Sabe aquele filme que te faz entrar numa viagem tão boa, mas tão boa, que demora para sair dela? É o que acontece ao assistir “Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo”. Você fica dias com o filme na cabeça.
Michelle Yeoh interpreta Evelyn Wang, uma cansada mulher chinesa-americana que luta para se manter. As coisas ficam estranhas quando ela descobre que é a chave para salvar o multiverso, e que pode acessar o conhecimento e os talentos de todos os seus vários "eus" através dos infinitos universos.
Não sei por onde pode posso começar os elogios a esta obra, então vamos para um roteiro, que teria tudo para ser uma grande confusão, mas por conta dos seus diálogos perfeitamente escritos, tudo fica perfeitsmente amarrado sem deixar pontas soltas. O que falar dos figurinos, principalmente da personagem Joy Wang (Stephanie Hsu)? Gostei de muito de como roteiro trabalha as habilidades de cada versão da protagonista. Todas são bem diferentes, com diferentes habilidades, e, no entanto, são muito bem aproveitadas funcionando muito bem em tela (até mesmo a versão pedra).
Temos atuações memoráveis que com certeza, capazes de alavancar a carreira de alguns atores, e até mesmo da já consagrada Michelle Yeoh, que só justifica o por quê de todo hype em cima dela. Mas também merecem destaque Joy Wang, que sempre que está em cena mostra força, cativa, tem humor, tem drama, e para o esquecido Ke Huy Quan (Waymond Wang), que faz a gente se perguntar onde esse cara estava esse tempo todo? Por favor mais filmes com ele!
De resto, as cenas de luta são muito bem coreografadas e não dá pra deixar de elogiar a competente direção dos “The Daniels” que se mostram cada vez mais ousados e seguros de si
Uma forma única de abortar uma história tão complexa faz desse filme realmente um destaque. Apenas lendo sinopse ou olhando trailers, talvez não se tenha a rela noção do que realmente o filme é. Tem que se jogar nele. “Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo”, assim como viaja pelo multiverso, consegue viajar por temas e você pode ver com um olhar referente a relação mãe e filha, pai e filho, a relação de um casal e suas crises, e por aí vai.
O longa é um show muito bem conduzindo, apesar grande número de informações que é jogado para o espectador. Por incrível que pareça, você não fica perdido e a edição muito dinâmica, acelera e freia nos momentos certos. “Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo” é a confusão mais organizada que você vai assistir nos últimos tempos.
Esse trio é muito bom. E não importa a versão do trio.
Dois bons times! Jogo muito equilibrado. Se de um lado temos a ousadia e o pioneirismo dos franceses em bancarem, ainda nos anos 70, um filme sobre um casal de homossexuais que vivem juntos com naturalidade, do outro temos a qualidade da produção norte-americana, com o acréscimo de um elenco de primeira. Os esquemas de jogo são praticamente idênticos: o dono de uma boate drag é surpreendido pelo filho, que tivera num passado remoto, com a notícia de que este pretende casar. Além do desgosto do matrimônio ser com uma mulher, a futura esposa é ainda, filha de um influente político. Só que para causar boa impressão ao futuro sogro conservador e de modo que a união seja permitida, o pai do futuro noivo, que é casado com outro homem, deverá fingir ser hétero e encenar uma vida "normal", "respeitável" e "tradicional" em um jantar de apresentação das famílias. A única diferença nisso tudo é que um se passa em Saint-Tropez e o outro em Miami. Embora o time francês tenha uma ótima atuação, a equipe norte-americana ganha nos detalhes: tem uma fotografia mais impressionante, a cargo do oscarizado Emmanuel Lubezki, uma direção de arte que foi indicada ao Oscar, uma trilha mais empolgante repleta de clássicos da disco-music, e as "americanices", que normalmente incomodam e desvalorizam as refilmagens, aqui funcionam super bem com clichês, exageros e palhaçadas que dão um tom mais leve e gostoso à adaptação. Isso sem falar nas atuações individuais! Por mais que Hugo Tonazzi esteja muito bem no papel de Renato, o dono da boate, Robin Williams, Armand, no remake, está espetacular. Gene Hackman, como o senador conservador também é show, Diante Wiest como sua esposa, suaviza graciosamente as situações embaraçosas, Calista Flockhart, que viria a ser Ally McBeal, na famosa série de TV, faz uma filha muito mais interessante que a italiana Luisa Maneri, e o empregado Agador "Spartacus" é mais cômico que seu igual francês, Jacob. Mas quem rouba cena mesmo é Nathan Lane como Albert, o parceiro de Armand. Com uma atuação inspirada, o ator nos arranca as melhores risadas com seu jeito excessivamente afetado. A cena do jantar, então, quando finge ser uma mulher mesmo, a mãe do garoto, é absolutamente hilária! A encenação de casal hétero, as gafes da "esposa", as trapalhadas do mordomo, os contratempos..., tudo é de não parar de rir e não tirar os olhos da tela até o desfecho da situação, por sinal, não menos engraçado, no qual o pai da noiva tem que driblar a imprensa para não ser visto em um ambiente que acabaria com sua carreira política.
"A Gaiola das Loucas" (1978) - trailer
"A Gaiola das Loucas" (1996) - trailer
Colocando assim, parece que o original tem muito poucas virtudes, o que não é verdade. Além de ser muito bom filme, muito bem feito e contar com boas atuações, "A Gaiola das Loucas", de 1978, tem o grande mérito do rompimento, de tratar do assunto do homossexualismo, de casais do mesmo sexo vivendo juntos, de maneira tão natural e direta, numa época em que, por mais que a cultura disco estivesse bombando pelo mundo, o tema ainda representava uma barreira e um sério tabu. Mas, por incrível que pareça, 18 anos depois, o discurso não perdia o valor e em 1996, na refilmagem, ainda era (e ainda é) relevante, reafirmar que o indivíduo tem o direito de amar quem quiser e viver com quem bem entende. Ambos os filmes podem parecer meio caricatos, estereotipados mas na verdade, o exagero dos personagens, dos figurinos, dos trejeitos, mais do que qualquer coisa, pretendem salientar que cada um tem o direito de viver sua vida do jeito que achar melhor, seja no jeito de vestir, de andar, onde e com quem morar, e de ser quem é sem ter que disfarçar ou fingir para agradar alguém ou atender convenções sociais.
Ambos os times saem vitoriosos na luta contra o preconceito, homofobia, desigualdade, intolerância e conservadorismo, mas no confronto direto entre eles, "A Gaiola das Loucas" de 1996 leva pequena vantagem. 3x2, no placar final.
Os dois casais: Albin e Renato, à esquerda; e Albert e Armand, à direita. Nathan Lane desequilibra a favor do filme mais recente e praticamente decide o jogo.
O original tem o mérito da coragem, do rompimento, da originalidade,
Um longa que chegou gerando uma
serie de expectativas e no meu ponto de vista, consegue cumprir todas elas.
Robert Eggers deve ter em "O Homem do Norte" seu longa menos aclamado pela crítica, mas
segue tendo apenas acertos na sua curta carreira de 3 filmes. Eggers consegue acertar mais uma vez, fazendo o filme de ação que Hollywood adora, mas sem deixar de lado seu toque artístico pessoal.
O príncipe Amleth (Oscar Novak) já é considerado um homem e está pronto
para ocupar o lugar do pai, o rei Aurvandil (Ethan Hawke), quando este acaba sendo
brutalmente assassinado pelo próprio irmão Fjölnir (Claes Bang), que pretende
tomar seu lugar. O menino, que presenciou o acontecimento, jura que um dia
voltará para vingar o pai e matar o tio.
Filme que divide opiniões: muita gente não gostou pelo fato de conter muita simbologia, diálogos longos, uma
profundidade maior dos personagens, um ar fantasioso que foge da veracidade
histórica... Outros, no entanto pessoas não gostaram por não ser exatamente
aquilo que esperamos de Eggers. O longa tem mais ação e foca na figura heroica
masculina, o que incomoda parcela do público. Acredito que o filme só perde
força quando ultrapassa uma das linhas, indo muito para fantasia, ou muito
para ação, tendo dificuldade em manter o equilíbrio, e gerando os desagrados do público.
No geral, o filme é em bem
balanceado, trabalhando os elementos fantásticos de uma maneira única, trazendo o misticismo das
mitologias, prezando também por
ser o mais fiel possível aos registros históricos da época, na direção de arte, com as roupas e cenários.
"O Homem do Norte" pode dividir o público, mas no meu ponto de vista pode agradar todos
os públicos, com uma uma fotografia fabulosa, que poderiam virar um quadro para colocar em qualquer parede, um roteiro que dá espaço para desenvolvimento dos personagens, uma
atuação formidável de Oscar Novak, e um plot no trecho final do roteiro que, por não conhecer a história (confesso), me pegou de surpresa.
Parece simples fazer uma atuação dessas, mas pense na intensidade que o ator tem que entrar em cena, SEMPRE!!!
Seu Chico, personagem de Milton em "Carandiru", de 2003
Dia desses conversava com um colega sobre a grandeza de
alguns atores brasileiros que, não fosse o entrave cultural à língua portuguesa
no mundo do entretenimento (ou a qualquer outro idioma que não o inglês),
estariam voando alto mundo afora. Vários grandes ficaram apenas para “consumo
interno” do brasileiro na tevê, no cinema ou no teatro. Alguns, tiveram em
produções internacionais, como José Wilker, José Lewgoy e Grande Otelo, mas não
despontaram internacionalmente. A exceção são Carmen Miranda, ícone, e Sônia Braga e Rodrigo Santoro,
que se adaptaram ao idioma de fora. Fernanda Montenegro é também um caso que não foge à regra: vencedora
de Globo de Ouro e concorrente ao Oscar falando português há 25 anos, nunca
mais concorreu a algo deste vulto mesmo com excelentes trabalhos posteriores a “Central do Brasil”. Por quê? Seguiu falando somente (e suficientemente) o português.
Semelhante ocorreu com Milton Gonçalves, que faleceu no último
dia 30, aos 88 anos. Lembro do policial que ele viveu em “O Beijo da Mulher Aranha”, de
Hector Babenco, em 1986, filme que deu o Oscar de Melhor Ator para o norte-americano John Hurt, com quem
Milton contracena, contudo, sem dever em nada. Milton foi, sim, da altura de Hurt, Freeman, Hopkins, Lancaster, Hanks, Lee Jones. A diferença? O português.
Se no cenário internacional Milton foi um dos que quase alçou,
em seu terreiro, contudo, voou alto. Foi uma das vozes negras mais importantes da
dramaturgia brasileira em mais de 60 anos de carreira. Por esse protagonismo preto, para além de outros grandes
atores brasileiros como ele, deixou uma marca insubstituível no teatro, na TV e no cinema. Este mineiro de Monte
Santo teve importante atuação no Teatro de Arena de São Paulo, no Teatro
Experimental do Negro de São Paulo, no Grupo Opinião, no Teatro dos Quatro e em
outras companhias. Como ator de novelas e seriados, nem se fala! Embora pouco lembrado por isso, foi também foi o primeiro negro
a dirigir uma novela na Globo – e não qualquer novela, mas sim o sucesso
internacional da primeira versão de “A Escrava Isaura”, de 1976. Mas não só
isso: esteve decisivamente em todos os momentos demarcatórios do cinema brasileiro:
no neorrealismo dos anos 50 (“O Grande Momento”), no Cinema Novo (“Macunaíma”),
no udigrudi (“O Anjo Nasceu”), na fase Embrafilme (“Eles Não Usam Black-Tie”), na
primeira internacionalização (“O Beijo da Mulher Aranha”), na retomada (“Carandiru”)
e na produção atual (“Pixinguinha: Um Homem Carinhoso”).
Dotado de espontaneidade e carisma, dominava a arte dramática com maestria, indo do pastelão ao melodrama com a naturalidade dos grandes. Interpretou textos dos maiores, de Guarnieri a Dias Gomes, de Steinbeck a Millôr. Sabia como tratar um texto. De todos os personagens que fez, de Zelão das Asas a Bráulio e Seu Chico,
no entanto, um se destaca especialmente para mim: “A Rainha Diaba”, filme de Antonio
Carlos Fontoura, de 1974. Espécie de blackexplotation à brasileira, o longa, centrado
na atuação de Milton, nasceu do desejo do diretor de mostrar o submundo das
drogas e da prostituição no Rio de Janeiro dos anos 70, com influências
decisivas do teatrólogo Plinio Marcos – responsável pelo argumento – e do
artista plástico Helio Oiticica. Como lembra o jornalista Márcio Pinheiro,
trata-se de um filme livremente inspirado na vida de Madame Satã, porém com
mais violência e menos romantismo. “’A Rainha Diaba’ é, em muitos aspectos,
mais autêntico e biográfico do que o próprio filme que leva o nome do
mitológico travesti da Lapa”, diz em uma postagem nas redes sociais. Milton dá
vida a este personagem andrógeno, que põe pela primeira vez um negro LGBTQIA+ como
protagonista de um filme no Brasil. E isso é muito.
Até o primeiro brasileiro num Emmy Internacional (prêmio
ao qual concorreu como Melhor Ator Internacional, em 2006) ele foi quando entregou
a estatueta de Melhor Programa Infantojuvenil ao lado da atriz norte-americana
Susan Sarandon. Predileção pela estreia, como um ator que sobe ao palco renovado
a cada noite de espetáculo.
Também tive, aliás, uma primeira – e única – vez com Milton. Uma ocasião em que o vi
pessoalmente, a poucos metros. Estava no Rio de Janeiro, nos arredores da
emblemática Cinelândia, acompanhado de minha esposa e de meu irmão numa tarde de agosto de 2018. Nós saímos
de uma livraria e ele, provavelmente, de algum dos teatros daquele quadrante em busca de um dos infindáveis taxis do Rio. Durante os segundos
de espera dele na calçada, pintou-me a dúvida: “Falo com ele?” Mas para dizer-lhe o
quê? pensei. “Parabéns”? “Obrigado”? Minha hesitação momentânea impediu que achasse
algo mais válido que isso e o taxi, obviamente, chegou. Ele embarcou e foi-se
embora com toda sua importância e grandeza. Voou. Aliás, como há muito se ensaiava, seja como Zelão, que sobrevoou Sucupira, seja como o velho Chico, aprendiz das pipas no Carandiru. Eu fiquei na calçada, pés plantados, olhando para cima e sabendo que havia
deixado escapar a oportunidade. Não agarrei suas asas. Depois vi que fiz o certo: deixei-o subir. Quantas asas ele já havia me dado sem saber para que eu, negro homem, um dia voasse também.
É o caso daquele técnico que tem moral no clube, já montou bons times e, anos depois, tendo vindo de bons trabalhos por aí, ganha uma infraestrutura ainda melhor do que já tinha e ainda mais investimento. Cecil B. DeMille havia feito para a Paramount, em 1923, uma adaptação da história bíblica de Moisés, projeto audacioso para a época pela grandiosidade e pelas inovações, mas naquele momento, ainda sem som e sem cor, recursos técnicos então indisponíveis. O resultado até foi bom, bastante elogiado e manteve a reputação de DeMille de ser um excelente adaptador cinematográfico para temas bíblicos. Mas aí, anos depois, com o colorido e o som à sua disposição, no cinema, o cineasta resolveu aperfeiçoar o projeto da maneira como realmente gostaria de fazer.
E fez toda a diferença!!! As cores e o som são dois pontos de enorme acréscimo ao anterior! A cor porque, uma vez tendo a seu dispor o recurso, DeMille as explorou de maneira muito competente, com paletas vívidas, vibrantes, que impressionam o espectador e salientam as características dos ambientes, intensificando, por exemplo, a sensação de riqueza do palácio do faraó com suas roupas e adereços extravagantes, ou ressaltam a aridez do deserto, no amarelado angustiante da areia. Do som ele fez um trunfo, uma vez que seus personagens FALAM e por sinal, falam muito bem. Os diálogos são muito bons, bem elaborados, são oportunos, têm força, têm impacto e, mesmo as falas discursivas de Moisés ou a própria voz de Deus, por mais exageradas e pomposas que possam parecer, são intensas e importantes dentro do contexto do filme e de sua época. O texto ganha muito, também, por ser interpretado por um time de primeira. O diretor ganhava para essa sua segunda versão uma elenco estelar com nomes como Yul Brynner, Anne Bexter, Vincent Price e, principalmente, Charlton Heston, como Moisés, ator talhado para esse tipo de papel, já tendo aparecido com características semelhantes em filmes como "Ben-Hur", "El Cid" e "Agonia e Êxtase". Não que o antigo não tivesse grandes estrelas, Theodore Roberts, o primeiro Moisés, Julie Faye, Rod La Roque gozavam de renome e prestígio na época do cinema mudo, e Richard Dix, inclusive, seguiu com sucesso já nos filmes sonoros. Mas não tem comparação! Até porque os astros da segunda versão marcam exatamente um era de adoração e mitologia das grandes estrelas de cinema, além de entregarem atuações à altura de seus nomes.
O primeiro filme é bem mais curto em relação a seu sucessor, uma vez que, limita suas ações ao desafio de Moisés ao faraó Ramsés II para que liberasse o povo escravizado, à partida dos hebreus para o deserto perseguidos pelos soldados egípcios e, por fim, à revelação das tábuas das leis. Já o remake parte desde o resgate do bebê Moisés, numa cesta, no Rio Nilo, sua ascensão a príncipe do Egito e sua posterior renúncia à realeza ao descobrir suas origens hebraicas, sua condenação a vagar pelo deserto até a morte, a incumbência dada a ele por Deus e, aí sim, encontrando o início do primeiro filme, quando retorna ao Cairo e exige de Ramsés a libertação de seu povo sob pena de, não o atendendo, liberar terríveis pragas sobre os egípcios.
No entanto, a primeira versão poderia ter abrangido uma parte maior da história, não fosse o fato de, na sua segunda parte, mudar bruscamente o rumo do filme. Logo após a revelação das Leis Sagradas a Moisés e seu anúncio para o povo, descobrimos que tudo aquilo que se passara, até então, no filme, fora narrado por uma mãe para seus dois filhos, nos tempos atuais (de 1923) lendo a Bíblia. Então começa outra história na segunda metade do filme: uma novelinha dramática cheia de ensinamentos morais baseados diretamente pelos Mandamentos. Legalzinho, bem feito, boa direção, a parte do desabamento da igreja, em especial, é bem impressionante, mas... o filme perde muito.
"Os Dez Mandamentos", de 1923, até é um bom filme. Competente no que se propõe, o que não era uma tarefa fácil. Tem bons cenários, bons figurinos, um bom trabalho de câmera de DeMille e efeitos visuais muito engenhosos dadas as condições técnicas da época, mas essa mudança a partir da metade compromete bastante do produto final. É uma quebra de expectativa que frustra um pouco o espectador que fica esperando por um novo encaixe na trama bíblica, o que não acontece. Sem falar que, no geral, fica parecendo uma tentativa de reproduzir um "Intolerância" (D.W. Griffith - 1916), sem a mesma genialidade, grandiosidade de cenários e qualidade de roteiro.
Mas DeMille parece ter aprendido a lição e, se o antigão se perde na segunda parte, sua nova versão vem com o que tem de melhor depois do intervalo. Tem ciúme, vingança, intriga, tragédia, perseguição, orgia, tem cajado virando cobra, tem chuva virando fogo, água virando sangue e, é claro, tem a clássica cena de Moisés abrindo o Mar Vermelho. Um segundo-tempo de luxo do time de Charlton Heston!
"Os Dez Mandamentos" (1923) -
abertura do Mar Vermelho
"Os Dez Mandamentos" (1956) -
abertura do Mar Vermelho
Enfim, no mano a mano, o time de 1956 ganha sem maior dificuldade.
A direção do primeiro é muito boa para sua época, mas o próprio DeMille se supera na refilmagem; a cenografia do original é excelente, mas a refeita é deslumbrante; o elenco original tinha alguns bambambans da era do cinema mudo, mas o timaço do remake é covardia; os efeitos especiais do primeiro eram impressionantes para o início do século passado, mas os do filme de 1956 levaram um Oscar. O que dizer?
A fotografia e a opção por uma paleta vibrante são um gol para o mais novo; o ganho sonoro e a composição dos diálogos valem outro; os cenários suntuosos e roupas luxuosas garantem mais um. O ataque desequilibra com a dupla de ataque Brynner e Heston. O craque dos filmes épicos passa pela defesa egípcia como se atravessasse o Mar Vermelho e faz um golaço; e, a propósito, a cena em questão, da abertura do mar, uma das mais clássicas da história do cinema, joga um banho de água fria e afunda o time de 1923. Como se não bastasse, nos acréscimos, as inscrições de Deus nas Tábuas Sagradas, apesar do foguinho meio tosco até para a época, é um verdadeiro gol de placa.
Ao time de 1923, fica o gol de honra pela ousadia, boa intenção, competente direção, cenas difíceis bem executadas e efeitos, até, bem complexos, quando sequer eles eram bem desenvolvidos. A opção pela mudança de esquema, no segundo-tempo, no entanto, colocou qualquer pretensão do original, por água abaixo.
Moisés dá o sangue em campo, faz chover, une o grupo e garante o título de Libertadores da Judeia.
Aqui alguns pontos de comparação visual: (à esquerda, sempre, o original) Os cenários, já suntuosos no primeiro e ainda mais impressionantes, no segundo; Moisés liberando as pragas diante de Ramsés II, no palácio; a rebeldia do povo e a adoração ao bezerro de ouro; e, por fim, Moisés, com as Leis Sagradas, nas duas versões.
O time de 1956 segue à risca os mandamentos do técnico DeMille,
que reviu seus conceitos, mudou o esquema e levou seu time à Terra Prometida.
Não levou o Mundial, que seria o Oscar de melhor filme,
Teve de tudo! Dessa vez teve cerimônia completa, casa cheia, números musicais, mestres de cerimônia e até porrada. Mas vamos começar pela cerimônia e pelos prêmios: pra compensar a premiação chocha do ano passado, bem discreta e quase intimista, por conta da pandemia, a Academia veio logo com três apresentadoras esse ano, Amy Shurmer, Regina Hall e Wanda Sykes que, muito inteligentes e bem-humoradas, conduziram a festa com competência, entregando, é claro, para os convidados apresentadores dos prêmios. E a propósito, na maior parte dos casos não houve muitas surpresas: "Duna" faturou os prêmio técnicos, Jane Campion confirmou o favoritismo para Direção; "Encanto" levou Animação; "Drive My Car", Filme Internacional, mas também tivemos premiações inéditas, como a do primeiro ator surdo a receber um Oscar, Troy Kotsur, e o próprio filme em questão, "No Ritmo do Coração", de certa forma surpreendendo ao desbancar "Ataque dos Cães" que levava algum favoritismo. Mas de uma cerimônia tão marcante por diversos fatores, protagonismo feminino, inclusão, diversidade, ineditismos, o que acabou mais chamando atenção, sem dúvida, foi o tapa na cara dado por Will Smith em Chris Rock por conta de uma piadinha, de mau gosto, envolvendo sua esposa. O que parecia, em princípio, mais uma brincadeira, mais uma encenação ensaiadinha dessas típicas de Hollywood, acabou se revelando uma indignação genuína de Smith quando ele, depois de subir ao palco e agredir o comediante, ao retornar para seu assento, continuou xingando e reafirmando sua ira, "Não mexa com o nome da minha esposa!", dizia furioso. Simplesmente inusitado. De certa forma, o incidente roubou a cena da festa, ainda que depois disso ainda viessem a ser anunciados vários prêmios importantes, inclusive o Oscar de melhor ator para o próprio Will. No fim das contas, numa edição que marcou a segunda conquista consecutiva de mulheres na direção, um ator deficiente auditivo sendo premiado, um filme de inclusão batendo um dos favoritos, vai acabar entrando para a história como aquela em que o Will Smith deu-lhe um sopapo no Chris Rock. Mas, mesmo sendo "fato secundário", vale a pena, também, a gente saber quem foram os premiados da noite. Vai aí:
Sob entusiásticos aplausos, Wayne Aldritch subiu ao palco. O semblante grave, taciturno, não combinava em nada com a honra com a qual era agraciado naquele momento. Aproximou-se do púlpito, recebeu a estatueta das mãos da atriz que apresentara o prêmio e, acalmada a ovação, inclinou-se levemente em direção ao microfone. Seu discurso foi breve. Tinha poucas palavras a dizer: - Eu quero dedicar esse prêmio à minha mulher que a essa hora deve estar trepando com o seu amante, na minha casa, na minha cama, enquanto eu estou aqui. Esse prêmio é seu. Quando chegar em casa te entrego. O público explodiu em gargalhadas, supondo se tratar de mais uma das tradicionais piadinhas que mestres de cerimônia, convidados e premiados costumam fazer durante esse tipo de cerimônia. No entanto, a saída do aclamado diretor a passos apressados do palco, fez com que as risadas fossem cessando até se transformarem num silêncio pesado.
*********
Ia, já, quase entrando com o carro, pelo portão de casa, quando ainda viu um carro sumia na esquina adiante. Devia ser o tal. Entrou em casa. Serviu uma dose de uísque e sentou-se no sofá ainda segurando a estatueta. Não demorou muito para que a esposa aparecesse na sala, descendo as escadas vestindo apenas um baby-doll. - Não vi a premiação porque estava ocupada, mas soube do seu showzinho. – disse ela, em tom zombeteiro – Parabéns pelo prêmio, senhor diretor – completou. - Como eu disse, o prêmio é seu. Vim para casa para te entregar. E avançou, de forma ameaçadora contra ela, com a estatueta dourada erguida acima da cabeça. - Para, para!!! Eu vou chamar a polícia! - Não se preocupe com isso: eu já chamei.
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Aldritch, naturalmente, não resistiu à prisão. Quando a polícia chegou, o encontrou sentado no sofá com as mãos pendentes entre as pernas. No chão, a seus pés, jazia a esposa Meg. Mal se conseguia distinguir que aquilo, acima de seus ombros um dia tivesse sido uma cabeça. Em meio aos pedaços quebrados de crânio e restos de cérebro espalhados, repousava no tapete vermelho da sala, pintada do vermelho do sangue, a estatueta dourada.
“Licorice Pizza” não irá ganhar o Oscar se Melhor Filme em 2022. Isso é certo. O mais cotado é, de fato, “Ataque dos Cães”, de Jane Campion, mesmo que “O Beco.do Pesadelo”, do já ganhador desta estatueta Guillermo Del Toro, em 2018, com “A Forma da Água”, pareça o mais talhado entre os 10 títulos concorrentes – e embora “Amor Sublime Amor” e “O Ritmo do Coração” corram por fora. O filme de Paul Thomas Anderson, portanto, não figura entre os favoritos. Aliás – e isso não é um demérito – o cineasta norte-americano talvez nunca venha a obter este êxito, visto que o seu cinema, definitivamente, não confere em conceito com a badalada premiação da indústria cinematográfica, e o seu novo longa é mais uma prova disso.
Mas não se enganem: “Licorice...” é, por mais que pareça uma contradição, quiçá o melhor entre os candidatos nesta categoria junto com “Drive my Car” (outro que também não deve levar o Oscar de Melhor Filme, uma vez que, ao que tudo indica, o de Melhor Filme Internacional esteja lhe esperando). O filme de Anderson (cujo estranho título faz uma referência a uma loja de discos que realmente existiu, mas que não aparece em nenhum momento), conta a história de Alana Kane (Alana Haim) e Gary Valentine (Cooper Hoffman), dois jovens que, embora a diferença de 10 anos dela para ele, vivem a adolescência no Vale de San Fernando, no Sul da Califórnia do início dos anos 70, engendrando vários negócios juntos e flertando um com outro, mas também se desencontrando.
Comédia romântica com ares de nouvelle vague e realismo poético, “Licorice...”, que também é escrito por PT Anderson, diferencia-se, por isso, muito do que a Academia costuma prestigiar. Desde seu primeiro longa, “Jogada de Risco", de 1996, passando pelo genial “Boogie Nights” (1997) e pelo retumbante “Magnolia”, Melhor Filme em 1999 (só que em Berlim...), fica claro que o estilo de seu "cinema de autor" carrega singularidades que lhe aproximam bastantemente da escola europeia. Neste sentido, ele é muito mais peculiar do que seus contemporâneos Tarantino, Rodriguez e Nolan, todos também autorais mas com um pé muito mais firme em Hollywood do que ele. Com o forte “Sangue Negro”, de 2007 – para muitos, sua melhor realização –, pode-se dizer que Anderson tenha se esforçado para arrebatar o prêmio máximo do cinema, mas sua mão “pesada” o fez dar tons muito mais trágicos à história que os jurados da Academia estão acostumados.
trailer de "Licorice Pizza", de Paul Thomas Anderson
A última tentativa de Anderson de levar esse bendito Oscar de Melhor Filme parece ter sido há quatro anos com “Trama Fantasma”, seu até então último longa e no qual repete a parceria com o excelente ator irlandês Daniel Day-Lewis. Porém, mesmo recebendo seis indicações (inclusive a de Filme), novamente sem sucesso. “Licorice...”, assim, dá a impressão de ser saudavelmente aquele filme em que o diretor disse a si mesmo: “Quer saber? Foda-se! Aceitem-me como eu sou!”. E deu muito certo. Descompromissado, o cineasta fez uma obra carregada de sentimentos, daquelas que ao mesmo tempo fazem emocionar terna e alegremente. É de encher o peito em uma gargalhada, mas também de soltar risos surpresos durante o decorrer por conta de seus diálogos e roteiro inteligentes.
Gary e Alana: feitos um para o outro (mas será que eles próprios sabem disso?)
Estão preservados elementos clássicos do estilo de Anderson: trilha sonora escolhida com esmero e paixão; ritmo de montagem que intercala agilidade com planos bem demorados, tributo a um de seus mestres, Martin Scorsese; planos-sequência realizados com bastante habilidade; o olhar especial para as musas, as quais invariavelmente dedica belos enquadramentos como faz desta vez com Alana; direção de atores bem encontrada entre o drama e a comédia; aparição de tipos exóticos impagáveis (Bradley Cooper, em uma ponta, arrasa fazendo o tresloucado playboy Jon Peters); mas principalmente, personagens que fascinam o espectador. Por que isso? Porque são, como sensivelmente fizeram Renoir, Carné ou Clair, pais do realismo poético francês ao qual o cinema de Anderson faz tributo, são capazes de construir personagens que refletem o interior humano equilibrando beleza e naturalidade. Os medos, as angústias, as aflições, os desejos, os amores. Alana e Gary, protagonistas a quem se torce para que fiquem juntos e parem com a infantilidade de se brigarem para fugirem do medo de não serem aceitos, são a tradução disso: gentes. Mas, claro: com o “filtro” mágico do cinema: não só o filtro da câmera, mas o do olhar.
Se não é o melhor entre todos da safra 2021/22, “Licorice...”, ao menos, é o que melhor cumpre um dos requisitos dos grandes filmes: o encerramento marcante. O cineasta conduz o espectador até o último segundo para, com sutileza, deixá-lo suspirando na poltrona com um sorriso no rosto – ou uma lágrima. Sabe aquele sabor de terminar de assistir “Nós que nos Amávamos Tanto”, “Pierrot le Fou” ou “Quando Papai Saiu em Viagem de Negócios”? É este o sentimento que fica com "Licorice...". Tudo bem: “Ataque...”, “O Beco...” e “Drive...” também terminam muito bem. Mas é tão mais impactante sentir uma ponta de "cinema de arte", assim, tão espontaneamente numa produção norte-americana, que o valor se duplica. Neste caso, o melhor que PT Anderson pode fazer é não ganhar prêmio nenhum mesmo. Será sinal de que continuará fazendo seu cinema tão original quanto encantador.
Uma substância valiosa e a disputa pela administração e a exploração desse produto no planeta onde ele é extraído está no centro das ações de ambas as versões de "Duna". O duque Atreides é incumbido pelo Imperador para a tarefa de chefiar o planeta Arrakis, mas o que parecia ser uma honra e benefício mostra-se, na verdade, uma armadilha tramada pelo Império com os perigosos Hakkonen para eliminar o duque e seu filho, o jovem Paul Atreides que, gerado da relação com uma bruxa, tem atributos um tanto especiais que se acentuam ainda mais quando o jovem chega a Arrakis. Seus talentos, sua sensitividade, seus poderes que ele própro não domina completamente, mostram-se fundamentais, especialmente depois que seu pai é traído e morto pelos Hakkonen, e o rapaz, fugitivo, é obrigado a se isolar no deserto com sua mãe, se aproximando a cada momento, a cada passo, de uma profecia que anuncia um "escolhido" que liderará o povo de Arrakis e acabará com a tirania do Império. Não estou entre os tantos que deploram a adaptação de David Lynch, de 1984, para o romance de Frank Herbert. O filme tem bom elenco, com Jürgen Prochnow, de "O Barco", Sean Young, de "Blade Runner", Max Von Sydow, de "O Sétimo Selo", Patrick Stewart, que viria estrelar a saga "Star Trek", o astro pop Sting, e Kyle McLachlan que estrelava seu primeiro longa mas que seria, a partir dali, um dos atores preferidos de David Lynch. Os figurinos são incríveis, a direção de arte é bem impressionante, os cenários muito interessantes, a fotografia, na maioria das vezes, é bem competente, e além de tudo isso, a trilha sonora ficava por conta de Toto e Brian Eno. O grande problema do filme de Lynch foi a parte técnica. Os efeitos especiais, para um filme de ficção científica e com o bom orçamento que teve, são, no mínimo decepcionantes. Mesmo se levando em consideração a época, as limitações técnicas, a primariedade de alguns recursos, eles são, em determinados momentos, quase risíveis. A armadura, por exemplo, que envolve o corpo dos guerreiros de Atreides, uma espécie de campo de força, é simplesmente ridícula. Uma animação geométrica constrangedora. E não me venham dizer que era o que dava pra fazer em 1984 porque, àquelas alturas, já tinham sido feitos três "Star Wars" (1977, 1980, 1983), "Blade Runner" (1982), dois "Superman" (1978, 1980), só pra ficar em alguns, com efeitos visuais muito mais impressionantes e convincentes. Mas se ficasse limitado a isso, dava pra dar um desconto. A narrativa é apressada, tem muito texto narrado, o que, ao invés de ajudar, atrapalha mais a compreensão, e a última meia hora é atropelada e confusa. Aí, o resto de boa vontade que podia-se ter com o filme de 1984, foi pro espaço. O que podia ser um gol contra a nova versão de "Duna", que é o fato de não acabar a história (não estou dando spoiler pois todo mundo sabe que vão rodar uma sequência), acaba sendo positivo pelo fato de não correr com a trama pra resolver logo, como fez seu antecessor. O novo "Duna" usa mais tempo mas desenvolve bem a história, sem presa, com paciência, sem precisar recorrer a uma narração explicativa durante todo o filme, e ainda dá mais profundidade e destaque a alguns personagens subutilizados no primeiro, aproximando-os do espectador. Colabora para isso, também, o elenco, igualmente muito qualificado, como no original: Oscar Issac, de "Ex-Machina" e da nova saga "Star Wars", Rebecca Ferguson, de Doutor Sono" e da franquia "Missão Impossível", Jason Momoa ("Aquaman"l), a veterana Charlotte Rampling ("Coração Satânico", "Melancolia"), a carismática Zendaya, dos novos "Homem-Aranha", e, capitaneado o time, o grande queridinho do momento, Timothée Chalamet, de "Me Chame Pelo Seu Nome" e "Não Olhe Para Cima", ente outros, no papel do "messias" Paul Atreides. A parte técnica, então, que era o ponto fraco do outro, é exatamente uma das maiores virtudes do novo, com efeitos visuais e som espetaculares, não à toa indicados ao Oscar, além da fotografia, com seu visual sombrio e suas locações no deserto simplesmente impressionantes.
"Duna" (1984) - trailer
"Duna" (2021) - trailer
Elenco por elenco, vamos deixar no empate; protagonista por protagonista, também não vejo grande vantagem para ninguém; no entanto, na caracterização e desenvolvimento dos personagens, o remake salta na frente no placar. E, a propósito de desenvolvimento, o andamento do filme e sua estrutura garantem mais um para a nova versão. Os cenários e a direção de arte, os figurinos do primeiro garantem um tento para o time de 1984, contudo, a fotografia, magistral, do novo filme acabam com a alegria do antigo "Duna" que tem que buscar mais uma no fundo das redes. De um modo geral, os efeitos especiais do filme de Villeneuve são muito melhores, mais espetaculares e, sem dúvida representam um golaço para o time de 2022, embora tenhamos que fazer justiça para com os vermes do primeiro filme que também era muito impressionantes, mesmo para as limitações da época. Em compensação, o que os habitantes subterrâneos do deserto de Arrakis acrescentam de positivo, a tal armadura que envolve o corpo dos guerreiros, tira. Quase um gol contra. Quanto aos caras da casamata, ou seja, os diretores, são dois maestros competentíssimos e, apesar de ser fã de David Lynch, tenho que reconhecer que, mesmo com um bom material humano, com um bom investimento, ele comete alguns erros que comprometem o desempenho final de seu time, ao passo que Denis Villeneuve conduz seu time com precisão, usa um esquema mais adequado para a situação de jogo e, assim, extrai o melhor de cada um de seus atletas. Duna '84 foi indicado ao Oscar de melhor som mas sua refilmagem atual, além de ser indicada na mesma categoria, ainda recebeu nomeações para outras nove, incluindo melhor filme. Por aí já dá pra ter um pouco da ideia da diferença entre os dois filmes. Duna '21 está muitos anos-luz à frente.
Alguns pontos de comparação entre os dois filmes: No alto, a Reverenda Madre da ordem das Bene Gasserit nas duas versões. original, à esquerda, mais requintada e exótica, e à direita, a nova, mais sobria. Na segunda linha, o barão Hakkonen, o original típico das bizarrices de David Lynch, o outro, mais sério, sinistro é mais fiel ao livro. Em seguida, os vermes do deserto, a esquerda o antigo e à direita, o novo. Apesar das deficiências dos efeitos visuais do primeiro filme, os vermes de David Lynch se salvam e até se destacam como uma das coisas boas do filme. Em compensação o escudo virtual do primeiro filme, à esquerda, na quarta faixa, é lamentável, enquanto o outro, da nova versão. é meramente discreto, mas funciona melhor visualmente. E para finalizar, os dois Paul Atreides. Kyle McLaclan, do primeiro filme, não decepciona e vai bem no papel e a derrota não passa por ele, bem como o queridinho do momento, Timothée Chalamet, que se não é brilhante , não compromete também.
Já houve a quem surpreendi com essa afirmação: Pedro Almodóvar não me é uma unanimidade. Pelo menos, por certo tempo em sua filmografia, seu cinema, mesmo inequivocamente admirável, desagradava-me em algum grau, como se algo oculto, mas grave, estivesse fora do lugar. Desde sempre sei claramente de sua excelência nos vários aspectos fílmicos: roteiro, enquadramento, fotografia, direção cênica, arte, sensibilidade musical. Sei de tudo isso, mas era como se algo me incomodasse que eu não soubesse exatamente como explicar. Recapitulando melhor: minha relação com os filmes do cineasta espanhol vem desde praticamente o início de sua carreira, mais precisamente a partir de “Matador”, de 1986. Claro que me assombrei com aquele cinema potente, repleto de erotismo, crítica social e política, sarcasmo e lirismo, o que se confirmou nos seguintes “A Lei do Desejo” (1987) e “Mulheres à Beira de Um Ataque de Nervos” (1988). Porém, já a partir de “Ata-me!” (1989), seguindo de “De Salto Alto” (1991), “Kika” (1994) e “Carne Trêmula” (1997) esse desconforto passou a aparecer. O que seria?
Assistindo a seu novo filme, no entanto, o candidato a Oscar de Melhor Filme Internacional “Mães Paralelas”, foi que finalmente compreendi o que me perturbava em Almodóvar. Mas vamos ao filme primeiro: na história, duas mulheres, Janis (Penélope Cruz) e Ana (Milena Smit), dão a luz no mesmo dia e no mesmo hospital. Janis, de meia idade, teve a gravidez planejada e já se sente preparada e eufórica para ser mãe. Ana, adolescente, engravidou por acidente e sente medo do que está por vir, além de estar assustada, arrependida e traumatizada. As duas enfrentam essa jornada como mães solos e estreitam o vínculo entre si. Porém, o destino lhes guarda acontecimentos inesperados, que vão mudar profundamente suas vidas e remexer em questões originárias de ambas.
A abordagem realista de “Mães…” trouxe-me à luz que minha antiga questão com Almodóvar era nada estética e totalmente filosófica. Já nos primeiros minutos do filme o cineasta deixa claro que a trama encadeia com a mesma força os espectros existencial e sociopolítico ao evidenciar a situação das duas mães e da sua desafiadora condição feminina e, paralelamente, do resgate da memória de perseguidos políticos pela ditadura de Franco e cujos laços familiares são essenciais ao autorreconhecimento das personagens. Essa visão bastante autobiográfica, seja íntima ou coletivamente, não poderia ser abordada de outra forma que não a realista, contrariamente ao que por muito tempo prevaleceu como discurso nos filmes de Almodóvar, que era uma visagem reiteradamente excêntrica, quando não bizarra ou surreal. Essa linha de raciocínio transmitiu a mim por muito tempo que não havia outra visão de mundo para o diretor que não o decadentismo. Não que um autor, assim como muitos o fazem desde que a arte pensa o mundo, não possa – ou deva – expressar seu pessimismo. Não fosse assim, desconsideraria, por exemplo, o cinema de Angelopolus, Von Trier ou Bergman, quase sempre amargos. Mas a impressão que dava na filmografia de Almodóvar, mais precisamente até “Tudo Sobre Minha Mãe” (1999), marco desta quebra para uma incursão mais realista e biográfica, resultava em algo um tanto simplista, como se tudo se resolvesse pelo bizarro. Desde pequenos detalhes do roteiro até “soluções” ou comportamentos inesperados dos personagens, havia como que uma inquietação que não permitia que as verdades se despissem: careciam sempre estarem vestidas de ironia, choque, de arroubos.
trailer de "Mães Paralelas"
Seria simplista, aí sim, de minha parte, no entanto, atribuir isso à homossexualidade, sempre tão presente em suas temáticas, embora propositadamente geradora de perturbação, um possível indicativo. Mas não era só isso. Havia no ar – assim como a sensação de suspensão obtida pela câmera de Resnais ou a de sonho que Buñuel magicamente atribuía a seus filmes surrealistas – um sentimento de deslocamento constante, uma revolta inquietante. Tudo, claro, com o invólucro extremamente bem acabado, que lhe é marca registrada, o que me confundia até certo ponto – além, claro, da própria qualidade de filmes como “Ata-me!” e “Kika”, por exemplo. Porém, tudo formava, por fim, algo inevitavelmente um tanto repetitivo, para mim insuficiente a um autor tão capaz de vislumbrar um paradigma mais amplo. O bastantemente autobiográfico “Dor e Glória” (2019), seu longa imediatamente anterior a “Mães…”, parece com este último mostrar um Almodóvar maduro, por mais estranho que essa afirmação possa parecer quando se refere a um dos mais talentosos cineastas da atualidade. Nada de rompantes dos personagens, falas chocantes, ações excêntricas como se a alma do ser ibérico fosse necessariamente sempre assim. Até mesmo o thriller“A Pele que Habito” (2011), filme que marcou uma recente virada de prestígio na carreira de Almodóvar, o elemento bizarro funciona a favor da narrativa fantástica por natureza.
Penélope noutra ótima atuação com Almodóvar, concorre ao Oscar de Melhor Atriz
Este pisar no chão de Almodóvar em “Dor...” e agora em “Mães...” acaba por repercutir principalmente no roteiro, precioso no entendimento das complexidades humanas e, consequentemente, na direção de atores – o que põe Penélope, vencedora do Oscar de Atriz Coadjuvante em 2009 por "Vicky, Cristina, Barcelona" a concorrer pela segunda vez na carreira ao de Melhor Atriz (a outra, também com Almodóvar, por "Volver", em 2007). Afinal, quer algo mais inesperado do que as reações do ser humano diante do medo? Não precisa de exagero para expressar isso com contundência.
O resultado é um filme preciso, em que Almodóvar deixa aquela sensação que somente os grandes conseguem, que é a de ter se superado. E isso é ainda mais louvável considerando que, assim como Allen, o espanhol é daqueles cineastas que sempre produziram muito e há muito tempo, o que, naturalmente, leva a maior probabilidade de erros e acertos. Decerto, o Oscar de Filme Internacional fique com o acachapante “Drive My Car”, o qual, assim como “Roma” em 2018, e “Parasita”, em 2020, concorre também ao de Melhor Filme, mas que dificilmente repetirá o feito deste último ao arrebatar as duas estatuetas. Independentemente de premiação ou não, como obra “Mães...” vem com pertinência discutir questões femininas com tamanha sensibilidade, ineditismo, beleza e verdade. Um filme que diz, a rigor, tudo sobre todas as mães do mundo.
É mais ou menos como aquele Brasil x França, da Copa de 2006. O Brasil, pentacampeão, considerado o melhor futebol do mundo, cheio de estrelas, pegava a França que, se não era tão recheada de craques, era certinha, mais organizada, e tinha Zidane e Henry. O que que deu? A nossa Seleção, apostando muito nas individualidades, viu os franceses jogarem um futebol de Brasil e acabou voltando pra casa mais cedo. "Orfeu", de 1999 tem um timaço, com Milton Gonçalves, Zezé Motta, o "galã" das novelas, naquele momento, Murilo Benício, o astro pop-reggae Toni Garrido, trilha de Caetano Veloso, e direção de nada menos que o lendário Cacá Diegues. O filme até não é mau mas carece de leveza, de encanto. É um filme pesado, duro. A atualização da peça de Vinícius de Moraes para um contexto atual, de bandidos, policiais, tiros, e outros elementos que fazem parte da realidade dos morros cariocas, deixa o filme um tanto carregado e carente de leveza. Nem as cantorias do Orfeu, Toni Garrido, são o suficiente para amenizar a rigidez do filme do diretor, cria do Cinema Novo e experiente em filmar nesse tipo de ambiente.
Já "Orfeu do Carnaval", de 1959, produção francesa dirigida por Marcel Camus é pura magia! Tem, sim, toda a tensão da ameaça constante à acuada Eurídice, mas a atmosfera festiva, o tempo inteiro, num constante carnaval, o desenho dos personagens, de uma inocência saborosa, uma maior fidelidade ao texto da peça e, consequentemente ao espírito original de história, e o romantismo, mais natural e comprometido dos protagonistas, fazem da primeira versão algo mais prazeroso de se ver e admirar. Além disso, os franceses jogam totalmente à brasileira: Marcel Camus faz um filme no Rio de Janeiro, falado em português, com um elenco predominantemente brasileiro, no papel principal, e cheio de samba, do início ao fim, com trilha sonora apaixonante de Tom Jobim e Luís Bonfá.
"Orfeu do Carnaval" (1959) - trailer
"Orfeu" (1999) - trailer
Ambos os filmes contam a história de amor entre o encantador Orfeu e a forasteira Eurídice, com a diferença que, no filme original, Orfeu, além de músico, é também condutor de bonde, enquanto na nova versão é apenas o compositor da escola de samba da comunidade onde vive. Em comum, os dois tem o fato que sua música é tão mágica, tão poderosa, que dizem ser capaz de fazer o sol nascer.
A harmonia do casal apaixonado, no entanto, é perturbada, no original, por um misterioso homem fantasiado de esqueleto, simbolizando a própria morte, enquanto no remake por um chefe do tráfico no morro, mas nos dois casos, também pela inconformidade de Mira, noiva de Orfeu, que não aceita nada bem o fato de ter sido trocada pela nova musa.
A perseguição pela Morte, mesmo carregando um um tom mais sinistro, confere uma aura mais poética ao enredo, enquanto que o envolvimento criminoso, marginal, bélico de traficantes, torna toda a atmosfera mais bruta, mesmo sendo o "dono do morro", vivido por Murilo Benício, um sonso, bundão que a gente mal consegue entender o que fala por conta de sua péssima dicção balbuciada.
Mas como já havia dito, a refilmagem não é um lixo. Não é, mesmo! É bem filmado, tem uma estética interessante, Cacá sabe filmar na favela, e sequência do desfile da escola de samba, filmada num desfile real na Marquês de Sapucaí, embora um pouco longa, é bem feita, bonita e dá um ganho ao filme.
Mas não tem jeito. O original, vencedor da Palma de Ouro em Cannes e do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, ou seja, praticamente como ganhar a Euro e a Copa do Mundo, ganha o jogo sem dificuldade. Faz um gol pela fidelidade à peça e à lenda; dois pela leveza e pela magia; o Orfeu do original vale mais um, mas o gol é anulado pela Eurídice do remake (Patrícia França) que é melhor que a do primeiro filme. O elenco, de um modo geral, e o bom trabalho coletivo, como filme, no todo, garante o gol de honra para o filme de 1999; mas a morte de Eurídice, com um tiro acidental do traficante bunda-mole, é gol contra e o filme de 1959 faz mais um no final. As trilhas sonoras se equivalem, com leve vantagem para a antiga, mas o que não chega a se materializar como bola na rede. E, assim, o placar final aponta 3x1 para o time de Marcel Camus.
A França tirou o Brasil nas quartas-de-final da Copa de 1986 e 2006, levou o ouro na final olímpica de 1984, faturou a Copa de 1998 em cima da gente, e agora nos vence no Clássico é Clássico (e vice-versa). Assim já tá perdendo a graça! É, teve aquela vitória em 1958 mas, convenhamos que já faz tempo, hein. Já virou freguesia.
Aqui os dois Orfeus. Tony Garrido, o novo, até já mostrou que sabe jogar bola, mas o da versão original, Breno Mello, foi jogador de futebol e aí não dá chance para o adversário. Faz gol e ainda vai sambar na bandeirinha de escanteio.
O Orfeu francês cheio de ginga brasileira, apronta um verdadeiro carnaval na defesa brasileira e leva o Estandarte de Ouro do Clássico é Clássico.
