Air - "Moon Safari" (1998)

"Tornou-se mais fácil e democrático criar música

e os home-studios foram se tornando cada vez mais sofisticados

até que chegamos a um ponto em que

começou a perder a graça, a ficar muito robótico,

 pejorativamente falando, artificial até demais.

Com isso, muitos músicos e artistas, consagrados e independentes,

chegaram ao ponto de voltar a fazer uso

dos equipamentos analógicos,

utilizando velhos clássicos como o Minimoog,

ou a nova leva de synths e drum-machines

fabricadas nos dias de hoje

pelas empresas Moog, Korg e Roland.

(...) Tudo isso com as novas técnicas, digitais ou não,

para dessa forma, mesmo com máquinas,

produzir música eletrônica  num processo

e com resultado mais "orgânico" e mais rico

em termos de qualidade sonora."

Paulo Beto

sound designer, DJ, produtor

e fundador da banda Anvil FX

Uma dupla de franceses que, quase no final do século XX, resolveu fazer música eletrônica à antiga. Bom..., quase à antiga. Embora seja inevitável a essas alturas, com toda tecnologia existente, deixar de utilizar os recursos disponíveis, Nicolas Godin e Jean-Benoît Dunkel, encheram seu som de equipamentos quase esquecidos como Minimoog, sintetizadores Korg , valvulados, o velho Vocoder e o resultado foi um som sofisticadamente retrô.
Com cara de documentários dos anos 70, de jingles publicitários, de filmes de ficção científica, de sons automáticos, "Moon Safari" , do duo Air, French Band, como se apresentam na capa do álbum, é um dos projetos mais interessantes da cena eletrônica do final dos anos 90 antecipando uma tendência que cada vez mais se confirma do retorno a uma certa artesanalidade da música eletrônica depois de épocas pouco criativas e de excessiva automatização. O som robótico de "Sexy Boy", tão minimalista chegando a parecer quase como aqueles produzidos por brinquedos, é adorável, cantada em inglês na sua maior parte mas com o refrão sensualmente entoado em francês. "Remember" também carrega essa ambiguidade que é tipicamente kraftwerkiana do homem-máquina com uma introdução de um vocoder bastante marcante e duro é humanizada, por assim dizer, pelo próprio título da canção que de certa forma provoca como que perguntando "como esse 'robô' pode lembrar?". E lembrar, rever, reler é exatamente a proposta do álbum.
A belíssima "Talisman" tem um arranjo crescente extremamente bem elaborado e é enriquecida pelo preciso arranjo de cordas.
"La Femme D'Argent", que abre o disco é uma boa síntese da proposta retrô- futurista do álbum com sua base de baixo envolvente e elegante sobre a qual desfilam solos de órgãos e sintetizadores primitivos, s baladas "All I Need" e "You Make It Easy", ambas cantadas humanamente por belas vozes femininas são canções deliciosas e delicadas que remetem imediatamente à melhor tradição da música francesa; "Kelly Watch the Stars" com seu clima espacial é uma ótima canção pop; "Ce Matin La" seria perfeita para um comercial ou filme promocional setentista; e "New Star in The Sky", suave, flutuante, com sua doce melancolia parece uma viagem pelo espaço.
"Le Voyage de Penélope", a faixa final é outro dos grande momentos do disco coroando seu final com um show dos dois músicos nos sintetizadores acompanhados por um clarinete que dá um charme todo especial à canção.
O Air não reinventou a roda. Não fez nada que já não se tivesse feito em outro momento. Muita gente critica essa onda de revivalismo como sendo uma mera falta de recurso ou inventividade. Particularmente, acho válido e interessante quando feito com inteligência e criatividade o que é o caso do Air, que deu alguns passos atrás para, quem sabe, ter dado outros tantos à frente. Como dizia aquela frase de Chico Science, "modernizar o passado é uma evolução musical". E acho que talvez seja mesmo.

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FAIXAS:
1. La Femme d’argent
2. Sexy Boy
3. All I Need
4. Kelly, Watch the Stars!
5. Talisman
6. Remember
7. You Make It Easy
8. Ce matin-là
9. New Star in the Sky (Chanson pour Solal)
10. Le Voyage de Pénélope

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Ouça:

Air Moon Safari

Cly Reis

Sean Lennon - "Into the Sun" (1998)

“Sean Lennon inteligentemente se posicionou entre o pop e o experimental, propondo uma ideia caleidoscópica como fizeram os multiculturais dos anos ‘90 Beastie Boys, Beck e Cibo Matto.” 

 Stephen Thomas

A estas alturas, segunda década dos anos 2000, já é possível identificar com clareza quais foram os grandes discos da última década do século passado, os anos 90. Depois dos anos 50, marco do nascimento do rock, dos explosivos e extrapolados ’60, dos psicodélicos e revoltados ’70 e dos criativos e inteligentes ’80, o que restaria à música pop nos ’90? Repetir-se? Não! Alguns artistas souberam recriar e até trazer coisas bem novas. "Broken" , do 9 Inch Nails, "Nevermind" , do Nirvana, ou "Loveless", do My Bloody Valentine, já elencados como Álbuns Fundamentais neste blog, são bons exemplos. “Moon Safari”, do Air, “Odelay”, do Beck, e “Big Calm”, do Morcheeba, provavelmente darão as caras por aqui ainda. Mas mesmo gostando mais de alguns destes, um que a mim marcou muito os anos 90 e com o qual me delicio a cada audição é “Into the Sun”, do cantor, compositor e multi-instrumentista Sean Lennon, o “filho do homem”.
“Into the Sun” é, simplesmente, apaixonante. De sonoridade sofisticada, experimental e com um toque artesanal, o CD de estreia deste abençoado ser – resultado da cruza de John Lennon com Yoko Ono – emenda uma pérola atrás da outra, numa explosão de criatividade e técnica. O referido ar “caseiro” não é à toa: exceto algumas participações, Sean compõe, produz, canta e toca todos os instrumentos. A delicada faixa-título – uma bossa-nova de rara beleza com direito à batida de violão a la João Gilberto – é a única em que divide o microfone, acompanhado de Miho Hatori, vocalista da banda Cibo Matto. A outra integrante deste grupo, a então namorada Yuka Honda, co-produtora e “musa inspiradora” da obra, dá sua contribuição com samples, programações e no vocal de “Two Fine Lovers”, um jazz-lounge funkeado ao mesmo tempo romântico e dançante, e de “Spaceship”, outra das melhores.
Uma peculiaridade que impressiona na música de Sean é a sua capacidade de inventar melodias de voz absolutamente belas. É o caso de “Home”, single do CD que rodava direto na MTV com o ótimo clipe de Spike Jonze. Por trás das guitarradas estilo Sonic Youth e da bateria possante do refrão, a melodia de voz é doce, linda, daquelas de cantar de olhos fechados pra saborear cada frase. Outra assim é “Bathtub”, um mescla de MPB com Beatles em que, novamente, Sean destila sua destreza com a palavra cantada, principalmente na parte final, onde se cruzam três melodias de voz apresentadas durante a faixa.
Eu sei, eu sei! É óbvio que a dúvida surgiria: afinal, a música Sean se parece com a de John? Como TUDO em música pop depois dos  The Beatles, sim; mas, surpreendentemente, menos do que seria normal pela consanguinidade. A voz, claro, lembra o timbre levemente infantil do beatle. Das músicas, “Wasted”, só ao piano e voz, e, principalmente, “Part One of the Cowboy Trilogy”, um country como os que John tinha incrível habilidade ao compor, remetem bastante. Mas fica por aí. No máximo, a parecença conceitual com álbuns do pai como “Plastic Ono Band” ou “Imagine” por conta da diversidade estilística – o que, convenhamos, não era uma característica só de sir. Lennon.
Outra marca de Sean é a composição no violão. Da ótima faixa de abertura, “Mystery Juice”, à balada “One Night”, passando pelas bossas – a já citada “Into the Sun” e “Breeze”, outra belíssima –, ele brande as cordas de nylon para extrair melodias muito pessoais e profundas. A mais intensa destas é, certamente, “Spaceship”, que começa só ao violão sobre ruídos eletrônicos e na qual vão se adicionando outros instrumentos e sons, até estourar em emoção no refrão, com guitarras distorcidas, bateria alta e a voz de Honda no backing. Ótima.
Mas a variedade musical de Sean não pára por aí. Depois de MPB, indie, country e balada, ele apresentaria ainda, se não melhor, a mais bem trabalhada música do álbum: “Photosynthesis”, um jazz-rock instrumental no melhor estilo Art Ensemble of Chicago. Puxado pelo baixo acústico, que mantém a base o tempo inteiro, tem samples, solos de flauta e de piano, até que, depois de um breve breque, a música volta com um impressionante solo de percussão latina e, emendando, um outro de trompete. Incrível! “Sean’s Theme”, mais um jazz, este mais piano-bar, fecha bem “Into the Sun”, que traz ainda “Queue”, um gostoso rock embaladinho que termina sob uma camada densa de guitarras, revelando, mais uma vez, a engenhosidade no trato com a melodia de voz.
Um “disco de cabeceira” para mim, que não canso de reouvir. Um baita disco de rock com a distinção de quem herdou o que de melhor seu pai tinha como gênio da música que foi: a sensibilidade artística.

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vídeo de "Home", Sean Lennon



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FAIXAS:
1. "Mystery Juice"
2. "Into the Sun"
3. "Home"
4. "Bathtub" (S. Lennon/Yuka Honda)
5. "One Night"
6. "Spaceship" (S. Lennon/Timo Ellis)
7. "Photosynthesis"
8. "Queue" (S. Lennon/Y. Honda)
9. "Two Fine Lovers"
10. "Part One of the Cowboy Trilogy"
11. "Wasted"
12. "Breeze"
13. "Sean's Theme"

Todas as músicas de autoria de Sean Lennon, exceto indicadas.
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Ouça:

Sean Lennon Into the Sun

por Daniel Rodrigues

Dossiê ÁLBUNS FUNDAMENTAIS 2016

Os líderes já vêem os alemães do Kraftwerk pelo retrovisor.

Vamos combinar que 2016 foi cruel com alguns grandes ídolos da música, não? David Bowie; Prince; Cauby Peixoto; Pierre Boulez; Alan Vega do Suicide; Paul Katner do Jefferson Airplane; Pete Burns do Dead Or Alive; Glenn Frey dos Eagles; Maurice White  do Earth, Wind and Fire; a espinha dorsal do Emerson, Lake and Palmer, Keith e Greg; Leonard Cohen e, por último, no apagar das luzes do ano, George Michael. Foi pesado, hein! Mas não adianta: esses caras se foram mas suas obras ficam e serão sempre lembrados e, entre outras coisas é para isso que uma seção como esta, a ÁLBUNS FUNDAMENTAIS, serve. Para eternizar grandes obras do meio musical e manter imortalizados os artistas que nos proporcionaram o privilégio de tê-las entre nós. Prova disso, na nossa coluna, é que o recém-falecido David Bowie ocupa a liderança de discos destacados, ali, abraçadinho com as duas maiores bandas de rock do mundo, Beatles e Stones. Que trinca, hein! Sim, é verdade, a ponta de cima não teve nenhuma alteração em relação ao mesmo período do ano passado, mas a meiúca, o miolo ali teve movimentação com gente nova entrando como a talentosa Janelle Monáe com seu "ArchAndroid", o Blur saindo em vantagem na eterna briga contra o Oasis botando "Parklife" na lista e já com algum atraso, finalmente pintando um Marvin Gaye entre os nossos fundamentais. Alguns subiram de posição, como é o caso do Kraftwerk que com seu "Tour de France Soundtracks" aproximou-se ameaçadoramente dos líderes já colocando na roda seu quarto A.F.; assim como os Smiths que, fazendo a última postagem do ano na seção, tiveram seu terceiro relacionado e já ocupam lugar destacado entre os internacionais.
Por esses lados, Jorge Ben continua na ponta no ranking nacional e a parte de cima continua sem alteração com Titãs, Legião, Engenheiros, Caetano, Gil e Tim Maia seguindo de perto. Os fatos mais  consideráveis foram o de Lobão, com seu "O Rock Errou", por sinal o primeiro A.F. de 2016, ter subido para dois indicados, empatado com nomes como Chico Buarque, Novos Baianos, Tom Jobim, Chico Science, entre outros que já tem um bicampeonato; e o da Tia Rita finalmente ter colocado seus pés no nosso "Hall da Fama" com seu ótimo "Babilônia".
Na disputa por décadas os anos 70 continuam mandando fácil, em compensação por ano, o de 1986, é o que tem mais discos integrantes do nosso grupo de honra. Por nacionalidade, os Estados Unidos lideram com ampla vantagem, e os brasileiros que haviam roubado a segunda posição dos ingleses na temporada passada, ampliaram ainda mais a vantagem em relação ao pessoal da Rainha, mas isso sem contar com Irlanda e Escócia, o que faria, aí sim, com que o Reino Unido estivesse à nossa frente no placar geral. A novidade ficou por conta do primeiro A.F. francês com a dupla Air emplacando seu excelente "Moon Safari" entre os Fundamentais do Clyblog.
E esse empate triplo na ponteira internacional? Ninguém vai pular à frente? E no Brasil, Jorge Ben vai continuar reinando absoluto por tanto tempo? E aí Chico Buarque, não vai reagir? E essa briga Brasil vs Inglaterra pela vice-liderança? Será que o English Team vai se reaproximar? Será que vai passar? Bala na agulha tem pra isso com toda aquela elite do rock, não? Em compensação a criatividade, a musicalidade, o ritmo brasileiro tem meios de se defender. Enfim, 2017 promete. Ainda mais pelo fato de que provavelmente, pelo ritmo que a coisa vai, chegaremos ao número 400 e certamente pensaremos em algo especial com alguma convidado que venha a engrandecer este número e momento especial.
Enquanto isso, voltemos a 2016 e confiramos como foram as coisas. É!!! Porque 2017 já está aí e muitos ÁLBUNS FUNDAMENTAIS inda estão por vir. Sendo assim, vamos aos números:


PLACAR POR ARTISTA (GERAL)

• The Beatles: 5 álbuns
• David Bowie 5 álbuns
• The Rolling Stones 5 álbuns
• Kraftwerk 4 álbuns
• Stevie Wonder, Cure, Smiths, Led Zeppelin, Miles Davis, John Coltrane, Pink Floyd, Van Morrison e Bob Dylan: 3 álbuns cada

PLACAR POR ARTISTA (NACIONAL)

• Jorge Ben 4 álbuns*
• Gilberto Gil*, Caetano Veloso, Legião Urbana, Titãs, Engenheiros do Hawaii e Tim Maia; 3 álbuns cada

*contando o álbum Gil & Jorge

PLACAR POR DÉCADA

• anos 20: 2
• anos 30: 2
• anos 40: -
• anos 50: 13
• anos 60: 67
• anos 70: 98
• anos 80: 92
• anos 90: 67
• anos 2000: 9
• anos 2010: 7

*séc. XIX: 2
*séc. XVIII: 1

PLACAR POR ANO

• 1986: 18 álbuns
• 1976: 15 álbuns
• 1985: 14 a´lbuns
• 1991: 13 álbuns
• 1967, 1972 e 1979: 12 álbuns cada
• 1968, 1971 e 1992: 11 álbuns cada
• 1969, 1970, 1973, 1989 e 1992: 10 álbuns cada

PLACAR POR NACIONALIDADE*

• Estados Unidos: 133 obras de artistas*
• Brasil: 94 obras
• Inglaterra: 86 obras
• Alemanha: 7 obras
• Irlanda: 6 obras
• Canadá e Escócia: 4 cada
• México, Austrália e Islândia: 2 cada
• Jamaica, Gales, Itália, Hungria, Suíça e França: 1 cada

*artista oriundo daquele país

Young Marble Giants – “Colossal Youth” (1980)

“Lá vem os jovens gigantes de mármore/
Trazendo anzóis na palma da mão.”
Renato Russo, 
da música “L’Age D’Or”, 
da Legião Urbana, de 1992

A história do rock é escrita por linhas tortas. Aliás, não poderia ser diferente em se tratando do gênero mais subversivo da história da arte musical. Seria superficial traçar um caminho direto que fosse de Berry-Elvis nos anos 50, Beatles-Stones-Velvet-Floyd nos 60, Led-Sabbath-Bowie-Pistols nos 70 e U2-Prince-Madonna-Metallica nos 80, chegando aos 90 da Nirvana-Beck-Radiohead. Às vezes, trabalhos distintos surgem para riscar um traço transversal no mapa do rock, demarcando algo novo e que se incluirá nessa linha evolutiva, influenciando artistas que virão dali para frente. Ou o que mais seria a Can, intersecção entre a psicodelia dos anos 60 e o krautcock alemão, que alimentaria as cabeças da galera da britpop dos 90? Ou Grace Jones, que, no início dos 80, se pôs entre o reggae jamaicano e a new wave para apontar rumos ao pop que viria logo em seguida?

Um desses acidentes altamente influentes na trajetória rock é a Young Marble Giants, trio indie galês que, com um único disco, “Colossal Youth”, lançado pelo icônico selo Rough Trade, em 1980, foi capaz de abrir caminho para toda uma geração influenciada pelos acordes básicos do punk mas, naquele início de década, já desejosa de uma maior leveza pop – a qual os punks, definitivamente, não entregavam em seu grito de protesto. Era o chamado pós-punk, subgênero a que a YMG é considerada precursora. Motivos para esse apontamento existem, haja vista as marcas que a música da banda deixou em ícones como R.E.M., 10.000 Maniacs, Everything But the Girl, Nirvana, Massive Attack, Air e MGMT.

E o mais legal: a YMG fez tudo isso se valendo do mínimo. O som é calcado em um riff de guitarra, base de baixo, teclados econômicos, leve percussão eletrônica e voz. Dito assim parece simplório. Mas aí é que começam as particularidades da banda. Não se trata de apenas uma voz, mas sim o belo canto de Alison Statton em inspiradíssimas melodias vocais. Os riffs, geralmente tirados da guitarra ou dos teclados de Stuart Moxham, cabeça do grupo, são bastante inventivos. Curtos, mas inteligentes, certeiros. As bases de baixo do irmão de Stuart, Phillip, seguem a linha minimalista assim como as programações rítmicas, as quais cumprem sempre um papel essencial em termos de harmonia e texturas.

"Searching for Mr. Right", que abre “Colossal...”, de cara apresenta isso: um reggae estilizado em que baixo e guitarra funcionam em complemento fazendo a cama para um vocal doce e cantarolável. Já o country rock "Include Me Out" lembra o som que outra banda britânica da Rough Trade faria alguns anos deli e se tornaria famosa: uma tal de The Smiths.

O estilo sóbrio e produzido com exatidão dá ao som da YMG uma aura de art rock, lembrando o minimalismo da The Residents mas sem o tom sombrio ou da Throbbing Gristle sem a dureza do industrial rock. Pelo contrário: a sonoridade é delicada e lírica. Até mesmo quando namoram com a dissonância, como em “The Man Amplifier” e na ótima “Wurlitzer Jukebox”, a intenção soa melodiosa.

A lista de fãs da YMG impressiona pela quantidade de ilustres. Kurt Cobain e Courtney Love, especialmente, teceram os maiores elogios aos galeses, revelando o quanto os influenciaram. ”Music for Evenings" e “Constantly Changing” deixam isso bem claro no estilo de compor, tanto no riff da guitarra, na função contrapositiva do baixo e na melodia de voz. Mas a que deixa a reverência do casal Cobain/Love mais evidente é "Credit in the Straight World", das melhores do disco e que traz todas as características do que tanto Nirvana quanto Hole produziriam anos mais tarde. Tanto é que a Hole fez-lhe uma versão em 1994, no seu exitoso disco de estreia “Live Through This”. Se o Pixies é “a banda que inventou o Nirvana”, "Credit...”, da YMG, pode ser considerada a música que cumpriu esse papel gerativo da principal banda do grunge.

A influência da YMG, no entanto, não termina aí. Percebem-se em outras faixas de “Colossal...” o quanto previram tendências do rock, que se revelariam somente mais adiante. As instrumentais “The Tax” e “Wind in the Rigging” lembram o gothic punk minimalista que Steve Severin e Robert Smith fariam no icônico “Blue Sunshine”, de três anos depois (assim como “Colossal...”, o único disco da The Glove); “Choci loni” e “N.I.T.A.” antecipam ideias da Cocteau Twins de “Treasure”, de 1984, e da Air de “Moon Safari”, de 1998; "Eating Noddemix" é tudo que a Frente!, banda dos anos 90, queria ter feito; “Violet”, maior sucesso da Hole, poderia ser denunciada como plágio de "Brand - New - Life"; e até mesmo no Brasil a bossa nova pós-punk da Fellini traz muito da construção melódica da YMG.

A considerar o hermetismo de P.I.L, Joy Division e The Pop Group, a pegada avant-garde de Polyrock e Gang of Four, a guinada para o reggae/ska da segunda fase The Clash ou a preferência synth de Suicide e New Order, a YMG pode ser considerada, sim, a precursora do pós-punk tal como este gênero ficou conhecido. Eles conseguiram unir todas essas forças sonoras advindas com o punk e a new wave e sintetizá-las de forma concisa e pop. Como que com “anzóis na palma da mão” muito bem arremessados, os“Jovens Gigantes de Mármore” lançaram ao longe as linhas que fariam içar uma série de outros organismos vivos do rock nas décadas subsequentes, marcando, com sua simplicidade e criatividade, o pop-rock até hoje. Linhas estas, aliás, tortas, evidentemente.

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FAIXAS:

1.    "Searching for Mr. Right" – 3:03

2.    "Include Me Out" – 2:01

3.    "The Taxi" – 2:07

4.    "Eating Noddemix" (Phillip Moxham/ Alison Statton) – 2:04

5.    "Constantly Changing" – 2:04

6.    "N.I.T.A." – 3:31

7.    "Colossal Youth" – 1:54

8.    "Music for Evenings" – 3:02

9.    "The Man Amplifier" – 3:15

10.  "Choci Loni" (Moxham/ Moxham) – 2:37

11.  "Wurlitzer Jukebox" – 2:45

12.  "Salad Days" (Moxham/ Statton) – 2:01

13.  "Credit in the Straight World" – 2:29

14.  "Brand - New - Life" – 2:55

15.  "Wind in the Rigging" – 2:25
Todas as músicas de autoria de Stuart Moxham, exceto indicadas.

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OUÇA O DISCO:

Young Marble Giants – “Colossal Youth” (1980)

Daniel Rodrigues