A história de amor entre a Dama (Tessa Thompson), uma cocker spaniel mimada, e um vira-lata chamado Vagabundo (Justin Theroux), que salva a cadelinha do perigo de vagar sozinha perdida pelas ruas. Leve, lindo e muito fofo, assim é “A Dama e o Vagabundo”. A Disney acerta mais uma vez, em uma obra live-action, além de manter o espirito Disney, ainda consegue colocar representatividade no longa.
O filme sofre, como todos live-actions, das comparações com as animações originais, por tirar algumas coisas e acrescentar outras, as quais para mim, em sua maioria foram decisões acertadas. Neste caso específico, o longa ganha no seu enredo com mais história para os personagens mas perde um pouco de romantismo e quanto a isso, o roteiro poderia ter colaborado tirando um pouco de cenas do homem da carrocinha para focar mais no casal de protagonista e crescimento do sentimento entre eles. Por ser um filme com orçamento menor, ele também tem problemas nos efeitos especiais, na movimentação dos animais em algumas cenas, mas nada que atrapalhe o bom andamento.
A obra, e muito “fofa”, você percebe que é um trabalho feito com muito carinho, atenção e muito cuidado. Nesse quesito “fofura” o filme é nota 1000, pois desde os cachorrinhos que são muito lindos e simpáticos, até a voz dos dubladores (que ficaram perfeitas), tudo funciona conforme a magia Disney manda. Mas não é só a fofura que se destaca no longa: o que podemos dizer sobre a diversidade que o longa mostra? Em grande maioria os personagens do filme são negros. Até em papeis menos relevantes, de uma cena só, está lá: atores negros. Mas também temos latinos, asiáticos, indianos... todos representados em um cinema globalizado que reflete o mundo à sua volta. Um cinema ideal onde TODOS são representados.
Com um ar moderno dialogando com o mundo atual mas sem perder a essência Disney, “ A Dama e o Vagabundo” me fez refletir sobre o papel do cinema na sociedade e seu poder em relação a ela através da diversidade étnica dos personagens mas ao mesmo tempo me fez ficar vidrado em cães fofos, brincando, dando vontade de adotar mais um filhote, me sentindo uma criança outra vez. A última vez que tive essa sensação foi com “Baby: O Porquinho Atrapalhado” e foi maravilhoso voltar a sentir isso oura vez.
Eu nunca canso da magia da Disney e a"A Dama e o Vagabundo" é cheio dessa magia.
mas sinto que tenho muito a ver com a construção dos álbuns e
com a riqueza e sonoridade
que os tornam tão interessantes."
"Quando junto as canções e as coloco em sequência,
seja com ou sem Simon,
vejo o trabalho de uma vida todo
e fico extremamente orgulhoso.
Assim fica muito fácil dizer:
'Aí está o que fiz: cantei bem!'."
Art Garfunkel,
em 2012
Ouvi
“Breakaway”, do Art Garfunkel, pela primeira vez na indefectível
Rádio Continental 1120. Anos depois, o reencontrei na casa de
uma amiga, que me emprestou. A partir daí, surgiu uma história de
amor com os discos solo do Garfunkel para um romântico inveterado
como eu. Esse é o favorito da casa.
A
história desde disco começa em 1970, quando Paul Simon e Art
Garfunkel resolveram desfazer a dupla. Enquanto Simon lançava seu
primeiro LP solo em 1972 com muito sucesso, Garfunkel aparece com
“Angel Clare”, só em 73, depois de tentar uma carreira no
cinema. Havia então a necessidade de conseguir um sucesso. Para
tanto, foi contratado o bem-sucedido produtor Richard Perry,
recém-saído do terceiro disco solo de Ringo Starr e dos clássicos
de Carly Simon. Perry foi muito esperto ao produzir “Breakaway”.
Quando se tem uma voz límpida, afinadíssima e bonita como a de
Garfunkel, a instrumentação não deve atrapalhar e fazer apenas uma
moldura sonora aos gorjeios do canário. O disco é um dos melhores
da carreira do cantor exatamente por isso. Com vocês, “Breakaway”
de Art Garfunkel.
O
clima começa com uma regravação de Stevie Wonder, “I Believe
(When I Fall in Love It Will Be Forever)”. A partir do piano de
Larry Knetchel, Garfunkel mostra toda a extensão de sua voz na época
(1975). O arranjo de cordas de Del Newman dá aquele ar de música
pop dos anos 70. E os backingvocals de Andrew Gold
garantem o romantismo da letra que diz: “Acredito que quando me
apaixonar desta vez será pra sempre”. Uma versão digna de
Stevie, mesmo que mais melosa, por assim dizer.
“Rag
Doll” usa a metáfora da boneca de pano para falar do amor de um
homem por uma mulher. No início da música, o narrador está vendo
uma mulher num campo, colhendo flores e usando um capuz de veludo
azul e o vermelho em suas bochechas lhe dá um ar de boneca de pano.
No refrão, diz: “O vento nas árvores canta uma canção
triste, triste, triste, triste/ deitado em minha cama ouvindo a noite
inteiro/ o vento nas árvores canta uma canção só pra mim/ e traz
de volta esta boneca de pano pra mim”. Aqui é o piano elétrico
de Knetchel que percorre a música lhe dando a suavidade que a letra
requer.
A
faixa-título do disco, composta por Gallagher & Lyle, uma dupla
de muito sucesso naquela metade dos anos 70, traz Bill Payne, do
Little Feat, nos teclados, e os backing vocals de Bruce
Johnston, David Crosby, Graham Nash e de Toni Tenille (é, aquela
mesma do “Love Will Keep Us Together”). A produção de Perry é
tão sutil que mal se notam baixo e bateria nas músicas. Na ponte,
Garfunkel canta: “Não é sol que vocês está procurando/ Outra
coisa está em sua mente/ Você precisa um pouquinho de espaço e
tempo/ para se soltar/ Não é o lugar que você está indo/ É
apenas uma fase que está passando/ Não vou te parar, apenas não
quero que você/ se solte, voando através do seu oceano/ Se solte,
tempo chegou pra você...”.
“Disney
Girls”, do Beach Boys Bruce Johnston, parte da premissa que a
realidade é muito difícil de aguentar e que o mundo da fantasia
proposto por Walt Disney seria um bom substituto para as agruras do
dia a dia. Lá pelas tantas, o narrador diz: “Realidade, não é
pra mim e me faz rir/ Mas o mundo da fantasia e garotas da Disney
estou de volta”. Rola também uma trip nostálgica:
“Toda minha vida passei as noites sonhando com você/ O calor
que senti pelas coisas que desejei estão se tornando verdade/ Tenho
meu amor pra dar e um lugar pra viver, acho que vou ficar/ será uma
vida pacífica com uma esposa pra sempre e um filho algum dia/ seus
começos de noites e brigas de travesseiro e sua risada suave/ Mas o
mundo da fantasia e garotas da Disney estou de volta”. A música
é toda armada num clima Disneylândia, com os backing vocals
percorrendo a canção.
Aí,
vem o “corpo estranho” do disco: uma versão de "Águas de Março" de Tom Jobim, apropriadamente chamada “Waters of March”
e que tenta fazer uma tradução literal: “A stick, a stone,
it’s the end of the Road...”. A vantagem é que tanto o
violonista Louie Shelton, o baixista Max Bennett e o baterista John
Guerin se saem bem tentando emular a batida da música brasileira. O
interessante é que, mesmo sendo um “strange body” no
disco, esta versão funciona como uma pausa no clima romântico que
perpassa todo o álbum. Estranho mesmo é o sintetizador de Bill
Payne no lugar da flauta de Tom.
Nesta
época, tanto Garfunkel quanto Simon eram contratados da Gravadora
Columbia, que jamais aceitou a separação da dupla. E para “tentar”
uma reconciliação, acertou uma gravação que iria aparecer nos
dois discos de 1975 dos rapazes; “Breakaway” e “Still Crazy
After All These Years”, de Simon. Ainda bem que a música é mais
um clássico composto por Simon chamado “My Little Town”, outra
faixa nostálgica que fala de uma cidade pequena – no caso, Nova
Jersey – onde o narrador “cresceu acreditando que Deus cuidava
de todos nós”. A conhecida ironia de Paul Simon aparece no
verso em que diz: “Depois que chove/ tem um arco-íris/ E todas
as cores são preto/ Não é que as cores não estejam lá/ é que
elas não tem imaginação/ Tudo é igual/ lá na minha cidadezinha”.
E o refrão é matador: “Nada além dos mortos e dos moribundos/
voltam pra minha cidadezinha”. Musicalmente, “My Little Town”
excede com a turma do estúdios Muscle Shoals de Alabama composta por
Pete Carr (guitarra); Barry Beckett (piano); David Hood (baixo) e
Roger Hawkins (bateria) mais produção de Phil Ramone. Difícil
ficar melhor.
Depois
disso, só mesmo um standard: “I Only Have Eyes for You”,
de Al Warren & Harry Dubin, com direito a piano elétrico de
Nicky Hopkins e backing vocal de Stephen Bishop. Vinda de uma
tradição de música romântica da década de 30, “I Only Have
Eyes...” começa dizendo “Meu amor deve ser do tipo cego/ não
consigo ver ninguém a não ser você/ Tem estrelas no céu esta
noite?/ Não sei se o céu está limpo ou cheio de nuvens/ Apenas
tenho olhos pra você”. Garfunkel usa sua voz maravilhosa para
dar credibilidade a uma conversa romântica da antiga.
Já
que falamos em Stephen Bishop, o autor de “On and On” e de “It
Might Be You” (tema do filme “Tootsie”), ele contribui com duas
canções no disco. A primeira é a minha preferida, “Looking for
the Right One”, uma faixa ultraromântica onde Garfunkel tem sua
melhor performance de todo “Breakaway”. E a dor de Bishop
é bem traduzida pela voz de Garfunkel, que diz: “Não tenho
sido nada sortudo, não sou bom em fazer joguinhos/ lembro de seus
rostos e esqueço os nomes/ Encontrei a pessoa certa mas ela não me
encontrou/ Então eu empacoto minhas emoções e começo/ a procurar
pela pessoa certa/ algum dia ela virá?”. Depois, o narrador
sofre com o que dizem as outras pessoas: “Eles dizem que não
tem sentido correr atrás de algo que nunca se vai conseguir/ Mas meu
coração afirma: ‘não diga não’/ em algum lugar desta cidade
solitária existe uma mulher pra mim/ Mas espero outra vida para/
procurar pela pessoa certa”. Bem ao estilo de clássicos da
música pop, Perry leva toda a canção para um clímax, onde a voz
de Art Garfunkel faz arrepiar.
“99
Miles From L.A.” é uma composição de Albert Hammond (o mesmo da
também clássica canção pop “It Never Rains in Southern
California”, aquela em que os locutores de rádio da antiga
chamavam de "Carambô” devido à sua primeira frase “Got on
board...”) e o letrista de Burt Bacharach, Hal David. Nesta canção,
o produtor permite que os teclados, a bateria e o baixo apareçam
mais, reforçando a batida pop, cercada de cordas por todos os lados.
Na letra, o narrador está de carro se aproximando de Los Angeles e
espera encontrar seu amor. “Mantendo meus olhos na estrada, te
vejo/ mantendo minhas mãos na direção, te seguro/ 99 milhas de
L.A, te beijo, sinto tua falta, por favor esteja lá”. A letra
é toda construída por David neste clima: o motorista chegando à
cidade na expectativa de reencontrar a mulher amada.
No
final do disco, mais um lamento de Stephen Bishop chamado “The Same
Old Tears on a New Background”. De cara, Garfunkel vai
direto nas emoções ao som do piano de John Jarvis, secundado pelas
cordas de Del Newman. A letra é tão triste que merece ser lida
inteira: “São as mesmas velhas lágrimas num novo cenário/ Te
ver como uma fotografia desbotada/ Me dói muito sorrir nestes dias/
Estou bem, estou bem/ é a mesma canção com uma nova melodia/ mas a
velha chama está quase extinta/ te ver de novo é tudo que me
mantém/ estou bem, estou bem/ lembrando, lembrando o familiar sofrer
de amor/ ninguém a não ser você/ É mesmo velho eu chorando as
mesmas velhas lágrimas/ e eu me afasto como sempre fiz/ ainda
apaixonado por você/ mas eu estou bem”. Quando a coisa chega
neste nível, é impossível não sofrer junto com Garfunkel, Bishop
ou seja lá quem for. A canção é triste demais. Como quase todo o
disco. Não recomendável para quem está sofrendo de amor. Mas quem
gosta de boa música certamente vai gostar de “Breakaway”, um dos
melhores discos da carreira de Garfunkel, que sempre ficou alguns
degraus atrás de seu ex-parceiro, o incrível Paul Simon.
*************************
FAIXAS:
1. I Believe (When I Fall In Love It Will Be
Forever) 3:48
De tempos em tempos, a Pixar acerta a mão. Acontece de intercalarem boas produções e outras irregulares, mas talvez nunca tenham ficado tanto tempo sem emplacar algo realmente significativo. Desde "Soul", de 2020 (ou seja, há 4 anos), que o estúdio mais vanguarda da Disney não conciliava uma história interessante e bem desenvolvida como "Viva! - A Vida é uma Festa" ou "Ratatouille" com, claro, entretenimento - afinal, é disso que o cinema de massa vive. Mas "Divertida-Mente 2" devolve a Pixar o protagonismo da animação em cinema conquistado há pouco menos de 30 anos. Um dos motivos disso é que a excelente continuação do filme original de 2015, acerta, assim como ocorreu na pioneira franquia "Toy Story", em trazer à luz os conflitos existenciais humanos comuns e, por isso, universais.
O filme de Kelsey Mann prossegue a história da garota Riley, que está mais velha em relação ao primeiro filme, quando ainda era uma criança. Junto com o amadurecimento da temida adolescência, a tresloucada sala de controle da mente dela também está passando por uma adaptação para dar lugar a algo totalmente inesperado: a presença de novas emoções. Somam-se à Alegria, a Tristeza, a Raiva, o Medo e a Nojinho, então gestores do QG cerebral de Riley até então, a Inveja, o Tédio e a Vergonha. No linguajar chulo: fudeu!
O grande acerto do filme reside, antes de mais nada, no roteiro. "Divertida-Mente 2", noutra feliz comparação com "Toy Story", trata do "rito de passagem". Por contar o desenvolvimento emocional da personagem, que deixa a infância para entrar na fase adulta, o bem amarrado roteiro utiliza uma história pequena (basicamente, a ida dela para a colônia de férias e a sua tentativa de entrar na seleção de rugby da escola) para desdobrar os diversos elementos psíquicos e emocionais que emergem de dentro dela.
De maneira hilária, as emoções de Riley, como no primeiro filme, ganham personalidade estereotipadas, o que funciona muito bem para a recepção da informação ao espectador e, claro, para render muitas risadas. As novas emoções do inconsciente de Riley são, como as já manifestas no primeiro filme, bem caracterizadas: a Inveja, uma garotinha verde ativa mas insegura; a Vergonha, um tímido menino gorducho com baixa autoestima; o Tédio, um típico jovem da Geração Z, e a esquisitona Ansiedade, que muda totalmente o andamento das ações (e da história, e da cabeça de Riley) quando entra em conflito com as emoções "antigas". Afinal, qual adolescente não é ansioso com todos os conflitos psicológicos e as mudanças fisiológicas que essa etapa da vida traz?
"Divertida-Mente 2" tem a grande qualidade de saber ser engraçado, mas não histriônico. Os momentos de diálogos são muito bem equilibrados com os lances de piada, assim como (e principalmente) as cenas de aventura, que não se excedem como em outros filmes da Pixar ou de animações em geral. Até mesmo os ótimos "Up - Altas Aventuras" e "Os Incríveis", às vezes, se perdem um pouco no percentual de movimentos, luzes e explosões, o que, ao contrário do que o cinema norte-americano acha, não raro cansam ao invés de animar.
A adolescente Riley: personagem principal, mas não protagonista
Essa coerência se revela também na relação entre as personagens/emoções, fruto de um visível aprofundamento dos roteiristas, assessorados pela competente dupla de psicólogos consultores Dacher Keltner e Lisa Damour. A reação moderada da invariavelmente explosiva Raiva quando percebe o desânimo da sempre positiva Alegria - até então, a principal responsável pelo emocional da menina até a chegada da Ansiedade - é um desses momentos muito bem (com o perdão da redundância) pensados. Igualmente, a união da melancólica Tristeza com a Vergonha, identificados na situação em que tentam salvar o ameaçado “sistema de valores” da pequena "patroa". E no momento em que a Ansiedade perde o controle, a que emoção o inconsciente de Riley recorre? A Alegria, claro. Na aparente descontração de uma animação pop, cabe, sim, muita pesquisa técnica, uma qualidade processual às vezes esquecida em Hollywood, como se não precisasse haver esse tipo de cuidado para um produto de grande público.
Porém, mais do que apenas desenvolver bem a trama, a própria estrutura é sui generis. Embora a personagem Riley seja a principal, ela não é necessariamente a protagonista, o que é mais cabível de se imputar à Alegria. Novamente referindo "Toy Story", essa é exatamente a mesma forma, principalmente a do terceiro da série, de 2010, em que a história dos bonecos, de função narrativa semelhante a que as emoções desempenham em "Divertida-Mente 2", se entremeia a do "personagem humano": Riley, neste filme, e o garoto Andy, de "Toy Story". Em ambos, é como se houvesse um espelho, que refletisse ora o interno, ora o externo.
Num plano filosófico, "Divertida-Mente 2" também aprofunda. A mensagem que o filme deixa, embora aparentemente inofensiva (pois positiva como o cinema norte-americano geralmente intenta), diz muito sobre a visão do sistema em que se vive: é a da aceitação. Um entendimento de que o ser humano é, sim, complexo e contraditório. Um avanço em se tratando de cinema norte-americano, contumaz disseminador da visão cartesiana do povo dos Estados Unidos, a qual é convertida numa cultura altamente individualista. "Divertida-Mente 2", num concepção mais holística, mesmo que seja estrategicamente proferida, quebra este pensamento dualista e pragmático.
Coerência em roteiro, animação do melhor nível, técnica perfeita. Resultado? Um sucesso de critica e publico. Para o Oscar de 2025, certamente o filme já se coloca como um forte candidato. O fato de ser maior sucesso de bilheteria da história da Disney/Pixar até então só denota o quanto o público aguardava por uma produção com a qualidade que o estúdio tem poderio para oferecer, mas que fazia anos que isso não acontecia. Que não se demore muito mais novamente.
Duas capas de "Pedro e o Lobo": acima, a primeira gravação, com a Boston Symphony Orchestra, de 1939, e abaixo, versão em português narrada por Rita Lee, de 1989
”Na Rússia, há um grande esforço para a educação musical das crianças. Uma das minhas peças orquestrais, ‘Pedro e o Lobo’, foi uma experimentação. As crianças recebem impressões de diversos instrumentos da orquestra apenas ouvindo a peça sendo apresentada”.
Sergei Prokofiev
“[O estilo de Prokofiev é uma] combinação do simples com o intrincado, da complexidade do conjunto com a simplificação do particular”.
V. Karatygin, crítico musical
“Todo o instável, transitório, acidental ou caprichoso foi excluído de sua obra (...) Nada efêmero, nada acidental. Tudo é distinto, exato, perfeito. Por isso, Prokofiev é um dos maiores compositores do nosso tempo”.
Sergei Eisenstein
O compositor russo Sergei Prokofiev pode ser considerado um artista moderno em vários aspectos. Não apenas por ter contribuído para a construção da música contemporânea uma vez que pertencente à geração modernista, mas por ter sentido na pele o maior dos dilemas de um artista dos tempos atuais: ser pop ou não ser pop. Eis a questão. Para quem vivia de arte na Rússia de Stálin, o estrelato até era possível, mas não sem preço. O instituído conceito de Realismo Socialista exigia dos artistas maior comunicação com o publico. Trocando em miúdos: que suas criações servissem, como em qualquer ditadura, de propaganda política. Entre os grandes músicos de sua geração, todos, sem exceção, tiveram problemas para exercer justamente aquilo que os fazia importantes inclusive para o governo bolchevique, que se aproveitava de seus talentos para potencializar o discurso comunista. Stravisnky, Rachmaninoff e Shostakovitch, por exemplo, sofreram ora com a apropriação do Estado, ora com a ferrenha vigília do mesmo. Se não obedeciam, eram postos numa geladeira mais fria do que a Sibéria: aquela destinada aos traidores da nação. Fosse numa prisão domiciliar ou mesmo no autoexílio, não raro o resultado era uma depressão pela falta de liberdade ou, pior, pelo nacionalismo ferido. Não havia o que lhes salvasse.
Com Prokofiev ocorreu tudo isso também: talento descoberto cedo, alçamento à estrela, tentativa de doutrinação, contrariedade a esta condição, longo período sabático no exterior, amadurecimento artístico e... retorno para a Rússia. Nessa ordem. O bom filho, ainda mais um nacionalista como todos da sua geração, à casa tornaria hora ou outra, mesmo que o cenário não fosse dos mais favoráveis como aquele de 1933, 16 anos após a Revolução Socialista. Produzir? Podia, só que dentro dos ditames que o estado determinava. Passar a compor marchas diatônicas, corais para amadores e cantatas meramente comemorativas era o que lhe restava se quisesse trabalhar. Neste processo de simplificação linguística e aproximação com o lirismo tradicional russo escreveu trilhas para cinema em contribuições memoráveis nos filmes “Alexandre Nevsky” e “Ivan, o Terrível”, ambos de Sergei Eisenstein. Mas longe daquilo que gostava: dissonâncias, polifonia, riqueza harmônica e exageros aqui e ali.
Só que, diferentemente dos seus pares, Prokofiev tinha dentro de si um anjo para lhe salvar. Compositor desde os 5 anos de idade, quando surgiu como pianista prodígio, Prokofiev resgata da memória as tenras melodias folclóricas que ouvia dos camponeses quando criança em Sontsovka, na Ucrânia, onde nascera, e do incentivo dos pais para a vida musical para se inspirar e pincelar com cores vivas a sua inevitavelmente intrometida obra. É neste contexto que nasce aquela que, além de ser sua obra mais conhecida, é também uma das mais revolucionárias da música erudita de todos os tempos: o conto sinfônico infantil “Pedro e o Lobo”, de 1936, para narrador e orquestra, Opus 67.
Capa do livro original em russo, de 1936
Na história, Pedro é um jovem pastor de ovelhas que vive com o seu avô no campo. Um dia, farto de algo mais divertido, decide gozar com as pessoas da aldeia, mentindo que estava sendo atacado por um lobo. Desmascarado, ele não é acudido pelos camponeses irritados com sua atitude mentirosa quando, de fato, o perigoso animal espreita. O lobo engole o pato, que havia fugido por descuido do menino, e só não o faz o mesmo com o gato porque este, ágil, sobe à árvore.
O sucesso universal que “Pedro...” obteria século XX adiante faz com que seja difícil imaginar o quanto foi penoso para Prokofiev compô-la. Autor acostumado às construções intrincadas de melodia e harmonia, subvertidas com perícia e austeridade, o que geralmente lhe dificultava o entendimento, Prokofiev via-se agora diante da encomenda de Natalya Sats, diretora de um teatro infantil de Moscou, em um projeto no qual era necessário ser compreendido por todos os públicos, principalmente o infantil. Desta forma, o compositor usa toda sua inteligência musical para, num processo cartesiano, limpar as complexidades desnecessárias e edificar uma peça que, devido à sua beleza lúdica e clareza conceitual, passou a servir de referência a obras voltadas para crianças. Na Rússia e no mundo! Sendo forçosamente pop, Prokofiev inferiu de maneira inapagável na cultura pop.
Ledo engano, no entanto, supor que o compositor russo apenas despiu de experimentalismo sua música para criar um mero número fácil e vulgar. O grande mérito dele está em, sabendo valer-se de toda sua sensibilidade musical e extenso cabedal técnico – adquirido desde a infância com mestres como Glière, Rimsky-Korsakov e Stravisnky, e mais tarde, no convívio com figuras como Picasso, Cézanne, Diaguilev e Maiakowsky –, não desfazer a inteligência do público a quem se dirigia: as crianças. Situando-se entre a música absoluta, a realização de uma paisagem sonora ideal desvinculada do ambiente externo, e a música programática, gênero instrumental criado no período romântico que transforma o espaço natural em sala de concerto, “Pedro...” tem o objetivo pedagógico de ensinar música às crianças.
Prokofiev: um revolucionário entre o erudito e o popular
Prokofiev deu a cada personagem da história a representação por um instrumento: Pedro, o quarteto de cordas; passarinho, a flauta transversal; pata, oboé; gato, clarinete; vovô, fagote; lobo, três trompas; e os sons dos caçadores, tímpanos e bombo. Através da linguagem musical plástica e literária, faz-se entender e entreter. No espaço simbólico entre a elite e o povo, Prolofiev optava pelos dois. Como Richard Wagner, o russo vale-se da aliteração poética para fazer com que a música participe do enredo, evocando sugestões e harmonias. Uma das ferramentas usados é outra técnica largamente usada pela ópera: o leitmotiv. Elemento recorrente na composição de “Pedro...”, ajuda Prokofiev a desenvolver temas que constituem, cada um, um “motivo”, isto é, uma reiteração ao longo da composição, que apela com frequência ao resgate de trechos e sons anteriores.
Ao suavizar sua estética geralmente arrojada por uma simplificação estilística, Prokofiev marca uma viragem que, talvez sem perceber, provocaria uma revolução na música mundial. Quantos artistas posteriores a ele oriundos do meio alternativo, da vanguarda ou do erudito também se depararam com a dicotomia entre popular e alta cultura? Manterem-se fiéis aos preceitos e restringir sua comunicação a poucos ou mudar de paradigma e expandir o alcance de suas obras? E quantos, sem saber lidar, se perderam nisso? Beatles, Salvador Dalí e Federico Fellini, cada um em sua área, sabem bem do que se trata.
O fato é que é certo dizer, por exemplo, que “Fantasia”, realizado três anos após o lançamento de “Pedro...”, jamais sairia do raff de Walt Disneynão fosse o conceito linguístico cunhado por Prokofiev, que foi aos Estados Unidos em 1938 apresentar-lhe a peça ao piano especialmente. Tanto que o próprio Disney produziu, em 1946, sua versão para a obra, introjetando seus ensinamentos. “Pedro...” influenciou as cabeças de Hollywood, que perceberam naquela “fórmula” de casamento música-imagem um poderoso elemento narrativo de comunicação com o público espectador, e não só o infantil. Filmes, animações, publicidade, televisão e tudo que se imagine da relação som/personagem bebem até hoje nesta inaugural sinfonia para crianças – e adultos, claro. Não precisa ir muito mais longe para notar essa influência. Os acordes de cordas que designam Pedro são exaustivamente copiados em praticamente todas as trilhas sonoras cinematográficas de filmes minimamente voltados ao público infanto-juvenil, visto que o principal reinventor do conceito musical do cinema moderno, John Williams, é claramente um adepto de Prokofiev.
"Pedro e O Lobo",de Walt Disney(1946)
Além disso, é possível ouvir versões de “Pedro...” nas mais diversas línguas e culturas, que se identificam com a história independentemente do local e tempo dada sua universalidade. David Bowie, Sean Connery, Bono Vox, Boris Karloff (inglês), Gérard Philipe, Pierre Bertin (francês), Antonio Banderas (espanhol), Sophia Loren (italiano), Paul de Leeuw (holandês), Rita Lee e até Roberto Carlos (português) já narraram a peça em seus respectivos idiomas em mais de uma centena de gravações.
O feito de Prokofiev, mesmo que a duras penas, foi o de contribuir sobremaneira para a cultura pedagógica da música na sociedade e para a popularização da música erudita, taxada de difícil e chata (muitas vezes, não sem razão) pelo grande público. Em “Pedro...”, sem abrir mão da tradição clássica e da veia vanguardista, Prokofiev, salvo pela própria alma infantil, ajudou a democratizar a música de alta qualidade, tornando-a popular no melhor sentido da palavra. Fez o que talvez camarada Stálin nem suspeitasse ser possível sem rigidez: uma obra literalmente “comuna”.
*Versão com a New Philharmonia Orchestra, narrada por Richard Baker com dondução de Raymond Leppard, de 1971, considerada pela revista de música clássica Gramophone como a melhor gravação de "Pedro e o Lobo"
Neste último domingo dia 01/02/2015, conhecemos o mais
novo campeão da NFL (liga Nacional de futebol americano dos Estados Unidos). A
NFL tem 32 duas equipes que são distribuídas em duas conferências AFC (Conferência
Americana) e a NFC (Conferência Nacional), cada conferência tem 16 equipes, e o
campeão de cada conferência (vamos pular os playoffs e ir direto para o que
interessa) ganha o direito de disputar a gloriosa final, conhecida como SUPER BOWL.
O SUPER BOWL é
uma final de jogo único, em um estádio já definido antes do começo da
temporada. Este ano SUPER BOWL XLIX
aconteceu no University of PhoenixStadium, em Glande, Arizona (Estádio
do Arizona Cardinals) e na disputa
pelo título tivemos New England Patriots
(campeão AFC) contra Seattle Seahawks
(campeã NFC e atual campeão do SUPER BOWL).
LaFell abrindo o placar.
Um início de partida bem movimentado, onde conseguimos
ver como seria o jogo, o QB do Patriots
Tom Brady (marido de Gisele Bündchen) variando seus passes, colocando todos os
seu recebedores para jogar, mas sempre com passes curtos evitando o confronto
com "legion of boom" (como
é conhecida a espetacular secundária doSeahawks ), mesmo sofrendo
uma intercepção, Tom Brady não diminui o ritmo e seguiu controlando o jogo. Do
outro lado, o Seahawks fazia campanhas rápidas, não ia muito longe, mas o RB
Marshall Lynch, assim como foi durante todo temporada seguia quebrando tackles
e conseguindo bons avanços terrestres, o QB Russel Wilson de Seattle, mostrava toda sua frieza e técnica
apurada para sair do pocket, e
procurar alvos livres para seus passes, mas com a boa marcação da secundária do
Patriots, Wilson acabava resolvendo
com as pernas (uma de suas grandes qualidades) e assim conquistava algumas
Jardas, com esse equilíbrio,
O
primeiro quarto terminou empatado 0 x 0
"The Beast" Lynch empata o jogo.
O segundo quarto continuou movimentado, mas agora com touchdowns, com um passe de Brady, LaFell abriu o placar da partida, em seguida
tivemos o empate do Seahawks com uma
corrida de Lynch. Então entra ação uma
das melhores duplas da NFL, Brandy e Gronkowski, com um belo passe de Brady, Gronk
faz os Patriots voltarem à frente do
placar.
Estamos no final do segundo quarto, indo para
intervalo do jogo, quando novamente aparece Chris Matthews, WR do Seahawks, para uma recepção para touchdown,
Matthews já tinha feito uma bela recepção na campanha do primeiro touchdown de
Seattle, o surpreendente, é que ate então ele não tinha feito nenhuma recepção
na temporada, a bola nunca tinha sido jogada na sua direção em toda sua vida,
sequer Russel Wilson sabia que ele existia antes do jogo (bom esse último é
mentira, acho que me empolguei com o lance, desculpa). Então vamos para o
intervalo com um empate, e a certeza de que teremos um segundo tempo
fantástico.
A bela Katy Perry comandou o show do intervalo.
Bom, intervalo, vamos ao banheiro, trocar de canal,
repor o estoque guloseimas... Que nada, não dá tempo para isso, pois aí vem o
famoso show do intervalo do SUPER BOWL,
onde já tivemos Michael Jackson, Madonna, Rolling Stones, The Who, entre outros grandes artistas, esse ano ficou por
conta da bela Katy Perry animar o público. O show visualmente, foi um
espetáculo grandioso, o palco fantástico, show de luzes e fogos, trocas de
figurinos, Katy foi embora voando em uma estrela, tudo incrivelmente lindo, já
as músicas, foram todos os principais hits da cantora americana, não que eu não
goste de Katy, a voz dela é muita boa, ela estava super animada, presença de
palco nota dez, mas foi cansativo, uma
dela já bastava, até porque, Lenny kravitz só foi fazer número, ficou no palco
uns 30 segundos, e a rapper Missy Elliott só cantou uma parte de "Lose control" (música que me
agrada bastante), resumo para quem estava em Glendale: Viu um belo
espetáculo e pode dançar, pois sentiram a energia de perto, já pela TV, só
ficou o belo espetáculo. No início da partida tivemos também o cantor John
Legend cantando “American The
Beautiful" e Idina Menzel (let
go, let go...sim a voz do sucesso de Frozen) interpretando o Hino norte americano.
Ainda aproveitando a pausa do jogo vou falar
rapidamente sobre os trailers que passaram durante as paradas de jogo, ao longo
de toda partida (apenas para TV americana). Diversos blockbusters estão por vir aí, vou destacar alguns que irão fazer
barulho aqui no Brasil (acredito que não muito pela qualidade dos filmes, mas
sim pele mídia feita em cima deles): 1) Tomorrowland (baseado em uma das
atrações de sucesso do parque da Disney, assim como Piratas do Caribe, pode
sair coisa boa ai); 2) Vingadores - Era
de Ultron ( vai ser f0d@); 3)Divertida Mente (essa animação é uma
das grandes apostas da Disney/ pixar para o ano); 4) Jurrasic World (a
nostalgia me levará ao cinema); 5) Velozes
e Furiosos 7 ( Sete já? Chega, né?); 6) Ted
2 ( mais do mesmo); 7) Minions (vai ser f0d@); 8) O Sétimo
filho (vamos dar uma chance); 9)Cinquenta
tons de Cinza (Hummmmm, não verei no cinema, desculpa); 10) O Exterminador - Genesis (Não sei se
eu quero mais um filme do exterminador); 11)
Divergente : Insugente (Mais do
mesmo) e 12) Bob Esponja: Um herói fora d'água (boas risadas com o Patrick).
Gronkowski recebe um belo passe de Brady
e coloca o Patriots novamente em vantagem.
Agora voltamos ao jogo, o segundo tempo começa com o Seahawks melhores, já conseguindo um field goal e passando a frente do placar
pela primeira vez. Melhores na partida, o Seahawks
amplia o placar com touchdown de Doug
Baldwin, que foi encontrado por Wilson, sozinho, passeando pela end zone dos Patriots.
Com o ataque funcionando bem e a defesa mostrando
porque é uma das melhores da NFL, o Seahawks
parecia que caminharia tranquilamente para o bi campeonato, só não combinar
isso com um certo Tom Brady.
Malabarismo do ataque de Seattle para
colocar a bola na linha de uma jarda.
No último quarto Brady conduziu o seu time a uma
incrível virada, com duas campanhas perfeitas que terminaram em dois touchdowns, um de Amendola e outra quase
no final da partida de Eldeman. O jogo está ganho, pode começar a festa em New
England... Não, ainda não, pois o Seahawks
vai para a sua campanha final, e com uma recepção circense (meio malabarista, e
meio palhaço), Lochette consegue deixar seu time na linha de uma jarda. Pronto
acabou, pode começar a festa em Seattle. Eles irão fazer um "pass rush" para Marshall
Lynch, que vai quebrar tackles e
fazer o touchdown da vitória, mas
nada disso acontece, não sabemos por que, mas eles tentam um passe curto e
acabam sendo interceptados na linha de uma Jarda, faltando 20 segundos para
acabar o jogo, é inacreditável, interceptação feita pelo CB Butler, sua
primeira intercepção na carreira, e ela acaba decidindo o SUPER BOWL. Final mágico, cheio de emoção e Patriots campeão, 28 a 24.
Buttler, o calouro, decidiu o Superbowl.
Ao invés de ficar questionado o culpado pela horrível
chamada ofensiva do Seahawks, prefiro
falar de uma lenda viva, Tom Brady, que já era considerado um dos melhores quaterbacks de todos os tempos, agora
com seus quatro títulos (e mais uma vez escolhido o melhor jogador da final), recordista
de passes para touchdowns em SUPER BOWLS, superando a lenda Joe
Montana (grande ídolo de Brady), Brady pode ser considerado o melhor de todos
os tempos? Não sei, mas sei que estamos vendo um homem fazer história, e se
tornar uma lenda, um jogador devemos agradecer por ver ele jogar.
Parabéns para todos nós que assistimos esse inesquecível
SUPER BOWL XLIX!
Brady, uma lenda do esporte da bola oval, celebrando o título de campeão dos Patriots.
"Ataque dos Cães" e "Duna" vislumbrando o Oscar no horizonte.
Depois de muita especulação acerca de quem já ganhara Globo de Ouro, BAFTA e outros prêmios indicativos, saiu a tão esperada lista do Oscar que, a bem da verdade, confirmou a maioria das expectativas. "Ataque dos Cães", de Jane Campion, como era esperado, por suas inúmeras qualidades, leva um monte de indicações, "Duna" se impõe nos prêmios técnicos, embora também figure em outras categorias, a encantadora animação da Disney, "Encanto" disputa o prêmio em sua categoria, tem tema de James Bond disputando para trilha original, e "Belfast" e "Amor Sublime Amor" pintam como aqueles que podem roubar a cena.
No mais, uma certa surpresa pela não indicação de Lady Gaga a melhor atriz, da mesma forma que surpreende um pouco a indicação de Kirsten Stewart, ignorada em outras premiações. Havia uma expectativa sobre como a Academia lidaria com o badalado e discutido "Não Olhe Para Cima" e, felizmente ele não foi ignorado, sendo nomeado para quatro prêmios, inclusive o de melhor filme e também para aquele que é seu maior mérito, o roteiro. Destaque também para a animação dinamarquesa "Flee" que disputa em três categorias, sendo elas, curiosamente, animação, filme estrangeiro e documentário, coisas aparentemente um tanto distantes uma da outra.
Como hoje em dia, com o streaming e as coisas chegando muito mais rápido às nossas casa, está mais fácil de ver os concorrentes, o negócio agora é preparar a pipoca, zapear os canais de filmes e aplicativos e começar a maratona de filmes.
O Oscar é logo ali. A cerimônia está marcada para o dia 27 de março.
Confira, abaixo, todos os indicados em todas as categorias:
Melhor filme
"Belfast"
"Não olhe para cima"
"Duna"
"Licorice pizza"
"Ataque dos cães"
"No ritmo do coração"
"Drive my car"
"King Richard: criando campeãs"
"O beco do pesadelo"
"Amor, sublime amor"
Melhor direção
Kenneth Branagh - "Belfast"
Ryusuke Hamaguchi - "Drive my car"
Jane Campion - "Ataque dos cães"
Steven Spielberg - "Amor, sublime amor"
Paul Thomas Anderson - "Licorice Pizza"
Melhor atriz
Jessica Chastain - "Os olhos de Tammy Faye"
Olivia Colman - "A filha perdida"
Penélope Cruz - "Mães paralelas"
Nicole Kidman - "Apresentando os Ricardos"
Kirsten Stewart - "Spencer"
Melhor ator
Javier Bardem - "Apresentando os Ricardos"
Benedict Cumberbatch - "Ataque dos cães"
Andrew Garfield - "Tick, tick... Boom!"
Will Smith - "King Richard: criando campeãs"
Denzel Washington - "A tragédia de Macbeth"
Melhor atriz coadjuvante
Jessie Buckley - "A filha perdida"
Ariana DeBose - "Amor, sublime amor"
Judi Dench - "Belfast"
Kirsten Dunst - "Ataque dos cães"
Aunjanue Ellis - "King Richard: criando campeãs"
Melhor ator coadjuvante
Ciarán Hinds - "Belfast"
Troy Kotsur - "No ritmo do coração"
Jesse Plemons - "Ataque dos cães"
J.K. Simmons - "Apresentando os Ricardos"
Kodi Smit-McPhee - "Ataque dos cães"
Melhor filme internacional
"Drive my car" - Japão
"Flee" - Dinamarca
"A Mão de Deus" - Itália
"A Felicidade das Pequenas Coisas" - Butão
"A Pior Pessoa do Mundo" - Noruega
Melhor roteiro adaptado
"No ritmo do coração"
"Drive my car"
"Duna"
"A filha perdida"
"Ataque dos cães"
Melhor roteiro original
"Belfast"
"Não olhe para cima"
"King Richard: criando campeãs"
"Licorice pizza"
"A pior pessoa do mundo"
Melhor figurino
"Cruella"
"Cyrano"
"Duna"
"O beco do pesadelo"
"Amor, sublime amor"
Melhor trilha sonora
"Não olhe para cima"
"Duna"
"Encanto"
"Mães paralelas"
"Ataque dos cães"
Melhor animação
"Encanto"
"Flee"
"Luca"
""A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas"
"Raya e o último dragão"
Melhor curta de animação
"Affairs of the art"
"Bestia"
"Boxballet"
"A Sabiá Sabiazinha"
"The windshield wiper"
Melhor curta-metragem em live action
"Ala kachuu - Take and run"
"The long goodbye"
"The dress"
"On my mind"
"Please hold"
Melhor documentário
"Acension"
"Attica"
"Flee"
""Summer of Soul (...ou Quando A Revolução Não Pôde Ser Televisionada)"
