Living Colour - Best of 40 Years Tour - Bar Opinião - Porto Alegre/RS (26/02/2026)

Lobão é um chato de galocha, que fala muita bobagem boca afora, mas que, convenhamos, às vezes tem bons lampejos. Em uma entrevista recente dele na qual falava sobre heavy metal, justificando porque não gosta de Iron Maiden, o velho roqueiro brasileiro argumentou que bandas como esta e várias outras nessa linha perderam, da metade dos anos 70 em diante, a veia negra do rock, presente em Deep Purple, Black Sabbath e Led Zeppelin, e passaram a investir numa injustificável (e branca) atmosfera nórdica. No alvo, sr. Lobão. Assistindo a Living Colour, a banda norte-americana formada integralmente por músicos negros há 40 anos, fica fácil entender onde o rock pesado desviou a rota. Verdadeiros herdeiros de Little Richard, Chuck Berry, Sister Rosetta Tharpe e Jimi Hendrix, mas também de James Brown, Sly Stone, Aretha Franklin, George Clinton, Chaka Khan, Death, Prince e Bad Brains, a LC, que fez um show arrasador em Porto Alegre na turnê que comemora suas quatro décadas, foi quem, no final dos anos 80, reivindicou a autoria negra e resgatou a verdadeira semente do rock das guitarras distorcidas.

Com um repertório muito bem montado, que inicia com sucessos, passa por momentos de surpresas, homenagens, sessões livres e termina com as "mais mais" e direito a bis, Corey Glover (vocais, e que vocais!), Vernon Reid (guitarra, gênio!), Doug Wimbish (tocando baixo como se não estivesse fazendo nada difícil) e Will Calhoun (bateria, certamente dos melhores do instrumento) não apenas executam os números: eles brincam de tocar. A construção harmônica e o arranjo das competições favorece a que eles, exímios instrumentistas, improvisem o tempo todo, transformando também as músicas constantemente.

A entrada dos quatro no palco foi triunfal ao som do tema do filme "O Império Contra-ataca", de John Williams, uma sacada bastante sarcástica vindo de um grupo que "contra-atacou" o "império" branco da indústria pop. A abertura, então, foi com "Leave it Alone", do disco “Stain”, de 1993. Prejudicados nos primeiros números em razão da qualidade do som, quando mal se ouvia a voz potente de Glover e a guitarra de Reid era um zunido só, eles fizeram na sequência "Middle Man" e uma magnífica versão, mesmo mal equalizada, de "Memories Can't Wait", da Talking Heads, gravada por eles, assim como a anterior, em "Vivid", de 1988. Até em reggae eles transformaram a música num trecho! Mas o que manda mesmo é a guitarra intensa e melodiosa de Reid, assim como ele faria em muitas outras a seguir.

Living Colour tocando Talking Heads:

nem o som ruim atrapalhou

"Ignorant is Bliss", em que parece que Mr. Dinamite sujou de guitarras pesadas seu groove, e o heavy-metal possante de "Go Away" vieram antes da ótima "Bi", suingada e com toda aquela atmosfera jazzística em cima de um rock vibrante. A altamente variante "Funny Vibe", cuja bateria de Calhoun é que dita o ritmo, indo do hardcore ao funk e ao jazz em poucos compassos, ainda é incrementada com "Fight The Power", dos seus ídolos Public Enemy.

A essas alturas, já com o som ajeitado na mesa de áudio, um dos momentos especiais do show: quando tocam "Hallelujah", de John Cale, só no vocal de Glover e a guitarra de Reid, fazendo suscitar os cânticos de louvor da tradição gospel que está na veia dos rapazes da LC. Lembrei muito de Mahalia Jackson emocionando a multidão quando cantava “Precious Lord, Take My Hand”, para se ter ideia da potência do que seu viu/ouviu no Opinião. Depois, colada, a clássica "Open Letter (to a Landlord)", ao mesmo tempo uma música de protesto e denúncia do racismo e uma oração. A cara da banda. Olha: isso é que é saber compor um setlist! 

Mas tinha mais! A pedrada "Pride", um de seus maiores sucessos, levantou ainda mais a galera, composta basicamente de fãs da banda e do Metal. E as improvisações, mesmo em músicas consagradas, impressionantemente nunca param de acontecer. Está no jeito de eles tocarem, de sentirem a própria música. Mas essa liberdade de inventar na hora não quer dizer faça com que o quarteto se perca ou que desvirtuem os próprios temas. Experientes, sabem quando "criar" mais e quando dar apenas "cores livres". Afinal, estamos falando de música preta, de descendentes do improviso do jazz e do blues. Dava para ouvir, em certos momentos, a influência direta do free jazz spiritual de John Coltrane, principalmente em se tratado de Reid. Verdade é que a LC é talvez a única power band em atividade, aquela classificação de grupo em que todos, sem exceção, são grandes músicos.

Pois até a "cozinha" brilhou. Calhoun fez todos ficarem embasbacados com seu solo de bateria e na conjugação com a música “Baianá”, do conjunto brasileiro Barbatuques. Empunhando aquelas baquetas junto com Calhoun, estavam, certamente, Elvin Jones com sua africanidade, John Bonham com sua intensidade, Steve Gadd com sua habilidade, Art Blakey com sua capacidade de criar ritmo. Pouco depois, foi a vez de Wimbish, chamando o público pra cantar e dançar, comandar o palco cantando um medley de três clássicos do hip-hop da Grandmaster Flash & The Furious Five, "White Lines", "Apache" e um dos maiores hits da era break, "The Massage". Demais! 

O final do show foi uma sequência de tirar o fôlego, começando com "Glamour Boys", cuja guitarra suingada do riff explode em distorção no refrão cantado pela plateia toda ("I ain't no glamour boy (I'm fierce!)/ I ain't no glamour boy (wow!)"); o blues matador "Love Rears It's Ugly Head", o maior sucesso da LC e cujo clipe gastou de tanto rodar na MTV no início dos anos 90; e a paulada "Type", outro clássico absoluto deles e do rock pesado de todos os tempos. Refrãozasso: "We are the children of concrete and steel/ This is the place where the truth is concealed/ This is the time when the lie is revealed/ Everything is possible, but nothing is real". E Reid, hein?! O que é Vernon Reid tocando?! Ele é por si um show. Definitivamente um dos deuses da guitarra. Contemporâneo de Steve Vai e Joe Satriani, de quem guarda semelhanças no jeito de tocar, Reid é um guitar hero em atividade e que exercita seu estilo não só em solos inventivos (e que não são cansativamente extensos como fazem a maioria dos virtuoses), mas também na maneira de compor. Tanto quanto seus companheiros, vê-lo ao vivo no palco é algo realmente memorável.

LC tocando "Type", um dos maiores clássicos 

do rock dos últimos tempos

Mas, gente: ainda tinha mais, acreditem. O hardcore "Times Up", que dá nome ao celebrado segundo disco da LC, de 1990, emendou-se com outra de "Vivid", "What's Your Favorite Color?". E, para "encerrar", nada mais nada menos que "Cult of Personality", seguramente um dos 10 maiores riffs do rock dos últimos 40 anos, que foi entoada por todo o pessoal em êxtase que lotava o Opinião. É muito heavy, mas também é muito jazz, principalmente por suas quebras de ritmo, variações de escala e andamento e, claro, a habilidade dos rapazes de improvisar. 

Digo "encerrar" assim, entre aspas, porque ainda rolou, como disse no início, bis. E foi primeiro com a calmaria da gostosa "Solace of You" - que em muito lembra a mistura de reggae e ritmos do Caribe de "Alagados", da Paralamas do Sucesso, de alguns anos antes - para, enfim, terminarem com outra de suas covers emblemáticas: a punk "Should I Stay or Should I Go", da The Clash.

Foram só pedradas, só clássicos, que fez lembrar a primeira apresentação da banda no Brasil, no Hollywood Rock de 1992, quando ainda muito jovens, e que não só assisti ao vivo pela TV na época como gravei em K7 e por anos meu irmão e eu escutamos aquele memorável show. Agora, mais maduros, Glover, Reid, Wimbish e Calhoun continuam a tocar o que talvez à época nem tenha me dado conta com tamanha clareza: a de que se trata do mais alto nível de rock que se possa imaginar. O rock melodioso, tocado com alma e, por que não, também barulhento. Um rock negro, tal qual foi criado, há quase 80 anos. Como diz aquela canção, "Lobão tem razão". Às vezes, tem.

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Quarteto norte-americano no palco do Opinião

Trecho de "Bi", um dos sucessos da LC

Reid, Glover com seus deads e Wimbish com Calhoun ao fundo 

A clássica "Pride" pra exaltar a galera

O grande sucesso "Love Rears it's Ugly Head", 

que pôs o Opinião para suingar

Músicos da mais alta qualidade em uma apresentação histórica


Momento emocionante - e pulsante - com "Open Letter
(to a Landlord)". Louvação e protesto

Quase terminando o show, "Cult of Personality", 

um dos maiores riffs já escritos

Clima de festa dos "metaleiros" com as mãos chifradas pra cima

Cover de The Clash para encerrar 

o show com punk rock

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texto: Daniel Rodrigues

fotos e vídeos: Leocádia Costa e Daniel Rodrigues

Chick Corea - "Children's Songs" (1984)

"Adoro estar perto de crianças, porque elas são livres e brilhantes e te fazem acordar. Então, pensar sobre esse conceito do brilho das crianças foi o que serviu de modelo para eu escrever essas canções infantis".

Chick Corea

É interessante perceber como músicos acostumados a se experimentarem uma hora chegam à música infantil. Foi assim com Woody Guthrie, Carole King e Esquivel, assim como com os brasileiros Chico Buarque, Adriana Calcanhoto (sob o pseudônimo Partimpim), Paulo Leminski e Vinicius de Moraes. Até mesmo na música clássica, a se ver por Prokofiev, Debussy e Mozart. Há exemplos no jazz também, de Sammy Davis Jr., com seu “Sings the Complete ‘Dr. Dolittle’”, a Vince Guaraldi, que um dia foi escalado para compor as trilhas da série infantil televisiva Peanuts e ficou mundialmente conhecido justamente por esse trabalho.

Não é uma regra, mas quando esses músicos se tornam mães ou pais, há um motivo a mais para dedicarem canções aos pequenos. Chick Corea é um desses casos. No início dos anos 70, já uma lenda do jazz mundial, ele estava recém divorciado da mãe de seus filhos, Thaddeus e Liana, e casava-se pela segunda vez, agora com a também pianista Gayle Moran, esposa que o acompanhou até o final da vida, em 2021. Porém, os filhos ainda eram pequenos àquela altura. Como, então, afagá-los neste novo momento de suas vidas pessoais? Como mantê-los próximos a si? Não há confirmação sobre esta motivação, mas a resposta parece ter vindo, nada estranhamente, em formato de música. A coincidência dos períodos entre a nova configuração familiar, as primeiras composições com a temática da criança e o começo das improvisações solo ao piano dão a “Children’s Songs”, de 1984, este caráter.

Virtuose do piano, mas também um visionário da música contemporânea, Corea ajudou a moldar o curso do jazz moderno, influenciando gerações de músicos com sua habilidade técnica, ousadia harmônica e busca incessante pela inovação. Sua obra passa pelo hard bop, jazz fusion, latin jazz, eletrônico, vanguarda e música clássica. Escritas entre 1971 e 1983, as “Children’s Songs” captam, num grande poder de síntese e sensibilidade, vários aspectos de toda essa musicalidade em 20 peças e mais um “adendo” final.

A onipresença dos filhos na vida de Corea fez com que ele, inspirado na série “Mikrokosmos”, de 1940, do compositor húngaro Béla Bartók (uma de suas grandes influências), passasse a escrever, dentre outros diversos formatos, breves miniaturas de música infantil. Ele cria suas versões em composições ao mesmo tempo líricas e ricas em estrutura melódica e harmônica, que passeiam pelo romântico, pelo jazz, pelo folk e pelo pop. Na simplicidade lúdica das “Children’s Songs” há um trabalho complexo. Há paralelos estilísticos e estruturais com o ciclo de Bartók, como o uso das escalas pentatônicas, o emprego de compassos e de ritmos cruzados incomuns, a variedade de atmosferas sonoras em um tempo relativamente curto de cada peça e o aumento gradativo de dificuldade e complexidade ao longo da sequência.

A lúdica capa com os Smurfs de
"Friends", de 1978, onde já tinham
duas das "Children's Songs"

Traços desse repertório aparecem, a partir de então, em vários momentos de sua vasta produção musical, seja em carreira solo, em bandas ou parcerias. Uma versão mais lenta de "Nº 1" aparece pela primeira vez no álbum “Crystal Silence”, duo com Gary Burton, de 1972, e um ano depois junto da Return to Forever em “Light as a Feather”. A célebre banda de jazz fusion de Corea, entretanto, já havia prenunciado as “canções infantis” dentro da faixa "Space Circus Part I", constante no primeiro disco deles, “Hymn of the Seventh Galaxy”. Já os temas "Nº 5" e "Nº 15" surgem em “Friends”, de 1978, quando acompanhado dos músicos Steve Gadd, Eddie Gomez e Joe Farrell.

A ebulição elétrica da Return to Forever foi usada mais uma vez por Corea para trazer esses conceitos musicais dentro da extensa "Songs of the Pharoah Kings", que encerra epicamente o álbum “Where Have I Known You Before”, de 1974, a qual escondia, na verdade, a fuga “Nº 6”. Até mesmo o travesso tema "Nº 9" fez sua primeira aparição no álbum solo “The Leprechaun”, de 1976, como "Pixieland Rag".

Somente nos anos 80, agora desnudadas de qualquer arranjo ou grandes instrumentalizações, as “Children’s Songs” são reunidas e gravadas ao piano solo em julho de 1983, no Tonstudio Bauer, em Ludwigsburg, Alemanha, pelo selo ECM. A exceção é a última faixa, em que o Corea forma um trio de câmara com Ida Kavafian, ao violino, e Fred Sherry, no violoncelo. O alegremente elegante "Addendum", que fecha “Children's Songss”, demonstra a excelência contrapontística do pianista e a capacidade de compor para cordas, uma habilidade que surgiu em “The Leprechaun” e foi aprimorada ainda mais por ele no clássico “Mad Hatter”, de 1978.

Corea, que pretendia "transmitir simplicidade como beleza, representada no espírito de uma criança", como escreveu no encarte original do disco, não apenas conseguiu seu objetivo como entendeu ser importante não se eximir (e nem isentar a criança) de experimentar densidades musicais não tão comuns de serem dirigidas a esse público. Lances lúdicos, coloridos e graciosos se juntam à dramaticidade, melancolia e introspecção. E não necessariamente nessa ordem, como na impermanência da vida, algo essencial que um ser humano aprenda desde pequeno. E o objetivo principal foi atingido: os filhos Thaddeus e Liana sentiram-se devidamente afagados. E os fãs também.

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Chick Corea apresentando ao vivo na 

Alemanha as "Children's Songs", em 1982

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FAIXAS:

1. “Nº 1” - 1:47

2. “Nº 2” - 0:53

3. “Nº 3” - 1:23

4. “Nº 4” - 2:14

5. “Nº 5” - 1:07

6. “Nº 6” - 2:38

7. “Nº 7” - 1:38

8. “Nº 8” - 1:39

9. “Nº 9” - 1:11

10. “Nº 10” - 1:29

11. “Nº 11” - 0:38

12. “Nº 12” - 2:33

13. “Nº 13” - 1:21

14. “Nº 14” - 1:58

15. “Nº 15” - 1:08

16. “Nº 16” & Nº 17” - 1:55

17. “Nº 18” - 1:47

18. “Nº 19” - 2:26

19. “Nº 20” - 1:20

20. “Addendum” - 5:10

Todas as composições de autoria de Chick Corea

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OUÇA O DISCO:

Chick Corea - "Children's Songs" 

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Daniel Rodrigues

Dia do Baterista: os melhores na opinião dos bateristas (e não-bateristas também)

Tem uma história envolvendo bateristas, que traduz a magia desse instrumento. Antes do histórico show da Rolling Stones em Porto Alegre, em 2016, os integrantes da banda Cachorro Grande, minutos antes de terem a honra de abrir a apresentação para os ídolos, interagiam no camarim com Mick Jaeger, Keith Richards, Ron Wood, banda e, claro, também com o saudoso baterista Charlie Watts. 

Conversa vem, conversa vai, até que Charlie é apresentado a Gabriel Azambuja, baterista da Cachorro Grande. Imediatamente identificado com o colega brasileiro, o lendário baterista disse-lhe de forma deferente e do alto de sua experiência com seu elegante inglês: "Nunca se esqueça que você é o coração da banda".

É esse coração sonoro que se celebra hoje, dia 20 de setembro. O Dia do Baterista, data escolhida para homenagear os donos das baquetas, seja no rock, no jazz, no blues ou na música brasileira. Porque, sim, junto a grandes mestres do instrumento, temos também brasileiros, reconhecidos internacionalmente desde os anos 60. E tem elas também, as bateristas, menos lembradas, mas igualmente importantes, como Viola Smith, a mais rápida do mundo, Moe Tucker, a mais moderna, Cindy Santana, virtuosa e versátil, ou Karen Carpenter, fera também com as baquetas. 

Como sabiamente sugeriu Charlie Watts, bateria não é apenas uma mera “cozinha” ou acompanhamento da guitarra. Nossos convidados – alguns bateristas, outros não, mas todos apreciadores da boa música e da contribuição dos donos do ritmo – foram convocados para listarem seus bateristas preferidos. Mas numa coisa todos são unânimes: eles sabem que bateria é mais do que bumbo, caixa, surdo, tom-tom e pratos. 

Alguns nomes escolhidos são diretamente ligados a bandas/artistas, como Stewart Copeland e Jorginho Gomes; outros, ícones ou “free lancers”, o nome fala por si, como Steve Gadd e Max Roach. Mas todos craques na sua arte. E é por eles que a música pulsa.

Os editores

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Cláudio Mércio

Jornalista e baterista

Glenn Kotche (Wilco) 

Ian Paice (Deep Purple) 

Ginger Baker (Cream) 

Stewart Copeland (The Police) 

Budgie (Siouxsie & the Banshees)

Márcio Pinheiro

Jornalista e escritor

Max Roach

Roy Haynes

Elvin Jones

Dannie Richmond

Steve Gadd

Carlos Gerbase

Jornalista, cineasta e baterista

Clem Burke (Blondie)

Charlie Watts (Rolling Stones)

Biba Meira (Defalla)

Hugo Burnham (Gang of Four)

Cleber Andrade (Os Replicantes)

Rodrigo Coiro

Publicitário e baterista

Neil Smith (Alice Cooper Group)

Robert Erikson (The Hellacopters)

Buddy Rich 

Dennis Thompson (MC5)

Marky Ramone (Ramones)

Eduardo Wolff

Jornalista e baterista

Ringo Starr (The Beatles)

Keith Moon (The Who)

Don Brewer (Grand Funk Railroad)

Jo Jones

Ginger Baker

César Castro

Baterista

John Morello

John Bonhan

Billy Cobham

Airto Moreira

Jorginho Gomes (Novos Baianos)

André Abujamra

Músico multi-instrumentista

Kuki Stolerski

Carneiro Sandalo

James Muller

Claudio Tchernev

Jonh Bohan

Daniel Rodrigues

Jornalista, escritor, radialista e blogueiro

John Bonham

Tony Williams

Budgie

Elvin Jones

Martin Atkins (P.I.L.)

(extra: Jaki Liebezeit - Can)

Cly Reis

Arquiteto, cartunista, artista visual e blogueiro

John Bonham

Keith Moon

Stewart Copeland

Ginger Baker

Budgie

(extra: Martin Atkins)

Paulo Moreira

Jornalista e radialista (in memoriam)

Steve Gadd

Art Blakey

Edison Machado

Tony Williams

Elvin Jones

James Taylor e Elton John – Anfiteatro Beira-Rio – Porto Alegre /RS (04/04/2017)

Duas ou três palavras sobre o show de ontem de James Taylor e de Elton John. Em primeiro lugar, sou fã declarado e juramentado dos dois. Acompanho o Elton John desde meus 12 anos, quando ouvi pela primeira vez "Rocket Man" e pedi para minha professora de inglês no colégio. Já o JT foi um pouquinho adiante, quando começou a tocar "You've Got a Friend" e "Fire and Rain" na Continental. Entrei no glorioso Beira-Rio já gostando. 

Não me surpreendeu eles se apresentarem com bandas acima de qualquer suspeita. O James Taylor sempre se fez acompanhar pelo melhor dos estúdios americanos. Só que desta vez ele extrapolou!! Steve Gadd na bateria é um luxo só. Um dos maiores bateristas do mundo que tocou com todo mundo, desde Steely Dan até Bee Gees (é, o batera que vocês ouvem em “Stayin’ Alive” e Night fever” é ele!!!); Lou Marini no sax (da banda dos Blues Brothers); o trompetista e tecladista Walt Fowler, que integrou a banda de Frank Zappa e o espetacular Arnold McCuller, provavelmente o melhor backing vocal do planeta. Com tudo isso, mais aquele repertório maravilhoso de quase 50 anos de carreira só podia dar no que deu: um show impecável, com ele se esforçando para se comunicar com o público e ainda tirando da cartola “Steamroller”, aquele blues que mandou no meio do show. Só faltou uma namorada para abraçar na hora do “Handy Man” e do “Shower the People”. 

Já Elton John resolveu tirar as backing vocals do espetáculo anterior e a banda ganhou um punch roqueiro muito interessante. Parecia que estava vendo um show do começo dos anos 70. O repertório foi nessa linha: “Levon”, “Tiny Dancer”, “Skyline Pigeon”, “Your Song”, “Burn Down the Mission” em, especialmente pra mim, que sou fãzaço do disco “Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy”, “Someone Saved my Life Tonight”. Isso sem falar nos hits, que são obrigatórios. Endiabrado ao piano, solando como senão houvesse amanhã, ele colocou pra fora toda a influência do jazz de New Orleans no seu jeito de tocar. O público meio morno é que pareceu esperar pelas chatérrimas “Nikita” e “Sacrifice”, canções menores na carreira de Elton. Pra mim, foi um banho de música pop com os melhores do gênero. Alma lavada foi pouco.

por Paulo Moreira

Fotos gentilmente cedidas por Marcelo Bender da Silva

Rickie Lee Jones – “Rickie Lee Jones” (1979)

"Ela é muito mais velha do que eu

em termos de sabedoria da vida.

Às vezes, ela parece tão antiga

como a sujeira das ruas,

e ainda outras vezes

ela é tão nova como uma garotinha."

Tom Waits,

sobre Rickie Lee Jones

Era 1979 e uma voz diferente surgiu no rádio. O clima era mezzo jazzístico, mezzo pop, beirando as coisas que Joni Mitchell havia feito cinco anos antes. Mas tinha uma pegada irresistível, uma produção impecável, era uma daquelas canções que a gente ouve no rádio, fica esperando o locutor dizer quem é e sai correndo para uma loja de discos (é, se fazia isso, naquela época) pra comprar a bolacha (isso é 1979 “A.CD”. Ou seja: antes do CD). O mistério foi desvendado pelo locutor da Gaúcha FM (não lembro quem era): Rickie Lee Jones com “Chuck E’s in Love”.

Aos poucos, o mistério daquela voz quase infantil, cantando jazz, foi sendo desvendado. A cantora tinha sido namorada de Tom Waits, companheira de estrada e de loucuras do cantor e compositor e, nestas andanças, foi apresentada aos produtores Russ Titelman e Lenny Waronker da Warner Bros. Como uma história de Cinderela, Rickie Lee Jones, a fugitiva, a garota beat dos anos 70, acabou sendo contratada por uma das maiores gravadoras do mundo e, num passe de mágica, estava no topo das paradas dos Estados Unidos. Em breve, de quase todo mundo. Mas o que tinha esta cantora e este disco de tão importante, diferente? E o que levou este escriba a traçar algumas linhas, chamando este disco de estreia de um dos ÁLBUNS FUNDAMENTAIS? Vamos (procurar) desvendar na sequência.

“Rickie Lee Jones” inicia exatamente com esta música do rádio, “Chuck E’s in Love”. Uma canção com um toque jazzístico, levado pela bateria do mestre Steve Gadd e pelos violões de Rickie, Buzz Feiten e Fred Tackett. Na letra, ela simplesmente conta a história do seu amigo Chuck E. Weiss se apaixonando. O que brilha mesmo nesta canção é a produção de Titelman & Waronker, que conseguiram dar um tom beirando ao pop para uma música composta no violão e de melodia simples. O resultado é que “Chuck E’s in Love” chegou ao quarto lugar da parada como single, levando o LP ao terceiro lugar da Billboard.

Em “On Saturdays Afternoons in 1963”, ela relembra seus tempos de criança em Chicago e diz: “O máximo que você jamais irá/ é voltar ao lugar que você já conheci/ Se os adultos conseguem rir tão devagar/ Enquanto você vê a neve cair lentamente/ Os anos devem passar”. O arranjo de orquestra é de Nick DeCaro, muito eficiente.

“Night Train” é uma das minhas preferidas do disco. Nela, a mãe está fugindo do marido agressivo, levando seu bebê e conta para a criança como aconteceu esta fuga, usando inclusive metáforas do jogo de bilhar. “Aqui estou indo/ caminhando com meu bebê nos braços/ porque estou no lado errado da bola oito preta/ E o diabo, veja, ele está bem atrás de nós/ E esta trabalhadora disse que vai levar meu bebezinho/ meu pequeno anjo de volta/ Mas eles não vão conseguir/ porque estou aqui com você no trem noturno”. Na criação deste clima de fuga, temos a percussão exata de Victor Feldman, o baixo de Willie Weeks, os teclados de Neil Larsen, os violões de Jones e Feiten e o arranjo orquestral de Mandel. Rickie se supera no vocal desta canção, susurrando no início e fazendo uma verdadeira prece no meio da canção. Emocionante.

“Youngblood” é outra canção em que Rickie relembra seus tempos de juventude. “Dê uma caminhada à meia-noite na cidade/ Young Blood vai te encontrar em algum lugar/ Se você está procurando por alguma coisa pra fazer/ Sempre tem algo acontecendo/ Como eu e Bragger pedimos emprestado um coupê hoje/ Lá vem Pepe e ela tem um amigo com o Chevrolet/ mas ela não está correndo/ Está caminhando devagar/ e ela não está chorando... apenas está cantando baixinho”. Tudo isso embalado pelos timbales e pela bateria de Mark Stevens e os backing vocals inconfundíveis de Michael McDonald. Esta canção foi o segundo single tirado do disco, chegando ao 40º lugar da parada da Billboard.

“Easy Money” tem participações de peso. A música começa com o baixo acústico do mestre Red Callender, o solo de piano é de Dr. John e o vibrafone que percorre a canção é de Victor Feldman. O clima deste blues é de dois escroques que querem fazer um “dinheiro fácil”. A mulher quer usar seus poderes de sedução para arrancar uma grana dos trouxas. Daquelas de estalar os dedos junto com o disco.

Quando Rickie Lee tinha 21 anos, ela morou no Arizona. Sua vida naquele estado cheio de paisagens desoladoras e céu aberto rendeu algumas canções no repertório da cantora. Uma delas é “The Last Chance Texaco”, onde ela usa os nomes de empresas petrolíferas (cujos postos de gasolina ela devia ver nas estradas desertas do Arizona) como metáforas para amores desfeitos. A composição tem como base o violão de Rickie Lee, mas os sintetizadores de Micahel Boddicker e Randy Newman, que recriam o ruído dos carros que passam pela estrada. Na letra, ela recomenda que se faça uma checagem dos componentes do carro, antes que ele pare na estrada. Como se checar o estado do relacionamento vá impedir que ele termine. “É sua última chance/ de checar embaixo da capota/ última chance/ Ela não está soando muito bem/ Sua última chance/ de confiar no homem com a estrela/ Você encontrou sua última chance Texaco/ Bem ele tentou ser comum (Standard)/ Tentou ser móvel (Móbile)/ Tentou viver num mundo (World)/ e numa concha (Shell)”. Todo o tempo a metáfora percorrendo a canção.

“Danny’s All-Star Joint” volta o clima memorialista de RLJ, lembrando de uma lanchonete de sua adolescência onde tinha uma máquina de música que fazia “doyt-doyt”. O Rhythm and Blues da canção é propelido pela bateria de Steve Gadd, pelo baixo de Chuck Rainey e pelos sopros de Tom Scott, Chuck Findley e Ernie Watts. Lá pelas tantas, a jovem RLJ fala para seu acompanhante masculino: “Você não pode quebrar as regras até que saiba como jogar o jogo/ Mas se você quiser se divertir/ pode mencionar o meu nome/ Mantenha seus pés nas rua/ seus calcanhares na grama/ Mas mantenha seu negócio no bolso/ é aí que ele pertence”. Irresistível com os sopros fazendo aqueles riffs estilo James Brown.

Uma canção diferente no disco é “Coolsville”, mais uma faixa em que ela relembra os tempos de teenager rebelde que vivia nas ruas de Venice. Com a guitarra de Buzz Feiten dando um clima fantasmagórico e a bateria de Jeff Porcaro rebombando como tímpanos de orquestra, Rickie Lee conta sua história e de dois amigos, Bragger e Junior Lee, que viviam em Coolsville, a cidade dos descolados. Depois de algumas aventuras, os três se reencontram: “Então agora é J e B e eu/ soa parecido/ mas não é a mesma coisa/ mas tá tudo bem/ A cidade não nos machuca tanto/ quando tudo parece o mesmo”. Viver em Coolsville já não significa tanto para estes três desajustados.

“Weasel and the White Boys Cool” é uma parceria com Alfred Johnson, com quem RLJ começou a cantar em Los Angeles, quando tinha 21 anos. Foi uma das músicas compostas na época que sobreviveu e foi parar no disco. Aqui, Rickie Lee é a observadora das aventuras e desventuras de Sal (Bernardi), seu amigo e ex-namorado e que viria a ter papel importante no segundo disco da cantora e compostora, chamado “Pirates”, lançado dois anos depois. “Sal estava trabalhando no esconderijo de Nyro no centro da cidade/ Vendendo artigos do congresso para estas pessoas do Centro/ Ele era bem sórdido que o conheci/ uma fuinha num casaco de lá de menino pobre/ Sal vivia num curral de vinil preto em Nova Jersey/ comprava sua carne da puta na porta ao lado/ Ele queria malpassado mas ganhava bem passado”. Durante a canção, Sal se muda de bairro, dando adeus aos seus pais e amigos, passa dificuldades mas acaba na fila da previdência social. Rickie Lee o salva, logo depois.

Mais uma parceria com Alfred Johnson, “Company” é uma balada jazzística daquelas lancinantes com arranjo maravilhoso de cordas de Johnny Mandel. Brilham também o piano de Neil Larsen e os teclados de Randy Kerber. Uma canção de amor desfeito. A letra diz tudo: “Eu lembro de você muito bem/ Mas sobreviverei outro dia/ Conversas para partilhar/ Quanto não tem ninguém/ Eu imagino o que você diria/ Te verei em outra vida, baby/ Te libertarei em meus sonhos/ Mas quando eu chegar do outro lado da galáxia/ Vou sentir falta de sua companhia”. A narradora está consciente de que o amor acabou, mas continua sentindo a falta: “E agora que você se mandou pra viver sua vida/ Você diz que nos encontraremos de vez em quando/ Mas nunca seremos os mesmos/ E eu sei que nunca terei esta chance de novo/ Não como você/ Companhia/ Estou procurando por companhia/ Veja e ouça através dos anos/ Algum dia você poderá me ouvir/ Ainda chorando por companhia”. Nervos dilacerados por esta paixão que se terminou mas não acabou.

A última faixa do disco também é melancólica. “After Hours (Twelve Bars Past Midnight)”, com o piano de Rickie Lee e as cordas de Nick DeCaro. A juventude de RLJ é novamente evocada na letra: “Toda a gangue já foi pra casa/ Parada na esquina/ bem sozinha/ Eu e você, poste de luz/ Pintamos a cidade de cinza/ Oh, somos tantas lâmpadas/ que perderam nosso caminho/ Diga boa noite, América/ O mundo ainda ama um sonhador/ E toda a gangue já foi pra casa/ e eu estou parada na esquina/ bem sozinha”.

Depois deste inesperado sucesso do disco de estreia, muitas fichas foram colocadas no futuro comercial do trabalho de Rickie Lee Jones. Rebelde como sempre foi, ela levou dois anos divulgando este primeiro disco, excursionando pelos Estados Unidos e Europa e, quando chegou a hora de fazer um novo disco, subverteu todas as possíveis expectativas lançando “Pirates”, um disco incrível, porém de difícil audição para ouvidos acostumados ao Top 40. Mas essa é outra história.

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FAIXAS:

1. "Chuck E.'s In Love" – 3:28

2. "On Saturday Afternoons in 1963" – 2:31

3. "Night Train" – 3:14

4. "Young Blood" – 4:04

5. "Easy Money" – 3:16

6. "The Last Chance Texaco" – 4:05

7. "Danny's All-Star Joint" – 4:01

8. "Coolsville" – 3:49

9. "Weasel and the White Boys Cool" (Rickie Lee Jones/Alfred Johnson) – 6:00

10. "Company" (Lee Jones/Johnson) – 4:40

11. "After Hours (Twelve Bars Past Goodnight)" – 2:13

todas composições de autoria de Rickie Lee Jones, exceto indicadas.

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OUÇA O DISCO:

Rickie Lee Jones Rickie Lee Jones 1979

por Paulo Moreira

Donald Fagen - "Kamakiriad" (1993)

“O ápice da música pop:

Steely Dan e os solos Donald Fagen.

Eu nunca escutei NADA melhor e mais inteligente que isso.

Numa coleção de quase 30 mil discos esses são meus favoritos,

poderia escutar somente isso a vida toda.

Está tudo sintetizado numa coisa só:

soul, pop, jazz, rock, broadway, soundtrackish jazz, folk, funk, reggae, etc.”

Ed Motta

Gosto do Steely Dan desde 1972, quando ouvi na Continental 1120, pela primeira vez “Do It Again”. Meu próximo encontro com a banda seria dois anos depois quando “Rickie, Don't Lose That Number” fez sucesso. Mas só fui levar a banda a sério aos 17 anos, quando ouvi “Aja”. Claro que não entendi de imediato aquela mistura de música pop com jazz, já eu que estava me iniciando no assunto. Só fui começar a decifrar o SD e virar fã quando saiu o “Gaucho”, que eu comprei na Flora Viaduto o LP usado, mas inteiro, como vários de nós fizeram naqueles tempos.

Toda esta introdução tá aí em cima pra dizer que meu disco favorito da turma não é do Steely Dan, mas do cantor e tecladista do grupo, Donald Fagen, metade da laranja criativa que ele formou com o guitarrista e baixista Walter Becker, depois que demitiu todo mundo e resolveu que era muito mais interessante usar os músicos de estúdio à disposição em Los Angeles e em Nova Iorque.

O disco se chama “Kamakiriad” e foi lançado em 1993, onze anos depois do Fagen colocar nas lojas – e fazer muito sucesso – com seu primeiro trabalho solo, “The Nightfly” e a canção I.G.Y. (International Geophysical Year). Desde 1981, ele e Walter não se falavam. O guitarrista tinha produzido um monte de gente, especialmente a cantora e compositora Rickie Lee Jones em seu CD “Flying Cowboys”. Mas, em 1993, resolveram deixar de lado as diferenças e partiram para a produção do segundo disco solo de Fagen. E deu muito certo.

“Kamakiriad” é uma viagem conceitual beirando a science-fiction. Fagen inventou um carro, o tal Kamakiriad, que é autossustentável, tem até uma horta hidropônica dentro. E as faixas do disco contam os passeios malucos que Fagen faz dentro deste veículo maluco. Parece disco de bandas de prog rock mas não é. Tem um balanço e um swing digno dos melhores trabalhos do Steely Dan. Confesso que minha escolha por este disco é puramente sentimental. Comprei ele em 93 e nunca consegui parar de ouvir nestes 20 anos.

As viagens de Fagen em seu “Kamakiriad” começam com “Trans-Island Skyway”, onde Becker e o outro guitarrista Georg Wadenius criam uma teia de sons, enquanto o baixo (também tocado por Becker) segura o ritmo com o baterista Leroy Clouden. E estamos ouvindo um disco do Steely Dan. Já em “Countermoon”, Donald Fagen faz uso extensivo das possibilidades dos backing vocais, especialmente no final da canção onde Katherine Russell se estrebucha cantando “All Beware!!” sob o sax tenor do havaiano Illinois Elohainu. Como sempre fez. “Springtime” inicia com o baixo e uma percussão que parece ser programada mas não é. Assim como a bateria. Neste disco, fica mais claro o fascínio de Fagen & Becker por um ritmo mais estático, ao contrário dos discos do SD, onde nomes como os dos bateristas Steve Gadd, Jim Gordon, Ed Greene, Bernard Purdie e Jeff Porcaro brilhavam sobre as harmonias intrincadas e jazzísticas da dupla. E como em todo o disco, os sopros estão em contraponto com as guitarras e os teclados.

Esta predileção por steady rhythms - se vocês me permitem o inglês - fica bem marcada em “Snowbound”. Chris Parker mantém a batida, enquanto o órgão Hammond B-3 de Fagen vai pontuando ao lado das guitarras e do naipe de sopros. O fender rhodes tece aquelas harmonias steelydanescas. E a gente vai batendo o pezinho, se o Arthur de Faria me permitir usar esta “figura de linguagem”. “Tomorrow's Girls” é o que de mais aproximado temos no disco de um “hit”. Virou inclusive clip da MTV. Como todas as letras do Steely Dan são quase indecifráveis, devido ao intrincado jogo de palavras e referências que os rapazes criam, o clip também ficou “difícil”. Mas a canção é irresistível. Daquelas que a gente ouve e sai cantando pela rua, mesmo que ela tenha TRÊS refrãos diferentes, dentro da mesma métrica, é claro. Também aqui os produtores dão todo espaço a uma bateria de backing vocais que vão de Amy Helm (filha da mulher de Fagen, Libby Titus com o baterista do The Band, o falecido Levon Helm) aos irmãos Brenda & Curtis King. No final, Becker sola enlouquecidamente sobre uma cama de sopros.

“Florida Room” é uma das preferidas do disco. Tem um clima caribenho. E o refrão fala disso: “Quando o verão se vai / eu me apronto / para fazer aquela corrida pro Caribe / Tenho de ter /algum tempo sob o sol / Quando o vento frio chega / Eu sei onde as dálias florescem / Acabo voltando / pro seu quarto na Flórida”. O naipe de saxofones, trompetes e trombones está presente toda a música, sobre aquele ritmo “latino versão americana”. Mas o destaque absoluto é pro solo de sax tenor do grande e falecido Cornelius Bumpus. Um mestre em colocar as notas certas num espaço exíguo dos compassos que a dupla lhe dava.

Já em “On the Dunes” o clima não é tão ensolarado, pra não dizer sombrio mesmo. Fagen e Bekcer viram tudo do avesso. Começam com teclados e guitarras fazendo esta harmonia durante toda a canção. Na letra, o Kamakiriad para na praia e acontece um homicídio nas dunas, enquanto “barcos bonitos passeiam pela orla/ nas luz que escasseia/ mulheres bonitas com seu amantes a seu lado/ é como se fosse um sonho terrível/ que eu tenho toda a noite”. Mais uma vez, Bumpus manda ver no seu tenor. Entretanto, a estrela total desta canção está nos quase 4 minutos de solo de bateria de Christopher Parker sobre a harmonia final que vai se mantendo, como se fosse um ostinato. E não é um solo comum. Parker vai pontuando dentro dos espaços arquitetados por piano acústico, baixo, guitarras e sintetizadores. Genial.

“Teahouse on the Tracks” é o destino final do “Kamakiriad”, o local onde o narrador desta viagem se encontra com sua garota e diz que ela tem uma última chance de “aprender a dançar no Teahouse on the Tracks”. Aqui de novo, a bateria parece ser programada. Muita guitarra rítmica e teclados fazem a cama onde o trombone de Birch Johnson se esbalda.

Como em todos os discos do Steely Dan, Donald Fagen & Walter Becker trabalham com estruturas reconhecidas pelos ouvidos acostumados com a música pop, mas radicalizam nos detalhes, nas harmonias diferenciadas e na utilização do potencial de cada músico para cada canção. Eles sabem escolher quem vai tocar em seus discos. “Kamakiriad”, por isso, pode ser ouvido despretensiosamente. Mas se você prestar a atenção, tenho certeza que será fisgado.

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FAIXAS:

1. "Trans-Island Skyway" (Fagen) – 6:30

2. "Countermoon" (Fagen) – 5:05

3. "Springtime" (Fagen) – 5:06

4. "Snowbound" (Walter Becker, Fagen) – 7:08

5. "Tomorrow's Girls" (Fagen) – 6:17

6. "Florida Room" (Fagen, Libby Titus) – 6:02

7. "On the Dunes" (Fagen) – 8:07

8. "Teahouse on the Tracks" (Fagen) – 6:09

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OUÇA:

Donald Fagen Kamakiriad

por Paulo Moreira

Chick Corea - "Mad Hatter" (1978)

“CHAPELEIRO: Se você conhecesse o Tempo tão bem quanto eu conheço você não falaria em gastá-lo, como uma coisa.

Ele é alguém.

ALICE: Não sei o que você quer dizer.

CHAPELEIRO: É claro que você não sabe!

Eu diria até mesmo que você nunca falou com o Tempo!

ALICE: Talvez não, mas sei que devo marcar o tempo

quando aprendo música.”

trecho de “Alice no País das Maravilhas”,

de Lewis Carroll

Depois de “Blow By Blow” do Jeff Beck, meu preferido, apresento pra vocês mais um favoritíssimo da casa: “The Mad Hatter”, do pianista e tecladista norte-americano Chick Corea. Como sempre, um pouquinho de história: em 1978, aos 37 anos, Armando Anthony Corea já tinha uma longa estrada na música. Tocou com os percussionistas Mongo Santamaria e Willie Bobo, com o flautista Herbie Mann e com o sax tenor Stan Getz.  Gravou seus primeiros discos solo na metade dos anos 60 e mergulhou de cabeça na sonoridade free daqueles tempos.

Em 1968, foi convidado por Miles Davis a substituir Herbie Hancock em sua banda. Participou dos seminais discos "In a Silent Way" e “Bitches Brew”. Paralelamente, tinha os grupos Circle – com e sem o multiinstrumentista Anrhony Braxton – e a primeira encarnação do Return to Forever, da qual participavam os brasileiros Airto Moreira e Flora Purim, além de Joe Farrell e Stanley Clarke. Após dois discos com esta formação, Corea foi com tudo pro fusion, trazendo para a banda, primeiro o guitarrista Bill Connors, e depois descobrindo um jovem de 19 anos, Al Di Meola.

Neste tempo todo, Corea fazia projetos especiais para a gravadora ECM, como discos de piano solo, duetos com o vibrafonista Gary Burton e trios com Dave Holland e Barry Altschul. Em 1976, sentindo a necessidade de misturar a linguagem acústica de seus discos da ECM com o fusion, muito em moda na época, Corea fez uma trilogia de discos temáticos onde estas preocupações tomam a forma de música: “The Leprechaun”, baseado nas histórias de duendes, e “My Spanish Heart”, onde ele se debruça sobre a Espanha e seus sons, ambos de 76, e “The Mad Hatter”, de 78. Na minha opinião, este terceiro é provavelmente o trabalho em que Corea consegue mesclar as duas linguagens – e o acento erudito com quinteto de cordas – com sucesso total, musicalmente falando.

Baseado no clássico livro de Lewis Carroll, "Alice no País das Maravilhas", a chave para entender o disco está na capa com Corea vestido de Chapeleiro Maluco. A viagem inicia aí. Em termos musicais, "The Mad Hatter" começa com Corea pilotando seus teclados em “The Woods”. Com moogs, mini-moogs, sintetizadores, pianos elétricos e outros bichos, ele consegue reproduzir os sons de uma floresta, com sapos, grilos e insetos, dando uma prévia do que virá pela frente, a mistura de clássico com moderno. “Tweedle Dee” segue na mesma trilha, fazendo uso das cordas e dos sopros (três trompetes e um trombone), pode-se verificar com clareza a influência de Bela Bártok em sua música. Na música seguinte, “The Trial”, temos a primeira aparição da exímia cantora e tecladista, além de mulher de Corea, Gayle Moran (que havia participado da segunda formação da Mahavishnu Orchestra, ao lado de John McLaughlin e Jean-Luc Ponty). No julgamento do Rei de Copas, retirado diretamente do livro de Carroll, Gayle canta com acento lírico: “Who’ll stole the tarts / Was it the king of Hearts?”.

O principal momento jazzístico do disco acontece com “Humpty Dumpty”, uma preferida dos músicos de Porto Alegre. Com um quarteto básico de jazz, Corea consegue performances extraordinárias de seus colegas Joe Farrell no sax tenor, Eddie Gomez no baixo acústico e Steve Gadd na bateria. Em meio a todos aqueles teclados, cordas e sopros, é interessante ouvir o contraste de um grupo acústico tocando um hard-bop clássico. Cada músico dá seu showzinho particular, mas preste atenção no som de baixo de Gomez. Madeira pura!

O lado 1 do LP termina com “Prelude to Falling Alice”, onde o tema é tocado ao piano e “Falling Alice”, quando o pianista e compositor usa de todo o arsenal sonoro para contar a queda de Alice. Gayle Moran canta o tema principal, acompanhada pelas cordas e pelos sopros. Nesta música, temos a primeira aparição de Herbie Hancock no piano elétrico, fazendo a harmonia para o solo de mini-moog de Corea. Neste período, ele e Corea começam a gravar duos de pianos. Destaque também para o sax tenor de Farrell, um talento subestimado do jazz. Como estamos no tempo do LP, há um fechamento musical da história pra que as coisas comecem de novo no lado 2.

Ao virar o disco, “Tweedle Dum” reprisa o tema de “Tweedle Dee” numa espécie de introdução da melhor faixa do disco, “Dear Alice”. Com 13 min e 7 seg, a música é uma espécie de tour de force de todos os envolvidos. Pra começar com Eddie Gomez fazendo a melodia no baixo acústico e Corea fazendo pequenos comentários ao piano acústico. Durante 2min e 46seg, o baixista conduz a música com seu solo, à medida que Gadd vai entrando aos poucos com acentos rítmicos na bateria. Moran entra para cantar o tema principal e aí temos Farrell brilhando no solo de flauta, secondado pelo quinteto de cordas e pelos sopros. Depois, Chick mostra toda sua destreza e musicalidade ao piano. Tudo isso com Gadd dando seu show à parte e mostrando porque é um dos bateristas mais cultuados do mundo. Na época, ele deu uma entrevista dizendo que pedia as partituras de piano de Corea e estudava em casa antes de gravar. Esta preocupação deu resultado: em algumas passagens de "Dear Alice", os dois instrumentos parecem uma coisa só. Esta música sozinha valeria o disco inteiro, tamanha a musicalidade que Corea e seus músicos atingem, sem falar no arranjo perfeito que contrapõe as cordas e os sopros.

Para encerrar o disco, "The Mad Hatter Rhapsody" com Corea no mini-moog e Hancock em sua segunda aparição no piano elétrico. O encontro destas duas feras é sensacional. Enquanto Corea sola, Hancock faz harmonias diferenciadas no Fender Rhodes. Nesta faixa, Hancock consegue tirar Gadd da bateria e coloca seu fiel escudeiro Harvey Mason, que dá um suingue todo especial à faixa. Depois que os dois tecladistas demonstram toda a sua qualidade, vem um interlúdio com o tema principal tocado pela flauta e pelos sopros. Claro que a latinidade não poderia ficar de fora e uma passagem de uma salsa estilizada com teclados e Gadd no cowbell fazem a cama para o tema final onde volta Gayle Moran para apoteose final. Um disco maravilhoso. Quem não tem, procure nas lojas ou na internet.

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FAIXAS:

01. "The Woods" – 4:22

02. "Tweedle Dee" – 1:10

03. "The Trial" – 1:43

04. "Humpty Dumpty" – 6:27

05. "Prelude to Falling Alice" – 1:19

06. "Falling Alice" (Chick Corea/Gayle Moran) – 8:18

07. "Tweedle Dum" – 2:54

08. "Dear Alice" (Corea/Moran) – 13:06

09. "The Mad Hatter Rhapsody" – 10:50

todas de Chick Corea, exceto indicadas

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Baixe para ouvir:

Chick Corea Mad Hatter

por Paulo Moreira