a palestra com a Monja Coen que abordará sob a luz budista o tema “O Sofrimento é Opcional” (11 nov), o Encontro dos autores Mia Couto e Ondjaki com a Patrona Valesca de Assis (13 nov), abordando a questão lusófona, o 2º Encontro de Influenciadores Literários e Seguidores (18 nov), que vai englobar booktubers, blogueiros, instagramers, mas também os inscritos e seguidores e o espetáculo “O Urso com Música na Barriga” (19 nov) com texto de Erico Verissimo, direção de Arlete Cunha e atuação do grupo Atimonautas que trabalha com bonecos de manipulação direta. Dicas imperdíveis!

Conheça a programação atualizada e monte a sua agenda  De 1º a 19 de novembro  a Praça estará em festa, mas ela só ficará completa com a sua presença. Participe!

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SERVIÇO
Área Infantil
Bancas: 10h às 20h30
Programação: 9h às 20h30

Área Geral e Internacional
Dias úteis e domingo: 12h30 às 20h30
Sábado: 10h às 20h30

Confira algumas imagens:

Atividades para os pequenos na programação infantil da Feira (foto: Miguel Sisto)

Marco Sena, presidente da Câmara do Livro, organizadora do evento

A equipe de foto: Luis Ventura, eu, Otávio Fortes e Iris Borges

* Valesca estreou como escritora em 1990, com a publicação de "A Valsa da Medusa". O trabalho "Harmonia das Esferas" foi vencedor do Prêmio da Associação Paulista de Críticos de Artes e Prêmio Especial do Júri da União Brasileira de Escritores, em 2000. Hoje ela é professora de História especializada em Ciências da Educação e ministrante de oficinas de escrita criativa.  Valesca é casada com o Patrono a 20 anos atrás, Luiz Antonio de Assis Brasil também  escritor.

texto: Leocádia Costa
fotos: Luis Ventura

10ª Bienal do Mercosul – Memorial do Rio Grande do Sul (2ª parte) e Centro Cultural CEEE Erico Verissimo

Vídeo de Alfredo Jaar, no CCCEEE visto da calçada.

O “pedacinho” do Memorial que faltava, o qual havia comentado na postagem anterior sobre a Bienal do Mercosul, era, na verdade, um andar inteiro. Numa abordagem mais tecnológica mas sem desalinhar-se do recorte “Biografias da Vida Urbana”, traz mais vídeos e fotografias, mas também quadros e instalações aludindo a temas já vistos como arquitetura, urbanidade, cidadania, mobilidade, segregação, entre outros vários que se podem derivar. Embora com um pouco menos de coisas interessantes, o nicho superior traz algumas boas surpresas.

Uma das salas de projeção mostra um filme de Miguel Rio Branco exaltando a estética erótico-kitsch-brega do universo de prostitutas da zona, com música ao fundo, ruídos, sussurros, tudo aglutinado. Misto de Boca do Lixo e Derek Jarman. Também em vídeo, mas não separado de outras obras, um bastante interessante do festejado chileno Alfredo Jaar. Chamado “Times Square, April 1987: A Logo for America”, é um documentário em vídeo digital que mostra uma animação criada pelo artista à época e que, projetada em plena Times Square, questionava, no coração da Big Apple, a prevalência dos Estados Unidos como nação dominante e a identidade continental do ser americano. Isso, antes do Muro de Berlim cair... A mim, que não abro mão de me referir aos nascidos naquele país valendo-me do essencial prefixo “norte”, pois me considero tão americano quanto eles, a percepção de Jaar é pertinente e necessária. Ainda, o vídeo dialoga com a única obra exposta no Centro Cultural CEEE Erico Verissimo, em que, numa grande tela que dá para a rua, mostra as mesmas animações e ditos como “This is not America’s flag” ou, simplesmente, “America?”.

Obra de Britto Velho, 

sociedade do espetáculo x realidade

Em pintura, as duas contundentes telas “Pichação”, do gaúcho Frantz, de 1981, merecem destaque. Feitas à época de repressão Militar no Brasil, os fragmentos/suposições de palavras de ordem, como um manifesto dito pela metade por conta da censura, dão à obra um caráter documental e sociológico. De pintura tradicional ainda, outras duas do pernambucano Montez Magno, da série “Fachadas do Nordeste” (acrílica sobre cartão), desafiam-se a compor, através de formas geométricas, uma poética do objeto urbano. Outro gaúcho, Britto Velho, tem a sua condizente “Reflexões e Variações sobre América Latina” (acrílica sobre aglomerado), de 1977, espelhando as duas faces dicotômicas da sociedade: o que a mídia evidencia destacadamente e, bem próximo, logo abaixo, aquilo que se é de fato sob a “luz” da verdade.

Avançando um pouco na exploração das técnicas, o mexicano Felipe Ehrenberg, conecta-se com o fenômeno das “tribos culturais” da cidade e, por meio de estampa eletroestática a partir de uma colagem como matriz (1973 a 2001), compõe um tríptico que lembra por demais a estética dos fanzines punks. Sem sair da reflexão sobre a urbe, uma das boas surpresas foi encontrar, em forma plástico-visual, o poema-música do multiartista Augusto de Campos “Cidade City Cité”, parceria dele com o espanhol Julio Paza (1963-2015), que, paulistanamente concretista, preenche, dentro da extensão que compreende a grafia do “menor maior poema do mundo” –  como classifica o próprio Augusto – uma sugestão de metrópole, moderna mas superficial e acelerada, tomada de luzes indistinguíveis na noite da “unívora cidade”.

Qualquer semelhança com um fanzine

não é mera coincidência.

Mas minha maior admiração ficou por conta da gigantesca tela do pernambucano Cícero Dias “Eu vi o mundo... ele começava no Recife”, umas das obras-primas da pintura de todos os tempos. Elaborada entre 1926 e 29, com suas assombrosas dimensões de 1 metro e meio de altura por 12 metros e meio, é um dos mais importantes registros pós-modernismo e, para além dos escândalos da época por mostrar um nu (acreditem: a sociedade considerava depravada aquela bucólica imagem da uma mulher sobre o burro), um ícone da arte brasileira. Por meio de um traço estilizado, a exemplo de Di Cavalcanti, porém consideravelmente mais regionalista – os personagens de feições e vestes típicas, a predominância do ocre da luz da capital pernambucana na paleta – Dias segue impressionando com esse exuberante óleo sobre papel, técnica que o torna ainda mais louvável. Não só eu: à época de sua primeira exposição, em 1931, em São Paulo, Mário de Andrade, eterno coração juvenil, escreveu à amiga Tarsila do Amaral, em que sobram empolgação e exagero: “Aqui, grande bulha por causa do Salão em que o Lúcio Costa permitiu a entrada de todos os modernos, e o Cícero Dias apresenta um painel de quarenta e quatro metros de comprimento com uma porção de imoralidades dentro. Os MESTRES estão furibundos, o escândalo vai grosso, ouvi contar que o edifício da Escola de Belas Artes rachou...” Memorial do Rio Grande do Sul não rachou, não pelo que outrora fora escândalo. Mas que a bulha ainda é possível de se ouvir, ah! Isso é.

Vídeo de Jaar que dialoga com a instalação no CCCEEE

"Pichação", de Frantz, entre a arte e o protesto

Fachadas do Nordeste, poesia geométrica

Poema de Augusto de Campos em versão plástica

C

Partes do painel de Cícero Dias
"Eu vi o mundo... ele começava no Recife"

por Daniel Rodrigues

“Zoravia Bettiol – o lírico e o onírico”, de Zoravia Bettiol - Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli (Margs) – Porto Alegre/RS

O belo e moderno autorretrato de 2002

“Zoravia faz arte como vive.”

Moacyr Scliar

Mais de um motivo levou Leocádia e eu a irmos a vernissage da exposição de Zoravia Bettiol no Margs. O primeiro e mais óbvio é a importância de sua obra para as artes visuais no Rio Grande do Sul e no Brasil nos últimos 60 anos, tempo o qual está sendo comemorado juntamente aos 80 de vida da artista admirada por gente como Jorge Amado, Moacyr Scliar, Erico Verissimo, Mário Quintana, Mário Schemberg e o próprio Vasco Prado, marido por quase três décadas e com quem compartilhara, inclusive, admiração. Só isso, já justificaria a ida. Mas tem mais. Filha de Iemanjá assim como Leocádia, a quem conhece e nutre amizade há pelo menos uma década, Zoravia dedica, entre as 150 obras selecionadas de diversas fases, técnicas e produções, algumas aos orixás e, obviamente, à Rainha dos Mares. Mas não para por aí. Justamente uma das obras mais representativas e impactantes da mostra, uma escultura em ferro fundido de cerca de 1 metro e meio chamada exatamente de “Iemanjá”, de 1973, é do acervo pessoal de Leocádia, que a cedeu para a rica exposição “Zoravia Bettiol – o lírico e o onírico”. Claro que estaríamos lá.

Tal foi nossa surpresa que a referida escultura encontra-se logo na entrada das quatro salas que compõem a diversa e numerosa seleção feita pelos curadores Paula Ramos e Paulo Gomes, a qual vasculha as variadas fases criativas de Zoravia. Há desenhos, pinturas, gravuras, arte têxtil, objetos, ornatos e joias, além de registros de performances. Disso, resulta uma impressionante diversidade de técnicas e estilos, as quais Zoravia domina com naturalidade, sem excetuar seu rigor de perscrutadora voraz e quase obsessiva. Além da visível liberdade criativa e da utilização das cores, nota-se um exercício permanente para encontrar a trama certa dos fios, a pincelada mais expressiva, a textura ideal da impressão. Tudo intenso, em permanente ebulição.

Esse cuidado e labor extremos se notam muito nas xilogravuras, das especialidades de Zoravia. O detalhismo do desenho se expressa lúdico na Série “Circo”, de 1967, cujos traços refazem de os cordéis nordestinos, principalmente na forma das figuras humanas. Na série que versa sobre os pecados capitais, é possível identificar a textura do tramado da corda, vista em trabalhos têxteis feitos à base desse material. O lúdico, igualmente, está presente de maneira incisiva, caso das séries Namorados (1965) e as dedicadas aos deuses gregos (1965-66/76), onde se nota, aliás, parecença com as imagens do candomblé – o maravilhoso “Netuno”, tal um preto velho, não deixa dúvida dessa universalidade. Desta cultura tão brasileira quanto universal, Zoravia extrai outros trabalhos e séries, como a própria série “Iemanjá” (1973). Sobre isso, Jorge Amado tem um depoimento sobre Zoravia destacado na mostra: “Como ninguém, Zoravia canta e transmite a atmosfera desse universo infantil onde o maravilhoso é o cotidiano e onde o insólito é a terra”.

Há também lindas obras como “Criança Adormecida” (xilo, 1961), em que o traço do desenho mostra-se rigorosamente estudado na criação final, e “Meias Amarelas”, da série Romeu e Julieta (1970) A temática sociopolítica, igualmente forte em toda sua carreira, tem uma das longas paredes da mostra praticamente dedicadas com exclusividade. “Só o povo pode fazer o novo” (acrílica sobre madeira, 1984), carrega o espírito do período do clamor pelas Diretas a qual o Brasil passava naquele então. Visto com o olhar de hoje, em que aquele grito democrático parece ter perdido significado, lembrei-me dos realistas versos de Nei Lisboa: “cada povo tem o novo que merece”.

Adentrando a sala mais ao fundo, depara-se com o que talvez tenha mais impressionado a mim e até a Leocádia, acredito: o conjunto completo de xilogravuras para a lenda “A Salamanca do Jarau”, publicada por Simões Lopes Neto em seu célebre “Lendas do Sul” (1913). Zoravia ilustrou o texto em 1959, produzindo 27 imagens que estão sendo expostas pela primeira vez em sua totalidade, acompanhadas por vários – e belos – estudos preparatórios. Cada imagem é de uma riqueza impressionante. Para mim, que já vi algumas séries baseadas em obras literárias, como as que Dalí fez para a "Divina Comédia" ou “Alice no País das Maravilhas”, esta não fica a dever em nada.

Uma exposição de absoluta diversidade, que instiga justamente por isso. Como bem descreve o texto curatorial: “O fato é que Zoravia Bettiol, ao contrário de muitos artistas de sua geração, preocupados com a unidade estilística e fiéis a determinado meio expressivo, buscou na diversidade parcelas dela mesma. Porém, em cada manifestação, em cada trabalho, é sempre ela, Zoravia.”

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“Zoravia Bettiol – o lírico e o onírico”

onde: Margs -  Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli

(Praça da Alfândega, s/n° Centro – Porto Alegre/RS)

quando: até 11 de dezembro, de terça a domingo, das 10h às 19h

entrada: gratuita

curadoria: Paula Ramos e Paulo Gomes

 

Da série Circo, dos anos 60.

Obra da série Namorados.

Os Deuses Gregos em traços que remetem ao candomblé.

Netuno imponente sobre as águas

Estandarte de Oxóssi, da série Iemanjá.

A belíssima criança adormecida, dos anos 60.

Sensualidade na obra da série dedicada a Romeu e Julieta.

Política e causa social em acrílica sobre madeira.

Uma das mais belas séries, inspirada nos 7 Pecados Capitais, de 1987.

Zoravia desenhada pelo marido Vasco Prado
a traços próximos aos de Picasso.

Uma das obras de 2005 em que a artista
interage com diversas técnicas.

Capa da impressionante série dedicada à obra
de Simões Lopes Neto.

Mais uma das xilos de A Salamanca do Jarau.

Outra das gravuras da série inspirada em Simões Lopes Neto.

As duas filhas de Iemanjá com a escultura em homenagem à orixá.

por Daniel Rodrigues

10ª Bienal do Mercosul - Porto Alegre/RS

Primeiras Impressões
por Daniel Rodrigues

Sem Título - Dudi Maia Rosa

Impus-me uma obrigação este ano: não perder mais uma Bienal do Mercosul. O evento acontece em minha cidade, Porto Alegre, de dois em dois anos e, mesmo com o declínio qualitativo de algumas edições, traz sempre coisas interessantes de serem vistas. Ou seja: trata-se de um acontecimento imperdível para qualquer apreciador de arte. Porém, não para um desleixado como eu – ou, ao menos, como fui de anos para cá. Após presenciar ativamente as duas primeiras bienais, marcos na minha formação ideológica, em 1997 e 1999, respectivamente, um pouco por falta de tempo, de cabeça, de planejamento e certo descaso, perdi todas as edições seguintes. Fora a terceira, que vi em parte, a quarta, quinta, sexta, sétima, oitava e a nona: sete ao todo, todas não visitadas! E pior: nesse meio tempo, em 2010, vi até a Bienal de São Paulo, mas a da minha cidade, vergonhosamente, não. Uma falta de respeito comigo mesmo.
Pois tomei vergonha na cara e decidi não deixar passar em branco mais uma Bienal do Mercosul, que vai até 6 de dezembro. Também, porque esta, ao contrário de outras que me pareceram bem desinteressantes, com o título “Mensagens de Uma Nova América”, parece estar muito legal. Valorizando a produção artística da América Latina, tenta retomar o espírito que motivou a criação do evento - as duas primeiras edições seguiam com afinco essa linha -, quando o Mercosul em si fazia-se uma promessa política maior do que se concretizou.
Quatro grandes campos conceituais compõem a Bienal: A Jornada da Adversidade, A Insurgência dos Sentidos, O Desapagamento dos Trópicos e A Jornada Continua. As mostras, assim, estão divididas por temas e seus respectivos espaços, sete no total: Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli – MARGS (“Modernismo em Paralaxe”), Memorial do Rio Grande do Sul (“Biografia da Vida Urbana”), Santander Cultural (“Antropofagia Neobarroca”), Usina do Gasômetro (“Marginália da Forma” / “Olfatória: O Cheiro na Arte” / “A Poeira e o Mundo dos Objetos” / “Aparatos do Corpo”), Instituto Ling (“Plataforma Síntese”), Centro Cultural CEEE Erico Verissimo (Programa Educativo e a obra “A Logo for America”!, de Alfredo Jaar) e Acervo Independente (Projeto Colaborativo “Confesión - Cenário olfativo-acústico”, de Oswaldo Maciá). Ou seja: bastante coisa pra ver.
No entanto, ainda terei que me organizar para achar tempo hábil para tal. Por isso, à medida em que for conseguindo ir aos locais de exposição, vou também relatando aqui no blog. A conta-gotas, mas com o prazer de quem aprendeu a não desdenhar mais a arte com tamanha irresponsabilidade.

O Dia em que a Arte Dramática Brasileira Morreu

 

Em 2007, quando, com diferença de menos de 24 horas, os cineastas Ingmar Bergman e Michelangelo Antonioni faleciam, aquela fatídica virada de 29 para 30 de julho ficou conhecida como o “dia em que o cinema moderno morreu”. Semelhante sensação de perda e de triste coincidência se abateu sobre o mundo das artes dramáticas brasileira entre 11 e 12 deste mês de agosto ao despedirmo-nos de dois ícones: Paulo José e Tarcísio Meira. Poucas vezes em tão pouco tempo foi-se embora tanta beleza, tanta significância, tendo em vista a história de cada um para o cinema, a TV e o teatro brasileiros. Até mesmo na vida pessoal pareceram-se. Um, com 84, o outro, com um ano a mais. Na vida pessoal, amaram com fidelidade poucas mulheres igualmente do seu ciclo de atores: Tarcísio, casado com Glória Menezes por 61 anos; Paulo, viúvo de Dina Sfat e, posteriormente, parceiro da também atriz Zezé Polessa.

Paulo em "O Palhaço":
sensibilidade de veterano

Pertencentes a uma geração rara que forjou as artes cênicas no País, como Paulo Gracindo, Cacilda Becker, Sérgio Brito, Walmor Chagas, Bibi Ferreira e Paulo Autran, Paulo e Tarcísio, por meio desse ímpeto pioneiro, ajudaram a esculpir de certa forma o que conhecemos de Brasil. Tanto que é impensável pensar no teatro, no cinema ou na TV sem lembrar de ambos. Paulo, no teatro, criou o Teatro de Equipe, dirigiu o Teatro de Arena, encenou Guarnieri e Molière. Tarcísio, por sua vez, também forjado nos palcos e Prêmio Shell de Teatro por “O Camareiro”, ia de Shakespeare a Keiser.

Mas é no audiovisual que a carreira tanto de um quanto de outro se fez popular, por vários antagônicos motivos – o que só prova suas versatilidades. Como outro grande das artes cênicas recentemente falecido, o sueco Max Von Sydow, capaz de interpretar Jesus Cristo e um cavaleiro assombrado pelo Diabo, Tarcísio, especialmente, foi da cruz ao inferno. Assim como Sydow, o brasileiro foi o Salvador em “A Idade da Terra”, de Glauber Rocha e, noutro extremo, fez a encarnação do demônio ao interpretar o vilão Hermógenes, de “O Grande Sertão: Veredas”, série dirigida por Walter Avancini para a Globo. Com Paulo, não é tão diferente. Se viveu o angustiado religioso de “O Padre e a Moça”, também vestiu o fanfarrão “Macunaíma”, noutro marco do Cinema Novo. 

"O Padre e a Moça", com Paulo José (1966)

"O Beijo no Asfalto", com Tarcísio Meira (1980)

Tarcisão na atuação
premiada de "A Muralha"

Aliás, não faltaram grandes que os dirigissem. Tarcisão, além dos já citados Glauber e Avancini, encarnou “O Marginal” no ótimo e raro filme de Carlos Manga pós-Chanchada, e protagonizou uma das mais emblemáticas cenas da história do cinema nacional com o “beijo mortal” de “O Beijo no Asfalto”, de Bruno Barreto. Tarcísio, e mais ninguém, teria tamanha autoridade para ser D. Pedro II ou o asqueroso Dom Jerônimo Taveira de “A Muralha” ou o “regenerado” Renato Villar de “Roda de Fogo”. 

Paulo, por sua vez, esteve sob as lentes de Joaquim Pedro de Andrade, Jorge Furtado, Domingos Oliveira, Júlio Bressane... Como não lembrar de seus papéis em “Faca de Dois Gumes”, do Murilo Salles, “O Palhaço”, do Selton Mello, “O Rei da Noite”, do Babenco?... Isso quando não era ele mesmo quem dirigia! Paulo oportunizou algo que une e simboliza a obra desses dois gigantes quando dirigiu, gaúcho como era, a série “O Tempo e o Vento”, da obra de Erico Verissimo, dando a Tarcísio com sabedoria o papel de Capitão Rodrigo, aquele que talvez melhor tenha marcado o ator paulista, mas que, com seu talento, identificou-se profundamente com os gaúchos. 

Considerando que, desta geração nascida por volta dos anos 30 e que erigiu a arte de encenar no maior país da América depois dos Estados Unidos, resta apenas Fernanda Montenegro (vida longa!), não é exagero dizer que esta semana de agosto de 2021 poderá ser lembrada pelo “dia em que a arte dramática brasileira morreu”. 

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PAULO JOSÉ GÓMEZ DE SOUSA

(1937-2021)

TARCÍSIO PEREIRA DE MAGALHÃES SOBRINHO

(1935-2021)

Daniel Rodrigues