Andam dizendo que o ciclone Akará não é nada perto do furacão que o Brasil tá enfrentando no campo diplomático... Preparado para chuvas e trovoadas está o MDC de hoje, que vai ter New Order, Portela, My Bloody Valentine, Karnak e mais. No Cabeça dos Outros, ainda, Caetano Veloso, e um Palavra, Lê pela memória do revolucionário nicaraguense Sandino. Sem declarações bombásticas, o programa hoje vai ao ar às 21h na bem grata Rádio ELétrica. Produção e apresentação no olho do furacão: Daniel Rodrigues
Essa coisa de dia dos namorados em junho é só aqui no Brasil, mesmo. Em grande parte dos outros países do mundo, a data dos apaixonados é comemorada em 14 de fevereiro, dia de São Valentin, padroeiro do amor. Como foi tendência no final dos anos 70 e início dos 80, os norte-americanos resolveram fazer filmes de terror para diversas datas comemorativas, "Halloween" (1978), "Réveillon Macabro" (1980), 'Aniversário Macabro" (1981), "Natal Sangrento" (1984), entre outros. O dia dos apaixonados não poderia ficar de fora e para 'celebrar' a data, em 1981, o slasher"Dia dos Namorados Macabro" foi lançado. Extremamente sangrento e com mortes cruéis e chocantes, o longa canadense sofreu com os departamentos de controle chegando ao público mais retalhado que as vítimas do próprio filme. Muito mais 'leve' e palatável na versão que foi aos cinemas, acabou, então, por não agradar os verdadeiros fãs do gênero e, desta forma, não gozando do mesmo respeito que alguns de seus similares, como um "Sexta-feira 13", por exemplo. Mas mesmo assim, "Dia dos Namorados Macabro" ou "My Bloody Valentine" mantém um certo status de cult do gênero.
Levando em consideração todas as restrições sofridas pela produção em sua época, e diante de um cenário atual mais livre, com muito mais recursos tecnológicos e tantas produções que não aliviam na violência gráfica, era mais que justo que "My Bloody Valentine" ganhasse um remake com tudo o que tinha direito e que lhe fora negado lá atrás. O remake aconteceu e não decepcionou! Nos deu sangue, crueldade, grafismo, criatividade nas execuções.
Parece que teremos então no confronto original versus remake uma vitória fácil da nova versão...
Engano!
Como aquele time que está desfalcado, que parece que não terá seus melhores jogadores, mas, momentos antes do jogo, anuncia que terá todo mundo à disposição, o time de 1982, com sua versão uncut, com todas as mortes, sem filtro, sem tarjas, sem desfoque, liberada há pouco tempo atrás, foi pro jogo em igualdade de condições. E aí, ó... tem jogo.
No filme original, depois de uma acidente, quando trabalhadores foram esquecidos numa mina por irresponsabilidade de seus supervisores, mais interessados em ir ao baile do Dia dos Namorados do que em conferir se todos já haviam deixado o local, o único sobrevivente resgatado dos escombros, Harry Warden, fugido de um hospital, um a o depois na mesma data, comete uma série de assassinatos como vingança por o terem deixado para morrer na mina, e por, mesmo em fã e ao acontecido com ele e seus colegas, no ano anterior, ousarem voltar a realizar o baile. Harry é apanhado, preso, mas, aí, sim, com as as novas mortes, todo o trauma da primeira tragédia, a 'sombra' de Harry e tudo mais, o baile passa a não ser mais celebrado na cidadezinha. As coisas ficam assim por 20 anos quando, sentindo que as coisas foram superadas, o prefeito e os habitantes da pequena Hanniger decidem voltar a fazer a festa do dia dos namorados.
Só que às voltas com o surgimento de novos cadáveres e corações humanos em caixas de bombom, acompanhados de macabros bilhetinhos ameaçadores exigindo a não realização dos festejos, o que sugeriria que Harry poderia estar de volta, o prefeito cancela o baile. Sem, no entanto revelar os verdadeiros motivos da decisão, de modo a não causar pânico generalizado, a garotada não totalmente convencida das razões do cancelamento e com tudo pronto para a festa, decide seguir com o plano do baile assim mesmo, por conta própria. E onde seria bom, uma vez que o prefeito fechou o salão da cidade? Na mina, é claro! Ah! Era tudo que o assassino queria! Lá o matador faz a sua festa, enquanto, na área urbana da cidade, o xerife recebe novas pistas e esclarecimentos sobre o paradeiro de Harry em relação ao hospital psiquiátrico onde se encontrava.
Embora basicamente na mesma tônica, a nova versão tem algumas diferenças: depois de sermos brevemente informados, ainda nos créditos iniciais, com manchetes de jornais, sobre os acontecimentos e desdobramentos sobre uma tragédia ocorrida numa mina na cidade de Harmony, na qual vários operários morreram numa explosão provocada por negligência, o único sobrevivente, Harry Warden, desperta do coma com uma fúria incontrolável e, ainda no hospital, nos oferece um banho de sangue brutal, tomando rumo em seguida à mina para se vingar dos que causaram a tragédia., pois a rapaziada da cidade está toda por lá curtindo e tomando umas cervejas.
Na mina, Harry encontra a rapaziada da cidade que está por lá curtindo e tomando umas cervejas e então continua sua jornada de selvageria vingativa. Trucida vários jovens com sua picareta, mas é contido por um dos rapazes e é baleado pela polícia que chegara ao local, fugindo seriamente ferido.
10 anos depois, a cidade tenta voltar ao normal. O xerife da época do massacre se aposentou, Axel, um dos jovens sobreviventes de Harry, virou xerife, o antigo dono da mineradora faleceu, seu herdeiro, Tom, voltou à cidade para se desfazer do negócio, e Sarah, sua ex-namorada, outra que escapou do maníaco, casou exatamente com o novo xerife. Mas o retorno de Tom coincide exatamente com novos assassinatos e deste modo, o herdeiro ausente da cidade por tanto tempo, passa a ser um dos principais suspeitos dos crimes. No entanto, os novos crimes têm a assinatura de Harry: caixas de bombom com um coração humano em seu interior, o que volta a levantar a dúvida se o psicopata teria realmente morrido no tiroteio na mina, dez anos antes.
Se por um lado, o remake tem a vantagem de nos apresentar mais suspeitos em potencial, principalmente, Tom, o filho pródigo da cidade, Axel, o xerife enciumado da esposa, a hipótese da possível sobrevivência de Harry, ou ainda, mais remotamente, de seu retorno sobrenatural, desperdiça toda uma boa trama com um desfecho um tanto... desapontador, cheio de clichês dispensáveis. Mas, mesmo assim, com alguns defeitos, conseguiu o mais importante que era encarar o original de igual para igual. Mas será que foi suficiente para desbancar um clássico?
Saberemos...
"Dia dos Namorados Macabro" (1981) - trailer
"Dia dos Namorados Macabro" (2009) - trailer
Os dois times começam o jogo a mil por hora: se no original temos a cena inicial pré-créditos, dentro da mina, com uma garota sendo pendurada numa picareta cravada na parede, na refilmagem, com alguns minutos a mais, temos o cenário de açougue do hospital na fuga de Harry, com tripas, mutilações e um banho de sangue. 1x1 rapidinho, em menos de cinco minutos.
O original tem o componente do baile que, na minha opinião colabora para o roteiro como um elemento simbólico marcante da recuperação emocional da cidade, item que o segundo filme praticamente ignora. Gol do filme de 1981! Em compensação a trama da nova versão é levemente mais complexa, tem mais subdesdobramentos, apresenta mais alternativas, sugere mais suspeitos e isso lhe dá uma certa vantagem sobre seu antecessor. Gol do time de 2009! 2x2, no placar.
Embora ambos tenham cenas importantes na mina, o primeiro explora melhor o ambiente: o subterrâneo, a escuridão, corredores estreitos, a sensação labiríntica, claustrofóbica, carrinhos de carga em trilhos como um trem fantasma... E tem as ferramentas (picareta, martelo, pá), assassino com máscara (de minerador), muitos jovens, nudez... Tudo muito slasher oitentista. Ah, isso é gol do time dos '80's. 3x2!
A garota pendurada no chuveiro, no vestiário da mina. Uma das boas mortes do filme de 1981
O remake até é mais gráfico, tem uma parte técnica melhor, tem mais sangue jorrando, mas ambos os filmes têm mortes excelentes e o original, cujas cenas mais fortes só foram vistas na íntegra agora na versão integral, não fica devendo em nada ao novo no que diz respeito à maquiagem e efeitos visuais. O primeiro tem a morte da senhorinha organizadora do baile torrada na lavanderia, a do dono do bar com a picareta atravessada na cabeça arrancando um dos olhos, a do garoto com a cabeça mergulhada na panela fervente com salsichas, a do mineiro alvejado com a pistola de pregos na cabeça, e especialmente a da garota pendurada pela cabeça no chuveiro com água jorrando pela boca. Muita qualidade de execução, tranquilidade na cara do gol, frieza. 4x2 para MBV original.
Uma pá pra alargar o sorriso da menina. Provavelmente, a melhor morte do remake e uma das grandes dos filmes slasher
A favor do time de 2009, além de refazer com competência, respeito e reverência (e mais sangue) algumas das mortes, como a da máquina de lavar e a da picareta no olho, nos brinda com a espetacular cena da pá na boca da garota, partindo a cabeça em duas e fazendo a parte superior deslizar pela superfície da ferramenta. Gol de quem conhece do ofício. Gol de matador! E o time de 2009 diminui: 4x3.
Um charme do filme de 1981, que até está presente na nova versão mas que não tem a mesma ênfase são os bilhetinhos do nosso assassino dentro das caixas de coração (com coração), característica típica da festa de São Valentin, explorado aqui como advertências do matador para que não se leve adiante a ideia do baile, em versinhos nada carinhosos. Gol do filme original e o nosso matador sai fazendo coraçãozinho com as mãos para torcida. 5x3
O time do século XXI tenta um recurso típico de sua época para empatar o jogo mas não surte o efeito esperado. Concebido para 3D nos cinemas, o novo MBV tem muita coisa "jogada" na tela como a picareta voando em direção ao espectador, a bala saindo do revólver, o olho saltando da cabeça, o que a meu ver ao invés de se caracterizar em algo positivo, conferiu uma certa artificialidade e uma forçação em algumas cenas que só são filmadas de determinada maneira, de determinada posição, para favorecer o efeito e, no fim das contas, não jogam muito a favor.
E o placar fica assim. O time de 2009 faz bonito, enfrenta o original de cabeça erguida mas com o time de1981 completo, é difícil competir. Lamento,... aqui é mata-mata e só um pode sobreviver na competição.
No alto, os dois assassinos da mina, praticamente iguais, à esquerda o original e à direita o da refilmagem. Abaixo, seu tradicional 'presentinho' de Dia dos Namorados. Vai um docinho aí?
"Dia dos Namorados Macabro 3D" bem que tentou, botou o coração na ponta da chuteira, mas não contava com a escalação do "Dia dos Namorados Macabro" '81, que jogando completo, conhece o mapa da mina.
Evoé, MDC! Na roda viva da vida, a arte perde ZÉ CELSO, mas ganha a afirmação de sua eternidade. Celebrando este sempre, o programa traz ele e muitas outras peças, que vão de MY BLOODY VALENTINE a TIM MAIA, de CAN a GERALDO AZEVEDO, de ZÉ MIGUEL WISNIK a ANDRÉ ABUJAMRA. Desafiando a plateia, subimos ao palco hoje às 21h na inquieta RÁDIO ELÉTRICA. Produção, apresentação e "merda!": DANIEL RODRIGUES.
Há 15 anos atrás tinha o privilégio de assistir a um show do Kraftwerk. Desde então, tive, para mim, a convicção de que havia presenciado o melhor show de minha vida. Até por conta disso, não tinha a intenção de vê-los ao vivo novamente. Pra que? Já havia me satisfeito e, provavelmente, não seriam melhores do que foram naquela vez.
Só que o tempo passou e, dentro desses 15 anos que me separam daquele show, tive uma filha. Ela tem 11 anos hoje e, ao longo de sua formação musical, sem que eu forçasse, sem que eu influenciasse decisivamente, acabou por adorar Kraftwerk. E eis que, eu que já me dava por satisfeito por tê-los visto uma vez, descubro que os caras vêm pro Brasil de novo! Eu tinha que levar minha filha para ver. Não sei se, a essas alturas, eles vêm de novo, se vão continuar fazendo turnês, se Ralph Hütter não vai pendurar as chuteiras, ou mesmo se sua "bateria" ainda vai durar por muito mais tempo, uma vez que, brincando brincando, já são 76 anos nas costas ("toc, toc", batendo na madeira). Era agora ou, possivelmente, nunca mais.
Então fiz o "esforço" de ir ao show no C6 Fest. Sinceramente, fora o fato da oportunidade de minha filha ter essa experiência, não guardava maiores expectativas. Imaginei que, velhinhos, com a vida ganha, com um repertório incontestável, depois de várias passagens por aqui, os homens-máquina fossem entrar no palco só pra cumprir tabela: aquele showzinho burocrático, tipo entro lá, ligo a programação eletrônica, cumpro uma horinha de show, ganho minha grana vou embora...
Que nada!
Os caras tavam pilhados!
Um show dinâmico, com espontaneidades, "improvisos", uma pedrada emendando na outra e, mesmo dentro daquele tradicional comedimento dos alemães, uma certa animação e uma movimentação incomum, especialmente do líder e fundador Ralph Hütter.
"Numbers" que abriu o show, combinada com "Computer World" já foi algo espetacular, musical e visualmente, com as impressionantes projeções sincronizadas no telão. "Spacelab" a seguiu trazendo a todos a surpresa da homenagem ao Rio de Janeiro, no telão, com a nave do Kraftwerk sobrevoando a cidade e pousando em frente ao Vivo Rio, levando o público à loucura. E teve uma "The Model" empolgante, "Autobahn" reinventada, muito mais livre e quase espontânea, "The Man-Machine emocionante, "Trans-Europe Express" arrasadora, um medley das partes de "Tour De France" e um gran-finale com uma "Music Non Stop" descontraída e cheia de pequenas variações. Senti falta, é verdade, de "Radioactivity" que podia muito bem ter entrado no lugar de "Planet of Visions", mas nada que desvalorize tudo o que acontecera lá.
Para quem achava que já havia visto o suficiente da banda, que era dispensável assistir a outro show, que eles estariam apenas cumprindo uma formalidade, acabei saindo com a sensação de ter presenciado outro dos grandes espetáculos da minha vida. Uma banda muito a fim, quase um "show de rock" por sua dinâmica, Ralph Hütter cheio de tesão, quase elétrico naquela sua movimentação contida. Balançou a cabeça, mexeu os ombros, bateu o pezinho e, no final, naquele momento em que os integrantes vão deixando o palco, um a um, desceu de seu posto, fez uma reverência, até sorriu e bateu no peito, agradecido, me parecendo, ali, até um pouco emocionado... Será? Será que o robô está se tornando humano? A convivência com nossa espécie teria feito com que, mesmo, uma máquina como ele adquirisse a capacidade de sentir emoções? Em época de discussões sobre Inteligência Artificial, a questão bem que procede, não. Mas como diria o policial Murphy, a propósito, um homem-robô, na frase final de "Robocop 2", "Somos apenas humanos".
trecho de "Computer Love"
trecho de "The Robots"
★★★
A revolução das máquinas
porDaniel Rodrigues
Se me perguntassem quais shows que eu ainda gostaria de ver de artistas que estejam em atividade (ou minimamente estejam vivos), listaria alguns difíceis e outros quase impossíveis. Das possibilidades, Ministry, John Cale e Pixies são um caso. Já dos improváveis, Th’ Faith Healers, Can e My Bloody Valentine encabeçam a lista. Claro: tem aqueles grandes shows que nunca fui mas que ainda são passíveis de um dia, seja no Brasil ou numa ocasião fora do país, serem presenciados por mim, como Madonna, Björk, David Byrne, Neil Young, Stevie Wonder e os Rolling Stones, que pode ser que venham à minha terra novamente como Roger Waters, que retornará a Porto Alegre por conta das memoráveis apresentações que fez na cidade para sua despedida dos palcos em novembro.
Mas de todos estes posso dizer com tranquilidade que o que mais queria ver era a Kraftwerk, desejo que foi realizado no último dia 18, no Vivo Rio. Desejo, não: sonho. Após duas vindas dos alemães ao Brasil, uma no Free Jazz Festival de 1998, quando eu nem sequer trabalhava para custear um ingresso tão caro a São Paulo, e outra, em 2009, quando estiveram no Rio de Janeiro, em plena Praça da Apoteose. Esta sim eu lamentei por não ter ido. Mesmo com os reiterados convites do meu irmão, que foi ao show, para que eu tentasse dar um jeito de ir ao Rio, onde pelo menos pouso garantido teria, as condições financeiras da época fecharam totalmente a porta. Minha lamentação foi alimentada durante estes 15 anos que se transcorreram desde aquela última apresentação da Kraftwerk em terras tupiniquins, ainda mais quando da morte de um dos cabeças do grupo neste meio tempo, Florian Schneider, em 2020. Embora já fora da banda há algum tempo, sua morte despertou o alerta de que o outro principal integrante, Ralf Hütter, já com quase 80 anos, pudesse, pelo óbvio, também ter sua “máquina desligada”.
Com a menor atividade da Kraftwerk, pensava que, para eles retornarem ao Brasil, quiçá, somente lá em 2024 ou 25, já que, ao menos, os shows estão retornando com tudo neste pós-pandemia. Considerando que os velhinhos já puseram seus sistemas em modo slow, até seria um tempo considerável um ou dois anos para que se mexessem. Mas eis que, para minha surpresa, eles são anunciados para estrelarem o C6 Fest, no Rio e em São Paulo. E agora, primeiro semestre do ano, em maio! E mais: meu irmão iria ao show com minha mãe, que aprendeu a adorá-los conosco, e minha sobrinha, Luna, fã da banda e que presenciaria seu primeiro grande show ao vivo. Num esforço coletivo, peguei uma mesa ao lado da deles e embarquei para o Rio. Todo o empenho, expectativa e lamentação foram totalmente recompensados.
Os desenhos estilo new look em movimento em "Autobahn"
Num formato pocket ("calculator", claro), adequado ao line-up de um festival, o quarteto liderado por Ralf entregou uma apresentação empolgante e empolgada em aproximadamente 1 hora e 20 de palco. A disposição foi a de sempre: os quatro enfileirados com roupas iluminadas em led e com suas mesas mágicas com programadores, sintetizadores, computadores e outras engenhocas saídas do estúdio Kling Klang direto de um laboratório de Düsseldorf, e, ao fundo, projeções magníficas que dialogam com os sons através de imagens, luzes, grafismos e vídeoartes. Porém, o grupo estava muito a fim e deu a plateia brasileira um espetáculo cheio de vontade e musicalidade, que se percebia no manejo altamente espontâneo dos “leitmotiv” de cada música.
Já no repertório, somente clássicos, que se emendaram uns aos outros sem pausa para respirar e, sim, para se admirar e absorver. Foi uma sequência para tirar lágrimas de qualquer fã, a começar pelo duo “Numbers/Computer World”, na abertura e com o qual eles poderiam ficar ali no palco por 1 hora inteira só brincando com os elementos de cada música, os números e os algoritmos digitais provocando sons, que jamais cairia na monotonia. Pra acabar com o coração dos kraftwekianos, mandam na sequência uma surpreendente execução de “Spacelab”, que além de ser um barato ouvi-la ao vivo e tocada de forma tão espontânea dentro dos limites do que o aparato eletrônico permite, foi uma atração à parte sua projeção, que mostrou a viagem da nave espacial (comandada por eles, obviamente) do espaço até chegar na Rio de Janeiro e pousar em frente ao próprio Vivo Rio, para delírio da galera.
“Autobahn”, com a ideia genial de animação dos carros desenhados manualmente da capa original de 1974, e a sequência “Tour de France/ Tour de France – Etape 1 e 2", com as imagens "vintage" da tradicional volta da França para a qual eles compuseram a trilha-tema em 1983, também foi de tirar o fôlego. Igualmente, o perfect pop “The Model”; a autorreferenciativa “The Robots”, com sua arte geométrica ao estilo da escola soviética; a altamente dançante “Planet of Visions”, motivando uma arte orgânico-digital-futurista; e a apoteótica “Trans-Europe Express/Metal on Metal”, cuja viagem do trem em 3D pelos trilhos europeus acompanha um desfile de execução dos quatro, mostrando que estavam se divertindo com a energia que emanava do público.
trecho de "Tour de France"
De todas as grandes performances, talvez a mais marcante tenha sido justamente a que fechou o show: a minissinfonia “Electric Cafe”: “Boing Boom Tschak/ Techno Pop/ Musik Non Stop”. As projeções, com a estrutura dos robôs e desenhos feitos em computador, mesclado arquitetura, design, música e arte, foi um digno final. Na despedida, um a um executava improvisos (sim, improvisos!) e saí do palco, até a vez do líder Ralf, ovacionado. Não à toa: Ralf Hütter é um “computer hero”, um esteta, um gênio da modernidade.
O maior show que já vi. Um dos maiores espetáculos da Terra. Uma das mais importantes bandas da música de todos os tempos, e não apenas da música pop, isso digo com certeza. Tanto quanto obras de Bach, Mozart, Wagner, Cage, Beatles, Dylan, Coltrane, João, a Kraftwerk é importante para a evolução da humanidade como espécie, pois que excede o patamar simplesmente artístico. Toda a parafernália tecnológica, como nossos smartphones ou aparelhos digitais que nos rodeiam, não teriam a comunicabilidade sonora que têm hoje não fosse os "homens-máquina" terem inventado esta linguagem. Somente robôs como eles teriam esta sensibilidade: a de saber como seus pares se comunicam conosco, humanos. E se a tecnologia é reflexo de nossa capacidade de criação, talvez ser robô seja o verdadeiro sentido de ser humano.
PS: De quebra, ainda levamos um showzaço da Underworld para fechar a noite, que não deixou nada a desejar para os mestres da eletrônica.
Hino autorreferente: "The Man-Machine"
Brincando com os teclados em "The Model"
Trecho da emplogante "Planet of Visions"
Um trem eletrônico passou pelo Rio: "TEE" + "Metal on Metal"
"Eu estava dirigindo para o meu trabalho estúpido e me vi preso em um engarrafamento gigantesco na estrada. De repente, algo novo flutuou sobre as ondas do rádio... um vocal feminino rosnado e sensual serpenteando em uma batida thumpa-thumpa... furtivo, legal... De repente a coisa toda se tornou selvagem. A cantora sibilou entre os dentes, as guitarras (soavam como 50 delas) gaguejavam e cuspiam, e a maldita coisa toda entrou em hiperdrive. A tempestade se estabeleceu em um ritmo pesado, hipnótico e caótico ao mesmo tempo, a música se agitou e se agitou e só terminou quando caiu no chão com um estrondo. Meu trabalho (e o resto do dia), desnecessário dizer, empalideceu em comparação com esse ataque auditivo. Totalmente perfeito... Eu estava apaixonado."
Dave Ehrlich, músico e produtor
A música é das poucas coisas nesse mundo capazes de me provocar paixões arrebatadoras. E que podem acontecer a qualquer momento. Se ainda é assim comigo hoje com todos os recursos e facilidades que a internet traz, imagine-se antigamente, antes da era digital, quando muita coisa era de difícil acesso, se não, impossível. Tudo era mais complicado e mágico. Podia estar a qualquer lance no rádio, na tevê, nas revistas, nos sebos, na discoteca de amigos e familiares. Pois houve um tempo, nos anos 90, em que um desses locais de pesquisa e reconhecimento eram as locadoras de CD’s. A pouca grana que dispunha de mesada ou estágios mal remunerados era boa parte reservada a gravar em K7 as coisas que vasculhava nas prateleiras das locadoras reforçando antigas paixões e descobrindo novas. Numa dessas ocasiões, lá pelos idos de 1994, uma se revelou para mim.
Logo que entrei na loja, num início de tarde de um sábado, notei que estava rodando, como sempre faziam, algo interessante, mas que não conhecia. Aliás, não conhecia, mas reconhecia ali elementos que me agradavam muito. Rock alternativo forjado nas guitarras distorcidas, base de baixo bem pronunciada, vozes masculina e feminina se intercalando, bateria forte marcando um ritmo pulsante. Algo entre o indie, o shoegaze, o dream pop, o college, o experimental e o noise rock. Era atmosférico, ruidoso, visceral, melodioso... Lembrava muito Sonic Youth, mas não era, isso eu tinha certeza. Havia algo de Lush, de My Bloody Valentine, de Pixies, mas também dava para ver que não era nenhum deles. De boas, o rapaz da loja me sanou a dúvida: “é este CD aqui”. A capa em si me chamou atenção: uma foto vintage de um camping e as letras em fonte de máquina de escrever, tipo Courier New, escrito apenas o nome do disco e da banda cujo artigo “Os” (“The”), vinha sem a letra “e”: apenas “Th". Era um detalhe, mas muito esquisito e interessante. Tudo aquilo, som, estilo, atmosfera, me cativaram imediatamente. Pronto: paixão. Deu tempo de escolher algum outro disco para levar, mas, claro, não poderia deixar de adicionar à minha sacola também “Lido”, aquele álbum do grupo de rock alternativo londrino ao qual acabava de conhecer Th’ Faith Healers, formado por Roxanne Stephen e Tom Cullinan, nos vocais e guitarras; Ben Hopkin, baixo, e Joe Dilworth, bateria.
Como grandes bandas do underground dos anos 90, a Th’ Faith Healers, tal a Whale, a The La’s e a brasileira 3 Hombres, tem uma carreira curtíssima, mas totalmente assertiva. Tanto que talvez goste até mais do segundo e último disco de estúdio deles, “Imaginary Friend”, de 1994, o qual me motivou, inclusive, a concepção de um conto literário, “Heart Fog”, baseada na música homônima, presente na antologia “Conte uma Canção – Vol. 2”, publicada em 2016 pela Multifoco. Mas “Lido”, além de estar completando 30 anos de seu obscuro lançamento, lá nos idos de 1992, guarda consigo a primazia de ser o trabalho inaugural da banda e o que me fez descobri-la. Além de, claro, merecer estar nesta lista de fundamentais, inclusive já tendo sido responsável pelo primeiro nome do Clyblog, que se chamou por um breve espaço de tempo, em 2008, pelo nome da sua última faixa, a apoteótica “Spin ½”, uma minissinfonia de guitarras altamente distorcidas de quase 10 minutos com samples que sobrevoam, batida cadenciada e loopada a e voz de Roxanne cantarolando um único verso: “Into the sea you must be in the water”. Hipnótica, sensual, inebriante, caótica, tempestuosa, onírica, algo hinduísta. Uma oração ruidosa e barulhenta de um dos melhores finais de discos do rock de todos os tempos, sem exagero.
Mas voltemos ao começo com a música que me fez vidrar na Faith Healers logo que os escutei: “This Time”. Exemplar no que se refere ao estilo da banda, tem letra curta, geralmente repetida várias vezes (“Let's do it, whereby/ this time, you die/ if not, quite soon/ maybe by this afternoon”), como um mantra nas vozes em uníssono de Roxanne e Cullinan, sobre uma massa de ruídos eletrificados. O minimalismo abre espaço para o experimentalismo e, principalmente, as melodias muito bem criadas pela banda. Pode ser um riff simples, repetido, dissonante, mas invariavelmente muito inspirado, de quem sabe o que está fazendo e explora suas bagagens musicais.
Bem produzidos por eles próprios, os Faith Healers exploram ao máximo na faixa "A Word of Advice" os detalhes do som metalizado das guitarras, enquanto as vozes, despretensiosas, cantam sem muito alarde. Isso, até a música explodir no refrão em barulho. A mixagem orgânica da gravação, sensível a qualquer ruído, dá a sensação de uma banda tocando ao vivo, inclusive na captação dos "defeitos", como o do som de um nariz aspirando o ar, o que lembra o conceito de produção de Flood para PJ Harvey em “To Bring you my Love”, de três anos mais tarde. Parecido com este trabalho de PJ também é “Hippie Hole”. Pós-punk com umas quebradas funkeadas, traz essa fórmula sintética infalível da Faith encapsulada por uma timbrística cirurgicamente suja. Nela, aliás, Roxanne canta com fúria, com o microfone rascante, longe da sutileza desafetada do começo.
Com subidas e descidas (ao paraíso da melodia e ao inferno do barulho), “Don’t Jones Me” retraz a letra sucinta que mais serve de cama para o rock livre da Faith, espécie de Can dos anos 80. Aliás, o clima é bastante parecido com esta e outras bandas da kratrock alemã, como a Neu! e a Harmonia. Não à toa eles versam a clássica alternativa “Mother Sky” da Can, a qual ouvi com os ingleses primeiro. Embora a original seja incomparável, até pela ousadia visionária dos alemães, a leitura da Faith Healers é daquelas que não deixam a desejar. Coisa de banda realmente identificada com seus ídolos, como a Living Colour fez para com “Memories Can’t Wait”, da Talking Heads, ou a Nirvana com “The Man Who Sold the World”, de David Bowie.
“Repetile Smile” e “Moona-Ina-Joona”, na sequência uma da outra, têm riffs tão consistentes quanto improváveis. Ninguém, não fosse uma banda forjada na sonoridade atípica do shoegaze e com referências muito próprias, ousaria criar. Que sonzeira! Se em “Moona...” valem-se do uníssono infalível de “This Time” e "A Word...”, em “Repetile...” é a voz sensual e cativante de Roxanne que prevalece. Ela sabe que não é uma grande cantora. Mas quem disse que é esta a intenção? Aliás, é justamente esta postura insolente roqueira que faz com que ela passeie naturalmente por diferentes formas de cantar com um lirismo espontâneo e encantador. É isso que se vê na balada "It's Easy Being You", a mais “calma” do disco (embora também não se contenham em adicionar guitarras pesadas bem ao final): um timbre jovem e solar. Porém, já na rascante “Love Song”, que de balada romântica só tem o nome, ela vai do doce à sujidade. Principalmente no refrão, quando sua garganta faz soltar gritos carregados de tesão e lamento.
Quando conheci a Th’ Faith Healers, Sonic Youth, Pixies, My Bloody Valentine, Lush, The Breeders e muitas outras bandas já eram realidade para os meus ouvidos. Tanto que ouvi-los não foi uma novidade e, sim, um reconhecimento. Neles eu ouvia todas essas bandas e conseguia entender com mais acuidade aquilo que a Velvet Underground propunha 30 anos antes – inclusive, nas dobradinhas das vozes de Cale e Reed com a de Moe Tucker. Com a Th’ Faith Healers eu descortinaria a Can, tão fundamental para o rock moderno. E descobri depois, que não fui apenas eu que me surpreendi com a Th’ Faith Healers na primeira vez que os escutei, bem como que havia uma legião de fãs escondida nos subterrâneos da internet com relatos muito parecidos com o meu. Mas o mais importante foi a descoberta de que, para mim, a Th’ Faith Healers era a banda que eu sempre gostei, mas não sabia ainda. Era como se eles já estivessem na minha vida desde sempre: bastava apenas que eu me deparasse com aquele CD rodando na locadora para que este laço nunca mais se desfizesse.
Pela vontade do povo brasileiro, expressa pelas audições radiofônicas da maioria, em testemunho desse fato viemos anunciar a excelentíssima edição de n° 297 do Música da Cabeça. Habilitados como testemunhas desta nomeação temos My Bloody Valentine, Chico Buarque, Sapo Boi, Snap!, João Donato e outros cidadãos de impoluta credibilidade. Nos termos da Constituição Federal, o MDC entrará no ar a 14 dias de dezembro do ano de 2022, à vigésima primeira hora na diplomada Rádio Elétrica. Produção, apresentação e democracia devolvida: Daniel Rodrigues.
Não adianta dizer mentira na ONU ou onde quer que seja. Com o MDC é assim: a gente desmascara e põe pra todo mundo ver! Iluminando o Empire State, o programa de hoje vem com Itamar Assumpção, Zizi Possi, Morphine, Nei Lisboa, John Cale e mais. No Cabeção, o som etéreo e ruidoso da My Bloody Valentine e um Palavra, Lê também especial. Projetando aquilo que deve ser dito, a edição de hoje vai ao ar às 21h na protestadora Rádio Elétrica. Produção, apresentação e #forabroxonaro: Daniel Rodrigues (Ah, sem esquecer também de #tchutchucadocentrão)
Inverno é sinônimo de frio, ok? Ok, mas a gente não se mixa para qualquer temperaturinha baixa! Aqui, a gente só faz aumentar a temperatura! No Música da Cabeça de hoje virão para esquentar nossas almas diletantes Os Mulheres Negras, My Bloody Valentine, The Cure e Red Hot Chili Peppers (afinal, quer coisa mais picante que um Chilli Peppers?!). Também, “Música de Fato”, “Palavra, Lê”, ainda repercutindo a Copa do Mundo, e um “Cabeça dos Outros” pra lá de especial. Isso e muito mais no nosso aquecedor sonoro desta noite aqui na Rádio Elétrica, às 21h. Produção e apresentação: Daniel Rodrigues.
Convenhamos: não é em qualquer lugar que você escuta juntos Tribalistas, U2, Dorival Caymmi, My Bloody Valentine e Erasmo Carlos, Legião Urbana e outras diversidades música afora. Isso é coisa do Música da Cabeça. Aqui é assim: tudo-ao-mesmo-tempo-agora. Vai ter isso no programa de hoje e muito mais, como os quadros “Música de Fato”, “Palavra, Lê” e um novo “Cabeça dos Outros”, trazendo aquilo que está na mente dos ouvintes em termos sonoros. Quer brincar de montanha-russa musical com a gente? Então, escuta o programa hoje, às 21h, na Rádio Elétrica. Produção e apresentação: Daniel Rodrigues.
Sábado desses, entre várias atividades que começaram pela
manhã e só terminariam por volta da meia-noite, Leocádia e eu achamos uma
brecha na agenda para conferir a Feira do Vinil da Groovaholic, no bairro Bom
Fim, convidados por nosso antenado e querido amigo Christian Ordoque,
colaborador do blog, que nos esperava lá. Acompanhados da mana Carolina e da
prima Gabriela, para Leo e eu tratava-se de um retorno, haja vista que havíamos
estado na loja em fevereiro, quando a mesma recém abria suas portas. Não havia
ainda nem o café, no qual paramos dessa vez para um agradável papo e um lanche.
Eu à cata dos LP's
foto: Leocádia Costa
Em seguida, entretanto, fui ao que mais interessava ali além
das companhias: os LP’s. Quando estive pela primeira vez enlouqueci pela
qualidade e variedade dos títulos oferecidos. Do rock anos 50, 60 e 70,
passando pela soul music e o rap anos
80 e 90 mas, principalmente, vários clássicos de jazz. Tudo em edições novas,
com arte de capa e encarte caprichados que reproduzem os originais, e gramatura
do acetato de 180 gramas. Uma finura. Desta vez, não foi diferente: muitos
títulos para escolher. No critério, esses aqui foram os que levamos pra casa:
"Crescent", John Coltrane Quartet (1963) – Dispensa apresentações. Talvez o melhor
disco do mestre Trane e seu famoso time de craques (McCoy Tyner, Elvin Jones e Jimmy Garrison), "Crescent" é nada mais nada menos que o último passo antes do
“mantra musical” "A Love Supreme". Para alguns, inclusive, passo esse já
definitivo e definidor até melhor do que o grande clássico de 1964. Tudo
é perfeito e elevado, mas as baladas! Meu amigo: que deslumbre! “Wise One” e
“Lonnie’s Lament”. Isso sem falar da grandiosa faixa-título, da homenagem a
Bessie Smith e da intensa “The Drum Thing”. Será ÁLBUNS FUNDAMENTAL certo.
"Loveless", My Bloody Valentine (1992) – Obra-prima do rock alternativo britânico, é maravilhoso
tê-lo no formato vinil. Listado entre os 30 melhores discos de rock de todos os
tempos pelo crítico musical e historiador italiano Piero Scaruffi (que também o
inclui como 1° na de shoegaze rock),
“Loveless” é uma verdadeira sinfonia das guitarras, tão distorcidas, sobrepostas
e reafinadas que, homogeneizados aos outros sons e timbres, compõem uma peça
única em que as faixas se tornam partes de um todo. Não à toa já é ÁLBUNS FUNDAMENTAL do Clyblog há horas.
“Speak no Evil!”, Wayne Shorter (1964) – Outro clássico do jazz, que completou louváveis
50 anos em 2014. Shorter, dos meus jazzistas preferidos, estava absolutamente
encantado nessa época (haja vista que cunhou outra obra-prima naquele mesmo
ano, "Night Dreamer"). Gosto muito desse disco também, em especial da faixa de
abertura, “Witch Hunt”, e a elegantérrima ”Fee-Fi-Fo-Fum” e a lânguida “Infant
Eyes”. Mas um dos motivos que me motivaram também a comprá-lo nesse formato é a
maravilhosa arte da capa de Reid Miles, para mim uma das mais geniais de todos
os tempos. Promete mais um ÁLBUM FUNDAMENTAL de Shorter.
“Black Monk Time”,
The Monks (1965) – Assim como The Sonics, The Seeds e The Troggs, os Monks são das minhas amadas garage bands
dos anos 60 que anteviram o punk. No caso deles, especificamente, o disco,
talvez o primeiro “álbum preto” da história do rock (abrindo caminho para os
vários “black” e “white” albuns que viriam depois, de Beatles a Metallica), mereceu essa
reedição é uma verdadeira preciosidade, muito bem acabada. Do sulco, sai pura corrosão!
É fantástico imaginar que essa galera (norte-americanos que, servindo na
Alemanha, gravaram-no em Berlim), travestindo-se de monges franciscanos (até no
corte de cabelo!) faziam um som tão revolucionário e agressivo. Merece muitas
audições.
abrir os olhos, se não estiver tocando ao fundo essa música,
provavelmente você está indo para o lugar errado."
Robert Christgau,
crítico musical
sobre “Blue Bell Knoll”
Era uma vez uma falange de anjos que, de saco cheio da exigência de
serem angelicais o tempo todo, se revoltaram e desceram dos Céus. Desafiadores,
eles vieram cair na Terra de propósito, justo neste planetinha atrasado dentre
os tantos bilhões que podiam escolher na galáxia. Claro que foi, justamente,
para desafiar as divindades. Se aqui achariam a inveja, a tristeza, a ganância,
a incompreensão, a violência, era exatamente onde suas almas jovens e rebeldes
queriam ficar. Como filhos desgarrados que precisavam se autoafirmar, puseram
toda a revolta para fora. E como se não bastasse, inventaram de formar uma
banda de rock, para desespero dos santos. Queriam seguir Lúcifer e não o chato
do Gabriel. Assombro geral no firmamento.
No começo, foi o punk. Jogaram fora as auréolas e trajaram roupas de
segunda mão rasgadas e sujas. Muito couro duro e escuro; nada de sedas leves e
brancas como antes. Na música que criavam, todo esse inconformismo era transmitido
na forma de depressão. Compunham canções soturnas, carregadas, chorosas, em que
a guitarra mais parecia gemer pedindo clemência. O baixo, grave em sonoridade e
intenção, e a bateria, marcada, repetindo uma interminável marcha fúnebre. Eram
chamados não apenas de punks, mas de gothic-punks,
ou seja, os punks de espírito dark. E
na voz da anja, dor. Muita beleza e afinação divina. Mas dolorida. Gravaram o
primeiro disco assim, em 1982, chamado “Garlands”, onde descarregaram as mágoas
e aflições que vinham guardando desde casa, quando romperam com o Pai em busca
do reconhecimento de si mesmos.
Acontece que uma vez anjo, sempre anjo. Os desgarrados, à medida que
iam produzindo, iam também, pouco a pouco, amenizando a raiva. E, não
coincidentemente, voltando a serem cada vez mais angelicais. O bom “Head Over
Heells”, segundo deles, de um ano depois, é o meio termo entre esses dois polos
de estado evolutivo. Avançam mais um pouco no sentido da suavização e chegam já
praticamente renovados no referencial "Treasure", de 1984, que, embora lírico,
ainda guarda um pouco da densidade dark
dos anos iniciais. Já com as asas de volta, depois do astral “Victorialand”
(1986), atingem o ápice da manifestação de suas almas celestiais com “Blue Bell Knoll”. Os querubins em
questão são Elizabeth Fraser (voz), Robin Guthrie (guitarras, teclados) e Simon
Raymonde (baixo): os escoceses do Cocteau Twins.
Maduros tecnicamente e afeitos aos estúdios da 4AD, eles mesmos produzem
um álbum altamente delicado e sofisticado, bastante marcado pelas texturas
espaciais dos teclados e pelas programações de ritmo. É assim que começa a
faixa-título, numa das aberturas de disco mais belas da discografia do pop britânico dos anos 80: um ataque de
teclados que lembra o som de cravo junto com a guitarra e bateria só no bumbo e
chipô. Camadas sonoras preenchem o espaço. Não demora, subindo um tom, entra a
deslumbrante voz de Liz Fraser articulando de improviso a letra em cima de uma
melodia vocal. Já começa nesse nível. Em seguida, a bonita “Athol-Brose” antecipa
uma das melhores do disco: “Carolyn’s Fingers”, encantadora, que, se for
considerar o tema, essa tal Carolyn deve realmente ter dedos mágicos. Brit-pop clássico, com a tradicional
batida funkeada em tempo 2/3, mas com o também tradicional riff twiniano. E o mais relevante: Liz Fraser dando um show de
vocal, adicionando uma carga erudita ao pop-rock
como poucas vezes se tinha visto. Deste jeito, jamais.
Guthrie, um guitarrista de qualidade, como boa parte de sua geração (Will Sergeant, Barney Sumner, Daniel Ash, irmãos Reid) não chegava aos pés em
técnica de um Jimmy Page, Eric Clapton ou um Jeff Beck (no pós-punk, não raro o baixista era mais hábil que o guitarrista na
banda). Porém, sua criatividade para compor e aproveitar os recursos sensoriais
e de textura que as cordas lhe proporcionam é gigantesco. Foi a mente inventiva
e observadora de Guthrie que cunhou uma rica assinatura melódica para a banda.
Ele sintetizou uma espécie de “base de riffs”
para o Cocteau Twins, a qual transmite, em notas geralmente de som cintilante,
exatamente esse espírito suave e etéreo que lhes é característico. Trata-se de
uma combinação de notas em tempo 7/7 que se assemelha ao andamento de uma valsa
mas que, avaliando bem, é bastante hipnótica visto sua estrutura cíclica em
arpejo. Com essa base, Guthrie é capaz de criar infinitos riffs, infinitas combinações valendo-se da variação de tom, das
texturas, dos arranjos, dos timbres e por aí vai. Como um pintor que se vale
das mesmas tintas para pintar quadros diferentes. É tão inteligente e marcante
que pode até nem conter todas as 7 notas (6, 5 ou até 4 apenas), mas percebe-se
o mesmo esqueleto ao se ouvir. O que apareceu pela primeira vez em 1983, na
linda “Sugar Hiccup” (e que já vinha sendo já largamente usada por eles, basta
ouvir “Pandora”, do “Treasure”, ou várias de “Victorialand”), é claramente
repetido em “Carolyn’s Fingers”, na melodiosa "Suckling the Mender",
cujo arranjo vocal do refrão a faz ganhar cores orientais, e em "Spooning
Good Singing Gum", outra linda, que chega a pôr o ouvinte para voar.
O estilo Ethereal criado pelos Twins, impressionista e sofisticado, é
fruto de uma improvável mescla de pós-punk,
ambient music, new age, folclore celta e música barroco-renascentista, Isso
é evidente em "The Itchy Glowbo Blow" e noutra balada, "A Kissed
Out Red Floatboat", com seus sons espaciais e um lindo refrão, onde Liz,
em overdub, põe o tom lá em cima.
“Ella Megalast Burls Forever” é outra magnífica balada que evoca, aliás, tanto o
sentido moderno do termo (canção sentimental em andamento lento) quanto sua
acepção primeira, medieva, de uma forma de poesia lírica em estrofes. Chega a
ser litúrgica de tão elevada, pois faz vir à mente suntuosas igrejas em que o
som se propaga às alturas. Os ecos, as sobreposições e os contracantos só fazem
aumentar essa sensação.
A voz de Liz Fraser, aliás, é um caso à parte. Ela não ficou conhecida
no meio pop-rock alternativo como “a
voz de Deus” por acaso. Talvez a melhor pupila de Cathy Barberian – mas também
bastante inspirada em Meredith Monk, Joni Mitchell e nos intrincados arranjos
de voz de Philip Glass – Liz foi, desde o início dos Twins, o maior destaque da
banda. Soprano – diferente de Barberian, uma mezzo –, foi aperfeiçoando a técnica e soltando seu canto até
chegar ao status que adquiriu. A
capacidade de alcance dos agudos e a fluência pelas escalas são típicas de uma
voz treinada e, acima de tudo, emocionalmente livre. “Cico Buff”, balada ambient muito terna, e "For Phoebe
Still a Baby", cheia dos ornamentos vocais, foram escritas para que ela as
conduzisse. Até o conteúdo do que ela canta tem sentido superior quando cria
melismas e inventa palavras ininteligíveis e sem sentido semântico nenhum,
apenas experenciando a musicalidade da pronúncia e dos encadeamentos. Não é
possível – nem necessário – entender o significado, pois a música é sentida na
essência, e essa é a própria concretização da linguagem universal da arte
musical. Provavelmente, seja esse o idioma dos anjos.
Depois de “Blue...”, a sina desses anjos na Terra permaneceu no caminho
de iluminação e de cores, influenciando diretamente bandas como Lush, Stereolab, My Bloody Valentine, The Cranberries, The Moon Seven Times, entre outras. Nos anos
seguintes, vieram os também ótimos “Heaven or Las Vegas” (1990, considerado
para muitos o melhor do grupo), “Four-Calendar Café” (1993) e “Milk &
Kisses” (1998), este, o último antes da dissolução após apenas nove discos de
estúdio (contando com o em parceria com o compositor vanguardista Harold Budd,
“The Moon & The Melodies”, de 1986).
Nessa trajetória, eles viram que tinham razão quando se autoexpurgaram,
pois o mundo precisa, sim, de um pouco de Satanás para sair do conformismo e
quebrar barreiras. O Diabo, afinal, é o pai do rock. Mas compreenderam,
igualmente, que havia uma inquestionável beleza naquilo que Gabriel representava
– e que ele não era o chato como eles pintavam. Foi em “Blue Bell Knoll” que aprenderam
isso e a não fugirem de seus próprios destinos, e que aceitar e elaborar suas
próprias naturezas era o caminho mais acertado. Isso vale tanto para anjos
quanto para pessoas. Quem sabe, então, não foi este, desde o início, o designo
divino aos Twins quando vieram em missão: ensinar aos humanos que o importante
é seguir o próprio coração?
vídeo de"Carolyn's Fingers" -Cocteau Twins
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FAIXAS:
1. "Blue Bell
Knoll" - 3:24
2.
"Athol-Brose" - 2:59
3. "Carolyn's
Fingers" - 3:08
4. "For Phoebe
Still a Baby" - 3:16
5. "The Itchy
Glowbo Blow" - 3:21
6. "Cico
Buff" - 3:49
7. "Suckling the
Mender" - 3:35
8. "Spooning Good
Singing Gum" - 3:52
9. "A Kissed Out
Red Floatboat" - 4:10
10. "Ella Megalast Burls Forever" - 3:39
todas as composições de autoria
de Fraser, Guthrie e Raymonde.
